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Juan Saiz – Baldo Martínez – Lucía Martínez “Frágil Gigante” (Festival Internacional de Jazz de Madrid, Centro Cultural Fernán Gómez, Madrid. 2020-11-15) [Concierto de jazz] Por Enrique Farelo y Carlos Lara

  • Fecha: Domingo, 15 de noviembre de 2020.
  • Lugar: Centro Cultural Fernán Gómez (Madrid).
  • Grupo:
    Juan Saiz – Baldo Martínez – Lucía Martínez “Frágil Gigante”
    Juan Saiz: saxo tenor, saxo soprano y flauta.
    Baldo Martínez: contrabajo.
    Lucía Martínez: batería y percusiones.

Juan Saiz, Baldo Martínez y Lucía Martínez han unido su sabiduría musical en Frágil Gigante, una apuesta muy solvente para la música contemporánea, el free jazz y la libre improvisación. Durante este fatídico año ha visto la luz, editado por el prestigioso sello Leo Records, un disco en el que estos extraordinarios músicos forman una comunión llena de estimulantes propuestas sonoras.

El concierto sirvió de presentación del disco y fue una perfecta excusa para que los músicos expresaran su agradecimiento al público que, a pesar de la frialdad del momento que se vive, está respondiendo y asiste a los conciertos programados en esta nueva edición del Festival de Jazz de Madrid.

Además de buenos intérpretes, los tres componentes de Frágil Gigante son grandes compositores. “Elwha”, “X”, “Responso”, “Bloque Nº 1”, “Nena”, “Bradada”, “Freaks”, “Saku” y “Nana” son los nombres de las piezas que sonaron a lo largo de 60 minutos. Títulos cortos y expresados con plena libertad, que dan lugar a un cuadro sonoro en el que cualquier pincelada tiene su propio valor. Estos nombres bien podrían ser títulos de cuadros que requieren plena atención porque están llenos de texturas.

Así es la música de Frágil Gigante: inquieta y arriesgada. Concebido como un trío de cámara, al mismo tiempo es capaz de expandir la música hasta amplios horizontes.

El cántabro Juan Saiz en la flauta y saxofones realizó diferentes propuestas con ambos instrumentos, dejando ver que domina todos los registros: desde unas obvias influencias debussyanas se traslada hacia pasajes claramente coltranianos, dejando entremedias paso a reminiscencias de Eric Dolphy o Dave Liebman.

Las aportaciones de Baldo Martínez ya han creado escuela, pues no existe en España otro músico semejante que haya trazado en su trayectoria un estilo tan personal. Su capacidad de extraer sonidos sigue asombrando.

El complemento perfecto para este trío es Lucía Martínez, que ya ha alcanzado niveles muy altos en el dominio de la batería, las percusiones y un arsenal de matices que se escuchan casi transparentes en todos los temas.

La complementariedad de los músicos es la clave de su éxito. Sus precisas combinaciones entre la flauta, saxos y el contrabajo, junto con los múltiples recursos de la batería aportaron distintos laberintos sonoros llenos de improvisaciones, lo que convierten a este trío en un grupo perfectamente homologable a las nuevas tendencias del avantgarde internacional. Además de esto, Frágil Gigante hace poesía musical a tres voces.

Texto: © Carlos Lara, 2020
Fotografías: © Enrique Farelo, 2020




Juan Saiz o sobre lo oportuno de lo circunstancial [Entrevista de jazz] Por Pachi Tapiz

El trío formado por Juan Saiz, Baldo Martínez y Lucía Martínez acaba de editar Frágil Gigante. La grabación ha sido publicada Leo Records, un sello británico en el que han grabado algunas luminarias del jazz como Anthony Braxton, Cecil Taylor o Sun Ra, por mencionar únicamente a tres primeras figuras del jazz de las últimas décadas. El flautista y saxofonista Juan Saiz contestó al cuestionario de Pachi Tapiz.

¿Cómo surge el trío con Baldo y Lucía Martínez?

El trío surge, como muchas otras tantas cosas, gracias a las circunstancias. Tanto Lucía como yo habíamos colaborado con Baldo en diferentes proyectos. Además, yo era conocedor del trabajo que lleva haciendo ya unos cuantos años.

Lucía iba a venir a tocar a Santander que es la ciudad donde resido actualmente. Es entonces cuando pensé que junto a Baldo podríamos entendernos con facilidad y hacer música de una forma muy natural.

En la impro libre lo habitual son la grabación de primeros encuentros. En vuestra grabación hay temas de cada uno de vosotros. Si no estoy equivocado, pasó poco tiempo entre ese primer concierto y el paso por el estudio de grabación. ¿Cómo decidisteis montar ese repertorio con temas propios?

Tomamos la decisión de que cada uno de nosotros dirigiese una parte de la música. Creímos que era la forma más auténtica de hacerlo y que también sería la más efectiva puesto que, aunque en la propuesta que ofrecemos la responsabilidad está repartida y nadie puede escaparse, era necesario aprovechar el tiempo que estuviésemos juntos.

Esta forma de trabajo da resultados muy variados y, en ocasiones, se producen obras, conciertos o discos faltos de consistencia o de un argumento artístico común, siendo más bien como un collage. No puedo decir que nos preocupásemos de forma consciente de este aspecto, sino que nuestros enfoques musicales encajan de una forma sencilla sin necesidad de forzarlos.

¿Por qué el tono calmado, incluso melancólico de la grabación? ¿Fue algo acordado previamente, algo improvisado o el resultado de la edición de la grabación?

Este sí fue un aspecto que hablamos y que creo que da unidad a la grabación. Pensamos en hacer algo en donde dejásemos espacios, que la música respirase y aunque también hay momentos de mucha actividad, creo que es por esto por lo que da esa sensación de melancolía. En cuanto a la edición, no hubo prácticamente nada, lo que se escucha es lo que tocamos.

¿Los músicos lleváis a las improvisaciones o las improvisaciones os llevan a los músicos?

¡Esta pregunta sí que es difícil! Entiendo que esta cuestión entra de lleno en lo que son las partes consciente e inconsciente del acto musical… si dirigimos la música consciente o inconscientemente. Me resulta complicado expresarlo en palabras, la música surge de dentro, de lo que ya es inconsciente, de ahí proviene la música auténtica (este hecho no hace diferencias entre música escrita o no escrita) pero al mismo tiempo también diría que los músicos debemos tener control de dónde estamos y que lo que hacemos tenga sentido, así que quizás sea algo entre las dos cosas.

Cuando estoy tocando tengo la sensación de estar en un ambiente fluido en el que no me es fácil determinar racionalmente exactamente qué es lo que está pasando, es por esto por lo que creo que te diría que ambas cosas son ciertas.

¿Cómo ves la escena de la impro libre en España? En dos niveles: el primero el artístico… el segundo en la posibilidad de mostrarse al público… 

La improvisación libre es una manifestación musical tan primigenia, original y universal como desconocida y este país no es una excepción al respecto. Podemos hablar de lugares en los que está más asimilado que la música no tiene por qué ser tonal siempre, que puede incorporar elementos no convencionales y, estos lugares, están más abiertos a estas experiencias.

A pesar de ello, podemos decir que hay músicos que están haciendo un trabajo muy importante dentro de la improvisación libre. Podríamos hablar del caso de Barcelona, en donde hay una red de músicos con un sello como Discordian que favorece sus producciones, con músicos veteranos y también jóvenes que se están sumergiendo profundamente en la improvisación en donde la calidad artística está más que contrastada.

Pero también diría que el nivel artístico y la posibilidad de trabajar están unidos de forma indisoluble. Si no hay posibilidad de estar en un escenario, no hay posibilidad de desarrollo, no hay forma de que eso sea viable y la gente dedique todos sus esfuerzos a ello, nos quedamos en el potencial, lo que podría ser y no es.

No es el primer disco que publicas en un sello tan importante como Leo Records… allí están algunos de mis discos favoritos de Braxton, Cecil Taylor o la Sun Ra Arkestra por mencionar únicamente a tres monstruos del jazz. ¿Cómo lograste convencer a Leo Feigin para que os publicase vuestra obra en su sello?

Él escuchó mi música y tomó una decisión en base a criterios artísticos y musicales. Muchas veces no es así y, dadas las dificultades del sector, los directores de los sellos discográficos están pensando más en quién eres o si eres conocido, porque entonces ellos pueden sacar rendimiento al producto o, al menos, no perder dinero contigo, lo cual es comprensible. Leo (Feigin -dueño del sello-) tiene la suerte de tener un sello con un bagaje muy sólido que ofrece una consistencia grande y que no necesita a los artistas para que den relieve y posición a su trabajo, sino que ya cuenta con ello. Esto le permite ser más libre.

¿Cuáles son los siguientes pasos en vuestro trío? Próximos conciertos, próxima grabación… 

Por el momento, tenemos varios conciertos de presentación que pasan por el Festival de Jazz de Madrid, Huesca o el Festival Raqueros de Jazz de Santander. Ya solo el goce de tocar juntos y el vértigo que implica no saber qué es lo que va a pasar cada vez que tocamos es un motivo de gran felicidad para nosotros. Estamos deseosos de poder seguir presentando nuestro trabajo y continuar compartiendo música con la máxima sinceridad.

¿Cómo ves ahora mismo -octubre de 2020 en una segunda oleada de Coronavirus- el panorama del jazz en directo? 

La incertidumbre es lo que marca la pauta actualmente. Hay una realidad clara y, es que los conciertos en clubes o locales pequeños no pueden celebrarse por el momento. Y es que, muchas veces se sostenían a duras penas gracias al esfuerzo de todas las partes implicadas: músicos, dueños y programadores de estos locales.

Por suerte, hay ciclos y festivales organizados con mayor o menor apoyo institucional que han luchado mucho para seguir activos, incluso con reducciones presupuestarias. Debemos estar muy agradecidos al esfuerzo que han hecho muchos organizadores, asociaciones y gente particular para que hayan salido adelante estas actividades que nos permiten seguir con cierta actividad.

Por otro lado, las dificultades de movilidad entre países y, particularmente, entre Estados Unidos y Europa, han hecho que los conciertos que se llevan a cabo sean principalmente con músicos nacionales y, paradójicamente, se está empezando a visibilizar el trabajo que estamos haciendo en este país. No sé si es el fin de la globalización, pero en nuestro ámbito era una obviedad que la mayor parte del dinero público destinado a la música se iba a músicos de fuera, sin preocupaciones por una inversión en la economía local que, a su vez, pudiese revertir en la creación de cultura de calidad siendo esto una parte importante de lo que crea comunidad, de lo que hace país. Solo espero que esto sirva para que las cosas no vuelvan a ser como antes en este sentido.

Texto: © Pachi Tapiz, 2020
Fotografía: © Pepe Ainsua, 2020

Más sobre Juan Saiz y Frágil Gigante:
Carlos Lara reseñó Baldo Martínez, Juan Saiz y Lucía Martínez: Frágil Gigante (Leo Records, 2020) en https://www.tomajazz.com/web/?p=51289




Baldo Martínez, Juan Saiz y Lucía Martínez: Frágil Gigante (Leo Records, 2020) [Grabación de jazz]

Por Carlos Lara.

Pindio de Juan Saiz, Marco Mezquida, Alex Reviriego y Genis Bages fue en 2016 el primer grupo español que grabó para la prestigiosa discográfica inglesa Leo Records. El sello, especializado en música contemporánea, free jazz y libre improvisada, supo ver el talento de este cuarteto y por eso decidió darles proyección internacional. Recientemente ha visto la luz Frágil Gigante, una nueva apuesta de Leo Records por músicos nacionales personalizada en el trío formado por Juan Saiz, Baldo Martínez y Lucía Martínez.

La reunión de estos tres músicos ha sido una cuestión de tiempo y oportunidad. El saxofonista y flautista Juan Saiz ya había colaborado con Baldo Martínez, tanto en el grupo de éste como en el dúo que ambos forman, NU2. Lucía y Baldo Martínez ya tienen un amplio bagaje de colaboraciones con discos editados. Por tanto, la sintonía entre estos músicos inquietos, arriesgados y sumamente creativos parecía perfecta para lanzarse a este proyecto. Y como no podía ser de otra manera, los tres componentes demuestran sus grandes dotes para la composición. Los tres músicos realizan un trabajo excepcional y las composiciones son de las que se dice que dan mucho juego en directo. El trío por momentos parece de cámara y en otros es capaz de expandir la música hasta amplios horizontes.

Los temas de Frágil Gigante transmiten sensaciones abismales, de calma y de sorpresa. Es música imprevisible desde el principio hasta el final. Las piezas no son muy largas, pero con muchas cargas de profundidad y diferentes enfoques sonoros. Estamos ante un caleidoscopio cuyos ángulos van encajando en base al free, la música improvisada o incluso la música de vanguardia. El disco tiene un claro exponente que es el saxofonista y flautista cántabro Juan Saiz. A lo largo de los nueve temas realiza diferentes propuestas con ambos instrumentos, dejando ver que entre los maestros que ha tenido, los que más huella le han dejado son Agustí Fernández y Dave Liebman.

La precisa complementariedad de los músicos es clave en el desarrollo de las piezas. Las combinaciones entre las flautas, saxo y el contrabajo, junto con los múltiples recursos de la batería aportan distintos laberintos de improvisaciones.

El contrabajo con arco de Baldo Martínez más las percusiones de Lucía Martínez crean muchos momentos introspectivos. Juan Saiz a las flautas y a los saxos realiza su trabajo a la perfección con algunas reminiscencias orientales que le otorgan un punto de exquisitez. La batería de Lucía Martínez combina muy sutilmente todo un arsenal de matices sonoros que se escuchan casi transparentes en todos los temas.

Hay que saludar muy efusivamente que los músicos españoles formen parte de los catálogos de los sellos más prestigiosos a nivel internacional. “Frágil Gigante” es uno de los proyectos más arriesgados y creativos de la última hornada del jazz nacional.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2020

Baldo Martínez, Juan Saiz y Lucía Martínez: Frágil Gigante
Músicos: Juan Saiz (flauta, flauta de pico, saxo tenor y saxo soprano), Baldo Martínez (contrabajo) y Lucía Martínez (batería, percusiones y juguetes).
Temas: “Elwha”, “X”, “Responso”, “Bloque nº 1”, “Nena”, “Bradada”, “Freaks”, “Saku” y “Nana”.
Temas compuestos por Juan Saiz (“Elwha”, “X”, “Nena” y “Saku”), Baldo Martínez (“Bradada”, “Freaks” y “Nana”) y Lucía Martínez (“Responso” y “Bloque nº 1”).
Grabado en los Estudios Vumeter (Cantabria), el 9 de mayo de 2019.
Editado por Leo Records en 2020‎. CD LR 889




INSTANTZZ: Agustí Fernández Ensemble “Via Augusta” (Auditori de la Fundació Miró, Festival Grec 2019, Barcelona. 2019-07-11) [Galería fotográfica]

Por Joan Cortès.

  • Fecha: Jueves 11 de julio de 2019
  • Lugar: Auditori de la Fundació Miró (Barcelona)
  • Grupo:
    Agustí Fernández Ensemble
    Agustí Fernández, piano y dirección musical
    Sarah Claman, violín
    DoYeon Kim, kayagum
    Don Malfon, saxos barítono y alto
    Marc Vilanova, saxos alto y soprano
    Per-Åke Holmlander, tuba
    Barry Guy, contrabajo
    Lucía Martínez, batería
    Ferran Conangla, concepción sonora

Tomajazz: © Joan Cortès, 2019




Comunicado para Imaxinasons. Por Baldo Martínez – Nani García – Lucía Martínez [Artículo de opinión]

Ante la desconcertante desaparición del ImaxinaSons y su transformación en tiempo récord, las personas encargadas de la dirección artística en los últimos 13 años queremos manifestar lo siguiente:

-El Concello de Vigo como propietario del festival ImaxinaSons, tiene por supuesto la potestad para eliminarlo, cambiar su contenido e intenciones o incluso darle otro nombre. Todo esto es lo que acaba de hacer, pero esa facultad legal consideramos queda cuestionada ante la mal intencionada información (desinformación) que se está difundiendo públicamente, así como las múltiples paradojas que se derivan de esta decisión.

-Lamentamos mucho que la ventana que se abrió a Europa hace ahora 14 años desde Vigo se vuelva a cerrar infravalorando así la música de nuestro propio continente, ya sea más allá de los Pirineos o de la otra orilla del Miño. Desde los inicios de ImaxinaSons, se hizo una declaración de intenciones que reflejaba la filosofía del festival dejando claro cual era el propósito de este proyecto, con el compromiso de ser fieles a él: orientación al Jazz europeo (Es una forma de hablar. Muchas propuestas del así llamado jazz europeo provienen de Estados Unidos o del resto del mundo. Conforma en sí misma una manera de hacer jazz), presentación del Jazz más contemporáneo, apoyo a los músicos y proyectos de creación gallegos, además de presencia de músicos del resto de España y de nuestros vecinos portugueses. Era de los pocos festivales en el estado español con una línea de trabajo bien definida.

-Nos parece desconsiderado por parte del Concello, que en la presentación del “Festival de Jazz de Vigo”, no se haga referencia alguna al trabajo realizado por la anterior dirección, en una especie de ejercicio de olvido premeditado de la historia que recuerda a ciertas prácticas que no nos atrevemos a mentar. Se niega con toda crudeza los maravillosos conciertos que tuvieron lugar en esta ciudad. Y lo que es peor, se intenta borrar de un plumazo el recuerdo de los que en su momento asistieron a dichos conciertos. Durante la totalidad de los años que tuvo lugar el ImaxinaSons se llevaron a cabo alrededor de 350 actividades. Nos quedamos con la boca abierta cuando vemos las cifras que alcanzan los festivales que se organizan en el País Vasco; 53 ediciones Donosti, 42 Vitoria y Getxo… Pues bien eso se consigue sumando, no restando.

-Las palabras de la rueda de prensa de presentación: “El Festival de Jazz de Vigo abre una nueva etapa y aspira a convertirse en referente europeo en «diez años»”, suponen una pretensión incongruente, pues ImaxinaSons consiguió ser referente en menos de cinco años y continuó siéndolo durante 8 más pese a los recortes y desdichas que lo persiguieron. Pero eso no parece ser razón suficiente para otorgarle crédito a su continuidad. Tal vez alguien no esté bien asesorado. Ya desde sus inicios la prensa especializada europea y por supuesto la española, reflejaron la importancia en primer lugar de la creación de un festival como ImaxinaSons y en años posteriores su consolidación a nivel europeo. Así lo testifican reportajes y entrevistas en la revista Jazz Magazine, la decana de las revistas de Jazz en Europa, Jazz Hot, JazzPt (Portugal), Jazzconvention (Italia), Tomajazz, elclubdejazz.com, Cuadernos de Jazz (España), etc.  ImaxinaSons fue un hecho, lo que viene ahora es lo de siempre: declaración de intenciones vacua.

-Por último no entendemos cómo el pataleo continuado de un aficionado, por muy intenso que fuere, haya sido capaz de hacer caer las defensas de una institución tan poderosa e importante como el Concello de Vigo. Tanto Baldo Martínez como Nani García podemos entender y entendemos que de vez en cuando sea necesario un cambio generacional, pero ese paso ya se había dado por iniciativa propia; y de hecho el cambio fue doble aprovechando la ocasión para dar paso en el cargo de dirección artística a una mujer en la persona de la joven y más que capacitada Lucía Martínez. Y además era viguesa. Pero no fue suficiente.

-Por nuestra parte, por supuesto, sentimos mucho lo que está aconteciendo en Vigo alrededor de este tema, y sobre todo lo lamentamos por los vecinos y aficionados que a lo largo de todos estos años han ido descubriendo nuevas músicas y propuestas arriesgadas provenientes la mayor parte de las veces de su entorno más cercano y natural. Una música que les estaba vetada y que proponía una apuesta singular para una ciudad singular. Nosotros mismos aprendimos y descubrimos nuevas propuestas en el excitante ejercicio de nuestra función.

Crear es muy difícil y destruir siempre es muy fácil. Después de 13 años desaparece este referente europeo que tenía la ciudad de Vigo, desaparece el ImaxinaSons.

Baldo Martínez / Nani García / Lucía Martínez




INSTANTZZ: Lucía Martínez & Samuel Blaser (16 años de Club de Jazz -segunda parte- / Centro Cultural El Matadero, Huesca. 2017-03-04) [Galería fotográfica]

  • Fecha: Sábado, 04 de marzo de 2017
  • Lugar: Centro Cultural El Matadero (Huesca)
  • Grupo:
    Lucía Martínez & Samuel Blaser
    Lucía Martínez, batería y percusión
    Samuel Blaser, trombón
    Irene Aranda, piano –en el tema final-

Tomajazz: © Joan Cortès, 2017




HDO 221. Irene Aranda: sus palabras y las músicas de Phonophobia y Tribus. Entrevista por Pachi Tapiz [Podcast]

Irene Aranda. Fotografía promocional de Phonophobia (2016)
Portadas de Phonophobia y Tribus

A la tercera va la vencida. En HDO 159 sonó Tribus (Producciones Efímeras, 2016) de Irene Aranda – Germán Díaz – Lucía Martínez, y en HDO 217 fue el turno del disco en solitario de Irene Aranda titulado Phonophobia (Vector Sounds, 2016). En HDO 221 escuchamos la voz de esta pianista e improvisadora. En charla telefónica con Pachi Tapiz, nos comentó distintas cuestiones acerca de estos dos proyectos, de su manera de enfocar la improvisación, el estado de esta manera de entender la música en España, de sus próximos proyectos e incluso ejerció de entrevistadora. Como complemento a sus palabras, suenan temas de TribusPhonophobia.

Texto y entrevista: © Pachi Tapiz, 2017

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.




HDO 159. Improvisando: David Paredes / Liquid Trío / Irene Aranda / Fernández – Azaiez. 3X3(010) [Podcast]

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Propuestas que tienen que ver, de un modo u otro, con la improvisación libre en HDO 159. David Paredes (junto a Manuel Castilla, Antonia Funes y Víctor Sequí) con Frames (en Alina Records, disponible para su descarga libre); Liquid Trío (Agustí FernándezRamon PratsAlbert Cirera) con Marianne (Vector Sounds); Irene Aranda (junto a Germán Díaz y Lucía Martínez) con Tribus (Producciones Efímeras); Agustí Fernández y Yasmine Azaiez con Revelation (Fundacja Sluchaj! / Listen Foundation!).

© Pachi Tapiz, 2016

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.




III San Miguell Jamboree Jazz Club Festival, Jamboree, Barcelona (y II)

Jerome Sabbagh Quartet “The Turn”

  • Fecha: Jueves, 29 de octubre de 2015
  • Lugar: Jamboree (Barcelona)
  • Componentes:
    Jerome Sabbagh Quartet
    Jerome Sabbagh, saxo tenor
    Ben Monder, guitarra
    Joe Martin, contrabajo
    Ted Poor, batería

Horacio Fumero & Albert Bover

  • Fecha: Jueves, 05 de noviembre de 2015
  • Lugar: Jamboree (Barcelona)
  • Componentes:
    Horacio Fumero, contrabajo
    Albert Bover, piano

Ernie Watts Quartet

  • Fecha: Viernes, 13 de noviembre de 2015
  • Componentes:
    Ernie Watts Quartet
    Ernie Watts, saxo tenor
    Christof Saenger, piano
    Rudi Engel, contrabajo
    Tobias Schrimer, batería

Agustí Fernández & Lucía Martínez “Desalambrado”

  • Fecha: Jueves, 19 de noviembre de 2015
  • Componentes:
    Agustí Fernández, piano
    Lucía Martínez, batería y percusión

Bruce Barth Quartet

  • Fecha: Sábado, 21 de noviembre de 2015
  • Componentes:
    Bruce Barth, piano
    Terrel Stafford, trompeta y fiscorno
    Masa Kamaguchi, contrabajo
    Stephen Keogh, batería

Javier Vercher Quartet featuring Roberto Gatto

  • Fecha: Miércoles, 25 de noviembre de 2015
  • Lugar: Jamboree (Barcelona)
  • Componentes:
    Javier Vercher Quartet featuring Roberto Gatto
    Javier Vercher, saxo tenor
    Albert Bover, piano
    Deejay Foster, contrabajo
    Roberto Gatto, batería

 

El jueves 29 de octubre, el saxofonista francés residente en Nueva York, Jerome Sabbagh presentó su último trabajo The Turn (2014) con la misma formación con la que grabó el disco.

Un trabajo interesante, de querencia pausada, bien amasado por sus cuatro componentes, donde destacaron especialmente las intervenciones guitarrísticas de Ben Monder, de rostro imperturbable pero de descargas fehacientes, reconduciéndonos con sus intervenciones hacia otros senderos sumamente estimulantes.

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El jueves siguiente asistimos a otra pequeña joya de este festival de club, con Horacio Fumero y Albert Bover con “Veinte años no son nada”, dejando nuevamente de manifiesto el entendimiento entre ambos y su gusto por los relatos bien narrados.

Un repertorio cuidado y variado con temas como “African flower”, “Raynald’s”, “Prince of darkners” o “Cigüeña” (de la generosa serie ornitológica de Fumero).

Tuvieron el acierto de grabar los dos pases de la noche. Quedamos a la espera de poder escuchar su resultado, que sumaría su tercer trabajo discográfico a dueto en dieciocho años, después de Dúo (1997) y Caminhos cruzados (2008).

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Hacemos un salto de ocho días, hasta el viernes 13 de noviembre, para encontrarnos con una de las actuaciones estelares de esta edición (así como de la anterior, donde fue programado en el último momento como sustituto del indispuesto Lou Donaldson).

Nuevamente demostró que a sus setenta años está en un estado de forma excelente, por dinámica, intensidad y sonido. Ernie Watts, para el que suscribe, atesora un lirismo y timbre de los más penetrantes y sobrecogedores de los saxofonistas actuales. No por nada a lo largo de su carrera ha colaborado con Frank Zappa, The Rolling Stones o Marvin Gaye y ha sido uno de los puntales del sonido del Charlie Haden Quartet West –pura máquina melódica y emotiva, desgraciadamente no lo suficientemente valorada-.

En Jamboree se presentó con la misma y notable banda alemana del año anterior, con dos de sus cómplices desde hace más de diez años, el pianista Christof Saenger y el contrabajista Rudi Engel. Nos deleitaron con un excelente primer pase y subieron, aún, unos cuantos peldaños más en el segundo. Una banda que funciona en perfecta sincronía y dinámica, con aportaciones suculentas en la tanda de los solos.

Interpretaron buena parte de los temas de A Simple Truth (2014), los vitamínicos “The road we’re on” y “Acceptance”, las baladas plenas de nocturnidad “Hope in the face of despair” y la que da nombre al disco, así como el gillespiano “Bebop”, reinterpretado de forma ultra vertiginosa.

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Como hemos repetido en más de una ocasión, los responsables del Jamboree a lo largo de toda la temporada anual, incluido el festival, elaboran una programación donde la mayoría de las vertientes jazzísticas, así como sus afines más próximos, tienen su cabida. Evidentemente la respuesta del público termina perfilándola.

El jueves 19 se programó un encuentro de improvisación pura y dura, con el pianista Agustí Fernández y la baterista/percusionista Lucía Martínez, que nos presentaron su trabajo reciente a dúo Desalambrado (2015).

Un notable juego de timbres, texturas e intensidades, en un constante juego de escucha, diálogo y compenetración, así como, algo no muy habitual en este tipos de proyectos, sonrisas de reconocimiento, provocación y/o de jaleamiento.

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Un par de días después, la bonhomía y elegancia pianística de Bruce Barth con la trompeta y el fiscorno de Terrel Stafford, impecablemente trajeado, derivaron hacia vías más canónicas y a su vez más previsibles, ejecutando un jazz de calidad, corpóreo y bien elaborado.

Los dos músicos, y compañeros de docencia, estuvieron bien acompañados por Masa Kamaguchi al contrabajo y Stephen Keogh a la batería.

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Cerraremos nuestra andadura por la tercera edición del Jamboree Jazz Club Festival con la propuesta reconstituyente y musculada del saxofonista Javier Vercher, que para la ocasión se acompañó del baterista italiano Roberto Gatto.

Ofrecieron un conjunto de piezas sin fisuras, “Filantropia”, “Cleptocracia” o “Perhaps some do” con solos suculentos en una propuesta corpulenta, con un Albert Bover plenamente vigoroso, robusto, bastante diferente a lo que nos tiene acostumbrado.

Un notable broche para nuestro particular cierre.

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Texto y fotografías: © Joan Cortès, 2016




INSTANTZZ: Agustí Fernández & Lucía Martínez “Desalambrado” (III San Miguel Jamboree Jazz Club Festival, Jamboree, Barcelona. 2015-11-19)

  • Fecha: Jueves, 19 de noviembre de 2015
  • Lugar: Jamboree (Barcelona)
  • Componentes:
    Agustí Fernández & Lucía Martínez “Desalambrado”
    Agustí Fernández, piano
    Lucía Martínez, batería y percusión

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© Joan Cortès, 2016




Agustí Fernández – Lucía Martínez: Desalambrado (Pasoancho Productions, 2015; CD)

lucia martinez - agusti fernandez desalambrado 2015Desalambrado, disco al alimón de Agustí Fernández y Lucía Martínez, fue sin lugar a dudas la aportación más vanguardista del pasado Festival de Jazz de Madrid. Un trabajo con ocho temas en el que la libre improvisación es el punto de partida, jugando con su primer tema, y también de final. Desde que comienza asistimos a múltiples variaciones intimistas, insinuantes y sutiles. Muchos toques abstractos que carecen de trayectoria lógica, que son indescriptibles. Sonidos asimétricos, inesperados y en los que nunca se atisba el final. Desalambrado es una apuesta arriesgada con precedentes en algunos proyectos del pianista alemán Alexander von Schlippenbach.

Lucía Martínez acompaña con sus recursos de percusión tales como baquetas de tubo, cajas de ruidos o tubos de plástico. Desde su centro de operaciones en Berlín dedica horas a descubrir nuevas propuestas sonoras.

En Desalambrado hay que dejarse llevar por los sonidos caóticos, confusos, no reconocibles y sorprendentes que propone el dúo Fernández y Martínez. El piano y la percusión van adquiriendo más valor a medida que se van escuchando los temas de seguido. Es difícil encontrar momentos melódicos. Fernández sabe crear ritmos con cualquier parte del piano. Todos los temas son el mismo tema, donde el tiempo y el silencio son factores que también juegan sus bazas. Un disco de estas características no se puede describir, es mejor escucharlo y degustarlo, a poder ser solo y con auriculares.

© Carlos Lara, 2016

Agustí Fernández – Lucía Martínez: Desalambrado

Agustí Fernández (piano), Lucía Martínez (batería y percusión).

“Punto de partida”, “El sonido de los ecos”, “A desalambrar”, “La vida sin maletas”, “De ida y vuelta”, “La otra orilla”, “Venga la esperanza” y “Aguatrémula”.
Todos los temas de Agustí Fernández y Lucía Martínez

Grabado el 10 de febrero de 2014 en Infinity Estudios de Madrid. Editado en 2015 por Pasoancho Productions