Zipflo Reinhardt, Grappelli, Urbaniak, Asmussen… violinistas en MPS. HDO (0018) [Audioblog]

Nueva entrega en HDO dedicada a bucear en grabaciones con violinistas del sello MPS, que desde 2014 está siendo reeditado digitalmente de un modo exhaustivo.

Tras el inicio de esta entrega con el tema que cerraba Amazing Strings de Sven Asmudssen -un homenaje a quienes en algún momento han intentado aprender a tocar el violín-, y las presentaciones correspondientes, se suceden temas de The Gipsy Jazz Violin Summit de Zipflo Reinhardt, Violinspiration de Stéphane Grappelli & The Diz Disley Trio y de Swinging East de Bosko Petrovic’s Nonconvertible All Stars (magnífico ejemplo de jazz traspasando el Muro de Berlín a principios de la década de los años 70), formación en la que participaba Michal Urbaniak.

© Pachi Tapiz, 2015

HDO (Hablando de oídas) es un audioblog presentado, editado y producido por Pachi Tapiz.

Svend_Asmussen-Amazing_Strings

Los temas, las grabaciones, los músicos

“Ah, Vous Direais-je Maman”
Svend Asmussen. Amazing Strings (MPS; reed. digital 2014/2015)
Svend Asmussen + Günter Lenz, Kenny Clarke, Siegfried Schwab, Dieter Reith

 

Zipflo Reinhardt“Autumn Leaves”, “Bye Bye Blackbird”, “Orpheus”
Zipflo Reinhardt. The Gipsy Jazz Violin Summit (MPS; reed. digital 2014/2015)
Zipflo Reinhardt, Nipso Brantner, Scmitto Kling, Hannes Beckman + Gary Todd, Otto Weiss, Charly Antolini

 

Stephane_Grappelli Violin“Lover Come Back To Me”, “Cherokee”
Stéphane Grappelli & The Diz Disley Trio. Violinspiration (MPS; reed. digital 2014/2015)
Stéphane Grappelli + Diz Disley, Ike Isaacs, Isla Eckinger

 

Bosko_Petrovics_Nonconvertible_All_Stars_-Swinging_East“With Pain I Was Born”
Bosko Petrovic’s Nonconvertible All Stars. Swinging East (MPS; reed. digital 2014/2015)
Michal Urbaniak + Bosko Petrovic, Ozren Depolo, Aladar Pege, Ratko Divjak, Milkenko Prohaska, Simeon Shterev, Salko Mujicic, Tihomir Pop Asanovic, Dan Mindrila




Tomajazz recomienda… un CD: Our Man in Paris (Dexter Gordon, 1963)

Dexter Gordon :: OUR MAN IN PARISLa interpretación de Dexter Gordon en la película Round Midnight fue tan extraordinaria que le nominaron al Oscar. Aún así sería una pena que se le recordara más por su ocasional faceta de actor que por la de músico. De muestra un botón: este Our Man in Paris es toda una guía de jazz para novatos e iniciados, para expertos y para músicos. Gordon y el trío que le acompaña surcan siete standards (cinco en el LP original) con tal agilidad y desenvoltura que acuñan versiones canónicas de los mismos. Las improvisaciones del líder discurren con desparpajo y sinceridad llevado en volandas por un trío de ensueño: al piano el mismísimo Bud Powell (sí, en cuya vida está basado parte del personaje que representó Gordon en Round Midnight), al contrabajo Pierre Michelot (ofreciendo notas de peso en la introducción a “A Night in Tunisia”) y a la batería Kenny Clarke. Un francés y tres yanquis exiliados grabando en un estudio parisino un material inolvidable cuya vigencia tardará en verse retada.

© Adolphus van Tenzing, 2014

Dexter Gordon – Our Man in Paris (Blue Note)




Joe Pass: Intercontinental (MPS. 1970 -orig.- , 2014 -reed.digital)

Joe Pass_Intercontinental_MPS_1970Joseph Anthony Jacobi Passalaqua, más conocido por Joe Pass, editó el disco Intercontinental en 1970. El trabajo recoge una colección de temas en la que predominan los standards norteamericanos y algunas piezas de corte latino, más en concreto brasileño. A modo de puente, la música une a lo largo de diez piezas ambas latitudes. Hay composiciones de Antonio Carlos Jobim, Cole Porter, Benny Goodman, Neal Hefti, Michel Legrand, y tan sólo una atribuida al propio guitarrista de Nueva Jersey. Un virtuoso que siempre sobresalió en pequeñas formaciones, ya fuera a solo como en dúo o trío. En este caso se hizo acompañar por el contrabajista Eberhard Weber y el batería Kenny Clarke. “Intercontinental” es una buena muestra del estilo inconfundible de Pass mostrando su “grandísima” técnica.

© Carlos Lara, 2014

Joe Pass: Intercontinental (MPS. 1970 -orig.- , 2014 -reed.digital)




Dave Pike Set: Infra-Red (MPS. 1970 -orig-, 2014 -reed.digital)

Dave Pike Set_Infra-Red_MPS_1970El vibrafonista de Michigan (Detroit) David Samuel Pike ha tocado al lado de prestigiosos músicos como Herbie Mann, Bill Evans, Nick Brignola, Paul Bley o Kenny Clarke, si bien es conocido por su filiación al sello alemán MPS.

Afincado en Alemania formó el grupo Set al lado del afamado guitarrista alemán Volker Kriegel.

Dave Pike Set grabó este Infra-Red en el MPS Tonstudio, Villingen, el 15 y 18 de junio de 1970, dentro de lo que podríamos denominar jazz-rock o jazz de fusión.

Destacan los temas progresivos “Attack of the Green Misers”, con un original solo de guitarra distorsionada de Volker Kriegel y “Send Me the Yellow Guys” donde sobresale el bajo eléctrico de J.A. Rettenbacher, la batería de Peter Baumeister y el vibráfono de Dave Pike y la guitarra de Volker Kriegel; la étno-psicodélica “Raga Jeeva Swara” con Volker Kriegel al sitar indú y por supuesto la lisérgica, disonante y free-jazz “Infra Red”.

El resto se reparten ente la campestre y bluesera “Suspicious Child, Growing Up”, las swingueantes, “But Anyway” y “Soul-Eggs”, y la caribeña “Rabbi Mogen’s Hideout” en las que luce el vibráfono de Dave Pike.

© Enrique Farelo, 2014

Dave Pike Set: Infra-Red (MPS. 1970 -orig-, 2014 -reed.digital)




Sonny Rollins: Road Shows. Volume 3 ( Doxy Records, 2014)

Sonny Rollins Road Shows Vol 3‘Doxy’ vivió su primera grabación en junio de 1954, en el transcurso de una gloriosa sesión que acabaría traducida en un célebre disco de Miles Davis, Bag’s Groove, y durante la cual su propio autor, Sonny Rollins, la interpretaría codo a codo con el genial trompetista y con los no menos imprescindibles Horace Silver, Percy Heath y Kenny Clarke. Aquel disco albergaría otras dos composiciones más de Rollins, ‘Airegin’ y ‘Oleo’, a las que la eternidad ya ha hecho también un hueco en su seno. ‘Doxy’ ha amasado  condición de clásico con el tiempo y ha sido objeto de atención por parte de músicos de todos los tiempos. Rollins ha echado mano del nombre para bautizar también su propio sello bajo cuyo auspicio ha grabado Sonny, Please (2006), su último álbum de estudio, y la serie ‘Road Shows’. Esta última, suma de música en directo, abarca ya tres entregas, la primera de las cuales data de 2008 y hace acopio de actuaciones de Rollins a lo largo de las tres últimas décadas y la segunda quedó fechada en 2011 y nutrida por algunos de los momentos de los conciertos del ‘colossus’ en 2010, sobre todo del que llevó a cabo en el Beacon Theatre de Nueva York en mayo de aquel año y en el que participaron nombres de la entidad de Ornette Coleman (absolutamente inolvidable el tema que comparten juntos los dos mitos, ‘Sonnymoon for two’, junto a Christian McBride y Roy Haynes), Jim Hall o Roy Hargrove, entre otros. El tercer capítulo de la saga acaba de aparecer, incluye seis temas, registrados en Japón, en las localidades francesas de Toulouse, Marsella y Marciac y también en St. Louis  entre 2001 y 2012, y sigue haciendo hincapié, como en el resto de la serie, en la facilidad del maestro para el directo, en su indiscutible capacidad, cuando se ausenta del estudio, para la extracción del matiz, en su magistral convicción durante el ejercicio de la improvisación.

Sonny Rollins anda ahora mismo por los 84 años. Lleva oficiando su magisterio desde hace seis décadas y media y ratificando continuamente su condición de leyenda. Su estilo, sometido al virtuosismo del que siempre ha hecho gala, destaca por su calidad como improvisador, por conferir a su música una personalidad propia que huye del resquicio o la duda, por hacer de la libertad creativa su principal seña de identidad. Es un especialista en riesgos, en caminar sobre el alambre sin red, en descifrar las claves que le desvelen la salida de los laberintos en los que voluntariamente se cuela. Su pericia es objeto de demostración permanente  en los seis temas del tercer volumen de ‘Road Shows’. Resultan incuestionables las facultades de Sonny Rollins en la travesía emprendida por él y de la que da testimonio esta grabación. No es fácil buscarle cosquillas a un álbum que abunda en la solvencia y que queda encarado hacia la eficacia gracias a la autoridad de un Sonny Rollins incontestable y a la interacción estrecha que sostiene con el resto de los músicos. También, resulta realmente destacable la participación de Bob Cranshaw. No hay intérprete que conozca mejor al ‘colossus’. No en vano, se juraron fidelidad hace ya cincuenta años y a ella se han entregado con devoción. El contrabajista, también octogenario y al que alimenta una trayectoria de auténtico privilegio, ha sido el compañero de faenas ideal del saxofonista nortemaricano y el guía que ha sublimado el talento de este. En este disco participa en la media docena de temas. Con rigor, con suficiencia. Constituye otro de los grandes alicientes de un álbum realmente atractivo que incluye una composición inédita, ‘Patanjali’, dedicada a un maestro yoga, disciplina que cultiva Rollins, quien, por supuesto y en este disco, asume de manera rotunda su condición de líder y maestro de ceremonias a lo largo y ancho de una propuesta que le rinde constante reverencia. Quizás el momento más impactante de todo el disco lo constituya ‘Why Was I Born?’, adaptación de una reputadísima composición de Kern y Hammerstein II que supera los veinte minutos. La conoce de sobra y al detalle. Otra versión de este aplaudido tema, incluida en su disco en vivo (un género que domina como nadie y del que es maestro y señor) Without a Song: The 9/11 Concert, le hizo merecedor en 2006 de un Grammy. El contagioso entusiasmo impuesto a la canción se convierte en sostén fundamental de un trabajo muy bien armado en el que destacan, sobre todo, el guitarrista Bobby Broom, el baterista Steve Jordan y, por supuesto, el saxo tenor de Sonny Rollins. También hay mucha energía y chispa en ‘Don’t Stop The Carnival’, que, con aroma de calypso (otro género que Rollins ha glorificado), ya ha devenido en tradición en el repertorio del saxofonista. Atractivos también son el poso funk de ‘Biji’ o las facultades de Rollins para atrapar toda clase de emociones en ‘Someday I’Fill Find You’ con la complicidad de las percusiones de Kimati Dinizulu. El título del tercer tema del álbum, ‘Solo Sonny’, es realmente expresivo. Rollins se pone manos a la obra y se arranca con un larguísimo solo (otra de sus grandes virtudes) de ocho minutos que da satisfacción a sus seguidores y engrandece su leyenda. Sonny Rollins está en el disco, en cada uno de sus rincones, en cada uno de los instantes que guarda. Y eso ya es motivo suficiente para no perderlo de vista y tenerlo siempre a mano.

© L. Castellanos, 2014

 

Sonny Rollins: Road Shows. Volume 3

Músicos: Sonny Rollins: saxo tenor; Bob Cranshaw, bajo; Clifton Anderson, trombón; Stephen Scott, piano (1); Bobby Broom, guitarra (2, 4, 5), Peter Bernstein, guitarra (3,6); Perry Wilson, batería (1); Victor Lewis, batería (2); Kobie Watkins, batería (3, 4, 6); Steve Jordan, batería (5); Kimati Dinizulu, percusión (1,2,5); Sammy Figueroa, percusión (3, 4, 6)

Temas: “Biji”; “Someday I’ll Find You”; “Patanjali”; “Solo Sonny”; “Why Was I Born?”; “Don’t Stop The Carnival”

Publicado en 2014 por Doxy Records.




Tomajazz recupera… Thelonious Monk en Jazz Magazine 1963

 

 Thelonious Monk Minton's Playhouse New York, N.Y., ca. Sept. 1947  Photograph by William P. Gottlieb

Thelonious Monk
Minton’s Playhouse
New York, N.Y., ca. Sept. 1947
Photograph by William P. Gottlieb

 

Cada día oigo a un montón de pianistas que utilizan procedimientos que son míos.

Leer: Thelonious Monk en Jazz Magazine 1963. Entrevista por  Jean Clouzet y Michel Delomme. 




Carmen McRae: First Sessions (Fresh Sound Records)

Carmen McRae_First SessionsCarmen McRae es una cantante (y pianista) que suele aparecer en segunda fila en el bestiario jazzístico, detrás de Ella, Billie y Sassy (y si el bestiario abarcase más allá de 1945, Mildred Bailey, supongo). En todo caso es una cantante con sustancia, discos interesantes –como el que hizo con temas de Monk–, y la capacidad de no defraudar nunca, al menos a estos oídos. Incluso metida en pastelones setenteros como el disco I’m Coming Home Again sale más que airosa. En cuanto a su relevancia actual, cuando se habla de Amy Winehouse –como cantante, no como laboratorio humano– se cita mucho a la Holiday como influencia lejana. Esto huele mucho a la típica simplificación publicitaria, sistemáticamente engullida por la prensa generalista. Si la Winehouse recordaba a alguna vieja gloria, yo me inclinaría por la McRae en su etapa madura.

Las grabaciones que aquí se nos presentan, salvo por unas en estudio con la orquesta de Mercer Ellington (1946) y otras en directo con Charlie Parker en el Onyx, son las primeras de la cantante (para los interesados en minucias discográficas, aquí encontrarán todo lo que quieran saber). Como anécdota, el primer tercio del disco viene a ser el motivo de que la McRae ganase el premio de Down Beat a la mejor cantante nueva del año, algo que, como aclaran las ilustrativas anotaciones, tenía su importancia.

Lo único que se puede achacar a estas grabaciones es su puntito conservador. Probablemente sea injusto, porque al fin y al cabo se trataba el debut de una joven cantante y lógicamente, ni estaba formada del todo, ni habría sido sensato asumir grandes riesgos. Aparte, los dos sellos que publicaron originalmente estos discos, Bethlehem y Decca, no se distinguieron por asumir grandes riesgos. En la práctica esto se traduce en que la McRae canta con un vibrato más pronunciado que en el futuro, haciendo lecturas muy pegadas al original (como en “Easy to Love”), con paráfrasis muy leves, como ella misma admite en las anotaciones (aunque hace algo de scat en “Yardbird Suite”), argumentando que las ideas del compositor también deben oírse. Su dicción es perfecta y, en general, es tan impecable y preciosista que no acaba de hacer saltar las chispas que años después serían habituales.

Por otra parte, los músicos acompañantes, un plantel destacable por méritos propios, arropan perfectamente a la cantante, especialmente Dick Katz, que está exquisito, y Herbie Mann, que inició su larga carrera discográfica en estas grabaciones.

Mucha clase y elegancia, promesa de lo que estaba por venir.

© Fernando Ortiz de Urbina, 2014

Disco disponible en Spotify: http://open.spotify.com/album/6nTmbg4M2F4r9hSsraifSP

Carmen McRae: First Sessions

Fresh Sound Records

Carmen McRae (voz, piano); Herbie Mann (flauta, saxo tenor); Mat Mathews (acordeón); Mundell Lowe (guitarra); Tony Scott (clarinete, piano); Dick Katz, Billy strayhorn (piano); Wendell Marshall (contrabajo); Kenny Clarke, Osie Johnson (batería).

Composiciones: “Easy To Love” (Porter), “If I’m Lucky” (Darwin-Girard), “Old Devil Moon” (Harburg-Lane), “Tip Toe Gently” (Girard-Mathews), “You Made Me Care” (Darwin-Girard), “Last Time For Love” (McRae), “Too Much In Love To Care” (Caoates-Kriegsmann), “Misery” (Scott), “Just One Of Those Things” (Porter), “Sometimes I’m Happy” (Youmans/Caesar), “Something To Live For” (Ellington/Strayhorn), “Love Is Here To Stay” (Gerhswin/Gershwin), “I Can’t Get Started” (Duke/Gershwin), “This Will Make You Laugh” (Higginbotham), “Supper Time” (Berlin), “My One And Only Love” (Wood/Mellin), “Yardbird Suite” (Parker), “Give Me The Simple Life” (Bloom/Ruby), “I’ll Remember April” (Raye/dePaul/Johnson), “You Took Advantage Of Me” (Rodgers/Hart).

Temas grabados entre diciembre de 1953 y junio de 1955.

Fresh Sound Records. FSR-CD 477




Tomajazz recomienda… un baterista: Kenny Clarke

BP_Portrait_frLa emigración de ciertos músicos de EE. UU. a Europa los relegó al olvido, pero si hay un caso especialmente injusto por su papel en la historia del jazz moderno, ése es el de Kenny Clarke.

En su París adoptivo, Clarke se reúne con Bud Powell más el bajista Pierre Michelot en diciembre del 61 para grabar un homenaje a Thelonious Monk. En “Off Minor”, que abre el disco, el batería da una asombrosa clase magistral de tiempo metronómico, swing escalofriante y diversidad de acompañamientos, todo ello sirviéndose únicamente de caja y escobillas.

© Adolphus van Tenzing

Disponible en Bud Powell: A Portrait of Thelonious (Columbia/Legacy CK 65187, 1961)




Tomajazz recomienda… un tema: “Cherokee” (Joe Wilder, 1956)

Joe Wilder CherokeeDesde que Charlie Parker lo reconvirtiera en “Koko”, el “Cherokee” de Ray Noble se convirtió en caballo de batalla del jazz de los años cuarenta y cincuenta, el tema que había que tocar a toda potencia y velocidad, sus y a ellos, y tonto el último.

El recurso más evidente para devolver frescura al material más manido es llevar la contraria al planteamiento mayoritario. Eso es lo que hizo en su día Joe Wilder en su sesión de enero de 1956 para Savoy, acompañado por la rítmica “de la casa”, Hank Jones al piano, Wendell Marshall al contrabajo y Kenny Clarke a la batería. En vez de empotrar el pie en el acelerador, el cuarteto logró un jovial tempo medio y Wilder, renunciando al estrépito al que es tan dado su instrumento, bordó un solo que ha pasado a los anales de la trompeta jazzística.

Para quienes no le conozcan, Wilder es un veterano de multitud de orquestas, Jimmie Lunceford, Dizzy Gillespie y Basie, entre ellas, un gran técnico de la trompeta y pionero entre los músicos de sesión afroamericanos, que a sus 89 años sigue en activo.

© Adolphus van Tenzing

“Cherokee” está disponible en el CD Wilder ‘N’ Wilder (Savoy/Denon SV-0131).