Dewa Budjana – Mahandini (Moonjune Records, 2019) [Grabación]

Mahandini situado en el top número 16 del ranquin al mejor álbum del pasado año 2018 para la prestigiosa web http://www.progarchives.com/ (http://www.progarchives.com/top-prog-albums.asp?syears=2018) puede servir como tarjeta de presentación del último trabajo del guitarrista indonesio Dewa Budjana.

Dewa Budjana se apoya en un componente religioso-espiritual algo que muestra en el título y en la caratula del disco. Mahandini se desglosa en dos palabras, Maha (grande) y Nandini (“el vehículo que lleva al Dios Shiva”).

En cuanto a la obra se refiere, Dewa Budjana ha reunido un cuarteto con colaboraciones realmente interesantes entre las que encontramos al teclista Jordan Rudess (Dream Theatre o Liquid Tension Experiment) o al prestigioso baterista Marco Minnemann (Steven Wilson, Joe Satriani, Adrian Belew, Trey Gunn,). Cuenta igualmente con colaboraciones del valor John Frusciante (Red Hot Chilli Peppers) o la del virtuoso guitarrista de fusión Mike Stern (Miles Davis, Blood, Sweat & Tears, Billy Cobham, Jaco Pastorius).

El disco transita por los caminos del jazz-rock progresivo más enérgico y la música tradicional del sudeste asiático no exentas de misticismo espiritual.

Mahandini echa a andar con “Crowded” una composición de John Frusciante perteneciente a su trabajo Enclosure del 2014 y cantada por el mismo.

La voz de John Frusciante se muestra cálida y potente y se conjuga con los seductores guitarreos eléctricos de Dewa Budjana que van modulando y equilibrando la pieza desde el inicio.

“Queen Kanya” alcanza momentos paradójicos que van desde el sonido de King Crimson con la guitarra de Dewa Budjana hasta el vertiginoso solo de bajo de Mohini Dey que acompaña con las vocalizaciones delirantes del konnakol.

Otra composición de riqueza textual es “Hyang Giri” donde la vocalista Soimah Pancawati comienza aportando su canto tradicional y ritual de Indonesia y donde se van relevando la guitarra de Dewa Budjana a lo Allan Holdsworth, el piano jazzy de Jordan Rudess y el chispeante y virtuoso solo de la bajista Mohini Dey.

La apacible y lírica “Jung Oman” no deja de lado ni la intensidad y ni la pasión con la que está tocada. Dewa Budjana utiliza la guitarra acústica con exquisitez y la combina con la eléctrica para rememorar ecos del pasado del grupo Camel.

En “ILW”, se encuentran Dewa Budjana y Mike Stern en un duelo de guitarras de altos vuelos y de jazz-rock enérgico en un “tanto monta, como monta tanto”.

El corte que da título al álbum es “Mahandini” y, en él se van desarrollando una serie de solos a modo jazz que van desde la guitarra eléctrica de Dewa Budjana, el bajo de Mohini Dey (a lo Jaco Pastorius), el piano eléctrico de Jordan Rudess y que cierra Dewa Budjana.

Con “Zone” (John Frusciante/Enclosure 2014) se cierra el disco y vuelve John Frusciante como cantante para marcar territorio demostrando quien es el autor. Rock en estado puro en el que la guitarra de Dewa Budjana deja su sello inconfundible.

© Enrique Farelo, 2019

Dewa Budjana – Mahandini (Moonjune records 2019)

Músicos: Dewa Budjana (Guitarra, Soundscapes), Mohini Dey (Bajo y Konnakol), Jordan Rudess (Teclados), Soimah Pancawati (Vocal solo en “Hyang Giri”), John Frusciante (Vocal y guitarra en “Crowded” y Vocal en “Zone”), Soimah Pancawati (Vocal solo en “Hyang Giri”), Mike Stern (Guitarra en “ILW”) y Marco Minnemann (Batería).

Composiciones: “Crowded”, “Queen Kanya”, “Hyang Giri”, “Jung Oman”, “ILW”, “Mahandini” y “Zone”.
Todas las composiciones de Dewa Budjana excepto “Crowded” y Zone” de John Frusciante.

Grabado en el estudio Prashant Aswani at Steakhouse, Los Ángeles (California) el 24 de enero de 2018.




Vasil Hadzimanov Band: Lines in Sand (Moonjune Records 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Es como el latido de un corazón pausado, es como el sonido de un pulsar espiritual y mágico de profundo sentimiento arábigo-flamenco encarnado en la voz de Bojan Ivkovic. Así comienza Lines In Sand con la pieza homónima, causando impresiones de calado profundo.

Lines In Sand encadena una pieza tras otra como eslabones de una cadena, como perlas de un collar, piezas cortas a modo de suite donde la sección rítmica suena compacta, fluida y presente, donde los solos de guitarra y teclados economizan sus intervenciones con finura y elegancia. Música que bebe de diferentes fuentes que van desde el jazz, rock, R&B, soul, funk, psicodelia o world music.

En “Mr. MoonJune” encontramos un claro homenaje a Leonardo Pavkovic (dueño del sello Moonjune Records). La pieza se debate entre el funk o el smooth jazz de John Klemmer o del grupo alemán Passport de los años 80/90 a través de la figura del saxo de Rastko Obradovic.

El tercer corte, “San Snova”, es el jazz quien domina con el piano acústico de Vasil Hadzimanov como protagonista; “Lost”, destaca por la voz de Marta Hadzimanov de similar textura tímbrica a cantantes como Gayle Moran o Flora Purim e incluso Norma Winstone y el piano acústico de Vasil Hadzimanov y la guitarra de Branko Trijic.

“Kazi” supone un tránsito ambient para enlazar con “Kazi Gradiska” que por estructura y sonido se acerca a la música de Chick Corea y que termina en “Maklik” donde encuentra acomodo el piano eléctrico setentero y convincente de Vasil Hadzimanov.

Composiciones como “For Clara” se transmutan y personalizan en la voz del que fuera vocalista de Screaming Headless Torsos, Dean Bowman que con su soul lisérgico de ecos setenteros y reverberaciones espaciales dan paso al saxo de Rastko Obradovic que rompe el tema en dos y que se oculta bajo el sonido cósmico de la guitarra de Branko Trijic en “Waiting For…” encentrando un manantial de riqueza étnica que se funde con el sonido lunático del grupo Gong  en “Freedom from the Past”.

“Ratnici Podzemlja” es otra demostración de la fusión de estilos aportando funk y groove dinámico y negro muy gusto de los años 70 del pasado siglo.

Con “Rege Hadzi” ponemos el punto y aparte en la carrera del teclista serbio Vasil Hadzimanov.

La composición es un ejercicio sincopado de reggae instrumental minimalista y futurista que se pierde en un horizonte inacabado.

© Enrique Farelo, 2019

Vasil Hadzimanov Band: Lines in Sand (Moonjune Records 2019)

Vasil Hadzimanov (teclados), Branko Trijic (guitarra eléctrica), Mirosav Tovirac (guitarra Bajo), Bojan Ivkovic (percusión y voz), Pedja Milutinovic (batería), Rastko Obradovic (saxos) (2, 8), Marta Hadzimanov (voz solista) (4), Dean Bowman (voz solista) (8).

“Lines in Sand”; “Mr. MoonJune”; “San Snova”; “Lost”; “Kazi”; “Kazi Gradiska”; “Maklik”; “For Clara”; “Waiting For…”; “Freedom from the Past”; “Ratnici Podzemlja”; “Rege Hadzi”.
Todas las composiciones de Vasil Hadzimanov excepto “Mr. MoonJune” y “Ratnici Podzemlja” de Vasil Hadzimanov band, “For Clara” de Mirosav Tovirac, “Waiting For…” de Branko Trijic, “Freedom from the Past” tradicional/ Vasil Hadzimanov.

Grabado en el estudio Binta y German Ambassador’s en Belgrado (Serbia) en noviembre de 2017.
Publicado en 2019 por Moonjune Records.




Especial HDO 500 (Novedades a gogó AKA SHDJSI VII) [Podcast]

Por Pachi Tapiz.

HDO llega a su programa número 500, y vamos a celebrar esa cifra con un programa especial de más de seis horas de duración, con unos invitados de auténtico lujo. Suenan temas de una docena y media de grabaciones publicadas en los últimos meses, ciertamente interesantes y  más que recomendables, a saber:

  • Stephan Thelen: Fractal Guitar (Moonjune Records)
  • Ferrando – Galiana – Saavedra: Bregues de Moixos (Liquen Records)
  • Euphorium freakestra feat. Baby Sommer & Barry Guy: Grande Casino (Pariz Zürich Dresden, Hamburg Leipzig Berlin) (Euphorium Records. 3CD)
  • Ken Vandermark – Nate Wooley: Deeply Discounted II / Sequence Of Snow
  • I Am Three & Me: Mingus’ Sounds Of Love (Leo Records)
  • Manolo Rodríguez: The Wait (McKenzie Music)
  • Atomic: Pet Variations (Odin)
  • 4Patas: Memoria Naturalis (Alina)
  • Paolo Angeli: 22.22 Free Radiohead (ReR MEGACORP)
  • Alister Spence And Satoko Fujii Orchestra Kobe: Imagine Meeting You Here (Alister Spence Music)
  • The Lie Detectors: Part III Secret Unit (Chant Records)
  • Charlotte Hug – Lucas Niggli: Fulguratio. Live At Ad Libitum 2016 (Listen Foundation)
  • Josh Sinton’s Predicate Trio: making bones, taking draughts, bearing unstable millstones pridefully, idiotically, prosaically (Iluso Records)
  • Lotz Of Music: Live At Jazzcase (El Negocito Records)
  • David Torn: Sun of Goldfinger (ECM)
  • Sarah Weaver – Gerry Hemingway: Reality Axis for Solo Percussion. The music of Sarah Weaver performed by Gerry Hemingway (Sync Source)
  • Jeff Cosgrove – Matthew Shipp – William Parker: Near Disaster (Grizzley Music)
  • Trapper Keaper: Meets Tim Berne & Aurora Nealand (Ears & Eyes Records)

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2018

HDO es un podcast de jazz e improvisación (libre en mayor o menor grado) que está editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.

Para quejas, sugerencias, protestas, peticiones, presentaciones y/u opiniones envíanos un correo a hdo@tomajazz.com




The Gödel Codex: Oak (Off Records – Moonjune Records. 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Michel Delville y Antoine Guenet parecen mantener un maridaje de fuertes convicciones que se ha ido manifestando a través de diferentes proyectos como The Wrong Object o Machine Mass. En The Gödel Codex su apuesta es por sonidos intimistas y oscuros basados en estructuras de jazz, post-rock, Canterbury o el ambient-minimalista, cuyas influencias van desde Robert Wyatt, Robert Fripp- Brian Eno, David Sylvian e incluso Klaus Schulze.

El proyecto aporta un buen puñado de ideas propias, estructuras ideadas al milímetro y gusto por la elegancia y la belleza underground mostrándose libre y dispuesto a ser descubierto y explorado como un mundo incognito alejado de convencionalismos.

Oak solo se entiende como obra conceptual que raya a gran altura con piezas que brillan con luz propia como la pop-electrónica “Granules”, las Canterbury, “The Needle’s Eye”, “Bells”, “Can It Be” y “One Last Sound”, la frippertronica “Matisse”, la free-jazz “Stand Or Fall” donde destaca el piano de Antoine Guenet y la lejana guitarra de Michel Delville o la ecléctica “Oak Live Reprise” que funde la electrónica-minimalista con el jazz y el Canterbury y que invita al viaje cósmico a lo Klaus Schulze en la pieza final “Lux 4”.

© Enrique Farelo, 2019

The Gödel Codex: Oak

Músicos: Michel Delville (Guitarra, Guitarra Sintetizador, Loops y Electronics y vocales), Antoine Guenet (Teclados, Sintetizador, Piano, Electronics y vocales), Etienne Plumer (Batería, Percusión, Glockenspiel, Trompeta, Electronics, Sampler) y Christophe Bailleau (Electronics, Sampler en 3, 5, 9,10)

Composiciones: “Oak” (Etienne Plumer), “The Needle’s Eye” (Michel Delville), “Granules” (Antoine Guenet, Christophe Bailleau, Etienne Plumer, Michel Delville), “One Last Sound” (Michel Delville), “Matisse” (Antoine Guenet, Christophe Bailleau, Etienne Plumer, Michel Delville), “Stand Or Fall” (Michel Delville), “Bells” (Michel Delville), “Can It Be” (Antoine Guenet), “Oak – Live Reprise” (Etienne Plumer) y “Lux 4” (Christophe Bailleau)

Grabado en Estudios Sacha y en directo en CC Amay.

Publicado en 2019 por Off Records con permiso de Moonjune Records.




Stephan Thelen: Fractal Guitar (Moonjune Records, 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

El guitarrista y compositor suizo, miembro del grupo Sonar, Stephan Thelen lanza su primer trabajo Fractal Guitar rodeado de importantes guitarristas eléctricos, entre los que figuran David Torn, Jon Durant o Henry Kaiser y sobre todo Markus Reuter cuya participación es total a lo largo del disco.

Fractal Guitar se impregna de esencia gris hipnótica que se expande creando atmósferas minimalistas, obsesivas y frippertronicas que reposan en paisajes sonoros de oscura quietud.

Sonoridad científica del siglo XXI que converge y diverge en mil posibilidades cromático-cuánticas; enérgica, convulsa e intensa en busca del océano cósmico.

Música escrita en el cielo que se improvisa en las estrellas, que nace de un sueño ingrávido y se desarrolla en los sueños, que propone pero tú dispones, imaginas, vuelas, te inspiras y compones interactuando cuando escuchas.

Ante tanta oscuridad destaca la luz invicta ante un incesante cruce de láminas sónicas tangenciales que rayan el universo con ecos profundos.

Fractal Guitar música transpersonal que altera la conciencia, que busca, indaga y halla.

Viaja entre sus cinco galaxias, (“Briefing for a Descent Into Hell”, “Road Movie”, “Fractal Guitar”, “Radiant Day” y “Urban Nightscape”) visita, disfruta y reposa en cada una de ellas.

 

Tomajazz: © Enrique Farelo, 2019

Stephan Thelen: Fractal Guitar

Composiciones y Músicos:

“Briefing for a Descent Into Hell”
David Torn (guitarra eléctrica y live looping), Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Jon Durant (guitarra eléctrica), Matt Tate (Bajo y guitarra eléctrica), Manuel Pasquinelli (Batería) y Stephan Thelen (guitarra eléctrica fractal).

“Road Movie”
Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Bill Walker (guitarra eléctrica y live looping), Henry Kaiser (guitarra eléctrica), Matt Tate (Bajo y guitarra eléctrica), Manuel Pasquinelli (Batería) y Stephan Thelen (guitarra eléctrica fractal).

“Fractal Guitar”
Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Barry Cleveland (guitarra eléctrica y atmósferas), Matt Tate (Bajo y guitarra eléctrica), Andi Pupato (percusiones), Benno Kaiser (batería) y Stephan Thelen (guitarra fractal, bucles granulares).

“Radiant Day”
Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Barry Cleveland (guitarra eléctrica y atmósferas), Matt Tate (Bajo y guitarra eléctrica), Manuel Pasquinelli (Batería) y Stephan Thelen (guitarra eléctrica fractal).

“Urban Nightscape”
David Torn (guitarra eléctrica y live looping), Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Matt Tate (guitarra tàctil U8, bajo), Benno Kaiser (batería) y Stephan Thelen (guitarra fractal, órgano y muestreo).

Todas los temas compuestos por Stephan Thelen excepto “Briefing for a Descent into Hell” de Stephan Thelen y David Torn (título tomado del libro de Doris Lessing), “Radiant Day” de Stephan Thelen y Markus Reuter, y “Urban Nightscape” de Stephan Thelen, David Torn y Markus Reuter.

Grabado en varios lugares de Europa y América del Norte entre agosto de 2015 y abril de 2018.

Publicado por Moonjune Records en 2019.




The Wrong Object: Into the Herd (An Off Records – Moonjune Records, 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Into the Herd es el último trabajo publicado por el grupo belga The Wrong Object. Atrás quedaron cuatro trabajos de envidiable calidad y personalidad estilística.

Compuesto por nueve piezas cuya autoría son mayoritariamente de su líder y guitarrista Michel Delville que a su vez es integrante de combos como Doubt y Machine Mass.

La pista de inicio “Into the Herd” nos envuelve con el mágico sonido del rock en oposición del legendario grupo Henry Cow y lo funde con naturalidad con “A Mercy” donde el recuerdo ahora es para Frank Zappa a través de la guitarra de Michel Delville que Antoine Guenet prolonga al piano eléctrico.

“Rumble Buzz” se ordena a la manera jazzy con sucesivos solos de Michel Delville, François Lourtie y Antoine Guenet obteniendo un sonido duro y enérgico pero sutil e inteligente.

“Another Thing” comienza con una sonoridad característica del RIO (Rock in Opposition) para adentrarse en el rock Canterbury personalizado en la figura de Antoine Guenet y compartida con la guitarra corrosiva de Michel Delville que da lugar a un juego entre los saxos interactivos e intensos de François Lourtie y Marti Melia.

De sonido menos cerebral pero a la manera de Hatfield And The North, National Health o incluso Gong es “Filmic” para lucimiento de François Lourtie o Pierre Mottet y sobre todo de Antoine Guenet. “Mango Juice” se prolonga lejano en el espacio gracias al sintetizador de Antoine Guenet, Michel Delville toma el relevo con acidez lisérgica y Marti Melia y François Lourtie pujan fuerte por el control final.

“Many Lives” tiene un comienzo tranquilo marcado por el piano acústico de Antoine Guenet pero se hace denso y reiterativo con los vientos de François Lourtie y Marti Melia con final sosegado; esa misma densidad se vuelve a manifestar en “Ship of Fools” con un mayor delirio enérgico y constantes cambios de ritmo que hacen de esta composición una de las más variadas y mejor estructuradas.

La importancia de Marti Melia y François Lourtie es decisiva para el devenir del álbum y se vuelve a manifestar en el cierre de Into the Herd,  con “Psithurism” una pieza “desquiciante” de sonido seco, duro y compacto.

Tomajazz: © Enrique Farelo, 2019

The Wrong Object: Into the Herd

Músicos: Michel Delville (Guitarra, Roland gr-09), Pierre Mottet (bajo), Marti Melia (saxos bajo y tenor, clarinete), François Lourtie (saxos tenor y soprano), Laurent Delchambre (Batería y percusión, Samples), Antoine Guenet (Teclados)

Composiciones: “Into the Herd”, “A Mercy”, “Rumble Buzz”, “Another Thing”, “Filmic”, “Mango Juice”, “Many Lives”, “Ship of Fools” y “Psithurism”.
Todas las composiciones de Michel Delville excepto “Rumble Buzz”, “Mango Juice” y “Psithurism” de Laurent Delchambre y “Many Lives” de Antoine Guenet

Grabado en el estudio 5 de Maxime Wathieu de Lieja.

Publicado por An Off Records – Moonjune Records, 2019




Yagull: Yuna (Zozemusic, distribuido por Moonjune Records 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Haciendo un poco de historia a modo de resumen de la carrera de Yagull nos encontramos con el tercer trabajo del grupo. El primero llevó por título Films con Sasha Markovic e invitados; el segundo fue Kai con Sasha Markovic a las guitarras, bajo y percusión, y su esposa Kana Kamitsubo al piano más algunas colaboraciones; el tercero es éste Yuna en el que Sasha Markovic y Kana Kamitsubo se enfrentan a su egos más intimistas y delicados capaces de trasformar una pieza de rock duro como “Sabbath Bloody Sabbath” del grupo setentero Black Sabbath, en una pieza de sonido poético y suave como la brisa. Y donde “Searching for the Moon” es el basamento perfecto que marca estilo y define un trabajo de exquisita sensibilidad y belleza, alimento sonoro para recién nacidos.

“Dawn” es el aleteo de una mariposa que vuela de flor en flor; en “Muse” disfrutamos de la serenidad y la paz de la música tranquila para espíritus inquietos; “101” se debate entre una pieza para ballet y la pasión por la riqueza de matices que van desde el blues y la insinuación tanguera.

En “Fall Winter” nos topamos con la solemnidad y la elegancia que da paso a las pasionales e intensas aguas turbulentas de “Riverwas” que nos conducen a la feliz y encantadora “Mori (Forest Song)”.

La única pieza vocal viene de la voz de Ayumi Ueda en la composición que da título al álbum, “Yuna”; armonías vocales etéreas tan tiernas que podríamos estar escuchando una canción de cuna sin ser conscientes de ello. “Yuna” es la calma que precede a la “tormentosa” “Kiri”, con la que aparentemente se cierra el disco, (a tenor de lo reflejado en la carátula) sin embargo “Searching for the Moon” es el breve broche final de la versión inicial que se diluye tras el silencio.

Yuna es emoción, es encanto, es el lirismo a corazón abierto, es el enamoramiento que te hace vibrar, es la espiritualidad hecha verbo.

© Enrique Farelo, 2019

Yagull: Yuna (Zozemusic, distribuido por Moonjune Records 2019)

Músicos: Kana Kamitsubo (piano), Sasha Markovic (guitarra y mandolina), Ayumi Ueda (voz en “Yuna”).

Composiciones: “Searching for the Moon”, “Dawn”, “Sabbath Bloody Sabbath”, “Muse”, “101”, “Fall Winter”, “Riverwas”, “Mori (Forest Song)” ,“Yuna” y “Kiri”
Todas las composiciones de Sasha Markovic y Kana Kamitsubo excepto “Fall Winter” de Kana Kamitsubo y “Sabbath Bloody Sabbath” de Black Sabbath.

Grabado en Brooklin, N.Y. en el estudio Peter Karl y Douglass, Estudio Kostadin Kamchev y Mozart, Little Falls, NJ, A. Goto y A. Ongaku Do, Kobe (Japón) y Sasha Markovic Z estudios de N.Y.
Publicado por Zozemusic y distribuido por Moonjune Records.




Dwiki Dharmawan: Rumah Batu (Moonjune Records 2018) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

No muy alejado está “Rintak Rebana” de las influencias de Chick Corea y su Spanish Heart que unido a la combinación de sonidos latinos con la atmosférica guitarra del vietnamita-parisino Nguyên Lê le confieren unas pretensiones que van más allá en busca de los espacios infinitos cercanos al noruego Terje Rypdal.

“Paris Barantai” se abre con un solo de piano breve, divertido y casi infantil que da paso a un tratamiento étnico personalizado en la voz de Sa’at Syah para atacar con arrebato Dwiki Dharmawan con un solo jazzístico que nos embelesa con perfumes orientales de percusiones flotantes que se implementan con los ecos de la guitarra de Nguyên Lê regresando Sa’at Syah con su voz hipnótica y su flauta libre para cerrar el tema.

La voz de Dewi Gita y la suling flauta de Sa’at Syah nos sumergen en paisajes sonoros exóticos proponiendo un viaje al profundo oriente con un sonido que impregna aromas de intensa pasión en “Impenan”.

“Janger” es otra pieza de corte decididamente tradicional indonesio marcado por la participación de Nyoman Windha’s Gamelan Jass Jegog  y Ade Rudiana  y su percusión de mano alternándose con breves solos de Carles Benavent, Nguyên Lê, Dwiki Dharmawan y Yaron Stavi que finaliza con interactivo pulso entre la flauta de Sa’at Syah y Asaf Sirkis de aires aflamencados.

Lo que viene a continuación es una suite dividida en dos partes: “Rumah Batu Suite, Part 1 – Kaili” y “Rumah Batu Suite, Part 2 – Perjalanan”. En la primera la combinación de atmósferas tribal-lisérgicas nos embriaga con un clima denso e hipnótico de texturas y colores exuberantes que se fragmenta para dar paso a un abismo donde el piano free-jazz de Dwiki Dharmawan  interactúa con el contrabajo con arco de Yaron Stavi para dar paso a la segunda parte de la suite dominado por el avant-garde creador de ambientes y espacios lejanos adimensionales y envolventes que se funden en amplias y luminosas conversaciones entre Dwiki Dharmawan y Nguyên Lê con el apoyo de Asaf Sirkis y Yaron Stavi en una composición de fantasía delirante.

“Samarkand” es el penúltimo episodio y viene caracterizado por una estructuración a modo de  Pat Metheny y Lyle Mays donde Dwiki Dharmawan  y Nguyên Lê tejen conversaciones ricas en matices con el beneplácito de Sa’at Syah  y su flauta tradicional.

Y para terminar, por extraño que parezca, a veces los extremos se tocan, “Salamatkan Orang Utan” es el paradigma y es la paradoja donde la música de Indonesia se une a cantos tribales más propios de los indios del norte de América que de Asia para poner el broche final a una obra sin fronteras y de caleidoscópicas influencias.

 © Enrique Farelo, 2018

Dwiki Dharmawan: Rumah Batu (Moonjune Records 2018)

Músicos: Dwiki Dharmawan (piano acústico), Nguyên Lê (guitarra eléctrica y soundscapes), Carles Benavent (guitarra bajo), Yaron Stavi (upright bass) y Asaf Sirkis (batería) con la colaboración de Sa’at Syah (suling flauta y vocales 1, 2, 3, 4, 7, 8), Ade Rudiana (kendang percusión en 1, 2, 3, 4, 7, 8), Dewi Gita (voz solista en 3), TEUKU HARIANSYA & INDRA Maulana Keubitbit Rapa’I (Acehnese percusiones 1), Nyoman Windha’s Gamelan Jass Jegog (Balinese gamelan y percusiones (4) y Smit (vocales y LaLove traditional Sulawesi flauta en (6)

Composiciones: 1. “Rintak Rebana”, 2. “Paris Barantai”, 3. “Impenan”, 4. “Janger”, 5. “Rumah Batu Suite, Part 1 – Kaili”, 6. “Rumah Batu Suite, Part 2 – Perjalanan”, 7. “Samarkand” y  8. “Salamatkan Orang Utan”.
Todas las composiciones de Dwiki Dharmawan.

 

Publicado por Moonjune Records en 2018. Grabado en La Casa Murada estudios de Jesús Rovira, Banyeres del Penedés, Catalunya, España, el 15 y 16 de mayo de 2017.




Mark Wingfield: Tales From The Dreaming City (Moonjune Records 2018)

Mark Wingfield vuelve tras el impactante Proof of Light (Moonjune Records 2015) y lo hace repitiendo con Asaf Sirkis y Yaron Stavi y aumentando el trío con el teclista belga Dominique Vantomme en el sintetizador.

Con estos parámetros parece evidente que la línea evolutiva va a continuar por los mismos derroteros estilísticos.

Estructura etérea y reverberante, paisajes cósmicos e inhóspitos y sonidos blandos como los pinceles de Salvador Dalí en sus Relojes Blandos. Música de difícil catalogación donde se cruzan un sinfín de formas entre las que podemos vivir rock progresivo, fusión, pinceladas étnicas, jazz-rock con elementos lisérgicos y psicodélicos sin perder el componente lírico y conceptual que parece abrazar con un sonido envolvente y lejano, tan lejano que se pierde en la inmensidad espacial.

De lo que no cabe duda es que estamos ante uno de los guitarristas más personales y creativos de los últimos tiempos, no obstante, no quiero olvidarme del también guitarrista Steve Hillage, un músico que a mi modo de ver abrió la puerta del futuro allá por los lejanos años 70 del pasado siglo. No menos cierto es que de forma consciente o inconsciente Mark Wingfield bebe de fuentes de prestigio e historia como son Pat Metheny, Allan Holdsworth o John Abercrombie e incluso en el “cósmico” Terje Rypdal y me atrevería incluso a señalar a Bill Frisell en su influyente trabajo Rambler (1985 ECM Records).

Mark Wingfield en cada nueva entrega de su obra nos ofrece un viaje donde la improvisación es un elemento muy a tener en cuenta y donde la inclusión del teclista Dominique Vantomme proporciona una riqueza de texturas que añaden colores y atmósferas a las composiciones.

Tales From The Dreaming City aporta nuevas formas y una línea continuista de principio a fin. Diez composiciones que encierran misterio y lugares secretos que están ahí para ser descubiertos con adicción y disfrute.

 © Enrique Farelo, 2018

Mark Wingfield: Tales From The Dreaming City

Músicos: Mark Wingfield (Guitarra eléctrica y sintetizada), Asaf Sirkis (Batería y canto konakol en “The Green-Faced Timekeepers”.) y Yaron Stavi (Bajo sin trastes) y Dominique Vantomme (Sintetizador solista en (“The Way To Hemingford Grey”, “Looking Back At The Amber Lit House”, “Ten Mile Bank”, “The Green-Faced Timekeepers”.)

Composiciones: “The Fifth Window”, “I Wonder How Many Miles I’ve Fallen”, “The Way To Hemingford Grey”, “Sunlight Cafe”, “Looking Back At The Amber Lit House”, “This Place Up Against The Sky”, “At A Small Hour Of The Night”, “A Wind Blows Down Turnpike Lane”, “Ten Mile Bank” y “The Green-Faced Timekeepers”.
Todas las composiciones de Mark Wingfield, excepto “At a small hour of the night” de Wingfield/Stavi/Sirkis.

Grabado en La Casa Murada estudios de Jesús Rovira, Banyeres del Penedés, Catalunya, España, el 19 y 20 de Febrero de 2016. Publicado en 2018 por Moonjune Records.

 




Stick Men Featuring Mel Collins: Roppongi (Moonjune records 2017) [Grabación]

Stick Men debe su denominación a Tony Levin y Michael Bernier (miembros fundadores del grupo junto a Pat Mastelotto) y a la inusual instrumentación de estos músicos intérpretes del bajo Chapman Stick.

Se da la circunstancia de la pertenencia de Tony Levin y Pat Mastelotto como miembros importantes de King Crimson por lo que podríamos aseverar la prolongación del grupo en éste.

Pronto Markus Reuter sustituyó a Michael Bernier en el grupo para hacerlo continuar hasta el presente y convertirlo en un trío con colaboraciones estelares provenientes de King Crimson, como el violinista David Cross (en 2015 por el álbum Midori -Moonjune Records, 2016-) o el saxofonista y flautista Mel Collins, fundamentalmente para registros en directo (como es el caso que nos ocupa).

La importancia de Mel Collins radica en una riqueza de texturas coloristas que aportan ideas novedosas pero desde la introspección y la economía de notas ya desde el inicial “Hide The Trees”. Pieza ésta cuyas influencias son de marcado sonido crimsoniano, algo que se prolonga con descaro evidente en la continuación con la enérgica “Lark’s Tongues In Aspic, Part 2”.

En “Sepia”, el sonido se torna hacia la exploración etérea y atmosférica y el dark ambient psicodélico y pinkfloydiano que busca lo íntimo y lo inquietante y el misterio.

“Sartori In Tangier” como el título presagia, y sin dejar de lado las influencias del grupo de Fripp, tiene esencias del mundo árabe donde el intercambio de ideas entre Markus Reuter y Mel Collins campa a sus anchas.

Es en “Crack In The Sky” donde está contenida toda la belleza. Esta balada dedicada al desaparecido guitarrista Allan Holdsworth y donde brilla con luz propia la Touch Guitar de Markus Reuter.

“Horatio” (Deep 2012) me dirige de inmediato a la prodigiosa década de los años 70 donde King Crimson brillaba más que el sol en el panorama progresivo. Sonido evidente cercano Larks’ Tongues In Aspic o Starless And Bible Black.

Una pieza para un film imaginario de acción es “Prog Noir” con la voz de Tony Levin y el guitarreo corrosivo de Markus Reuter.

“Ookami” son atmósferas oscuras, nébulas misteriosas y fantasmales y lisérgicas que buscan la materia oscura del cosmos y donde Mel Collins encuentra su lugar entre las estrellas.

Cierra el primer disco la crimsoniana, vitalista y delirante “Level 5” en una nueva declaración de intenciones, débitos y agradecimientos al Rey Carmesí con Mel Collins en el saxofón tenor y Markus Reuter rindiendo pleitesía a Robert Fripp.

La segunda parte del concierto comienza con un Soundscape a modo de obertura.

Paisajes sonoros con destacada participación de Mel Collins a la flauta y saxo soprano con el apoyo incuestionable de Markus Reuter y su “Frippertronics guitars”.

“Prog Noir” y “Level 5” tienen su réplica en este segundo disco donde destaca la pieza “Industry” con una larga introducción ambient con la participación del saxo tenor de Mel Collins que culmina con un desarrollo rítmico-percusivo que se implementa con la guitarra lisérgica y “frippertrónica” de Markus Reuter.

En “Mantra” podemos disfrutar del lado más amable y lírico, casi Canterbury, que se acerca a Camel aunque sea de lejos.

Es “Shiro” una demostración groove a cargo del saxo tenor con efectos de Mel Collins. Una propuesta que se divide entre el funk-rock-jazz y donde tiene cabida la improvisación colectiva y la aparición del “Take The A Train” (Duke Ellington) en la embocadura del saxo del nombrado Mel Collins.

Mentiría si dijera que “Sailor’s Tale” no es uno de los momentos de mayor calado (al menos para mí). La pieza incluida originalmente en el álbum del año 1972, Islands de King Crimson, supone un viaje gozoso al pasado en esta versión más que notable en relación a sí misma a la original.

Con el paradójico título, “Open”, se pone el punto final a este Roppongi. En este último corte las atmósferas misteriosas y el dark-ambient vuelven para quedarse con un Mel Collins que manipula el saxo tenor con fluctuaciones electrónicas manteniendo un diálogo con Markus Reuter al que se van uniendo Tony Levin y Pat Mastelotto en una orgía de sonidos delirantes e inacabables.

Stick Men “sin velo” es El Príncipe Carmesí.

 © Enrique Farelo, 2018

Stick Men Featuring Mel Collins: Roppongi (Moonjune records 2017)

Tony Levin (stick y voz), Markus Reuter (Touch Guitars® AU8, Soundscapes, teclados), Pat Mastelotto (batería y percusión electrónica y acústica), Mel Collins (saxos, flauta)

CD I: “Hide The Trees”, “Lark’s Tongues In Aspic, Part 2”, “Sepia”, “Sartori In Tangier”, “Crack In The Sky”, “Horatio”, “Prog Noir”, “Ookami” y “Level 5”.

CD II: “Roppongi (Soundcape)”, “Schattenhaft”, “Industry”, “Mantra”, “Prog Noir”, “Shiro”, “Sailor’s Tale”, “Level 5” y “Open”.

Todas las composiciones de Levin/Reuter/Mastelotto excepto “Larks’ Tongues in Aspic, Pt. 2” y “Sailor’s Tale” (Fripp), “Sartori in Tangier” (King Crimson), “Level 5” (King Crimson), “Ookami” (Levin/Reuter/Mastelotto/Collins).

Grabado en directo en Billboard (Tokyo) el 21 Febrero de 2017. Publicado por MoonJune Records en 2018