Donald Byrd (III) – Lee Morgan (I). La Odisea de la Música Afroamericana (243) [Podcast de Jazz]

Por Luis Escalante Ozalla.

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor de los libros Nueva Orleans (1717-1917): Sexo, Raza y Jass y Y se hace música al andar con swing; y autor del blog Los Latidos del Jazz.

En el capítulo 243 de La Odisea de la Música Afroamericana de Luis Escalante Ozalla finaliza el repaso de la carrera de Donald Byrd, y comienza el de otro genio de la trompeta, el gran Lee Morgan.

En el programa 243 suenan:

  • “Wonderful” Stacey Kent
  • “Lansana´s priestess” Donald Byrd
  • “Bronze dance” Donald Byrd – Pepper Adams
  • “Heavy dipper” Lee Morgan
  • “Ju-ba” Cliff Jordan – Lee Morgan
  • “I´m old fashioned” John Coltrane – Lee Morgan
  • “Candy” Lee Morgan
  • “Voce ja foi a Bahia” Rosa Passos

Toda la información está disponible en https://www.tomajazz.com/web/?cat=13297 / https://www.tomajazz.com/web/?cat=13297

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Donald Byrd (II). La Odisea de la Música Afroamericana (242) [Podcast de Jazz]

Por Luis Escalante Ozalla.

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor de los libros Nueva Orleans (1717-1917): Sexo, Raza y Jass y Y se hace música al andar con swing; y autor del blog Los Latidos del Jazz.

En el capítulo 242 de La Odisea de la Música Afroamericana de Luis Escalante Ozalla conitnúa el repaso a la carrera del trompetista Donald Byrd, acompañado por algunos grandes del jazz como Herbie Hancock, Wes Montgomery, Stanley Turrentine, Pepper Adams o John Coltrane.

En el programa 242 suenan:

  • “The art of how to fall” Rebekka Bakken
  • “Speak low” Sonny Clark & Donald Byrd
  • “Lover” John Coltrane & Donald Byrd
  • “Clarion calls” Donald Byrd & Pepper Adams
  • “And what if I don´t” Herbie Hancock & Donald Byrd
  • “Boom boom” Donald Byrd
  • “Going out to my head” Wes Montgomery & Donald Byrd
  • “Mañana de carnaval” Stanley Turrentine & Donald Byrd
  • “Windmills of your mind” Abbey Lincoln

Toda la información está disponible en https://www.tomajazz.com/web/?cat=13297 / https://www.tomajazz.com/web/?cat=13297

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Recordando a Shakti. Por Julián Ruesga Bono [Artículo]

Por Julián Ruesga Bono.

A fines de la década de 1950 John Coltrane comenzó a explorar el jazz modal junto a Miles Davis, formaba parte de su quinteto cuando registró Kind of Blue (1959), y para cuando grabó “My favorite things” en 1960 el enfoque modal de la improvisación se estaba convirtiendo en un elemento importante de su música, liberándola de los cambios de acordes. Esta mayor sensación de libertad, también parece haberlo impulsado a explorar otras formas de estructuras. En grabaciones posteriores, como los álbumes Om (1965) y Ascensión (1965), se alejó de los conceptos convencionales de estructura armónica relajando sus límites. La búsqueda de nuevas estructuras lo llevó a estudiar escalas y modos hindúes, comenzando a prestar especial atención a la música de sitar de Ravi Shankar y a las cualidades espirituales de la música clásica indostaní del Norte de la India. Shankar orientó a Coltrane en su acercamiento a la música india, Coltrane tenía la intención de pasar seis meses estudiando con él en 1967, pero murió antes. La importancia de Ravi Shankar para Coltrane quedó reflejada en el hecho de llamar Ravi a su hijo cuando nació en 1965 en homenaje al músico indio.

El músico clásico indostaní, Ravi Shankar, ha sido una figura fundamental en la popularización de la música india en América y Europa en la década de 1960, la música india se hizo visible en Occidente a través de su trabajo. No está claro cuándo Coltrane comenzó a escuchar música de Shankar e India, pero su música parece exhibir elementos hindúes ya en 1959. Los discos de Ravi Shankar se vendían en Estados Unidos desde mitad de la década de 1950 y comenzó a dar conciertos por allá regularmente a partir de 1956.

La música clásica indostaní, del norte de India, influyó en algunos de los trabajos de Coltrane. Tomó varios elementos estructurales y los incorporó a su música de varias maneras, sobre todo el desarrollo melódico y algunos elementos rítmicos y métricos. Monson, señala que sin las preocupaciones de la modulación armónica, los improvisadores en la tradición indostaní, del norte de India, deben exhibir más inventiva melódica, flexibilidad rítmica y resistencia, justo los atributos que marcaron los solos de Coltrane con el cuarteto clásico –aunque ninguno de estos elementos dominó su forma de tocar y componer, en conjunto si que reflejan el profundo interés de Coltrane por la música india. Este interés también se muestra en diferentes composiciones desde el final de la década de 1950, comenzando con “Naima” composición de 1959 en el álbum Giant Steps. “India” en el álbum Live at the Village Vanguard, 1961, parece probable que se deriva de un canto védico indio. Algunos críticos también señalan influencias hindúes significativas en “Psalm” (1964, de Love Supreme), “After the Rain” (1963, de Impressions), “Chim Chim Cheree” (1965, de The John Coltrane Quartet Plays) y “Om” en el álbum Om, 1965. Coltrane, compartía este interés con algunos de sus músicos. Sus largas improvisaciones en interacción con el baterista Elvin Jones muestran un claro paralelismo con los prolongados diálogos entre el solista y la tabla en la música clásica del norte de la India. Además, Coltrane, también exploró la música clásica occidental, estuvo especialmente interesado por compositores de principios del siglo XX, como Ravel, Debussy, Hindemith y Stravinsky.

Otros músicos de jazz también se interesaron por la música india. A finales de la década de 1950, el pianista Dave Brubeck realizó una amplia gira de actuaciones por Asia con su cuarteto. En el transcurso de la gira grabaron en Bombay, en 1958, el álbum Jazz Impressions Of Eurasia, donde mezclaron jazz con elementos de las músicas de Calcuta, Afghanistan y Turquía. Casi una década después, en 1967, la discográfica norteamericana, Impulse!, publicó, Jazz Raga, del guitarrista húngaro Gabor Szabo. Un músico que había tocado en el primer grupo dirigido por Charles Lloyd. En Jazz Raga, desarrolla una música de sonoridad exótica y bailable, situada entre el jazz, el rock psicodélico, la música india y la música de Europa del Este y parece que está más pensada para bailar en las discotecas de la época que para el mundo del jazz. Szabo no solo toca la guitarra, también superpuso sitar, que estudiaba desde 1961, en nueve de los once cortes del álbum. Lo acompaña una sección rítmica: el baterista Bernard Purdie, el contrabajista Jack Gregg, aunque en algunos temas es el bajista eléctrico Bob Bushnell y el percusionista Ed Shaugnessy en las tablas. Bob Thiele, fue el productor del disco. Entre los temas del álbum, dos estándares, “Caravan” y “Summertime”, una versión de “Paint It Black” de los Rolling Stones y ocho originales de Szabo entre los que destaca “Mizrab”, con percusión de tabla, línea de bajo tipo mantra y una guitarra de tono abierto en dialogo de llamada y respuesta con el sitar, pero aun así, hoy, el álbum suena pasado. Algo que no ocurre con la música de esta época de Charles Lloyd que ya en sus primeros álbumes comienza a desarrollar cadencias orientales y africanas en el contexto de la psicodelia y la contracultura californiana.

En Europa, también hubo experiencias de aproximación del jazz a la música india, aunque con resultados mucho más afinados, y acertados, que los obtenidos por Gabor Szabo. Una de las tentativas de más repercusión fue la dirigida por el saxofonista jamaicano Joe Harriott y el violinista John Mayer. Harriott nació en Kingstone, Jamaica, y vivía en Londres desde 1951; fue uno de los precursores del free jazz en Europa con dos álbumes importantes de muy buena factura, “Abstract” (1962) y “Free Form” (1960). Por su parte Mayer, nacido en Calcuta, India, de padres anglo-indios, había estudiado música clásica y era violinista titular en la Filarmónica de Londres. El grupo que formaron pasó a llamarse Joe Harriott & John Mayer Double Quintet. Grabaron un disco con composiciones de Mayer usando esquemas y escalas hindúes, talas y ragas, como base para la improvisación. El grupo que crearon grabó tres discos en los que combinaron jazz modal, free jazz y música hindú consiguiendo un sonido orgánico y vibrante. La idea había surgido del fundador y presidente de Atlantic Record, Ahmet Ertegun en Nueva York. Éste le sugirió a Mayer escribir la música para un álbum donde la música hindú y el jazz se fundieran. La idea de Ertegun era combinar un quinteto de músicos hindúes dirigidos por Mayer –sitar, tabla, tambura, y flauta, con Mayer en el violín y el clavicordio– y un quinteto de jazz dirigido por Joe Harriot. Mayer escribió la música en un mes y el LP fue grabado en dos días por el grupo. El álbum, Indo Jazz Suite, fue publicado en 1966. Posteriormente, grabaron un segundo álbum, Indo Jazz Fusions (Columbia 1967) y un tercero Indo Jazz Fusions Volume 2 (Columbia,1968) que interpretaron en directo en varias giras por Inglaterra y Europa durante varios años, hasta la muerte de Harriot en 1973.

Don Ellis en el Fillmore de San Francisco en 1970.

Otro músico destacado fue el trompetista y arreglista Don Ellis. Ellis, era músico de formación clásica, muy interesado por la música de vanguardia contemporánea, especialmente por John Cage y Karlheinz Stockhausen. Músico inquieto y perspicaz, su trabajo refleja la actitud de la época. Durante un tiempo tocó en la Hindustani Jazz Sextet del sitarista Hari Har Rao, con quién además estudió etnomusicología en la Universidad de California de Los Ángeles. Creó un sexteto con el que realizó varios conciertos, compartiendo cartel en el Fillmore West de San Francisco con Grateful Dead, Big Brother and the Holding Company y Quicksilver Messenger Service, grupos emblemáticos de la psicodelia californiana. Del concierto con Quicksilver Messenger Service se editó como doble Lp, Don Ellis at Fillmore (1970). Grabado en formación de quinteto en Yakarta. Lo notable del sexteto de Ellis fueron las innovadoras construcciones rítmicas dentro de la tradición del jazz influenciadas por la música hindú. También grabó con Frank Zappa y Al Kooper sendos discos, y trabajó con varios directores de música sinfónica. Esta facilidad para moverse desinhibidamente entre varios registros diferentes, también es una actitud muy extendida en la época y que prefiguró y facilitó futuros desarrollos musicales.

John McLaughlin, Shakti y Remember Shakti

El resultado más sobresaliente y logrado de la interacción entre música hindú y jazz, sin duda, ha sido Shakti y su posterior reencarnación Remember Shakti. Un grupo formado en 1975 y dirigido por el guitarrista británico John McLaughlin, que previamente había trabajado en la escena jazz-rock –primero con Graham Bond en Gran Bretaña y luego con Miles Davis en EUA, a finales de la década de 1960. Con Davis participó en el álbum Bitches Brew (Columbia, 1970) y otras grabaciones realizadas en torno a esa fecha. En su álbum en solitario, My Goal’s Beyond (Douglas Music, 1970), comenzó a experimentar con estructuras y texturas hindúes y continuó haciéndolo cuando formó y dirigió la Mahavishnu Orchestra, una de las bandas más emblemática del jazz-rock eléctrico. Al crear Shakti, McLaughlin, se proponía explorar y profundizar en la relación de la música clásica hindú con el jazz occidental. Shakti grabó tres álbumes entre 1975 y 1977 para la discográfica CBS. El primero de los tres álbumes, Shakti with John McLaughlin, fue grabado en vivo en el Southampton College en Long Island en julio de 1975. El segundo, A Handful of Beauty (Un puñado de belleza), se grabó en Londres un año después y el tercero, Natural Elements (Elementos naturales), en Ginebra, Suiza. Shakti fue mucho más que otro experimento comercial de la moda “fusión” de la época. La palabra sánscrita, Shakti, se traducía en las notas de su primer álbum como “inteligencia creativa, belleza y poder”.

McLaughlin: Mi descubrimiento de la música india también fue toda una revelación. Primero me llamó la atención su belleza y el dominio de la improvisación que existe tanto en el Norte como en el Sur. La relevancia de esto para mi música, que es la música de jazz, fue genial, la necesidad de dominar este tipo de disciplina para la improvisación. (…) Realmente hay una gran cantidad de puntos en común, las matemáticas del ritmo son universales. No pertenecen a ninguna cultura en particular. Es cierto que la sensualidad del ritmo se combina con la mente matemática en la India. No es por nada que la India ha producido algunos de los mejores ingenieros atómicos, matemáticos y astrónomos, particularmente en el siglo XX. Incluso tienen un observatorio que se remonta a cientos de años en el que se calcularon las órbitas de los planetas. Entonces, se puede decir que se ha desarrollado a un nivel más sofisticado allí que en la música de jazz. Pero ya sea de África, China, Brasil o Bombay, el ritmo es ritmo. (Prasad: 1999).

Dado el peso programático de la improvisación en el jazz, no es sorprendente que los encuentros con la música india, ocupen un lugar simbólicamente preferente. Para cualquiera que haya escuchado música hindú, los prolongados desarrollos improvisados o “jamming”, son una de sus características más relevantes. Shakti, fue un intento de reunir las sensibilidades musicales de Oriente y Occidente bajo un enfoque muy innovador de colaboración entre músicos de diferentes culturas. No se trataba de fusionar sonoridades y músicas, sino de aunar sensibilidades diferentes en el transcurso de la interpretación y creación musical. Además de McLaughlin, la banda estaba formada por el maestro de tabla del norte de la India, Zakir Hussain, R. Raghavan tocando el mridangam, un tambor cilíndrico del sur de India, el violinista Lakshminarayana Shankar, tocando también viola, y el músico de ghatam, instrumento de percusión, TH “Vikku” Vinayakram, ambos también del sur de la India. Juntos, crearon una música fluida con una sonoridad orgánica y bien engarzada que logró combinar tradiciones musicales de culturas que en principio parecían estar muy distanciadas.

Zakir Hussain: Los músicos indios se hicieron mucho más abiertos después de Shakti hacia la idea de probar cosas no solo dentro de los ámbitos de la música india, sino al salir de la música india y a cualquier tradición con la que se sintieran cómodos. Shakti fue una de las primeras combinaciones de músicos que intentaron hacer algo que cruzó todos los límites musicales. No nos acercamos el uno al otro pensando ‘Está bien, tocas South Indian, yo toco North Indian y él tocará jazz, luego verás qué sucede’. Simplemente saltamos al carro y tomamos un camino juntos. Eran cuatro personas como una. Éramos muy jóvenes en ese momento y no teníamos reparos en probar cosas diferentes. Simplemente nos sentamos y tocamos e hicimos lo que fue necesario para que musicalmente funcionara y fuera divertido. Era algo único en ese momento. Anteriormente, cuando personas de diferentes culturas hacían música, una u otra música se cruzaba y nunca se encontraba en un punto intermedio. Por ejemplo, si Yehudi Menuhin tocaba con Ravi Shankar, Menuhin tuvo que cruzar al territorio indio para tocar música clásica india escrita para él por Shankar. Nunca fue una combinación de música clásica y música clásica india juntas. Había razones para eso. Eran grandes tradicionalistas que creían que tenían que mantener su tradiciones. (Prasad: 1999)

La sintonía y relación entre músicos de diferentes culturas en Shakti fue resultado del ingenio y creatividad de sus integrantes. Cuatro virtuosos haciendo una música brillante y deslumbrante –y en aquel momento sorprendente. Shakti basó su música en varias tradiciones: música clásica de la India, tanto indostaní del norte como karnática del sur, jazz, rock y música contemporánea occidental. Armonías occidentales y usos de escalas basados en antiguas ragas indias junto a desarrollos rítmicos de jazz.

Shakti en concierto en The Saturday Club de Calcuta.

Existen dos tradiciones dentro de la música clásica india. La música karnática del sur y la música indostaní del norte. Aunque comparten un origen común, sus filosofías y métodos musicales difieren. El sistema karnático se considera el más formal de los dos al poner mayor énfasis en el conjunto de reglas y pautas que lo rigen. Por el contrario, la música indostaní se considera una forma más contemporánea, ya que está menos planificada y permite más variaciones y desvíos del orden tradicional. Según McLaughlin, Shakti buscó cerrar las diferencias entre las dos tradiciones.

En Shakti, McLaughlin, toca una guitarra acústica rediseñada con diapasones festoneados y cuerdas adicionales, simbólicamente se puede ver como  la síntesis de Oriente y Occidente en un solo instrumento, una guitarra acústica muy cercana a un sitar con un sonido y técnica inspiradas, en gran parte, en la vina, un instrumento de cuerda indio con una calabaza como caja de resonancia y trastes móviles. Shankar utilizó tanto el violín como la viola, mientras que Zakir y Vikku marcaban las percusiones de tabla y ghatam. Shakti fue tanto el resultado de la inmersión personal de McLaughlin en la cultura hindú en la búsqueda de una nueva espiritualidad como del interés por nuevas formas musicales. Al igual que ocurrió con Coltrane, el vínculo vital hacia India de McLaughlin fue el sitarista Ravi Shankar del que también fue alumno.

Remember Shakti: Shrinivas, McLaughlin y Selvaganesh

La escucha correlativa de los tres álbumes de Shakti, muestran la progresión musical del grupo; a medida que los músicos fueron conociéndose e interactuando, fueron integrando e interaccionando elementos de la tradición musical de unos y otros y su música fue creciendo, ofreciendo un resultado más orgánico y sólido. Este desarrollo se vio frenado por la negativa de la discográfica CBS a ofrecer un mayor patrocinio al grupo. La banda se disolvió y volvió a reunirse reformada para una gira por India en 1985, pero parece que no fue posible resucitar el proyecto. Doce años después organizaron otra gira por el Reino Unido en septiembre de 1997, conmemorando el 50 aniversario de la Independencia de India y Pakistán. Con Hariprasad Chaurasia en la flauta bansuri reemplazando a Shankar y el grupo rebautizado como ”Remember Shakti”. Una muestra de esta gira se puede escuchar en el doble cd, Remember Shakti (Verve, 1999), un disco muy diferente a los tres álbumes del grupo en la década de 1970. Su música suena mucho más refinada y serena, aunque nunca deja de ser intensa. McLaughlin toca una guitarra eléctrica de caja, Johnny Smith, de Gibson, que le permite notas largas y sostenidas que dan a su música una dinámica y sonoridad más sutil. El trabajo de guitarra es hipnótico, los tonos profundos que ofrece junto a la flauta bansuri de Chaurasia flotan sobre la base de percusiones de Zakir Hussain y “Vikku” Vinayakram, consiguiendo que la música sea por momentos más evanescente y meditativa. Al ser un disco doble el grupo se permite explorar composiciones más complejas y largas, como “The Wish”, “Chandrakauns” y “Mukti”, esta última de más de una hora de duración. Un álbum emocionalmente rico y musicalmente muy logrado.

Un año después publicaron The Believer (Verve, 2000), como resultado de una nueva gira por Europa en 1999. Aparecen, John McLaughlin en la guitarra, el mandolinista eléctrico U. Srinivas, Vikku Selvaganesh tocando percusiones en kanjira y ghatam, Zakir Hussain en tabla y el vocalista Shankar Mahadevan. La música es más fuerte y animada que en la grabación anterior. Los diálogos entre la mandolina de Srinivas y la guitarra de McLaughlin son alucinantes, en el sentido más literal de la palabra. La mandolina eléctrica y la guitarra, ofrecen una combinación de contrastes y armonías que llevan la música, y al oyente, a otra dimensión. Shrinivas es un virtuoso de la mandolina eléctrica y aporta a la música del grupo una sonoridad más dinámica y viva, muy diferente al tono más meditativo del anterior disco.

El último de los tres álbumes grabados por Remeber Shakti es Saturday Night in Bombay (Verve, 2001), música extraída de dos conciertos en Bombay, India. La mandolina eléctrica de U. Shrinivas es el elemento dominante en el álbum junto al apoyo percusivo de Zakir Hussain y V. Selvaganesh. McLaughlin hace que su guitarra eléctrica cante. Cuando graban este álbum, Remember Shakti, es ya una banda muy popular en la India, verdaderos íconos musicales, no sólo porque la mayoría de los músicos son indios, también está el hecho de que los músicos siguen los preceptos tradicionales dentro del marco de la música india, su forma y estructura –algo muy raro para una banda que está dirigida por un británico y hace música hindú. En la grabación aparecen varios de los músicos más reputados de la música India que fueron invitados durante las dos noches de conciertos a tocar con Remember Shakti: Shankar Mahadeven, voz; Debeshish, guitarra hindustani; Bhavani Shankar, Roshen Ali y Aziz, dholak; Taufiq Qureshi, def; Shivkumar Sharma, Santoor; y AK Pallanivel, Tavil. Shivkumar Sharma es el autor del segundo tema, “Shringar”, de casi media hora de duración, un diálogo hipnótico entre santur y guitarra, una explosión de belleza y sensibilidad. No obstante, McLaughlin, ha pasado años estudiando música clásica india. El álbum es la culminación de décadas de trabajo y estudio y presenta una rara combinación de instrumentos eléctricos con ritmos indios.

Zakir Hussein: John se ha tomado el tiempo de estudiar música clásica india y descubrir cómo trabajamos, cómo pensamos y cuáles son nuestras técnicas de improvisación. Yo mismo, he tenido la suerte de estudiar y entender las formas occidentales de pensamiento musical ya sea jazz, pop o rock. En términos de interacción musical con John, ahora es un poco más detallado que antes, pero el mismo amor y afecto mutuo está ahí.

John McLaughlin: Tenía un profundo interés y afecto por la cultura india antes de descubrir la música india. Me interesé mucho en la religión comparativa alrededor de 1962 cuando tenía 20 años. Fui criado sin ningún tipo de educación religiosa. Me convertí en miembro de la Sociedad Teosófica porque tenían una biblioteca maravillosa. Al descubrir la maravilla y la profundidad del pensamiento y la profundidad de la filosofía India, mi apetito realmente se despertó. Descubrí a Ramana Maharshi, un hombre que tuvo un fuerte impacto y continúa ejerciendo una gran influencia en mí. Llegué a descubrir también a Ramakrishna, Vivekananda, Premananda y Sri Nisargadatta Maharaj. (Prasad: 1999)

Remeber Shakti 2020

Después de la trágica muerte en 2014 del mandolinista U. Srinivas, el grupo dejó de actuar. A principios de 2019, los músicos volvieron a encontrarse junto al violinista Ganesh Rajagopalan para una actuación en India, en el Saturday Club de Calcuta. Este concierto sirvió como un nuevo renacimiento de Shakti. Con la nueva formación, decidieron continuar actuando juntos para eventos especiales y volver a la música de Shakti de nuevo.

Este año se ha publicado el álbum Is that So? (Abstract Logix, 2020). John McLaughlin, Shankar Mahadevan, Ustad Zakir Hussain han vuelto a reunirse para grabar este nuevo álbum que se puede traducir como ¿Es eso así?. El disco no esta firmado por Shakti, sino por el nombre de los músicos. Si el propósito de Shakti era investigar las posibilidades de integración de la tradición musical hindustani del norte de la India con la tradición carnática del sur, que McLaughlin condimentó con armonías occidentales, algo que no se había hecho antes y que tuvo una gran aceptación en la India, aquí, el elemento rector es la voz del cantante indio Shankar Mahadevan. Los músicos abandonan completamente las reglas del sistema raga y aplican la libertad armónica occidental a las canciones de Shankar Mahadevan.

Shankar Mahadevan: Antes de los conciertos, John y yo solíamos tocar con improvisaciones libres usando escalas indias (ragas) y diferentes armonías que las respaldaban. Toda la textura, el color, el sentimiento y el lienzo de la música nos entusiasmaron, ya que el contenido armónico no existe en la música clásica india. Al principio fue solo un experimento divertido, pero pronto supimos que teníamos que grabarlo. Cuando Zakir Hussain, el gran maestro de tabla, él mismo acordó tocar en las secciones de improvisación, sabíamos que esto llevaría nuestra grabación a un nuevo nivel. No podríamos haber pedido más.

John McLaughlin: Debo señalar que ni mis guitarras acústicas ni eléctricas están integradas en este álbum como lo hicieron en álbumes anteriores. Desde el comienzo de nuestra grabación, sentí la necesidad de una nueva “voz” para mí. Lo que estás escuchando es mi guitarra conectada a través de una ordenador a un sonido que he estado creando durante los últimos 20 años usando ondas sinusoidales, osciladores y filtros. Me llevó mucho tiempo crear un tono que reflejara el aspecto particular de mi música interior. También tuve que desarrollar una nueva técnica para crear un enfoque más vocal que complementara la voz de Shankar en la grabación.

A mitad de marzo, John McLaughlin hizo circular este aviso en las redes sociales:

En vista de la situación actual en todo el mundo con Corona Virus y el hecho de que estamos obligados a pasar más tiempo en casa, nos gustaría ofrecer a nuestros amigos la descarga gratuita del nuevo álbum “Is that So?” hasta finales de abril de 2020 en Abstract Logix. ¡Disfruta de la música y mantente feliz y saludable! 

Firmado por John McLaughlin, Shankar Mahadevan, Zakir Hussain

El álbum se puede descargar en formato mp3 en esta dirección: https://mahavishnujohnmclaughlin.bandcamp.com/album/john-mclaughlin-shankar-mahadevan-zakir-hussain?fbclid=IwAR3BZdmddxJM4AhAozTw1k3CEn4u9xnUilWhGzGXRwv6tZJYWoGQXsURqY4

Además de los álbumes reseñados, está la caja Remember Shakti (Universal Records, 2002) que incluye los tres álbumes oficiales de Remember Shakti: Remember Shakti, The Believer y Saturday Night in Bombay, además de un DVD con la grabación completa de uno de los conciertos de Saturday Night in Bombay, con el tema extra “Niyati”. Existe en el mercado otra grabación en directo de la banda, Live at Miles Davis Hall, 8 July 1999, un disco incluido en la caja John McLaughlin’s Montreux Concerts Box Set, publicada en 2004.

El DVD, The Way of Beauty (El camino de la belleza) dirigido por Partho Sen-Gupta (Universal Music France, 2006). Este DVD presenta un documental de 60 minutos, “Shakti Timeless”, sobre la primera formación de la banda a principios de los años setenta. John McLaughlin y Zakir Hussein hablan sobre los inicios de Shakti y de sus compañeros de esa época, L. Shankar y TH Vinayakram. El DVD también incluye 45 minutos de metraje de Remember Shakti antes de un concierto en el New Morning de París grabado en 2004 y 55 minutos del histórico concierto Saturday Night en Bombay (Mumbai, India) grabado en 2000. También, dos conciertos en vivo de la banda, uno filmado con la primera banda, con L. Shankar y “Vikku” T. H Vinayakram en el New Morning en 1976 y otro grabado en el Montreux Jazz Festival de 2004. A modo de bonus tracks contiene un clip de la Orquesta Mahavishnu en Syracuse, EE. UU. 1972.

Tomajazz: © Julián Ruesga Bono, 2020

Referencias y lecturas aconsejables

Bailey, Derek

— (2010): La Improvisación. Su naturaleza y su práctica en la música. Gijón: Ediciones Trea.

Nettl, Bruno y Rusell, Melinda (eds).

— (2004): En el transcurso de la interpretación. Estudios sobre el mundo de la improvisación musical. Madrid: Akal.

Nicholson, Stuart

— (2020): “John McLaughlin: The journey continues” en Jazzwise, nº249, Londres.

Prasad, Anil

— (2010): Innerviews: Music Without Borders, Extraordinary Conversations With Extraordinary Musicians. Cary, North Carolina: Abstract Logix Books.

Ruesga Bono, Julián

— (2010): “In-fusiones de jazz” en In-fusiones de jazz. Ruesga Bono, Julián, (edt.). Sevilla: arte-facto c.c.c.




Chasing Trane. John Coltrane, por la gracia de dios por Juan F. Trillo [Película] #YoMeQuedoEnCasa / #IStayAtHome

Por Juan F. Trillo.

  • Dirección: John Scheinfeld
  • Producción: Meteor 17 Crew Neck Productions
  • Voz de John Coltrane: Denzel Washington
  • Fecha de estreno: Septiembre, 2016.

Parece que Netflix ha decidido apostar por el jazz en su programación, pues en apenas unos días ha incluido en su oferta dos documentales que muestran las vidas, méritos y ocasionales caídas de otros tantos gigantes del género, Miles Davis y John Coltrane.

El primero, Miles Davis: Birth of the Cool, lo visitábamos en Tomajazz hace muy poco y esta es la reseña del segundo, Chasing Trane, que guarda con el anterior tantas similitudes de formato que más de uno podría pensar que director y productores son los mismos en ambos casos. Sin embargo, no es así, pues en esta ocasión es John Scheinfeld quien lleva la batuta y Meteor 17 quien lo produce. Scheinfeld tiene una larga experiencia en documentales relacionados con la cultura popular en general y con la música en particular. Suyos fueron, por ejemplo, los films ¿Quién es Harry Nilson? (¿Y por qué todo el mundo está hablando de él?) (2010), Los Estados Unidos contra John Lennon (2006) o The Legendary Bing Crosby (2010), las dos primeras estrenadas en HBO, en su momento.

Scheinfeld se ha encargado en esta ocasión tanto de escribir el guion, como de la labor de dirección del documental, el primero autorizado, sobre el saxofonista John Coltrane, quien durante casi veinte años contribuyó a reformular el jazz que había venido haciéndose hasta mediados del siglo pasado. Inevitablemente, y el documental así lo muestra, Coltrane tuvo una estrecha relación con los mejores músicos de su generación, empezando por Charlie Parker, su primera y tal vez más importante influencia.

Por desgracia la música no fue lo único que aprendió de Parker y el joven saxo – poco más de 20 años, por aquel entonces – no tardó en engancharse a la aguja. Su adicción a la heroína estuvo a punto de dar al traste con su carrera musical cuando apenas estaba empezado, pero, afortunadamente, tuvo la fuerza de voluntad suficiente para salirse antes de que fuese demasiado tarde (y lo hizo a pelo, además, pasando el mono encerrado en casa). Como en muchos otros casos similares, Coltrane salió del pozo con una nueva y firme visión espiritual de la existencia, espiritualidad que impregnaría toda la música que produjo en lo sucesivo. Para él, abandonar la droga y renacer musical y religiosamente fue todo uno. Sonny Rollins: “Tenía un entendimiento muy profundo de mundos más allá de este. Era alguien que se inspiraba en el concepto del infinito”.

A partir de ahí, todo fueron hitos jazzísticos: su álbum Blue Train (1958), su participación en el mítico Kind of Blue (1959), con Miles Davis o su Giants Steps (1959), cuyo título hace justicia a la calidad de la música que incluye. Le quedaba por delante menos de una década de vida, antes de fallecer de cáncer de hígado; poco tiempo, pero suficiente para elaborar un material que influyó en varias generaciones de músicos que continuarían, en los años siguientes, explorando los caminos que él abrió por primera vez.

En Chasing Trane se incluyen los testimonios de músicos que le conocieron personalmente, como Sonny Rollins, Jimmy Heath, Carlos Santana o John Densmore (batería de The Doors). Aparecen, igualmente, amigos y familiares del saxofonista e incluso el ex presidente Bill Clinton, saxo tenor, en sus ratos libres.

Y, por cierto, también aquí un actor se ocupa de poner la voz al protagonista del documental. En este caso es Denzel Washington el elegido para hacerlo, quien, por cierto, tiene tanto parecido físico con el músico, que iría perfecto para encarnarlo, si alguna vez alguien se decide a filmar un biopic. Es una recomendación desinteresada que hacemos desde Tomajazz.

Texto: © Juan F. Trillo, 2020 / https://jantilkut.wordpress.com/https://www.facebook.com/jan.tilkut

 




Hard Bop (II). Art Blakey (II). La Odisea de la Música Afroamericana (226) [Podcast]

Por Luis Escalante Ozalla.

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor de los libros Nueva Orleans (1717-1917): Sexo, Raza y Jass y Y se hace música al andar con swing.

El capítulo 226 de La Odisea de la Música Afroamericana de Luis Escalante Ozalla continúa con el repaso al movimiento Hard Bop. Sigue con la trayectoria del baterista Art Blakey, lo que le sirve para introducir a otros artistas como Kenny Dorham, y para repasar (como no podría ser de otro modo), los trabajos de sus Jazz Messengers.

En el programa 226 suenan:

  • “I can’t believe that you’re in love with me” Terence Blanchard & Dianne Reeves
  • “Minor’s holiday” Kenny Dorham
  • “Billie’s bounce” Jimmy Smith
  • “Why don’t I” Sonny Rollins
  • “Epistrophy” John Coltrane & Thelonious Monk
  • “Moaning” Art Blakey & The Jazz Messengers
  • “Blues march” Art Blakey & The Jazz Messengers
  • “Aw my salty dog” Leon Redbone

Toda la información está disponible en https://www.tomajazz.com/web/?cat=13297 / https://www.tomajazz.com/web/?cat=13297

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Jazz Para Ti #54 (26 de noviembre de 2019). JPT.T3.07 [Podcast]

Por Pachi Tapiz.

En la entrega de la semana del 26 de noviembre de 2019 de Jazz Para Ti de Pachi Tapiz, suenan temas de las siguientes grabaciones:
Jeff Goldblum and the Mildred Snitzer Orchestra: I Shouldn’t Be Telling You This (Decca)
Iva Bittová & Paolo Angeli: Sul Filo (ReR Megacorp)
John Coltrane: Blue World (Impulse!)
Peter Arts Van Der Zandien – Fred Van Duijnhoven: Birds’ Songs (P.J.J.)
Joshua Catania: Open To Now (Shifting Paradigm Records)
No-Land Trío: No-Land Trío (Orrua Diskak)
JC Sandford Quartet: Keratoconus (Shifting Paradigm Records)
Joel Harrison: Still Point: Turning World (Whirlwind Recordings)
Escúchalo en directo todos los martes de 20:00 a 21:00 en RCB, o cuando quieras y donde quieras desde iVoox o Tomajazz.

Dirección, producción y presentación: © Pachi Tapiz, 2019

Jazz Para Ti es un programa producido, presentado y dirigido por Pachi Tapiz que se emite los martes, de 20:00 a 21:00 en RCB.

Jazz Para Ti se comenzó a emitir el martes 13 de febrero de 2018, Día Internacional de la Radio. Mail de contacto de Jazz Para Ti jazzparati@tomajazz.com

Todos los programas de Jazz Para Ti están disponibles en https://www.tomajazz.com/web/?cat=20911 y en https://www.ivoox.com/jazz-para-ti-los-programas_bk_list_405081_1.html

 




JazzX5#060. John Coltrane: Blue World [Adelanto – Minipodcast]

Por Pachi Tapiz.

“Blue World”. John Coltrane: Blue World (Impulse!)
John Coltrane, McCoy Tyner, Jimmy Garrison, Elvin Jones

Single adelanto de Blue World, grabación inédita de John Coltrane realizada en 1964 en el estudio de Rudy Van Gelder en Englewood Cliff, que publicará Impulse! el 27 de septiembre de 2019.

© Pachi Tapiz, 2019

JazzX5 es un minipodcast de HDO de la Factoría Tomajazz presentado, editado y producido por Pachi Tapiz.
JazzX5 comenzó su andadura el 24 de junio de 2019.
Todas las entregas de JazzX5 están disponibles aquí…




Sesenta años de Kind of Blue. Por Julián Ruesga Bono [Grabación]

Por Julián Ruesga Bono.

No sé cuando escuché por primera vez Kind of Blue. Seguramente a finales de los ’70 en la FM de la Voz del Guadalquivir de Sevilla. Entonces comprar un disco no era algo frecuente y algunas emisoras de radio, a falta de pelas para adquirir discos, eran el lugar para descubrir nuevas músicas. También era la posibilidad de escuchar discos no publicados en España y traídos del extranjero por los locutores. Tal vez, el disco, me lo prestó un amigo. No lo sé. No compré Kind of Blue hasta finales de los ’90, aprovechando una oferta –ya en edición digital y remasterizado. Sin embargo, escuchándolo ahora, cuando escribo estas notas, su música se me hace familiar y cercana, suena a mucho jazz ya oído. Es todo el jazz escuchado en decenas de discos. Evoca imágenes nocturnas y urbanas -la banda sonora de innumerables telefilmes y películas, de calles solitarias y lluvia sobre el asfalto mojado. También de escenas sensuales. Sí, me trae imágenes. Es lo que pasa con los medios, de pronto la música se convierte en la banda sonora de una colección de imágenes en la memoria –y volver a escucharla provoca la evocación de esas imágenes.

Los músicos que acompañaron a Miles Davis en la grabación están incluidos, desde hace mucho tiempo, en el Olimpo del jazz. Sobre todo John Coltrane y Bill Evans son mitos, junto a Davis, de la cultura moderna occidental. ¡Qué decir de Gil Evans! Sorprende saber que grabaron cada una de las cinco piezas incluidas en el disco de una sola toma y que surgieron de la improvisación. Davis apenas tenía un esbozo de los temas que pretendía grabar y les bastaron diez horas, repartidas en dos sesiones celebradas el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959, para grabarlo. Yo tenía dos años. Entonces no jugaba ni al trompo.

Ahora, cuando la grabación cumple 60 años, se la celebra como el disco más importante de la historia del jazz y una de las grandes obras de la música occidental de todos los tiempos, con más de cuatro millones de copias vendidas desde su publicación en 1959.

Si, como alguien dijo, escribir sobre música es como bailar sobre arquitectura, ninguna grabación ha inducido tanto a bailar sobre arquitectura como Kind of Blue, … y el baile va a continuar por mucho tiempo.

Tomajazz: © Julián Ruesga Bono, 2019.




John Coltrane: 1963: New Directions (Impulse!, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Para John Coltrane el año 1963 fue uno de los más activos de su meteórica carrera profesional. En esas fechas dos sellos discográficos editaban sus temas, independientemente del día y año de grabación, Prestige e Impulse! Pero, como es conocido, en los últimos años hasta su muerte en 1967, el saxofonista de Richmond grabó sus temas para el sello Impulse! A excepción de A Love Supreme, Ascension y Meditations, o los que grabó con Duke Ellington y Johnny Hartman, Coltrane nunca publicó en vida un disco grabado en una única sesión para el mencionado sello, ya que siempre le gustaba encontrar su disco ideal a través de temas registrados en diversas tomas y fechas, incluso fusionando grabaciones en estudio y en directo. Para ello gozaba de una total independencia de la que se hacía valer, que a veces no era del total agrado de los directivos, aunque la cuenta de resultados dio con el tiempo la razón al saxofonista. Si hay un músico capaz de hacer sombra a Miles Davis en cuanto a venta de discos en la historia del jazz, ese es John Coltrane. La prueba la tenemos en la cantidad de reediciones, nuevas grabaciones y descubrimientos que se llevan editados, sin duda con cierto interés de negocio. Pero, al mismo tiempo, la importancia testimonial de estos discos para el gran aficionado está fuera de toda duda. En ellos se recogen momentos en los que al saxofonista le gustaba experimentar, adentrarse por nuevas sendas sonoras, poner en marcha ideas y sobre todo manifestarse en plena libertad. Y un buen reflejo de todo ello se encuentra en dichas grabaciones.

Está claro que el mejor disco lanzado por Impulse! en el 2018 fue Both Directions at Once: The Lost Album, selección de grabaciones de John Coltrane realizadas en 1963 en los estudios de Rudy Van Gelder o en actuaciones en directo.

Pero no contentos con el lanzamiento de esta auténtica reliquia, Impulse! nos propone también 1963: New Directions un triple CD formado por una selección de grabaciones recogidas de los CD Both Directions at Once: The Lost Album, John Coltrane and Johnny Hartman, Dear Old Stockholm, Newport ‘63 y Live at Birdland. Todos los registros realizados en 1963, año que supone un punto de transición entre sus grabaciones del pasado y del futuro de su trayectoria.

En ese tiempo Coltrane se movía en muchas direcciones, miraba hacia atrás, continuaba examinando su repertorio más habitual y llevaba a cabo una exploración de los formatos más tradicionales con la mirada puesta en composiciones y aproximaciones a lo que supondría una nueva mirada en el jazz.

Así, en 1963: New Directions podemos encontrar en el primer disco todas grabaciones realizadas en el estudio de Rudy Van Gelder por su clásico cuarteto en marzo de 1963: McCoy Tyner al piano, Jimmy Garrison, al contrabajo y Elvin Jones a la batería. En el segundo CD, el cuarteto se hace acompañar por la voz de Johnny Hartman, grabación de abril de ese año y disco que tuvo una gran acogida comercial. Aquí se incluye también un tema, “Dear Old Stockholm”, en el que Elvin Jones es sustituido por Roy Haynes en la batería, que también participa en las versiones de “My Favorite Things” e “Impressions” en el CD tres. Los tres están registrados en el Festival de Jazz de Newport.

“The Promise”, “I Want to Talk About You”, y “Afro Blue”, son las piezas grabadas en directo por el cuarteto habitual de Coltrane en el club Birland, contenidas en el tercer disco.

La inclusión de diferentes tomas es algo que ya no le pilla de sorpresa a cualquier buen aficionado, ya que siempre es posible apreciar nuevas aportaciones lo que le otorga un carácter especial al tema, que así puede ser sometido a valoraciones subjetivas.

Lo interesante de este triple disco es que aporta nuevamente trabajos de Coltrane en estado puro, justificando en todo momento por qué forma parte del reino de los dioses del jazz. Todos los temas se pueden disfrutar con una calidad de grabación espectacular. Entregados a la música de Coltrane, solamente nos queda esperar que nos sorprendan con algún nuevo descubrimiento. Los amantes del jazz siempre lo vamos a agradecer.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

John Coltrane: 1963: New Directions

Músicos: John Coltrane (saxo tenor y soprano), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (contrabajo), Elvin Jones (batería), Roy Haynes (batería) y Johnny Hartman (voz).

Composiciones:

CD 1: “Vilia (Take 3)”,”Vilia (Take 5)”,”Untitled Original 11383″,”Nature Boy”, “Impressions (Take 1)”,”Impressions (Take 2)”,”Impressions (Take 3)”,”Impressions (Take 4)”,”Untitled Original 11386 (Take 1)”,”Untitled Original 11386 (Take 2)”, “Untitled Original 11386 (Take 5)”,”One Up, One Down (Take 1) y “One Up, One Down (Take 5)”.

CD 2: “Slow Blues”, “They Say It’s Wonderful”, “Lush Life”, “My One and Only Love”, “Autumn”, “Serenade”, “Dedicated to You”, “You Are Too Beautiful”, “After the Rain”, “Dear Old Stockholm” y “I Want to Talk About You”.

CD 3: “My Favorite Things”, “Impressions”, “The Promise”, “I Want to Talk About You”, “Afro Blue”, “Your Lady” y “Alabama”.

Grabado por Rudy Van Gelder en Van Velder Studio los días 6 y 7 de marzo, 29 de abril y 18 de noviembre de 1963 en Englewood Cliffs (Nueva Jersey).

Grabado en directo el 7 de julio de 1963 en el Newport Jazz Festival y el 8 de octubre de 1963 en el Birland de Nueva York.

Editado en 2018 por Impulse! Records




(Algo de) lo mejor (que escuché) en 2018 por Pachi Tapiz [Artículo]

Por Pachi Tapiz

Sin pretender ser una lista exhaustiva, puesto que el orden es simplemente la forma en que aparecen listados los discos, esta ha sido una entrada en progreso continuo realizada a lo largo de todo el año 2018. A continuación están las portadas y la lista de algunas de las (mejores) grabaciones con las que (más) he ido disfrutando a lo largo de este pasado año:

  • Alexander Von Schlippenbach Globe Unity Orchestra: 50 Years (Intakt)
  • Miles Davis & John Coltrane: The Final Tour. The Bootleg Series, Vol. 6 (Columbia Records. 4CD)
  • The Rempis/Daisy Duo & Guests: Dodecahedron (Aerophonic Records. 2CD)
  • Ramón López / Percy Pursglove / Rafale Mazur: Threefold (Not Two Records)
  • Jason Robinson’s Janus Ensemble: Resonant Geographies (pfMentum Records)
  • Esbjörn Svensson Trio: e.s.t. live in london (ACT)
  • Henri Texier: Sand Woman (Label Bleu)
  • Fred Hersch TrioLive In Europe (Palmetto Records)
  • Joëlle Léandre – Elisabeth HarnikTender Music (Trost Records)
  • Philippe Mouratoglou – Bruno Chevillon – Ramón LópezUnivers Solitude (Vision Fugitive)
  • Baldo Martínez: Cuarteto Europa (Karonte)
  • John ColtraneBoth Directions At Once (Impulse!)
  • Charles Lloyd & The Marvels with Lucinda WilliamsVanished Gardens (Blue Note)
  • Dave Rempis – Jasper Stadhouders – Frank Rosaly: ICOCI (Aerophonic Records)
  • Konstrukt – Keiji HainoA Philosophy Warping, Little By Little That Way Lies A Quagmire (Karlrecords)
  • Henry Threadgill 14 Or 15 Kestra: Agg Dirt… and More Dirt (Pi Recordings)
  • Satoko Fujii – Joe FondaMizu (Long Song Records)
  • Joey Baron – Robyn SchulkowskyNow You Hear Me (Intakt Records)
  • The Necks: Body (ReR Megacorp)
  • Ingar Zach – Speak PercussionBefore Nightfall One (SOFA)
  • Christiane Bopp: Noyau de lune (Fou Records)
  • Benoît Delbecq, Jorrit Dijkstra, John Hollenbeck: Linger (DRIFF Records)
  • Lurpekariak: Itsasotik Iturrira (Errabal Jazz)

Selección y sobre todo disfrute sonoro: © Pachi Tapiz, 2018