Jazz Para Ti (Programa 004. 2018-03-06) [Podcast]

En la cuarta entrega de Jazz Para Ti (6 de marzo de 2018), el contenido central del programa es una amplia entrevista con el saxofonista almendralejense Narci González que acaba de publicar Nothing Changes (FreeCode JazzRecords, 2018). Además de sus palabras, se pueden escuchar dos temas de su nueva grabación. En la sección de novedades Jazz de Hoy suenan tres grabaciones en las que el piano tienen un papel esencial: A Humdrum Star (GoGo Penguin; Blue Note, 2018); Love & Peace (Joachim Kühn New Trio; ACT, 2018); Contradiction Of Happiness (de la cantante Sarah Buechi, que cuenta con la participación del pianista Stefan Aeby; Intakt, 2018). El programa finaliza con la sección Jazz y Alrededores volviendo la vista hacia la música de King Crimson revisada por la Ed Palermo Big Band en The Great Un-American Songbook Volumes I & II (Cuneiform Records, 2017).

Jazz Para Ti es un programa presentado y dirigido por Pachi Tapiz que se emite los martes, de 20:00 a 21:00 en RCB.

Jazz Para Ti se comenzó a emitir el martes 13 de febrero de 2018, Día Internacional de la Radio.




Los nuevos alumbramientos de la Luna de Junio. Por Enrique Farelo

“No podemos bañarnos en el mismo río porque corren nuevas aguas” o “nada existe, porque todo lo que existe, existe en un instante y al instante siguiente ya no existe sino que es otra cosa la que existe”. Estas famosas grases del filósofo griego Heráclito sirven como excusa para citar a Miles Davis que en el año 1971 señaló: “No comprendo que la gente escuche viejas grabaciones como Birth of the Cool o Miles Ahead. Me es absolutamente imposible escuchar estos discos. Y ocurre con todos los discos. Escucho un disco durante una o dos semanas y ya está”. Separados por milenios Miles Davis y Heráclito eran genios. Sin embargo, ambos coinciden en que no puedes parar y mirar al pasado. Debes seguir hacia adelante porque eso es la creación. “En el Arte la repetición es muerte”, y “No hay Arte sin transformación” ésta última frase atribuida al cineasta francés Robert Bresson.

Todos estos argumentos son reales y verdaderos desde el punto de vista del creador, pero el crítico y aficionado al Arte de la Música está más interesado en la admiración y en el disfrute, ya sea en composiciones actuales o más alejadas en el tiempo. En esa misma tesitura se encuentra unos de los sellos referencia del rock progresivo de la actualidad, (Moonjune Records) en un no parar de promocionar artistas de sonido fresco y creativo para disfrute del buen aficionado.

MARBIN The Third SetEntre los alumbramientos propiamente dichos, encontramos a Marbin y su trabajo The Third Set grabado en directo en gira entre marzo y abril de 2013. Danny Markovitch y Dani Rabin siguen siendo la base del grupo y Justyn Lawrence y Jae Gentile vuelven a repetir como sección rítmica tal como lo hicieran en el disco Last Chapter of Dreaming de 2013. Este es el cuarto trabajo de la banda desde Marbin (Self Produced 2009), Breaking The Cycle (2011) y el ya señalado Last Chapter of Dreaming de 2013. En cuanto a The Third Set el repertorio es prácticamente novedoso a excepción de “Volta” y “Redline” extraídos de Last Chapter of Dreaming y “Crystal Bells” de su primer disco Marbin de 2009. Señalar igualmente que el batería Justyn Lawrence ya participó en Marbin. (Self Produced 2009). En The Third Set (cuya portada es más propia de un grupo country) los primeros compases del tema que abre el álbum, “Special Olympics”, son demoledores, a la par de inteligentes y controlados, muy en la linea de la Mahavishnu Orchestra. Duelo de guitarra y saxo a velocidad de vértigo entre Danny Markovitch y Dani Rabin. Algo que tiene continuidad en la blusera “The Depot” y que se calma en preciosa e intensa “Crystal Bells”. Swingueante “Redline” y étnica “Culture” con un solo de saxo de Dani Rabin a capella al comienzo que da paso a un desarrollo energético que vuelve a recordar a la Mahavishnu Orchestra. “Vanthrax” se muestra funk y “Rabak” a caballo entre “Culture” y “Special Olympics”. En “Splaw” el tremendo solo de guitarra de Dani Rabin suena a libertad de los setenta y blues de la estrellas, a orgía de notas que se pierden en el espacio. Casi una canción de cuna a ritmo de vals en versión rock es “Northern Odyssey”, y “Volta” pone el broche final a este brillante y luminoso trabajo desde la ternura inicial y el vulcanológico desarrollo que va intercalando con imaginativos cambios de ritmo a velocidad vertiginosa. En conclusión enorme disco de jazz-rock en la línea de la Mahavishnu Orchestra.

MORAINE GroundswellOtra de los grupos del sello que publica su tercer disco es Moraine, liderado por el guitarrista Dennis Rea, y que lleva título Groundswell. En el presente, un par de cambios afectan a la formación con respecto al disco anterior Manifest Density de 2009: entra el saxofonista James DeJoie (que ya formara en Metamorphic Rock) en lugar del chelista Ruth Davidson y el batería Tom Zgonc sustituye a Jay Jaskot. El jazz-rock progresivo de pinceladas RIO, avant garde y fusión que marca a fuego un sonido virtuosista y elegante. La obra raya a gran altura no encontrándose altibajos, si bien, la composición “Waylaid” muestra toda la esencia que el grupo es capaz de desarrollar. Música lisérgica entre Pink Floyd (“Echos”), Gong (You) y King Crimson (“Larks`Tongues in Aspic”). En “Fountain of Euthanasia” encontramos la belleza canterbury. “Gnashville” se hermana con King Crimson; en “In That Distant Place” el saxo de James DeJoie recuerda al Karl Jenkins de Soft Machine y el violín de Alicia DeJoie a David Cross en King Crimson, algo que se repite en el precioso solo en la canterbury “The Earth Is an Atom” donde  Dennis Rea destaca por su guitarreo a lo Phil Miller (National Health). Cierran el disco la magnífica y canterbury, “Spiritual Gatecrasher” y la influenciada por Gong “The Okanogan Lobe” que completan un trabajo destacado, sensible, muy creativo y personal. ¡Excelente!

DIALETO The Last TribeEl power-trio brasileño Dialeto saca su primer disco, The Last Tribe para MoonJune Records pero cuenta en su haber con dos discos más: Will Exist Forever (Voiceprint 2008) y Chromatic Freedom (Voiceprint 2010). El grupo está actualmente formado por Nelson Coelho en las guitarras, Jorge Pescara en touchguitars (en los dos discos anteriores formaba Andrei Ivanovic en la bajo sin trastes) y Miguel Ángel en la batería. The Last Tribe fue grabado en Sao Paulo (Brasil) entre el 2012 y 2013. The Last Tribe nos deja sin aire, (“Vintitreis”, “Whereisit” o “Sand Horses”) al impregnar su sonido de pasión flamígera, firmeza y solidez de granito, rock progresivo sin disimulos ni perífrasis falsas, sus ideas están claras y definidas a través de los solos contundentes de la guitarra de Nelson Coelho que contrasta con la sensibilidad de composiciones como “Windmaste”, “Lydia in the Playground” o “Tarde Demais”.

THE WRONG OBJECT After The ExhibitionAfter The Exhibition también es el tercer álbum en Moonjune para el grupo belga The Wrong Object. Liderado por el guitarrista y fundador de la banda, Michel Delville (douBt y Machine Mass), para la ocasión ha contado con la inclusión del teclista Antoine Guenet (SH.TG.N y Univers Zero), y el bajista Pierre Mottet, además de los saxofonistas Martí Melia y Francois Lourtie y el batería Laurent Delchambre. Mención aparte merece la colaboración de Benoit Moerlen en la marimba y el vibráfono. Su aportación alcanza momentos concluyentes en cuanto a las influencias de la música de Frank Zappa en el disco. Susan Clynes aporta sus armonías vocales en “Glass Cubes”, único corte no instrumental. After The Exhibition es una obra más que recomendable, quizás la más completa y madura del grupo. Rica en cambios de ritmo, relevo de instrumentos, destacados solos, composiciones imaginativas y arreglos precisos no exenta de energía e inteligencia, improvisaciones avant-garde, rock-jazz de vanguardia y música contemporánea explorada desde puntos inusualmente visitados. After The Exhibition es por derecho propio una joya esencial que Frank Zappa desde el otro lado del espejo apadrinaría sin pestañear.

The Avengers-On A MissionCon The Avengers y su disco On a Mission de 2013 (publicado por Gudari Records y distribuido por Moonjune Records) continuamos este breve artículo sobre el sello de Leonardo Pavkovic. The Avengers se forma con el guitarrista uruguayo Beledo, (Maytreya, Siddhartha), Adam Holzman al Fender Rhodes y teclados, Lincoln Goines al bajo, y Kim Plainfield (Bill Connors, Didier Lockwood) a la batería. The Avengers basa su música fundamentalmente en el guitarrista británico Allan Holdsworth o en el grupo Fourth Dimension de John McLaughlin, no en vano Beledo muestra esta admiración tanto en su forma de tocar como de componer, ya que él es autor de todos los temas, a excepción hecha de “Portia” de Marcus Miller. El grupo consta de cuatro experimentados y excelentes músicos de fusión, Lincoln Goines (Dave Valentin, Mike Stern, Wayne Krantz…) y Adam Holzman (Miles Davis, Robben Ford, Steven Wilson…) son los más conocidos por sus trabajos con músicos de prestigio internacional. El disco no sorprenderá a los amantes de la fusión, que aunque arquetípica, si es una obra muy bien estructurada, de arreglos precisos y tocada de manera impecable que se digiere bien y hará disfrutar a todos los aficionados a este sonido. Estilos como jazz-rock o rock progresivo o la fusión caracterizan el disco.

Para finalizar este breve artículo he dejado para el final las tres reseñas pertenecientes a Simak Dialog, I Know You Well Miss Clara y Dewa Budjana cuyo nexo de unión es que son originarios del exótico país asiático de Indonesia.

simakDialog The 6th StoryEl grupo Simak Dialog publica su tercer CD en el sello con el título de The 6th Story. Atrás quedaron Demi Masa 2009 y el directo Patahan de 2005. Está liderado por el teclista Riza Arshad, quien compone la mayoría de los temas, y está apoyado con maestría por el guitarrista Tohpati. En cuanto al disco en sí fue grabado en Jakarta, Indonesia en el año 2012 y cuenta con nueve composiciones del mejor jazz progresivo y jazz-fusión aderezado con el jazz-world indonesio. The 6th Story acusa las influencias que van desde Miles Davis hasta el Pat Metheny Group pasando por Joe Zawinul, Herbie Hancock y sobre todo Chick Corea. Las composiciones se desarrollan en función de los solo de Riza Arshad y Tohpati apoyado por las percusiones hipnóticas de Endang Ramdan, Erlan Suwardana y Cucu Kurnia con el introspectivo bajo de Adhitya Pratama completando el sexteto. Música uniforme, serena y tranquila con escasos altibajos siendo difícil destacar un corte de otro. Toda la obra parece guardar una relación estrecha entre todas las composiciones, casi podríamos decir que se trata de una única composición divida en partes a modo de suite, excepción hecha del tema que cierra el álbum, “Ari”, algo mas discordande, quizás por la inclusión del piano acústico como elemento protagonista.

I KNOW YOU WELL MISS CLARAI Know You Well Miss Clara es un nombre bastante largo para este combo originario de Indochina. Formado desde el año 2010 por Reza Ryan en las guitarras, Adi Wijaya en los teclados, Enriko Gultom en el bajo y Algiah Akbar en la batería con la colaboración de Nicholas Combe en los saxos. Su magnífico disco de debut: Chapter One fue grabado en Kua Studio & Otakkanan Studio en Jakarta, (Indonesia) en el año 2012. Jazz-rock progresivo comprometido, directo y setentero que destila creatividad y frescura. Cuyas influencias van desde Soft Machine, Matching Mole, Nucleus, Chick Corea, los primigenios Weather Report o la Mahavishnu Orchestra. Chapter One sorprende por su autenticidad destilando esencia de sinceridad desde el inicio hasta el final. Chapter One ofrece cambios de ritmos imaginativos y precisos que combina con pasajes oscuros y misteriosos, (“Open The Door, See The Ground”) En otras ocasiones son paisajes abruptos y amables, sonidos canterbury (“Pop Sick Love Carousel”) y juego de silencios (“Reverie #2”) con Reza Ryan y Adi Wijaya superlativos en la guitarra y los teclados respectivamente. “Love Letter From Canada” es una balada lisérgica y oscura como velo que cierra la noche. La guinda la pone “A Dancing Girl From Planet Marsavishnu Named After The Love” en clara alusión al grupo de John McLaughlin y más concretamente a su obra The Inner Mounting Flame del año 1971. Bebe la esencia de Chapter One a pequeños sorbos, tema a tema, como los buenos vinos son saboreados y recréate en su dulzor para su mayor disfrute.

Joged KahyanganDewa Budjana lanza su segunda grabación para Moonjune Records, Joged Kahyangan grabada en el año 2013, en el que presenta un elenco estelar de músicos de fusión como Larry Goldings (órgano Hammond y piano); Bob Mitzer (saxos soprano y tenor, bajo clarinete); Jimmy Johnson (bajo) y Peter Erskine (batería), con la colaboración de Janis Siegel (vocales en el tema “As You Leave My Nest”) y por supuesto Dewa Budjana en (guitarras, composiciones y arreglos). Dewa Budjana edulcora su música acercándose a un sonido más americano en la línea del smooth jazz y acusando influencias del Pat Metheny Group con el propósito de darse a conocer a nivel mundial. El estilo de Dewa Budjana es eclético, lo que nos lleva a reconocer ciertos pasajes ajenos a su música en sus discos. Siempre abierto a cualquier influencia propia del jazz o de otras propuestas como el rock progresivo sabe aglutinar todas esas ideas y hacerlas propias. Las composiciones son tratadas con exquisitez y elegancia en un trabajo muy cuidado de brillantes arreglos donde nada se deja al azar. Muy bello “Erskoman” con destacados solos de Dewa Budjana y Larry Goldings en el órgano Hammond. Étnica y repetitiva es “Guru Mandala”; preciosa la balada que pone broche final al disco, “Borra’s Ballad”, con la turbadora guitarra acústica de Dewa Budjana y el sensible órgano Hammond de Larry Goldings. “Joged Kahyangan”, que da título al disco, personalmente me recuerda al guitarrista Gordon Giltrap y Pat Metheny. Reminiscente, étnica y evocadora, “Dang Hyang Story”. El tema vocal, “As You Leave My Nest”, es el “single” que podría extraerse de Joged Kahyangan, interpretado por la cantante Janis Siegel cuyas armonías son puro feeling. “Cloud Of Foggy” y “Majik Blue” son standards del jazz de fusión.

© Enrique Farelo 2015

Más información sobre MoonJune Records en:

Reseñas de discos de Moonjune Records: Boris Savoldelli & Elliott Sharp, Protoplasmic ; Allan Holdsworth, Alan Pasqua, Jimmy Haslip & Chad Wackerman, Blues For Tony ; Geoff Leight & Yumi Hara, Upstream ; Tripod, Tripod ; Soft Works, Abracadabra ; Jason Smith with Gary Husband and Dave Carpenter, Tipping Point ; Arti & Mestieri, First Live in Japan ; Phil Miller’s In Cahoots, Conspiracy Theories ; simakDialog, Demi Masa ; Alex Maguire Sextet, Brewed In Belgium ; Mahogany Frog, Do5 ; DouBt, Never Pet A Burning Dog ; Soft Machine, Drop ; Humi (Hugh Hopper & Yumi Hara Cawkwell), Dune ; D.F.A., 4 th .; Dusan Jevtovic: Am I Walking Wrong? (Moonjune Records, 2013); Tohpati: Tribal Dance (MoonJune Records, 2014); The Sours: The Sours (Moonjune Records, 2014); Dewa Budjana: Surya Namaskar (Moonjune Records, 2014); Susan Clynes: Life Is… (Moonjune Records, 2014); Machine Mass: Inti (Moonjune Records, 2014) http://www.tomajazz.com/discos

También se pueden escuchar grabaciones de Moonjune Records en Universos Paralelos, programa radiofónico de Onda Verde dirigido por Sergio Cabanillas: http://universosparalelosradioshow.blogspot.com.es/




Juanma Barroso / Germán Kucich / Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Tomajazz recupera… Kucich, Charlín y Barroso Trío: modernidad asequible, por Sergio Cabanillas, Enrique Farelo y Carlos Lara

Juanma Barroso / Germán Kucich / Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Juanma Barroso / Germán Kucich / Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

Germán Kucich: Creo que tanto en Juanma como en mí se aprecia una cierta evolución musical. Sin hablar de Paco, que…

Paco Charlín: … está todavía evolucionando (risas).

Leer: Kucich, Charlín y Barroso Trío: modernidad asequible, por Sergio Cabanillas, Enrique Farelo y Carlos Lara (publicado originalmente en diciembre de 2005)




Arte, literatura, rock, jazz y otras hierbas, un cóctel explosivo en manos de los malagueños Kermit. Entrevista por Enrique Farelo y Carlos Lara

El cuarteto Kermit nació a principios de 2012. Año en el que apareció su primer disco llamado Autoficción, un trabajo de corte experimental, donde los guiños al jazz y al rock progresivo estaban presentes, apuntando ya una interesante referencia al mundo de la literatura. Rasgos que se han visto corroborados recientemente con la publicación de su nueva grabación, Litoral (Itaca Records, 2014), concebido como un homenaje a la revista del mismo nombre, fundada en 1926, y cuyo director actual, Lorenzo Saval, ha sido el autor del diseño de la portada. Como referencia hacia esta prestigiosa revista malagueña es obligado recordar su extraordinario número La Poesía del Jazz editado en el año 2000.

Litoral está lleno de referencias literarias, con textos de Allen Ginsberg, George Orwell,  Roberto Bolaño, Raúl Díaz Rosales y del componente de la banda, Francisco Trujillo.  El grupo lo forman: Miguel Seguí a la guitarra, los sintetizadores y los sampler, Álvaro Parada a la batería, las voces y el saxo, Francisco Trujillo al bajo eléctrico y Gonzalo Presa a la guitarra, la batería, los sampler y las voces.

Con ellos, sobre su trayectoria y su particular forma de entender la música y otras expresiones artísticas, Enrique Farelo y Carlos Lara han mantenido la siguiente entrevista.

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Enrique Farelo-Carlos Lara: Lleváis dos años en la carretera, ¿de dónde provienen los miembros de Kermit hasta que forman el grupo? ¿Cuáles son vuestras principales influencias?

Kermit: Gonzalo, Paco y Miguel nos juntamos a principios de 2011 para componer temas. Reclutamos a Álvaro un año más tarde, cuando ya teníamos compuestos los temas que serían Autoficción, nuestro álbum de debut, que publicó Itaca Records en noviembre de 2012. Cada uno de nosotros aporta sus influencias personales a Kermit, pero las comunes incluyen el rock progresivo, el jazz y la electrónica. Por ahí también hay post-rock, hardcore e indie rock.

Enrique Farelo-Carlos Lara: Para quien no os conozca, ¿en qué ámbito musical os sentís más cómodos?

Kermit: Somos una banda prácticamente instrumental, que se mueve en el terreno de la experimentación y la búsqueda de nuevos caminos.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Qué significado tienen para vosotros las palabras experimental y modernidad?

Kermit: Kermit es experimental porque nos permite dar rienda suelta a nuestras influencias y conceptos, a expresarnos… y eso siempre es una aventura, algo nunca realizado previamente… nuevo. Nos gusta explorar. Modernidad imaginamos que es para nosotros sentirnos parte de un todo. En una exploración compartida.

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Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Para vosotroscuál es el sentido del Arte?

Kermit:El de expresar lo que llevamos dentro y que esto ayude a alguien a convivir con lo que lleva dentro. El de intentar congraciarnos con nosotros mismos y vivir el presente. El de buscarnos y encontrarnos en otros. El de ser felices.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Cómo definís Autoficción, vuestro primer trabajo?

Kermit: Corresponde a la etapa en la que Kermit explora con gusto y alevosía múltiples direcciones en lo musical e insinúa la concepción de un álbum como una unidad a través del poema visual de Cesárea Tinajero, poetisa a la que buscan los protagonistas de Los detectives salvajes (Roberto Bolaño) a lo largo de toda la novela. Autoficción gira en torno a la idea del viaje y el descubrimiento de nuevos lugares, no necesariamente exteriores.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Qué diferencias resaltáis entre este disco y el segundo?

Kermit: Si Autoficción corresponde a la idea del viaje, nos gusta pensar que Litoral es una llegada a puerto. El momento de avistar al farero y tocar tierra: el sonido, la dirección, el propósito de Kermit se definen y aparecen nítidos tras la niebla de direcciones y caminos sugeridos en Autoficción.

Aparte de poder contar con Álvaro desde el principio del proceso compositivo, también hemos podido disponer a nuestras anchas del magnífico estudio que han montado Gonzalo Presa y Daniel Torres, Kraken Sound, lo que nos ha permitido cuidar la grabación y por lo tanto el sonido del álbum. Gonzalo conoce perfectamente en qué dirección deseamos que se mueva Kermit y qué queremos expresar en Litoral.

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Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Cómo surge la idea de hacer un disco de rock con poesía, si se permite la expresión?

Kermit: Autoficción también se caracterizó por su componente literario. Y en Litoral echamos mano de esta herramienta de forma instintiva, integrándola en el proceso de composición. Los textos son de un poeta malagueño, Raúl Díaz Rosales. Litoral también incluye un poema de Paco en el tema “Circumpolares” y suenan Ginsberg, Orwell y el propio Bolaño.

Por otro lado, poder contar con la ayuda de Lorenzo Saval cerró el círculo conceptual de este trabajo con su amanecer rosado, su farero ávido de aventuras y su Kremlin ardiente: su vocación exploratoria, en definitiva. Ha sido un auténtico honor y un privilegio tanto para la banda como para el sello poder contar con su colaboración.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Música psicodélica y textos surrealistas forman parte conceptual de Kermit? ¿En qué medida?

Kermit: Sí. La psicodelia siempre nos ha atraído, como una forma de viaje, a veces de evasión, al más puro estilo romántico. Como en A contracorriente de Huysmans. El surrealismo nos dio la escritura automática y el dejar salir el subconsciente. Otro viaje. Una exploración.

Enrique Farelo-Carlos Lara: Si el mar es vuestro caldo de cultivo, ¿el camino a recorrer es Neptuno, el Kraken,la Atlándiday el fondo marino como subconsciente?

Kermit: La verdad es que son todas imágenes que nos llaman. Son muy kermitianas [risas]. Muy evocadoras.

Enrique Farelo-Carlos Lara ¿Es la musa-inspiraciónde Kermit dirigir literalmente vuestra mirada al ocaso marino para componer?

Kermit: Es difícil haber nacido en Málaga y no hacerlo. Aunque culturalmente vivimos un poco atentos a lo que llega del norte, Málaga siempre ha vivido mirando al sur, a su mar Mediterráneo. Lorenzo ha sabido expresar muy bien en Litoral ese anhelo marinero que ya guiaba la experimentación kermitiana en Autoficción.

Enrique Farelo-Carlos Lara: La portada es de Lorenzo Saval (director y diseñador gráfico desde 1975 de la revista malagueña de poesía y pensamiento Litoral). ¿Procede de ahí el título del álbum? ¿Quépodríaisdecir de Lorenzo Saval? ¿También diseñó la portada de Autoficción?

Kermit: Concebimos el álbum como un homenaje a la revista, subrayado por su heterogeneidad. Está pensado para funcionar como un número adicional de la revista, aunque en este caso sonoro. Ya habíamos decidido que se titularía sencillamente Litoral cuando contactamos con Lorenzo para proponerle que se encargara del diseño y la ilustración del álbum. Su colaboración cerró el círculo conceptual del proyecto.

Lorenzo ha sido una auténtica reafirmación en nuestros ideales artísticos y expresivos. Con su hermano Paco, hemos pasado grandes momentos de intercambio de ideas y perspectivas. Está siendo una colaboración fructífera y bonita. Percibimos una sinergia entre nosotros que era difícil de prever cuando decidimos contactar con él. Tendemos un verdadero puente intergeneracional.

La portada de Autoficción es un poema visual de la poetisa Cesárea Tinajero, personaje al que persiguen los protagonistas de Los detectives salvajes de Roberto Bolaño a lo largo de toda una novela río que va de Chile a México y que describe los anhelos y miserias de una generación poética mexicana, imagen de la del propio Bolaño y su compañero y amigo Papasquiaro: los viscerrealistas.

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Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Litoral da más rienda suelta a las improvisaciones jazzísticas? ¿Podríamos encuadrarlo en el jazz-rock?

Kermit: El jazz tuvo una presencia más diluida y de fondo en Autoficción, fue una contribución de Álvaro a un proyecto que encontró prácticamente cerrado al llegar, mientras que en Litoral adquiere mucha mayor presencia, debida a haber podido contar con él desde el comienzo del proceso compositivo del álbum, a esa semilla que buscamos los tres en él.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Qué papel representa el jazz en vuestra concepción musical?

Kermit: Creemos que nuestro gusto por el jazz nace de la tendencia a la improvisación en el local de ensayo. Kermit no es netamente un grupo de jazz, pero tampoco es un grupo de rock al uso: nos encanta el rock progresivo, muy dado también a la improvisación, muy jazzy a veces. Por otro lado, también nos llama mucho la electrónica y otros sonidos del rock más heterogéneo y experimental, como Sonic Youth, Slint, Mogwai, Liars, Massive Attack o incluso Radiohead.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Tenéis algunos músicos de jazz como referentes?

Kermit: Nuestro jazz son las referencias con las que hemos crecido los cuatro. Básicamente esto es Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans, Weather Report, Chick Corea, Herbie Hancock, la Mahavishnu Orchestra, Avishai Cohen, etc. Buf… esto se está alargando… [risas]

Enrique Farelo-Carlos Lara: Y dentro del rock progresivo, ¿por dónde van vuestros gustos? ¿Qué grupos son los que más os han marcado?

Kermit: Kermit es muy de Pink Floyd y de King Crimson, a partes iguales. Y de los Doors más experimentales. Algo de Jethro Tull también hay por ahí. Ah, claro, de Primus y Mr Bungle también. Y de la psicodelia, por supuesto, la de los Beatles, Jimi Hendrix, 13th Floor Elevators, Os Mutantes, Small Faces, Grateful Dead, etc. E inluso jam bands como Phish.

Enrique Farelo-Carlos Lara: Otro aspecto a mencionar es la incorporación de textos recitados, ¿qué creéis que aporta a Litoral este recurso poético?

Kermit: Fue algo que hicimos instintivamente, casi sin hablarlo. Llegamos y lo hicimos. Son trazos que dibujan una narrativa. Esa es la espina sobre la que se construye el concepto de Litoral.

Enrique Farelo-Carlos Lara: Textos de Allen Ginsberg, George Orwell, Roberto Bolaño… ¿Cómo habéis realizado la selección de los mismos?

Kermit: Los textos provienen de nuestras lecturas, de aquellas obras que nos inquietan y nos hacen pensar.

Por ejemplo: “To exchange one orthodoxy for another is not necessarily an advance. The enemy is the gramophone mind, whether or not one agrees with the record that is being played at the moment” [Cambiar una ortodoxia por otra no supone necesariamente un avance. El enemigo es la mente gramófono, ya esté uno de acuerdo o no con la grabación que está sonando en ese momento].

Esta frase de Orwell suena en un tema de corte electrónico en el que su halo distópico y sus palabras sensatas resuenan tras unas instrucciones en ruso para encender y poner a punto una grabadora de cinta, evocando el concepto de “Magnitizdat”, cintas en las que, para esquivar la censura en la URSS, se grababa contenido prohibido: ya fueran audiolibros (los libros, Samizdat, estaban muchísimo más vigilados) o música (jazz y rock, principalmente).

Por otro lado, Ginsberg recita partes de Howl (Aullido) en un tema frenético en 10/8. Aullido nos pareció una narrativa muy interesante en el desarrollo del tema, aunque se trata de un poema en el que predominan muchísimo las imágenes, que además aparecen aún más fragmentadas en el tema.

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Enrique Farelo-Carlos Lara: Esto da pie a una cuestión más: ¿Cómo veis la conexión entre la literatura y la música y en qué manera una influye a la otra y viceversa?

Kermit: La literatura y la música son las herramientas expresivas con las que estamos más familiarizados. Son de lo que echamos mano a la hora de crear, aunque el cine y el arte gráfico también permean en Kermit, pues nuestro proyecto musical tiene un fuerte componente narrativo, cierto dinamismo, como el cine.

Enrique Farelo-Carlos Lara: La edición de Litoral se ha hecho en vinilo y CD. ¿Creéis que existe una vuelta a la tradición del vinilo?

Kermit: Creemos que la experiencia de hacer sonar un vinilo es muy diferente a la de poner un CD o un MP3 en el ordenador o el móvil. Es otra filosofía. Es el ritual de escuchar música. El diseño y la ilustración adquieren peso en la percepción de la obra. Además, la calidez del sonido en el vinilo de Litoral nos ha agradado especialmente: puedes percibir la atmósfera del estudio. Es difícil de explicar, pero es algo muy especial, la verdad… y caro [risas].

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿El IVA cultural del gobierno supone una manera definitiva de acabar con la cultura de una vez por todas?

Kermit: España, lamentablemente, nunca se ha caracterizado por un especial respeto a la cultura y las artes. O por lo menos no a esta cultura y a estas artes. Quizá seamos más de playa, toros, feria y semana santa. A este respecto siempre nos gusta mirar a Francia.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Pensáis que la ingente cantidad de propuestas musicales existentes en el planeta Música pueden hacer que proyectos tan interesantes como el vuestro pasen desapercibidos para el aficionado?

Kermit: Es difícil conseguir llegar al público a través de internet y España no es un país muy fértil para este tipo de propuestas. La escena es pequeña y crece poco a poco: Madrid, Barcelona, Málaga, Cádiz, Don Benito, Galicia… Las escenas del Reino Unido, Holanda, Bélgica, Alemania o Rusia están muchísimo más desarrolladas. Y en ciertas zonas de EE.UU., como Chicago, Austin, San Francisco-San José, Sacramento, Nashville, Boston… Da un poco de envidia; pero todo llegará. Se está trabajando bien y hay mucha ilusión y muchas ganas puestas en hacerlo bien.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿El número de músicos (grupos y solistas) en España es muy superior y por tanto inversamente proporcional a la cantidad de aficionados?

Kermit: La música es un arte que requiere mucha educación. Institucionalmente tampoco se le ha dado nunca mucha importancia. Ha mejorado en los últimos años, pero todavía estamos lejos de Francia, Italia, Alemania o Reino Unido. Actualmente la LOMCE no deja la enseñanza musical en muy buen lugar que digamos.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Se puede vivir dignamente y como merecéis hoy con la música o necesitas de otros complementos para hacerlo?

Kermit: Imposible. Tampoco sabemos si realmente nos gustaría vivir de la música. Kermit es nuestra vía de escape y expresión. Convertirla en nuestro medio de subsistencia quizá supondría meterle una presión que no necesita de ningún modo para producir y experimentar con verdadera libertad. Sería cambiar Kermit irremediablemente y, probablemente, no a mejor.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Hay vida más allá de la Música o cómo compaginarla con vuestra cotidianidad del día a día?

Kermit: Sí. Hay vida más allá de la Música y nos gusta pensar que precisamente es lo que la hace significativa y expresiva.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿A qué tipo de público entendéis que va dirigida vuestra música?

Kermit: Es difícil de decir, porque Kermit es un proyecto muy personal. Hay rock instrumental, jazz y algo de electrónica. Literatura y pasión por la música entendida como un viaje, una ensoñación, una evasión o una introspección.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Escuchar música, leer o visionar una película es un esfuerzo que no entra en el lenguaje del apresurado hombre actual?

Kermit: A veces sí que resulta difícil sacar ese rato de sosiego que requiere bucear en una obra para experimentarla, madurarla y en último término, quizá con el paso del tiempo, aprehenderla. La abundancia también nos convierte un poco en ojeadores de revistas en una sala de espera permanente.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Qué conciertos tenéisprevistos en los próximos meses?

Kermit: Comenzamos una mini gira andaluza en Jaén el pasado sábado 10 de mayo, y seguimos el viernes 16 en la sevillana DF Hollander y en Don Benito (Badajoz) el sábado 17 de mayo en el maravilloso y obligado The Rincón Pío Sound. Aún quedan muchas fechas por cerrar. Litoral es un disco con un largo recorrido cuyo parto nos ha dejado exhaustos pero felices e ilusionados con un proyecto con mucho potencial de crecimiento. Y llega el verano [risas].

Texto © 2014 Carlos Lara y Enrique Farelo
Fotografías © 2014 Víctor Hernández

Kermit: “Magnitizdat” (vídeo-single)




Tomajazz recomienda… un tema: “Cat Food” (King Crimson, 1970)

King Crimson – In The Wake Of Poseidon, 1970

Porque durante décadas fueron varios años por delante de los demás, porque Robert Fripp supo dotar a cada encarnación de la banda de personalidad propia y porque a pesar de evoluciones y saltos estilíticos, enlazaron una decena de álbumes fantásticos. Por todo ello, King Crimson merecen ser escuchados con mucha atención.

Una de las cosas más magnéticas del tema que recomendamos es el piano de Keith Tippett, que ya hacía sus pinitos en el jazz británico y que fue un miembro de excepción en la primera época de la banda.

El tema, que puede recordar ligeramente al riff del “Come Together” de los Beatles (¿quién escapaba a su influencia en esos años?), es un ejemplo excepcional de lo que se puede hacer mezclando los lenguajes pop, rock y jazz.

“Cat Food” fue single principal del ábum In The Wake Of Poseidon en su época, lo que da una idea de cómo ha cambiado la música popular.




Kucich, Charlín y Barroso Trío: modernidad asequible, por Sergio Cabanillas, Enrique Farelo y Carlos Lara [Entrevista]

This is new” (New Mood Jazz, 2005) es el título del nuevo disco del trío formado por Germán Kucich (piano), Paco Charlín (contrabajo) y Juanma Barroso (batería). Han pasado cuatro años desde que se editara su espléndido trabajo de debut “Y después…Qué?” (Ingo Música), con la salvedad de la incorporación del gallego Paco Charlín en lugar de Carlos Ibáñez, en el contrabajo. Un tiempo que, vistos los resultados, ha merecido la pena, ya que estamos ante un disco más maduro, más evolucionado y más elaborado que el anterior. De estas y otras cuestiones, hablaron los tres componentes del grupo en el programa “Universos Paralelos”, que dirige y presenta Sergio Cabanillas en Onda Verde de Madrid (107.9 FM), ayudado en sus labores entrevistadoras por Enrique Farelo y Carlos Lara. Transcripción por Carlos Lara.

German Kucich, Juanma Barroso, Paco Charlin This is New New Mood Jazz - FAM22010

German Kucich, Juanma Barroso, Paco Charlin
This is New
New Mood Jazz – FAM22010

Paco Charlín / Juanma Barroso / Germán Kucich © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín / Juanma Barroso / Germán Kucich
© Sergio Cabanillas, 2005

ENRIQUE FARELO: Mi primera pregunta va dirigida especialmente a Germán Kucich. Vuestro anterior disco “Y después… Qué?” parecía que presagiaba algo y ya se ha visto que ha tenido una continuidad en el nuevo. Me gustaría que comentaras, en primer lugar, hasta qué punto se ha producido esa continuidad que ya se vislumbraba en vuestro anterior trabajo. Y, por otro lado, saber si consideras que tenéis, salvando las distancias, algún paralelismo con el trío de Esbjorn Svensson (E.S.T.) o el histórico de Bill Evans.

Germán Kucich © Sergio Cabanillas, 2005

Germán Kucich
© Sergio Cabanillas, 2005

GERMAN KUCICH: El primer disco fue el primer proyecto que pudimos grabar, en el que participaba Carlos Ibáñez en el contrabajo y Juanma a la batería. Posteriormente, decidimos mantener las ideas que ya teníamos, incorporando a Paco. Respecto a nuestro estilo y las referencias a otros grupos que haces, puedo decirte que cuando grabamos el primer disco no habíamos escuchado a E.S.T., aunque obviamente sí y mucho a Bill Evans. La idea que tenía Bill Evans sobre lo que debe ser un trío de jazz no se le escapa a nadie. Se puede estar más cerca o más alejado de ella, pero a la postre es una influencia que tienen la mayoría de los tríos de jazz, formados por piano, bajo y batería.

SERGIO CABANILLAS – TOMAJAZZ: Quizá Enrique se refería al hacer las referencias a E.S.T. y Bill Evans, a si vuestra forma de entender el jazz, va más por el jazz contemporáneo, donde se permiten ciertas disonancias y se asumen más riesgos, por otra forma más tradicional o quizás habéis decidido tirar por la calle del medio.

GERMAN KUCICH: Yo diría que en el término medio se encuentra la base o el fundamento sobre lo que yo puedo construir luego todo, ya sea la parte de composición o de improvisación. Quizá en este nuevo disco, efectivamente, tratamos de experimentar más con otro tipo de elementos y los temas se inclinan hacia el lado más moderno. Con el paso del tiempo, ha habido una cierta evolución en la forma de tocar y de componer los temas, lo que ha hecho que broten diferentes enfoques o nuevas texturas en nuestra música.

Juanma Barroso © Sergio Cabanillas, 2005

Juanma Barroso
© Sergio Cabanillas, 2005

JUANMA BARROSO: La verdad es que no creo mucho en lo de catalogar las cosas. Este trío que se mencionaba antes (E.S.T.), lo he oído nombrar, pero aún no lo he escuchado. De lo que se trata en un trío de jazz es que las tres personas que están tocando juntas tengan algo en común que decirse, aunque cada uno venga de diferentes caminos de la música. Por tanto, a mí no me dicen nada los estereotipos aplicados a la música. Lo que sí es lógico es que, según pasa el tiempo, haya cosas que vas escuchando y te gusta introducirlas, pero no me he planteado definir este tipo de circunstancias. A mí lo que más me gusta y más he estudiado es la tradición de la música negra de los 50, pero también me gusta mucho lo que se hace ahora.

CARLOS LARA: Independientemente de todo, lo que sí se nota muy claramente en los dos discos es que tenéis un gran conocimiento de lo que es la tradición del jazz, presente en cada uno de vuestros temas...

GERMAN KUCICH: Es verdad que la base tradicional está ahí. Humildemente trato de buscar cosas que al menos yo no he escuchado, aportar y conseguir sonidos nuevos.

CARLOS LARA – TOMAJAZZ: Sería como tratar de encontrarle una arista más al jazz.

GERMAN KUCICH: Claro, es como una necesidad que yo al menos tengo. Ya llevamos años en esto y tratamos de buscar nuevas formas de hacer las cosas o hacer lo mismo pero de otra manera. En definitiva, esto es lo divertido y lo que nos mueve. Porque hacer las cosas como las hacía hace año,s ahora mismo me aburre y no nos estimula a seguir.


INCORPORACIÓN DE PACO CHARLÍN

CARLOS LARA – TOMAJAZZ: ¿Qué ha cambiado entre el disco nuevo y el primero?

GERMAN KUCICH: Creo que tanto en Juanma como en mí se aprecia una cierta evolución musical. Sin hablar de Paco, que…

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

PACO CHARLIN: … está todavía evolucionando (risas).

SERGIO CABANILLAS – TOMAJAZZ: Ya que hablamos de Paco Charlín, ¿nos podrías contar como entras a formar parte de este trío y cómo se ha fraguado el disco?

PACO CHARLIN: Conozco a Germán y a Juanma desde hace año y medio, y todo surgió a raíz de unas actuaciones que hicimos con Bobby Martínez en el Café Central de Madrid. A partir de ese momento, comenzamos a tocar juntos y a vernos más, ya que nos sentíamos muy cómodos tocando los tres. Realizamos algunas actuaciones, compusimos algunos temas y por fin, nos decidimos a grabar. No conocía el trabajo de ellos dos, pero al tocar juntos hemos visto que teníamos gustos e inquietudes parecidas, con lo que la química empezó a funcionar. Lo que buscamos es divertirnos tocando juntos y mejorar cada vez que lo hacemos.

GERMAN KUCICH: Lo que está diciendo Paco es muy cierto, porque eso se nota a la hora de tocar. Hay muchos músicos famosos y conocidos que se juntan para tocar, pero el resultado no es el que te esperabas y por tanto no funcionan. Se trata de buscar un sonido único, en el que la compenetración de los músicos quede tan patente que no sean éstos los que sobresalgan, sino que la música que generan sea la auténtica protagonista.

ENRIQUE FARELO – TOMAJAZZ: Tanto en el último como en el primer disco firmáis con vuestros nombres, no es, por poner un ejemplo, el Germán Kucich Trío. ¿Funcionáis como un grupo o hay alguien que lidere el mismo?

PACO CHARLIN: Volviendo un poco a lo que dije antes, queremos reflejar lo que aportamos los tres por igual. Tanto en los ensayos como en las composiciones, funcionamos de mutuo acuerdo y sin que nadie dirija. A la hora de grabar o de poner nombre al trío, no se destaca a ninguno de los tres, sino que queremos dejar patente que es un grupo de tres personas que tienen el mismo protagonismo.


VERSIONES

Juanma Barroso / Germán Kucich / Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Juanma Barroso / Germán Kucich / Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

ENRIQUE FARELO – TOMAJAZZ: Con respecto a las versiones de los temas que no son originales, ¿qué proceso seguís para elegirlas?

PACO CHARLIN: Esto depende de lo que esté uno escuchando en ese momento, o proponiendo temas que a alguno le gustaría “versionear”, y si nos gusta a los tres, pues lo hacemos. Depende de que a los tres nos apetezca.

ENRIQUE FARELO – TOMAJAZZ: En el último disco hay un tema que quizá sorprenda un poco como es el “Isn´t she lovely” de Stevie Wonder, ¿Qué significado tiene un tema así en un trío como el vuestro?

GERMAN KUCICH: Se trata de un arreglo mío. La verdad es que Stevie Wonder me encanta y me gustaría tocar muchas más canciones de él. Un día me encontraba en el piano desarrollando una serie de ideas y me salió ese arreglo, al igual que Juanma tiene un arreglo de un tema de Monk. Con respecto al tema de Stevie Wonder tengo que decir que le considero un gran compositor de canciones y por eso incluimos una suya.

SERGIO CABANILLAS – TOMAJAZZ: Se nota que para tí la melodía es muy importante y hasta cierto punto, la simplicidad de la frase que define el tema como puede ser el caso del tema “Astro Alma”.

GERMAN KUCICH: Es verdad que la melodía es importante. Para mí los temas son como aproximaciones en los que puede primar más la melodía o la armonía. Siempre me ha gustado hacer temas con melodías simples, sin necesidad de introducir muchos acordes o elementos más complicados.

PACO CHARLIN: Creo que al contar con las versiones, se pone en evidencia que no podemos escapar de lo que hemos escuchado a lo largo de nuestra vida. En mi caso descubrí el jazz muy tarde. No nací escuchando a Coltrane, ni siquiera a Stevie Wonder. Con los años te vas formando musicalmente con lo que escuchas. No podemos escapar de las raíces y si intentas escapar ya estás siendo alguien que no eres realmente. Cuando uno tiene sus raíces y se aprecia como interpreta los temas creo que está aportando algo nuevo.

GERMAN KUCICH: Influye también mucho la honestidad que le pongas al hacer eso. No hay que hacerlo como una pose o para ser más comercial.


RAÍCES E INFLUENCIAS

Paco Charlín / Juanma Barroso / Germán Kucich © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín / Juanma Barroso / Germán Kucich
© Sergio Cabanillas, 2005

ENRIQUE FARELO – TOMAJAZZ: Hablando de raíces e influencias musicales. ¿Cómo ha influido el tango en un argentino como Germán Kucich?

GERMAN KUCICH: Cuando era niño, no escuchaba ni tangos ni chacareras. No me gustaban. Por tanto no puedo venir a España, ponerme el poncho y empezar a tocar chacareras con el bombo y unos cuantos arreglos. Además, no lo siento honesto y encima me aburre. No todos lo músicos españoles tocan flamenco, ni los argentinos son amantes del tango.

ENRIQUE FARELO – TOMAJAZZ: No me refería al estereotipo del tango, sino a situaciones como por ejemplo la de Perico Sambeat que no hace flamenco puro, pero en su música se nota la influencia del mismo.

GERMAN KUCICH: A lo mejor él siente ese tipo de música y le puede gustar coger determinados elementos del flamenco. Respeto el tango, pero yo no puedo tocar ese tipo de música al piano. A veces lo he pensado: igual haciendo versiones de tango vendemos más discos, pero no me sale de manera sincera. Me gusta mucho más la música de Brasil que la de Argentina.

ENRIQUE FARELO – TOMAJAZZ: Volviendo a las influencias musicales, ¿Qué tipo de música ha marcado vuestra vida al margen del jazz?

PACO CHARLIN: Donde vivo (Galicia) lo que más se escucha es la música folk y la tradicional gallega.

JUANMA BARROSO: De lo que más me acuerdo es que era muy rockero y mi grupos preferidos eran Led Zeppelín, Deep Purple o Police y después seguí evolucionando hacia otras músicas tipo soul como Sly and the Family Stone o los Jackson Five. Pero he estado bastantes años enamorado del rock. Cuando empecé con el jazz inicié un proceso de alejamiento de ese tipo de música y desde hace unos años he vuelto a escucharla de nuevo.

GERMAN KUCICH: La música que escuchas a esa edad no se olvida nunca. Es verdad que a partir de que te metes en el jazz parece que desaparece todo lo demás. De joven no escuchaba jazz, ni en mi familia nadie es músico, pero hay algunos grupos que se quedan ahí guardados en la memoria. Grupos como King Crimson, Yes, Beatles, Zeppelín, etc. Que era lo que escuchaba todo el mundo de mi generación en Argentina, y no precisamente el tango. Cuando yo era chaval, el tango era una cosa de viejos. Sin embargo ahora ha habido como una especie de recuperación de esta música y a los jóvenes les gusta.

SERGIO CABANILLAS – TOMAJAZZ: En el nuevo disco hay un tema –“Ava Gardner”- que daba nombre a un cuarteto del que formó parte Germán Kucich, me imagino que querrías rendirle un homenajea su autor Sergio Rafaelli.

GERMAN KUCICH: Sergio Rafaelli, compositor del tema que incluimos en el nuevo disco, es un amigo guitarrista. Un colega de La Plata con el que empecé a descubrir el jazz y la buena música. El tema surgió de unas partituras que tenía en casa desde hace quince años, lo propuse al grupo y decidimos arreglarlo nosotros.

SERGIO CABANILLAS – TOMAJAZZ: Se trata de un tema que tiene un cierto toque a Thelonius Monk, al igual que el arreglo que ha hecho Juanma Barroso del famoso Monk´s Dream, ¿Cómo decidiste trabajar este tema?

JUANMA BARROSO: Este tema lo llevo interpretando desde que empecé a tocar jazz y me gusta mucho. Lo tocaba en la versión original de 4 x 4. Cuando vino la época esta de los 7 x 4, decidí probar algo nuevo. Tenía una idea en la cabeza y lo que sucede es que no es como un 7 x 4 normal, he cambiado la melodía para que fuera teniendo sentido y una vez probado, la cosa funcionó y decidimos incluirlo en el disco.

SERGIO CABANILLAS – TOMAJAZZ: Otra de las características del disco “This is new” es que se nota mucho, al igual que sucede con el trío de Abe Rábade, que se apoyan mucho la mano izquierda de Germán y el contra de Paco, algo que no suele ser frecuente escucharlo en otro tipo de tríos.

GERMAN KUCICH: : Eso se debe a que en los últimos años me dio por hacer este tipo de cosas. Hacer la melodía directamente con la mano izquierda o buscar los contrapuntos. Es un recurso que refuerza la melodía, aunque es bastante normal utilizarlo.


TRÍOS INESTABLES

 

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín

© Sergio Cabanillas, 2005

Germán Kucich © Sergio Cabanillas, 2005

Germán Kucich

© Sergio Cabanillas, 2005

Juanma Barroso © Sergio Cabanillas, 2005

Juanma Barroso
© Sergio Cabanillas, 2005

 

 CARLOS LARA – TOMAJAZZ: En España tenemos pocos tríos estables, ¿A qué se debe que los tríos no se consoliden como sucede en otros países?

GERMAN KUCICH: El trío es una formación que siempre me ha gustado y he tratado de mantenerla estable. Es difícil porque las circunstancias en España son adversas hacia este tipo de formaciones.

CARLOS LARA – TOMAJAZZ:¿En qué formación os sentís más a gusto?

GERMAN KUCICH: Me siento a gusto en cualquier formación mientras me guste la música que se está haciendo. El trío es quizá donde me pueda expresar mejor, pero me encanta tocar en cualquier otro tipo de formato.

SERGIO CABANILLAS – TOMAJAZZ: No pensáis que esa falta de estabilidad de los grupos se puede deber, a parte de otras cosas artísticas, al ámbito puramente laboral de cómo funciona el jazz en España y a la necesidad imperiosa de diversificar el trabajo para evitar el paro.

JUANMA BARROSO: Para mí el trabajo es la primero. Aparte de los distintos trabajos que cada uno realicemos, lo que te gustaría es tocar más, consolidar el grupo, pero que te contraten como trío está muy complicado. Los que contratan no tienen mucha idea y lo que buscan es un reclamo hacia la gente que tiene una pequeña afición al jazz o está empezando y buscan grupos para llenar festivales. No les importa que alguien haga buena música, porque no encaja con unos supuestos gustos mayoritarios. Cuando se empiezan a cerrar los circuitos para grupos de calidad, o hay una multinacional que los respalda o los proyectos empiezan a decaer, aunque sigues tocando para quien te contrate y sigues en otra historia.

ENRIQUE FARELO – TOMAJAZZ: Hablando de un trío que tiene una cierta estabilidad. Parece que de Abe Rábade, del que forma parte Paco Charlín, sí tiene continuidad, ¿Cómo es el trabajo con Abe Rábade y su trío, y como ha sido tu participación en el último trabajo de Perico Sambeat?

PACO CHARLIN: Como Abe y yo vivimos en Galicia, trabajamos juntos muy frecuentemente. El trabajo con Abe, aunque es similar al que hago con Germán y Juanma donde cada uno aporta sus ideas, se diferencia en que quien toma las decisiones y dirige el grupo es el propio Abe. Con respecto al disco de Perico, mi incorporación y trabajo se ciñó a lo que él quería. Pero al final, el trabajo es similar en todos los grupos.

ENRIQUE FARELO – TOMAJAZZ: ¿Consideras que estás viviendo un buen momento desde el punto de vista musical por estar colaborando con una serie de músicos que tienen cierta relevancia en el jazz nacional?

PACO CHARLIN: Aunque llevo muy poco tiempo en el jazz, supongo que así es. La verdad es que no me puedo quejar. No estoy metido de lleno en el cogollo del jazz, porque vivo lejos de donde se cuecen las cosas, pero llevo cinco años tocando jazz, muchos menos que Juanma y Germán y aún estoy empezando. Tampoco tengo muy claro lo que quiero hacer de momento, estoy en un proceso de definición del sonido y por eso estoy en varios grupos. Creo que cuanto más experimente con todo tipo de músicos de jazz, ello me reportará el bagaje que necesito para seguir avanzando y llegar a mi propio estilo.


NUEVOS PROYECTOS

Paco Charlín / Juanma Barroso / Germán Kucich © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín / Juanma Barroso / Germán Kucich
© Sergio Cabanillas, 2005

 SERGIO CABANILLAS – TOMAJAZZ: A pesar de ello parece que tiene varios proyectos interesantes…

PACO CHARLIN: Esta es la ventaja de tocar con músicos como Germán, Perico, Abe o Juanma, que poco a poco vas queriendo poner en práctica tus propias ideas musicales. Tengo algunas cosas grabadas pero cuando sea el momento las daré a conocer.

ENRIQUE FARELO – TOMAJAZZ: ¿Qué músicos o estilos han marcado vuestra vida como profesionales?

PACO CHARLIN: A mí no solamente me han marcado algunos bajistas, sino todo tipo de épocas en la historia del jazz, como el swing, bebop o hard bop. Destaco todo tipo de discos que llegan a mis manos de gente conocida, como aquella que no lo es tanto. Siempre me aportan ideas o conceptos nuevos. Tanto en Madrid, como en Barcelona , Londres o Nueva York están pasando cosas y hay grupos muy buenos que no conocemos, pero que no tienen la suerte de ser publicitados como otros.

JUANMA BARROSO: En este sentido, como influencias destacaría a Miles, Coltrane, Shorter, como mis músicos sagrados. De los bateristas, Philly Joe Jones siempre fue mi héroe. También hay cosas de ahora que me interesan mucho. algunas no tienen que ver con el jazz y que te enriquecen.

GERMAN KUCICH: En cuanto a pianistas, los que más me han gustado han sido Bud Powell, Monk, Tristano, Hancock, McCoy, unos más que otros. También el gran quinteto de Miles es mi grupo favorito de siempre. Asimismo, me gusta mucho la música clásica, especialmente Bach, Stravisnky o Ravel.

SERGIO CABANILLAS – TOMAJAZZ: Y llegado el momento de terminar esta entrevista, ¿podéis hablarnos de vuestros proyectos más inmediatos?

PACO CHARLIN: Continuar dando clases en el seminario permanente de jazz de Pontevedra, seguir con este proyecto de trío, tocar con Perico y hacer un disco con Jesús Santandreu y Vicente Espí, un batería valenciano que va a grabar un disco homenaje a Coltrane.

JUANMA BARROSO: En mi caso lo mismo, seguir dando clases y en cuanto al trío seguir con él, porque el directo es fundamental para desarrollar y consolidar nuestro estilo. Y pensar ya en el siguiente disco del trío, en el que a lo mejor tenemos un invitado sorpresa. En febrero, espero terminar de grabar un disco a trío con Larry Willis. También aparecerá el nuevo disco de Bobby Martínez, en el que participamos. Por último, en el mes de mayo haremos una gira con Sonny Fortune, en la que también participará Germán.

GERMAN KUCICH: Entre mis proyectos, lo más importante por ahora es centrarme en este trío y seguir dando mis clases.

© Sergio Cabanillas – Enrique Farelo – Carlos Lara, Tomajazz 2005