Malditos Jazztardos… Nels Cline (Wilco) y Sonic Youth (009) [Podcast]

En Malditos Jazztardos #9, la visita que Nels Cline (imprescindible guitarrista de jazz aunque más popular para el gran público como componente de Wilco), que realizaba de “Snare, Girl” de Sonic Youth en Lovers, el doble CD publicado en 2016 en el sello Blue Note.

© Pachi Tapiz, 2017

Malditos Jazztardos es un podcast de jazz… para quienes no saben que les gusta el jazz.

Malditos Jazztardos está editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.




HDO 168. Rockjazzeando con Nels Cline, Charlie Hunter, The Jazzfakers y Awosting Falls [Podcast]

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HDO 168 se centra en cuatro grabaciones en las que el rock hace su acto de presencia. A partir de este hilo conductor surge Una selección de once temas con ese pretendido hilo conductor que sigue el siguiente recorrido. Parte con Starlite Motel (Clean Feed, 2016) del cuarteto Awosting Falls (con Ingebrigt Haker Flaten, Jamie Saft, Kirstoffer Berre Alberts y Gard Nilssen). Sigue con Everybody Has A Plan Until They Get Punched In The Mouth (Ground Up, 2016) de Charlie Hunter a quien acompañan Bobby Previte, Kirk Knuffke y Curtis Fowlkes. La tercera parada es en Lovers (Blue Note, 2016, 2CD) de Nels Cline en una obra para gran formación en la que participan Devin Hoff, Alex Cline, Steven Bernstein, Taylor Haskins, Michael Leonhart, Alan Ferber, Charles Pillow, JD Parran, Ben Goldberg, Douglas Wieselman, Gavin Templeton, Sara Schoenbeck, Julian Lage, Kenny Wollesen, Zeena Parkins, Yuka C Honda, Antoine Silverman, Jeff Gauthier, Amy Kimball, Stephanie Griffin, Erik Friedlander y Maggie Parkins: ahí es nada. Finaliza con Hallucinations (Alrealon Musique) del grupo The Jazzfakers con David Tamura, Robert L. Pepper, Matt Luczak y Raphael Zwyer.

© Pachi Tapiz, 2016

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz:




Rova Channeling Coltrane: Electric Ascension (Rogue Art, 2016; CD+DVD+Blu-Ray)

Rova Channeling Coltrane_Electric Ascension_Rogue Art_2016Son ya varias las grabaciones en las que el cuarteto Rova ha realizado su aproximación a Ascension (Impulse!) de John Coltrane. Una obra que el saxofonista grabó en 1965 y que tiene su importancia por ser una de las primeras big band de Free Jazz. Allí participaron figuras esenciales en este movimiento como fueron aparte del propio cuarteto de Coltrane (con McCoy Tyner, Jimmy Garrison y Elvin Jones), los saxofonistas Archie Shepp, Pharoah Sanders, Marion Brown y John Tchicai, además de Freddie Hubbard, Dewey Johnson y Art Davis. En 1996 se publicó John Coltrane’s Ascension: Rova’s 1995 Live Recording (Black Saint) interpretada por una formación amplia en la que estaban, entre otros, Dave Douglas, Raphe Malik o Glenn Spearman. En 2003 fue el turno de Electric Ascension (Atavistic, 2003) por Orkestrova, otra formación amplia. En 2016 se publica finalmente una nueva revisión a nombre de Rova Channeling Coltrane en la que además de los cuatro integrantes de la veterana formación de saxofonistas, están Nels Cline (sí, el guitarrista de Wilco), Hamid Drake, Fred Frith, Rob Mazurek, Ikue Mori, Jenny Scheinman, Carla Kihlstedt y Chris Brown. Los más de veinte años durante los que Rova ha ido reflexionando, reinterpretando y reinventando “Ascension” han conseguido que esta haya transmutado hasta convertirse en algo que sin dejar de ser lo que Coltrane y compañía grabaron en dos tomas allá por 1965, se ha transformado en algo totalmente distinto. En Electric Ascension suenan las cinco notas que en la grabación original daban paso a una música que a pesar de los años transcurridos sigue sin dejar indiferente a los oyentes, aunque aquí no lo hace como una hipótesis única a partir de la que desarrollar el discurso (tal y como sucedía en la grabación de Orkestrova mencionada), sino como un elemento más. En el desarrollo de la música se alcanzan algunos momentos de intensidad paroxística asimilables al free jazz, pero a su vez otros momentos más calmados abiertos al diálogo y también abiertos a la improvisación libre, así como pasajes que caminan con un magnífico groove.

Como complemento a la música, el DVD que incluye las imágenes del concierto incluye el documental Cleaning The Mirror de John Rogers en el que se recorre tanto la intrahistoria de esta grabación, como la importancia que Ascension ha tenido para los músicos protagonistas que aparecen en el documental.

© Pachi Tapiz, 2016

Rova Channeling Coltrane: Electric Ascension

Bruce Ackley (saxo soprano), Steve Adams (saxo alto), Larry Ochs (saxo tenor),  Jon Raskin (saxo barítono), Chris Brown (electrónica), Nels Cline (guitarra), Hamid Drake (batería), Fred Frith (bajo), Carla Kihlstedt (violín y electrónica), Rob Mazurek (corneta y electrónica), Ikue Mori (electrónica), Jenny Scheinman (violín), Marc Urselli (ingeniero de sonido)

“Electric Ascension” (partes 1 – 13) (John Coltrane)

Grabado en directo en 2012 en Guelph Jazz Festival

Disco 1. CD: Electric Ascension (Grabado en directo en 2012 en Guelph Jazz Festival)
Disco 2. DVD: Electric Ascension (Grabado en directo en 2012 en Guelph Jazz Festival)/ Documental Cleaning The Mirror de John Rogers sobre la historia musical y el proceso creativo de Electric Ascension. Incluye imágenes y entrevistas con Nels Cline, Andrew Cyrille, Art Davis, Jason Kao Hwang, Eyvind Kang, Rova, Jenny Scheinman, y Elliot Sharp.
Disco 3. Blu-Ray: Electric Ascension (Grabado en directo en 2012 en Guelph Jazz Festival). HD, Dolby 5.1, sonido Surround




INSTANTZZ: The Nels Cline Singers (34è Festival Jazz Terrassa, Nova Jazz Cava. 2015-03-19)

34è Festival Jazz Terrassa

  • Fecha: Jueves, 19 de marzo de 2015
  • Lugar: Nova Jazz Cava (Terrassa)
  • Componentes:
    The Nels Cline Singers
    Nels Cline, guitarras y electrónica
    Trevor Dunn, contrabajo y bajo eléctrico
    Scott Amendola, batería y electrónica
    Cyro Baptista, percusión, voz y electrónica

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© Joan Cortès, 2015




The Nels Cline Singers: Macroscope (Mack Avenue Records, 2014)

Online_Review_Nels_Cline_SingersEstamos ante uno de los proyectos de los que podemos escribir en páginas especializadas en jazz o en cualquiera, quizá algo atrevido para la clásica… Lo mismo se debió pensar del Kronos Quartet allá por 1976, un grupo de cámara clásico tocando a gente como Jimi Hendrix. Los de San Francisco, de la Costa Oeste como los Singers, inauguraban la era de la posmodernidad en los cuartetos. A prncipios de los 90, claramente dentro del jazz neoyorquino, Medeski Martin & Wood hacían lo propio sumando cocteleras de estilo que no han dejado de agrandar. Los Singers de Cline también representan esa actitud posmoderna basada en el criterio contrastado, el rigor y la solvencia interpretativa: nada de los residuos que acabaron definiendo esta tendencia.

“Los Cantores” es el proyecto más destacado y longevo de Cline, grupo y planteamiento instrumental multitarea en la que no hay subordinación entre melodía, ritmo, ruido y timbres, pues todos son rangos alternos y alterados por el laboratorio de Cline.  Grupo que es trío “básico” de guitarra, bajo (Devin Hoff es sustituido por Trevor Dunn, una elección de perfil continuista) y Scott Amendola a la batería, que suele gustar de compartir  invitados.  Las claves distintivas en este grupo parten de la disolución activa de las fronteras de estilo (rock, jazz, folk, world music) y se nutren y expresan gracias a una estructura que combina el formato abreviado y el desarrollo inconcluso, jugando con motivos en expansión, relajación y/o saturación. El uso audaz de múltiples efectos y distorsiones y la acumulación de tensiones, atmósferas y timbres punzantes dan lugar a una poética turbadora, sucia y elegante a la vez, que se expresa sin adscripción alguna de lenguaje.

“Canale´s Cabeza” es el tema más enfocado hacia un sonido natural y un fraseo jazzístico. “Respira” marca la tendencia hacia lo afrobrasileño, en combinación Hermeto Pascoal-Caetano Veloso traída por Baden Powell, héroes, nos comenta Cline, de un Brasil que con Baptista, que se sumó sorpresivamente a la gira del grupo presentando este trabajo, toma cuerpo, identidad y selva. Sonido de los 70, ritmos afros y de fusión exuberante a lo Arto Moreira, aquí reproducido por Cyro Baptista. “Red before organge” es como lounge music espacial, “smooth jazz con algo de Jimi Hendrix”, algo como George Benson abducido por el espíritu ruidoso del free jazz… música de un diseño tan sofisticada en sus líneas como sólida: no es plástico. “The Weeding Band” es la pieza más larga que posibilita la construcción ultrasónica de Cline, en un ejerció-síntesis de estilo que los Talking Heads podrían haber hecho, no es rock, no es world music, era otra cosa… ¿art-rock?… pues eso. “Climb Down” es una pieza corta, concentrada en motivos que sugieren (todo es posible en este grupo) el visionario FourthWorld de Eno & Byrne con reminiscencias industriales y viajeras.

El mensaje electróacústico llevado a lo sideral en las manos de Cline abduce al conjunto. El trabajo de Cline sobre la base de una paleta infinita de sonidos, sobre-exposiciones y repeticiones, masas en suspense, melodías aisladas en el silencio o entre decorados enervantes y plácidos, provocan una fantasía instrumental y un prodigio técnico único. Tras The Giant Pin (Cryptogramophone 2004) y sobre todo el insuperable Initiate (CG, 2010) a los Singers de Nels Cline, para soprendernos, sólo les queda caer en el campo magnético de John Zorn y Tzadik (como los Medeski…) en alguna de sus series “radicales” (japonesas o judías).

© Jesús Gonzalo, 2014

The Nels Cline Singers –Macroscope

Músicos: Nels Cline (guitarra, elec.), Trevor Dunn (bajo), Scott Amendola (batería), colaboran Zeena Parkins, Cyro Baptista, Yuka Honda, Cibo Matto.

Composiciones: “Companion Piece”, “Canales’ Cabeza”, “Respira”, “Red Before Orange”, “The Wedding Band”, “Macroscopic”, “Climb Down”, “Seven Zed Heaven”, “Hairy Mother”, “Sascha’s Book of Frogs”.

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The Nels Cline Singers: Macroscope (Mack Avenue Records, 2014)

Macroscope_12Jkt_collated copyNels Cline es uno de los guitarras más interesantes de la actualidad. Es más que probable que su pertenencia a Wilco oculte su amplia carrera jazzística. Su versatilidad lo coloca en un terreno muy interesante para los oídos ávidos de nuevos sonidos, apunten estos al jazz o al rock. Macroscope, quinto CD de los Nels Cline Singers, está construido a partir de unas magníficas composiciones. La base es el trío que completan el baterista Scott Amendola y el bajista Trevor Dunn, que se amplía puntualmente con la colaboración de Yuka Honda (Yoko Ono), Cyro Baptista, Josh Jones y Zeena Parkins (Bjork). La variedad es la característica principal de la forma de tocar y componer de Cline. En «Companion Piece» pasa de aires jazz clásicos a finalizar en un solo explosivo, puro rock. En “Red Before Orange” la placidez lounge inicial termina en un guiño hendrixiano. La extensa “Seven Zed Heaven” los lleva a los terrenos de los Weather Report y el jazz-rock de los 70’s. “Climb Down” es intensa, por momentos puro ritmo sin melodía. Aires brasileños, orientales, country o composiciones angulosas son otros de los ingredientes de un CD a tener en cuenta. ¡Hay vida para Nels Cline más allá de Wilco!

© Pachi Tapiz, 2014

The Nels Cline Singers: Macroscope (Mack Avenue Records, 2014)

Crítica publicada en el número 316 de la revista Ruta 66 de junio de 2014




Dusan Jevtovic: avanzando bien hacia el lado oscuro de la improvisación, por Enrique Farelo, Carlos Lara y Sergio Cabanillas

Dusan Jevtovic © Endika Ussia

El serbio afincado en Barcelona Dusan Jevtovic es uno de los guitarristas más innovadores del momento, formando parte de una generación de músicos para quienes el rock y el jazz forman parte de un crisol en el que confluyen varias fuerzas creativas. Su propuesta musical ha merecido la confianza de uno de los sellos más prestigiosos de los últimos tiempos, Moonjune Records, que dirige Leonardo Pavkovic. Su último trabajo como líder hasta la fecha es Am I walking Wrong? (2013), donde Jevtovic muestra una gran motivación hacia la creatividad, el compromiso y la complejidad.

Desde 2005 colabora con el batería catalán Xavi Reija, primero en el DX Project (2Sides) y a partir de ahí con otros interesantes proyectos como el Xavi Reija Quintet, que editó Dreamland en 2006 y Rithual en 2008. El último proyecto en el que ha colaborado con Xavi Reija es Resolution (2014), también para el sello Moonjune.

Sobre su trayectoria profesional y sus inquietudes sobre el momento que atraviesan las músicas creativas en las que se desenvuelve, habla en la siguiente entrevista.

Dusan Jevtovic © Endika Ussia

Dusan Jevtovic
© Endika Ussia

Tomajazz: Hay una clara evolución desde una fusión eléctrica de los trabajos anteriores hacia la improvisación más abierta y la exploración del sonido y las texturas. ¿Qué factores han influido para esa transición?

Dusan Jevtovic: En mi caso, ha sido un proceso largo de investigación, estudio y al final la búsqueda, que es lo que a mí realmente me gusta e inspira. Una de las cosas principales es el sonido. Pedales y loops han cambiado mucho mi manera de pensar en la música y la composición.

Tomajazz: Se aprecian paralelismos entre Am I Walking Wrong? y el nuevo trabajo a trío de Xavi Reija Resolution ¿Has sido tú quien los ha atraído al “lado oscuro” de la improvisación y los ha animado a explorarlo?

Dusan Jevtovic: Creo que ambos discos por un lado tienen su propia vida y estética, pero también suenan algo parecido, más que nada por el sonido de la guitarra. También puedo decir que, en un año, que es la diferencia de tiempo entre una y otra grabación, hemos evolucionado mucho. El sonido es aún más fresco y más oscuro, si lo vemos así.

Tomajazz: Tanto Am I Walking Wrong? como Resolution ¿Son los discos más comprometidos y complejos que has grabado hasta la fecha?

Dusan Jevtovic: Sin ninguna duda. Creo que por fin hemos llegado a tener nuestra propia voz, estar muy cómodos con todo lo que hacemos y felices de poder compartir nuestra música en todo el mundo.

Tomajazz: Tanto tú como Xavi Reija habéis sido los primeros músicos de España en grabar con el sello Moonjune Records de Leonardo Pavkovic y ambos sois miembros de proyectos afines. ¿Qué importancia concedéis a este hecho?

Dusan Jevtovic: Los últimos tiempos han hecho que la manera de editar o sacar un disco cambie mucho. Creo que los músicos sabíamos muy bien qué aspectos en la industria musical ya no funcionaban, pero el problema surgió porque no teníamos tan claro qué hacer. En esto sí que nos ayudó Leonardo con su sello Moonjune.

2Sides DX Project Stachmo Records, 2006

2Sides DX Project
Satchmo Records, 2006
 

Dusan Jevtovic On The Edge L'Indi Records, 2009

Dusan Jevtovic
On The Edge
L’Indi Records, 2009

Dusan Jevtovic Am I Walking Wrong? Moonjune Records, 2013

Dusan Jevtovic
Am I Walking Wrong?
Moonjune Records, 2013

Tomajazz: ¿Cómo conocisteis a Leonardo “Moonjune” Pavkovic y cómo ha sido vuestra relación con él?

Dusan Jevtovic: A Leonardo lo conocí a través de internet. Creo que él leyó una entrevista de Enrique Farelo con Xavi Reija y allí es donde empezó a investigar sobre mí. Durante muchísimos años estuvimos en contacto compartiendo ideas y nuestra pasión por la música. Al finalizar la grabación de Am I Walking Wrong? surgió la idea de sacarlo con su discográfica.

Tomajazz: Ambos conocéis la experiencia de la autoedición. ¿Qué os aporta trabajar con un sello como Moonjune? ¿Ventajas e inconvenientes?

Dusan Jevtovic: Para mí es una experiencia única. El trabajo que está haciendo Leonardo es impresionante. Incluso ahora, ocho meses después de que saliera el disco, siguen las reseñas, las entrevistas, radios, etc. Leonardo no para y es un privilegio estar en su plantilla. Creo que, por desgracia, en España no tenemos a nadie con tanta energía y conocimiento sobre management o promoción de grupos o músicos de jazz, blues o fusión.

Tomajazz: ¿Creéis que hay un público en España para este tipo de música?

Dusan Jevtovic: Público hay en todos los sitios del mundo, pero muy poco. De Leonardo aprendí que es importante llegar a todos aquellos a quienes les gustaría conocer tu música. Al final todo suma, y se puede llegar a un número mayor de personas que moviéndose a nivel local.

Tomajazz: ¿Qué repercusión está teniendo el disco dentro y fuera de nuestras fronteras a nivel de crítica?

Dusan Jevtovic: En mi caso estamos muy contentos. Más de cien reseñas, radios, etc. Las críticas han salido en todas las revistas o paginas web o blogs del mundo progresivo en todo el mundo. Creo que he tenido sólo una reseña menos favorable sobre el disco, pero tampoco es negativa. Sin duda, hemos superado todas nuestras expectativas.

Tomajazz: ¿Qué respuesta tienen ambos proyectos entre los programadores?

Dusan Jevtovic: De momento tengo un manager de fuera, y hemos empezado a mover el proyecto ya que la promoción, es decir, la primera fase, se está acabando. A finales de verano ya empezaremos a tocar, de momento fuera de España. Intento no buscar donde no hay posibilidades, o al menos donde las cosas no fluyen. Se están haciendo contactos en todo el mundo tanto con mi management o con Leonardo, que siempre está con nosotros.

Dusan Jevtovic © Andrea Nieto

Dusan Jevtovic
© Andrea Nieto

Tomajazz: “Los músicos tienen que cobrar menos por sus actuaciones”. Estas declaraciones están atribuidas al ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert. ¿Qué opináis de semejante perla?

Dusan Jevtovic: En todos los países y todos los gobiernos del mundo muchas veces hay personas que no dominan mucho su trabajo. Gente que probablemente no vive en este planeta, pero de los que podemos depender mucho. No sé qué decir sobre esto, aunque en su momento lo leí.

Tomajazz: Es una apreciación, pero ¿has tenido mayor libertad, tanto en tiempo como en sonidos, en el disco con Xavi que en Am I Walking Wrong??

Dusan Jevtovic: Como decía antes, no es que haya tenido mayor libertad en una grabación que en la otra, simplemente he aprendido o, al menos, me he dejado llevar mucho más en la grabación de Xavi, que se hizo un año después de grabar mi disco.

Tomajazz: Utilizas muchos efectos, incluidos loops y el fuzz. ¿Por qué éste último y no otro tipo de distorsiones?

Dusan Jevtovic: Sí, el fuzz es un sonido que me inspira muchísimo. Desde que lo descubrí, no hago nada que no sea con el fuzz. Tengo una buena colección de pedales de fuzz y para mí es un sonido natural que sale de mi cuerpo. Aunque suena a fusión, yo soy muy fan del jazz y la escena underground de Nueva York. No escucho a los guitarristas de fusión de moda.

Tomajazz: ¿Para cuándo un disco de blues?

Dusan Jevtovic: Este año tocamos algunos temas para el programa de TV3 Cava de Blues y creo que han quedado bien. A ver cuándo entramos en el estudio y lo grabamos aún mejor.

Tomajazz: ¿Qué tipo de guitarras has utilizado en Resolution? ¿Son las mismas utilizadas en Am I Walking Wrong?

Dusan Jevtovic: En Am I Walking Wrong? he utilizado sólo la Fender Telecaster, y en Resolution, la Telecaster y la Fender Hybride, que es una guitarra con cuerpo de Telecaster pero pastillas de Strato.

Dusan Jevtovic © Endika Ussia

Dusan Jevtovic
© Endika Ussia

Tomajazz: Aunque llevas unos años en Barcelona eres de origen serbio, un país muy desconocido en España a nivel musical, por lo que sería interesante que nos comentaras el panorama actual del jazz en ese país.

Dusan Jevtovic: Allí hay muchísimos músicos, como en todas las partes del mundo. Buenos proyectos de jazz fusión o de blues. El país todavía sigue un poco cerrado pero se puede viajar, tocar o estudiar fuera. Hay músicos con mucho nivel.

Tomajazz: ¿Crees que Barcelona es el lugar apropiado donde puedes desarrollar a gusto tu carrera profesional?

Dusan Jevtovic: Todos los sitios tienen algo bueno y algo malo. Creo que en España se puede vivir muy bien. También es normal que a cierta edad ya pienses en moverte y hacer algo fuera. Para mí es algo natural. Viajo mucho y toco por el mundo con gente muy interesante.

Tomajazz: ¿Qué guitarristas del momento te resultan más interesantes?

Dusan Jevtovic: Yo soy muy fan de Nels Cline y John Frusciante.

Tomajazz: ¿Dónde te encuentras más a gusto en un estudio o en el concierto?

Dusan Jevtovic: Últimamente mucho más en el estudio. Hace ya muchos años que grabamos en directo sin editar la grabación después, es siempre algo muy inspirador e imprevisible. Así que supongo que, como queda grabado para escucharlo después, me gusta mucho crear allí. El estudio requiere mucha concentración para sacar lo mejor de uno mismo, porque sabe que se está grabando y queda para siempre. Me gusta la adrenalina que produce grabar en un estudio.

Tomajazz: ¿La improvisación es tu principal referencia y el territorio en el mejor te mueves?

Dusan Jevtovic: Sí, pero aunque parece o suena como algo extraordinariamente abierto y abstracto, tampoco lo es. Improviso con sonidos, ambientes y texturas, pero en la mayoría de los casos sé más o menos qué es lo que va a pasar. También funciona así en el jazz. Igual es la primera vez que hago algo de determinada forma, pero seguro que la frase, sonido o combinación de todos los elementos ya se ha probado o está controlada en mi mente de alguna manera.

Dusan Jevtovic © Joan Linuxbcn

Dusan Jevtovic
© Joan Linuxbcn

Tomajazz: ¿Qué expectativas tienes respecto a presentar tu trabajo en directo? ¿Cuándo en Madrid?

Dusan Jevtovic: La presentación de mi disco en España tendrá que esperar a otro momento por muchas razones. ¡Espero que con Xavi sí que podamos estar pronto en Madrid!

Tomajazz: Como proyectos de futuro, ¿es cierto que tenéis en ciernes un disco en común, mano a mano entre Xavi y tú?

Dusan Jevtovic: Acabamos de grabar un disco a dúo. El disco ya está en proceso de mezcla y lo tendremos en breve. A ver cómo queda.

Texto: © Enrique Farelo, Carlos Lara y Sergio Cabanillas, 2014.

Fotografías: © Endika Ussia, Andrea Nieto y Joan Linuxbcn, 2014.




24è Festival Jazz Granollers (II): BB&C Berne/Black/Cline – Sheila Cooper Quartet – Juan De Diego “Trakas” – Miralta/Maestro/Lohikari – Claudio Sanfilippo Trio – Karol Green & Santi Careta (Granollers, Barcelona. Febrero de 2014)

Miralta/Maestro/Lohikari

  • Fecha: Viernes, 07 de febrero de 2014
  • Lugar: Casino Club de Rime (Granollers/Barcelona)
  • Componentes:
    Marc Miralta: batería
    Shai Maestro: piano
    Marko Lohikari: contrabajo

Claudio Sanfilippo Trio

  • Fecha: Sábado, 08 de febrero de 2014
  • Lugar: Restaurant Anònims
  • Componentes:
    Claudio Sanfilippo: guitarra, voz y composiciones
    Joan Sanmartí: guitarras y arreglos
    Joan Vidal: batería

Karol Green & Santi Careta

  • Fecha: Jueves, 13 de febrero de 2014
  • Lugar: Reataurant Anònims
  • Componentes:
    Karol Green: voz, loops y percusión corporal
    Santi Careta: guitarra y loops

Sheila Cooper Quartet

  • Fecha: Viernes, 14 de febrero de 2014
  • Lugar: Casino Club de Rime (Granollers/Barcelona)
  • Componentes:
    Sheila Cooper: voz y saxo alto
    Albert Bover: piano
    Ignasi González: contrabajo
    Ramon Prats: batería

BB&C Berne/Black/Cline

  • Fecha: Viernes, 28 de febrero de 2014
  • Lugar: Casino Club de Rime (Granollers/Barcelona)
  • Componentes:
    Tim Berne: saxo alto
    Jim Black: batería, percusión y efectos
    Nels Cline: guitarra y efectos

Juan De Diego “Trakas”

  • Fecha: Miércoles, 05 de febrero de 2014
  • Lugar: Restaurant El Mirallet
  • Componentes:
    Juan De Diego: trompeta y fiscorno
    Jordi Matas: guitarra y pedales
    Abel Boquera: órgano
    Caspar St. Charles: batería

Comentario:

Además de las tres características diferenciales –fechas madrugadoras, el Joan Bretcha Guitar Series y el proyecto anual del JazzGranollers Ensemble- comentadas en la entrega anterior, Jazz Granollers complementa el programa de su festival con actuaciones de formaciones de la escena catalana así como artistas de ámbito internacional.

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Entre los primeros, el dueto formado por la cantante sudafricana, residente desde los 12 años en Catalunya, Karol Green, que juega de forma muy interesante con su estación de loops, más allá de pequeñas aportaciones de percusión corporal. Se complementa a la perfección con Santi Careta, a la guitarra y loops. La propuesta del dueto, como ya comentamos en su momento (en relación a la última edición del Festival de Jazz de Girona), resulta fresca, desinhibida y vitalista, con un interesante maridaje entre pop, rock, funk, músicas neotradicionales que abarcan desde África hasta el norte de Europa. Una simbiosis de lo más variado que resulta totalmente  natural.  Todos los loops están realizados y amalgamados sobre la marcha, creados y recreados al momento, hecho que es de agradecer, especialmente para los amantes de la música en directo. Fue la segunda de las dos actuaciones del festival, realizadas en el espacio del “Anònims”, restaurante-bar-librería-sala de exposiciones, conferencias y conciertos, de tendencia totalmente alternativa.

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El trompetista vasco Juan De Diego al frente del cuarteto “Trakas” en la semi cava del restaurante “El Mirallet”, ofreció una buena muestra de los temas recogidos en su último disco “Erbestea” (exilio en eukera, en recuerdo al exilio que padeció su familia durante el franquismo), que también da nombre a un tema pausado y emotivo, iniciado y terminado a ritmo de marcha casi fúnebre con una melodía con cierto regusto felliniano. Fue una notable sesión de jazz y funk, con algunos e interesantes “ruidismos” cercanos al free. Dieron comienzo con un tema pausado, no incluido en el disco, “Amor crónico”, y concluyeron con un boogaloo de Horace Silver, entre ellos y con presentaciones, del cabeza de grupo, entre irónicas y reivindicativas, relacionadas con el momento actual, “Todos a una”, “Isla desierta”, “Fukushima, mon amour” (en referencia al accidente de la central nuclear japonesa) o “Carril guiri”. Una propuesta mucho más cercana a un ambiente con copa o vaso largo en mano que para plato en mesa, pero, a pesar de ello, el público la degustó plenamente.

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Las distancias cortas son siempre de agradecer, muy especialmente con los músicos que poseen y además muestran sus buenos mimbres. La cualidad y calidad de los miembros de este cuarteto son de sobras conocidas y las volvieron a dejar plenamente de manifiesto.

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Cuatro han sido las propuestas programadas con músicos internacionales, propuestas diversas con resultados distintos. La primera y responsable de la inauguración de la veinticuatroava edición correspondió al trío formado por el pianista israelí Shai Maestro, el baterista catalán Marc Miralta, y el contrabajista sueco Marko Lohikari. Un trabajo que le falto, desgraciadamente, un mayor tiempo para su puesta en común, a pesar del buen trabajo desarrollado por estos tres músicos profesionales del jazz, donde las andaduras por los caminos de la improvisación redondearon los cantos angulosos de los embastes.

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Una interesante propuesta donde se agradeció el contrapunto entre los temas escogidos, más melódicos y especulativos, incluso en ocasiones un poco almibarados, compuestos por  Maestro, “Gal”, “Cinema G” o “Angelo”, y mucho más musculosas, rítmicos y directos los de Miralta, “Be careful what you dream” o “Boston in 3/4”, más allá de su delicioso “Sol d’octubre”, pero a gusto de uno, la guinda de la noche estuvo en la versión, espléndida y vigorosa, de “It just did” d’Ornette Coleman, y arreglos del propio Shai. En el bis los ánimos se calmaron con el estándar “I fall in love too easily”.

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Al día siguiente el segundo concierto del festival y primero en el Anònims – Menjars i Pensars (comidas y pensares), un espacio con una amplia biblioteca de temática crítica y alternativa-, actuó el trío formado por el cantautor y guitarrista milanés, Claudio Sanfilippo (que ya estuvo en el 2011 como invitado y protagonista principal de la propuesta del Jazz Granollers Ensemble) compartiendo espacio y proyecto con las percusiones casi minimalistas, para la ocasión, de Joan Vidal y la guitarra y los arreglos cuidados de Joan Sanmartí.

07_CLAUDIO SANFILIPPO TRIO (©Joan Cortès)_Anònims_24FJazzGranollers

Un concierto que resultó entrañable en todo momento, perfecto para un sábado por la noche, compartiendo platos, copas, compañía y música, que evocaba en buena parte algunos de aquellos actos reivindicativos en los albores de “nuestra” democracia (en que inocentemente todo parecía posible y a su vez sumamente alejado, en los deseos y aspiraciones, de las corrupciones y recortes actuales).

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Sanfilippo es poseedor de una voz grave y carismática, que sabe muy bien como arropar sus canciones, como si las acunara, entre ellas “Agosto” (quiero una copa de vino tinto, noto que el invierno me ha secuestrado el ánima,…), “Isile nella corriente” (El mar nos aleja, pero todos los lugares son semejantes,…), “Polaroid” (son campos extensos hechos de niebla,…) o “La notte di San Lorenzo” (Fue la noche de San Lorenzo, cuando una estrella iluminó el lago, mientras decíamos adiós a un sueño,… ). Temas delicados y sencillamente melodiosos, perfectamente compenetrados con las sonoridades de la guitarra y pedales de Joan Sanmartí y las percusiones sutiles de Joan Vidal.

09_CLAUDIO SANFILIPPO TRIO (©Joan Cortès)_Anònims_24FJazzGranollers

Una propuesta que tuvo su buena comunión con los presentes, como lo demostraban las caras cómplices y sonrientes, a lo largo de la velada.

10_SHEILA COOPER 4t (©Joan Cortès)_Casino_24FJazzGranollers

La actuación de la cantante y saxo alto Sheila Cooper, dejó a propios y a extraños algo descentrados, teniendo en cuenta las referencias que la abalaban y así como algunos de los músicos que han colaborado en sus proyectos discográficos.

Remarcar el trabajo de la sección rítmica, muy especialmente el del multiterreno Ramon Prats, -des del free jazz hasta las cercanías más pop jazzeras-, que este donde este, sea en proyectos propios  o ajenos, desde sus cueros, platos y otros utensilios percusivos, siempre transmite la sensación de encontrarse en perfecta sintonía y estar totalmente integrado. A destacar, también y como no, la aportación del pianista Albert Bover, con su discurso cada día más elaborado hacía la complejidad de la simplificación, con un mayor e interesante alto nivel de destilación y, más allá de su capacidad como solista, mostrándose nuevamente como un perfecto acompañante de voces femeninas.

11_BB&C (©Joan Cortès)_Casino_24FJazz Granollers

El concierto estrella del festival, BB&C -Berne, Black & Cline-, no dejó indiferente a nadie, más allá de las concepciones estéticas y/o militancias de cada uno, teniendo en cuenta la dureza de la propuesta, nada complaciente, y que requería de una buena atención y predisposición por parte del público.

Tres músicos en perfecta complicidad y sintonía, escuchándose, aportando, jaleándose, proponiendo, un trabajo de y para el grupo, de proceso autogestionario y trazas libertarias.

12_BB&C (©Joan Cortès)_Casino_24FJazz Granollers

Jim Black, puro nervio adolescente, a la batería, percusiones y loops, es el músico de este trío que más veces hemos podido apreciar y contrastar sus cualidades, en un reciente relativo, en tres propuestas (dos excelentes, Trio Azul –Perpignan, 2012- y Endangered Blood –Vic, 2013- y una tercera de bastante menor cualificación, con Uri Caine y sus variaciones Goldberg –Barcelona, 2013- ). Nels Cline, a pesar de tener vida propia más allá de Wilco, sólo había pisado estos lares con el grupo americano. El año pasado, a su nombre, tenía ultimados alrededor de una decena de conciertos en Europa, uno de ellos en Vic, pero tuvo que suspenderlos al ser reclamado para empezar a grabar con el grupo de rock. Tim Berne es el que hacía más tiempo que no pisaba los escenarios catalanes, aunque todavía se le recuerde, a finales del 2004, al frente de “Science Friction”.

13_BB&C (©Joan Cortès)_Casino_24FJazz Granollers

El concierto de Granollers, el tercero y último en el estado español, consistió en un único tema, a modo de suite, con muchas descargas musculadas, “ruidismo” notorio y pequeñas islas pausadas a modo de contrapunto, todo perfectamente encajado, en apenas unos setenta minutos, que contó con un tranquilo y psicodélico bis, de apenas, cinco minutos.

14_BB&C (©Joan Cortès)_Casino_24FJazz Granollers

Un proyecto a caballo de varios estilos, pero sin militar en ninguno de ellos, en una especie de tierra de nadie, jazz de trazas contemporáneas, rock musculado, free de diferentes procedencias y mucha improvisación. Contundentes en todos los campos, sin aspavientos ni contorsiones innecesarias. Un remarcable ascensor entre las vísceras y el cerebro.

Sin duda, una de aquellas propuestas que da prestigio y, a su vez, engrandece a cualquier festival.

Texto y fotografías: © Joan Cortès, 2014




Nels Cline: el jazz y el rock

Ruta 66_297_wilcoDebo añadir que, tras abandonar temporalmente el rock a mediado de los setenta, volví a prestarle atención gracias a Patti Smith, Television, The Clash y Minutemen, por citar a mis favoritos. En este contexto, cuando la Liberation Music Orchestra actuamos con los Minutemen, yo fui la conexión entre ambos mundos, pues trabajaba en una tienda haciendo los pedidos de rock independiente. Aquellos mundos estaban definitivamente colisionando, y yo buscaba la inspiración en muchas cosas a la vez. A nivel de aprendizaje, fue ciertamente muy fuerte tocar con alguien como Charlie Haden, uno de mis ídolos musicales. Yo era el chico joven, no sindicado, nervioso, tocando una guitarra con cuerdas de nylon junto a Charlie, pero él siempre me apoyó, como lo hicieron John Carter y Bobby Bradford, verdaderos caballeros, artistas y maestros. Julius Hemphill era un genio. Y también lo era mi amigo y colaborador durante casi diecisiete años, el fallecido Eric Von Essen, compositor y multiinstrumentista del que aprendí más que con cualquier otro. Toqué con Eric desde 1977 hasta los primeros noventa. Murió en 1996.

© Ruta 66, 2012

Nels Cline: zorro viejo en el gallinero. Entrevista por Ignacio Juliá
Publicado en el número 297 de Ruta 66 en octubre de 2012




BB&C (Teatro Central de Sevilla. 2014-02-26)

  • Fecha: Miércoles 26 de febrero de 2014
  • Lugar: Teatro Central de Sevilla, Sevilla
  • Grupo:
    BB&C
    Tim Berne: saxo alto
    Nels Cline: guitarra
    Jim Black: batería y electrónica

bbc-the_veilCon esta propuesta situada estéticamente en tierra de nadie, entre el rock más alternativo, el jazz avanzado y el ruidismo, se abría el ciclo de Música contemporánea de este escenario sevillano, un espacio, habría que añadir, que al igual que el resto de disciplinas aquí acogidas en las dos últimas décadas, ha vivido tiempos mejores que este concierto recordó. En años anteriores también se habían programado grupos venidos de ámbitos de creación no adscritos a la contemporaneidad entendida como prolongación tanto de Schoenberg como de Cage.

Improductivo discurso intentar discernir qué es no es contemporáneo cuando, ya lo decíamos en el balance del año pasado para otra revista, las fronteras creativas de los estilos citados parecen estar más cerca entre ellas que de sus orígenes. Pero si tuviéramos que enfocar nuestro análisis desde el pasado, desde una perspectiva “contemporánea” y no por ejemplo “jazzística”, llegaríamos a interesantes conclusiones. Salta a la vista algo evidente, esto es música electroacústica, cuyas fuentes de emisión son visibles (no es acusmática, no se “esconde” detrás de unos altavoces) y están (como en el jazz) íntimamente ligadas a los instrumentos, no ya por el virtuosismo sino sobre todo por la creación instantánea e improvisada. En cuanto a la combinación instrumental, hay dos instrumentos analógicos y todo un aparato eléctrico ejecutado en tiempo real por la guitarra de Nels Cline.

Sorprende comprobar que esta música avanzada, absolutamente única en la escena internacional, aunque ya Berne compartiera experiencia y formato con Marc Ducret y Tom Rainey, la lleven a cabo músicos que superan la cincuentena: su energía y frescura parecen propios de veinteañeros. Efectivamente, el uso del ruido, de las texturas, de la saturación, de la distorsión -todo un tratado de ella es– ponen en primer plano a Cline y a su instrumento, vehículo desde el que canalizada todo un arsenal de efectos y dispositivos. Como ya decíamos en la reseña de este disco en su día, se confirma en directo la sensación de que el equilibrio y volumen de emisión sigue descompensado, siendo el gran perjudicado el saxo de Tim Berne. La batería de Jim Black cuenta con recursos y una implicación “rockera” más inmediata para adaptarse, pese a no estar amplificada, a los tejidos ruidistas de la guitarra.

La distorsión como arquitectura que elude la melodía, el pulso acuciante y elíptico del saxo y los patrones asimétricos rotundos y descriptivos de la percusión, incorporando bases de bajo en la batería, provocan un magma sónico cuyo paroxismo nada tiene que ver con el pasado del free jazz ni el arte sonoro “bruitista”, más bien definen un argumento basado en texturas y elementos contrapuestos, con un enfoque de anticipación, que se funden en el ruido. Concierto hilado de principio a fin, tuvo una primera parte dedicada a una relectura de The Veil -su único trabajo en disco- y una segunda desconocida que se cerró con el único tema en el que las atmósferas dejaron paso a un clima melódico intrigante, como eco extendido de la intensidad asfixiante que domina su mensaje.

Aunque el discurso se sitúe en la saturación de figuras bizarras y cíclicas, nada de lo dicho resultó gratuito.

© Jesús Gonzalo, 2014