Jazz Para Ti (Programa 016. 2018-06-12. Fin de temporada I) [Podcast]

Variedad jazzística en la entrega número dieciséis de Jazz Para Ti para cerrar la primera temporada del programa en RCB.

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El programa se abre con Hard Knocks de Sean Conly. Siguen Formidable de Pat MartinoConcentric Circles de Kenny BarronI Ain’t Got Nothin’ But The Blues de Yuval AmihaiSand Woman de Henri Texier, Toy Tunes de Larry Goldings – Peter Bernstein – Bill Stewart, el segundo disco homónimo de Old And New Dreams, y Red de Lithium.

Jazz Para Ti es un programa presentado y dirigido por Pachi Tapiz que se emite los martes, de 20:00 a 21:00 en RCB.

Jazz Para Ti se comenzó a emitir el martes 13 de febrero de 2018, Día Internacional de la Radio. Mail de contacto de Jazz Para Ti jazzparati@tomajazz.com




HDO 420. Kenny Barron, Pat Martino, Norbert Stein [Podcast]

En HDO 420 suenan tres grabaciones lideradas por el pianista Kenny Barron, el guitarrista Pat Martino, y el saxofonista y compositor Norbert Stein.

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Concentric Circles es el título de la nueva grabación de Kenny Barron en quinteto en el sello Blue Note. Dayna Stephens (saxo), Mike Rodríguez (trompeta y fliscornio), Kiyoshi Kitagawa (contrabajo) y Jonathan Blake (batería). Barron es el autor de la mayor parte de los temas y aunque la grabación se anuncia en quinteto, también se puede escuchar al pianista en solitario enfrentándose al legado de Thelonious Monk.

En Formidable, lo nuevo del guitarrista Pat Martino en High Note, vuelve a contar con la colaboración de Pat Bianchi (órgano), y Carmen Intorre Jr. (batería). En tres temas (versiones de temas de Mingus, Brubeck y Ellington) cuenta con esta formación en trío, mientras que en el resto Adam Niewood (saxo tenor), y Alex Norris (trompeta) aumentan el grupo hasta quinteto. Martino recupera varios temas que aparecieron en algunas de sus primeras grabaciones , así como algún nutritivo tema de Hank Mobley (“Hipsippy Blues”) que pasó por manos tan ilustres como las de los Jazz Messengers de Art Blakey.

El saxofonista Norbert Stein echa mano, nuevamente, de los Pata Messengers para hacer realidad su música, que está basada en la patafísica del Dr. Faustroll y que tuvo entre sus acólitos a un creador tan importante (y relacionado con el jazz), como Boris Vian. En su última grabación, We Are (Pata Music), Philip Zoubek (piano), Joscha Oetz (contrabajo), y Etienne Nillesen (batería) son quienes se encargan de acompañar a Stein y desarrollar sus composiciones.

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2018

HDO es un podcast de jazz e improvisación (libre en mayor o menor grado) que está editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.

Para quejas, sugerencias, protestas, peticiones, presentaciones y/u opiniones envíanos un correo a hdo@tomajazz.com.




Pat Bianchi Trio: A Higher Standard (21H Records, 2015; CD)

Pat Bianchi Trio_A Higher StandardA Higher Standard es el tercer álbum como líder de Pat Bianchi, uno de los más versátiles músicos de Hammond B3 en la escena actual del jazz. Lo ha lanzado en su propio sello discográfico, 21H Records.

Bianchi es originario de Rochester (Nueva York). Se inició en el piano clásico y se graduó en Berklee College of Music en la modalidad de jazz. Ha tocado en contextos tradicionales de tríos con órgano, en grupos progresivos o de fusión. Ingresó oficialmente en el cuarteto de Lou Donalson en 2009, con quien estuvo un año y medio, antes de formar parte del trío de Pat Martino en 2011, al que suele acompañar en la actualidad. En este trabajo, el primero en cinco años, está perfectamente secundado por dos grandes escuderos, los músicos de Filadelfia Craig Ebner a la guitarra y Byron Landham a la batería. Ambos no son extraños en el ámbito de los tríos de Hammond y así se puede constatar en esta grabación. Los solos de los tres son creativos e inspirados, y su interacción es por momentos sobresaliente.

El disco no tiene desperdicio y se disfruta desde el principio hasta el final. Tanto los temas originales como los arreglos sobre composiciones de Horace Silver, John Coltrane, Stevie Wonder, Bill Evans, Oscar Pettiford y un par de standards, muestran a un músico de una sólida compostura y absoluta claridad en su línea de trabajo.

Desde la perfecta conexión en el clásico “Without a song”, la balada “So many stars” tocada con mucho estilo o “Some other time” y “Very Early”, que irradian una especial delicadeza que engancha.

“The will of Landham”, es una de las dos composiciones de Bianchi, con un swing electrizante en el que eleva su interpretación hasta cotas muy altas. “Blues Minus One”, la segunda composición propia, cumple con el tradicional molde de la interpretación de este tipo de grupos: fuertes desafíos de Bianchi al órgano con un potente aporte de guitarra y batería.

“Bohemia after dark” es explosiva desde el comienzo. Los solos de Craig Ebner se convierten en un auténtico reto al órgano de Bianchi. En “Satellite” se demuestra la perfecta sintonía que mantiene este trío, abierto siempre a la improvisación, con líneas de interpretación cristalinas e identificables “From the bottom of my heart” es una versión de Steve Wonder con la rítmica a máximos niveles.

“Esta banda es increíble. Soy muy afortunado por haber trabajado con ellos. Una vez grabado, este disco me ha reportado una gran experiencia. Siempre rítmicamente explosivo y lleno de toques armónicos y de viajes exploratorios. Nunca sabíamos a dónde llevaría cada canción, ya que el swing parece no terminar nunca”, ha dicho Pat Bianchi a propósito de esta grabación. Y no le falta razón.

© Carlos Lara, 2015

Pat Bianchi: A Higher Standard

Músicos: Pat Bianchi (órgano Hammond B3), Craig Ebner (guitarra) y Byron Landham (batería).

Composiciones: “Without a Song”, “Blue Silver”, “So Many Stars”, “The Will of Landham”, “Some Other Time”, Bohemia After Dark”, “Very Early”, “Satellite”, “Blues Minus One” y “From The Bottom of My Heart”.
Composiciones de Pat Bianchi, Horace Silver, Oscar Pettiford, Bill Evans, John Coltrane y Steve Wonder.

Grabado en The Music Centre en Exton (Pasadena). Editado en 2015 por 21H Records. 21H001

 




Lou Donaldson Quartet © Sergio Cabanillas, 2014

Lou Donaldson Quartet (Café del Teatre, Lleida, 2014-11-01)

  • Lugar: Café Del Teatre, Lleida.
  • Fecha: 1 de Noviembre de 2014.
  • Grupo:
    Lou Donaldson: saxo alto
    Randy Johnston: guitarra
    Akiko Tsuruga: Hammond B3
    Fukushi Tainaka: batería

Lou Donaldson Quartet © Sergio Cabanillas, 2014

Lou Donaldson Quartet
© Sergio Cabanillas, 2014

El público ilerdense agotó todas las localidades disponibles, y aún quedaron fuera asistentes solicitando entradas para presenciar el plato fuerte de este Jazz Tardor 2014: el cuarteto de Lou Donaldson. El veterano saxofonista se presentó en el Café del Teatre con una formación presidida por la imponente figura del órgano Hammond a cargo de la japonesa Akiko Tsuruga, acompañada por su compatriota Fukushi Tainaka a la batería y el guitarrista de Detroit Randy Johnston.

Lou Donaldson © Sergio Cabanillas, 2014

Lou Donaldson
© Sergio Cabanillas, 2014

Al grito de “we have straight ahead jazz; no fusion, no confusion!”, toda una declaración de principios de Donaldson, arrancó la velada con el groove de “Blues Walk”, donde Tsuruga arrancó aplausos espontáneos en su intervención antes de que la guitarra de Johnston le respondiera con un discurso con claras reminiscencias de Pat Martino. La banda pisó el acelerador con “Wee”, tema que popularizó Miles Davis, donde el progragonista regaló un solo tan intenso como enérgico antes de dar espacio al lucimiento de Tainaka, que echó más leña al fuego con sus tambores.

Akiko Tsuruga © Sergio Cabanillas, 2014

Akiko Tsuruga
© Sergio Cabanillas, 2014

La velada continuó con un recuerdo a Louis Armstrong con la balada “What A Wonderful World”, donde el saxo cantó la primera estrofa de la melodía y la guitarra contestó con la segunda. Poco duró la calma, pues el cuarteto atacó el original “Fast And Freaky” en el que Donaldson hizo una demostración de músculo en una intervención vertiginosa que fue contestada por un extenso solo de batería. Siguió el espectáculo con el blues arrastrado de Jimmy Witherspoon “Whiskey Drinking Woman”, que el octogenario cantó con su voz cascada y grandes dosis de buen humor, dejando además espléndidos solos de saxo y guitarra para disfrute de los asistentes.

Randy Johnston © Sergio Cabanillas, 2014

Randy Johnston
© Sergio Cabanillas, 2014

La banda encaró la recta final de la noche con el festivo “Alligator Boogaloo” y el blues “Gravy Train”, en el que Donaldson se permitió citar desde “When The Saints Go Marching In” hasta el vuelo del moscardón de Rimsky-Korsakov, para poner el cierre con “Cherokee”, iluminada por una memorable intervención a saxo solo del protagonista.

Fukushi Tainaka © Sergio Cabanillas, 2014

Fukushi Tainaka
© Sergio Cabanillas, 2014

Una noche de disfrute para los aficionados, que gozaron de quien es, en sus propias palabras, el artista vivo más veterano del sello Blue Note, que además sopló la vela de su 88 cumpleaños entre los aplausos del respetable en el Café del Teatre. Todo un privilegio contar con su presencia, gracias al esfuerzo de la organización del Jazz Tardor, uno de los programas más prestigiosos y experimentados del panorama nacional, un ciclo que, pese a los embates de la crisis, sobrevive gracias a la entrega y dedicación absoluta de su responsable, Josep Ramón Jové, que aporta al proyecto ingenio, variedad, y una calidad contrastada. Una iniciativa que, sin lugar a dudas, merece un respaldo más amplio por parte de instituciones y patrocinadores para perpetuar su valioso legado.

Texto y fotos: © 2014  Sergio Cabanillas




Antonio Porcar © Sergio Cabanillas, 2014

“Phocuzz”, la primera exposición fotográfica de Antonio Porcar, se estrena en Jazz Tardor 2014

Antonio Porcar © Sergio Cabanillas, 2014

Antonio Porcar
© Sergio Cabanillas, 2014

Desde el pasado viernes ya se puede disfrutar de la primera muestra del fotógrafo castellonense Antonio Porcar, incluida en la programación de la presente edición de Jazz Tardor, el Festival de Jazz de Lleida. La colección, que consta en esta ocasión de 22 instantáneas, ha quedado instalada en el recinto del Café del Teatre, donde permanecerá hasta el 30 de Noviembre.

Durante el pasado fin de semana, el público leridano que asistió a las actuaciones de Pixie & Dixie fue el primero en disfrutar del trabajo de Porcar, que ya cuenta con ilustres visitantes, desde el director del festival, Josep Ramón Jové, hasta el mítico Lou Donaldson, quien se sorprendió de encontrar tantos rostros familiares en las paredes del recinto donde su cuarteto actuó el pasado sábado.

Lou Donaldson con "Phocuzz" de fondo © Antonio Porcar, 2014

Lou Donaldson con “Phocuzz” de fondo
© Antonio Porcar, 2014

Pixie & Dixie con "Phocuzz" de fondo © Antonio Porcar, 2014

Pixie & Dixie con “Phocuzz” de fondo
© Antonio Porcar, 2014

El público de Jazz Tardor disfruta de la exposición © Sergio Cabanillas, 2014

El público de Jazz Tardor disfruta de la exposición
© Sergio Cabanillas, 2014

Antonio Porcar y Josep Ramón Jové, director de Jazz Tardor © Sergio Cabanillas, 2014

Antonio Porcar y Josep Ramón Jové, director de Jazz Tardor
© Sergio Cabanillas, 2014

"Phocuzz", de Antonio Porcar © Sergio Cabanillas, 2014

“Phocuzz”, de Antonio Porcar
© Sergio Cabanillas, 2014

Entre las obras expuestas, ocupa un lugar destacado la imagen del saxofonista Benny Golson que fue galardonada con el premio a la Fotografía de Jazz del Año por la Jazz Journalists Association norteamericana. Le acompañan una serie de retratos de grandes figuras del jazz como Charles McPherson, René Marie, Jerry Bergonzi, Jeremy Pelt, Pat Martino o Bruce Barth.

La próxima cita con “Phocuzz” tendrá lugar en Febrero del año próximo en la Sala Dels Arcs de la Casa de L’Oli de Villa-Real, la localidad natal del fotógrafo, coincidiendo con la publicación de su primer libro, que llevará el nombre de la exposición, y la nueva temporada del veterano ciclo Avui Jazz.

© Sergio Cabanillas, 2014.




Steve Brown & Guillermo Bazzola: una pequeña gran alegría, por Sergio Cabanillas

El encuentro en Ithaca, NY, del veterano guitarrista norteamericano Steve Brown y el argentino Guillermo Bazzola en Abril de 2013, ha popiciado una de las citas discográficas más agradables de este 2014. Una pequeña alegría es a la escucha como la conversación amable y sosegada de dos amigos junto a un café -o un mate, según se mire-, que aúna gustos comunes como el swing y el tango con los conocimientos enciclopédicos del lenguaje jazzístico por los protagonistas. Toda una pequeña gran alegría para el oyente.

Madrid, 2010 © Barbara Brown, 2010

Madrid, 2010
© Barbara Brown, 2010

Sergio Cabanillas: ¿Steve, cuál ha sido la trayectoria del programa de jazz del Ithaca College en los últimos años en cuanto a interés y número de estudiantes? ¿Puedes recomendarnos algunos nombres de músicos de jazz a descubrir que hayan salido de allí?

Steve Brown: Después de haber enseñado en Ithaca College durante 40 años como director del Programa de Estudios de Jazz, me retiré hace 6 años como profesor de música. He seguido los progresos del programa en los últimos seis años y he observado un crecimiento, no sólo en número de estudiantes, sino en profesorado del Departamento de Estudios de Jazz. Ahora hay cuatro big bands en lugar de dos. También se aprecian cambios curriculares. Aunque sólo puedo dar cuenta de los alumnos que estudiaron conmigo, algunos nombres importantes que estudiaron en Ithaca College incluyen a Marty Ashby, Darmon Meader, Kim Nazarian, Chieli Minucci, Jay Ashby, Andy LaVerne, Tony DeSare, Chris Persad, Brian Czach, Chris Gordan, Tim Collins, Larry Corban y muchos otros.

Sergio Cabanillas: ¿Sigue adelante el proyecto Atlantic Bridge con Alberto Conde? ¿Cuáles son los planes a corto plazo?

Steve Brown: Sí, acabamos de tener un concierto de reencuentro en Xancarajazz en Vigo y queremos buscar más actuaciones. En esta ocasión hemos sido muy bien recibidos.

Enrique Farelo: ¿Por qué te has sentido atraído por el jazz español siendo tan desconocido en USA?

Steve Brown: durante los ’80 vine a España a tocar e impartir seminarios en muchos sitios, empezando por Banyoles, bajo la dirección de Chuck Israels. A lo largo de los años visité el país para tocar y enseñar jazz, y empezaron a interesarme músicos españoles y su aproximación a la improvisación del jazz americano. Me impresionó particularmente la música de Galicia por mi relación con el pianista y compositor Alberto Conde, que asistió a dos de mis primeros seminarios.

Carriage House, Ithaca, 2013 © Barbara Brown, 2013

Carriage House, Ithaca, 2013
© Barbara Brown, 2013

Enrique Farelo: ¿La afición al jazz en USA ha decrecido en los últimos tiempos o simplemente se ha mantenido?

Steve Brown: Sigue habiendo mucho interés en el jazz en las comunidades académicas de la educación superior en los Estados Unidos. La mayoría de los institutos tienen un programa de jazz, dependiendo del estado. Esto alimenta el sistema educativo superior. En general las audiencias son pequeñas pero apoyan mucho. Hace falta más jazz en las emisoras estadounidenses.

Enrique Farelo: ¿En USA el gobierno fomenta la cultura con subvenciones o por el contrario ocurre como en España que se incrementa el IVA?

Steve Brown: Hay subvenciones, pero son difíciles de conseguir, especialmente en los últimos 10 años. Hoy día muchos músicos enseñan en instituciones académicas para complementar sus ingresos de las actuaciones. Otros tocan en espectáculos, giras comerciales o tienen otros empleos. En nuestro país, actuaciones y salas de conciertos son patrocinadas por donaciones de grandes empresas privadas.

Enrique Farelo: ¿Guillermo, qué músicos son los que más te interesan actualmente?

Guillermo Bazzola: No soy más un “cazador de discos” en terminos de escuchar cada nuevo disco editado pero trato de escuchar nueva música todo el tiempo. Discos nuevos de mis favoritos de siempre, música que hacen mis amigos o músicos jóvenes que se ponen en contacto conmigo, discos antiguos que no escuché antes, músicos folklóricos de todos lados, etc.

Carlos Lara: ¿Y qué te parece la última incursión de The Bad Plus en la clásica con su versión de “La Consagración de la Primavera”?

Guillermo Bazzola: Conozco a los Bad Plus, son muy buenos, pero no escuché ese disco.

Guillermo Bazzola © Sole González

Guillermo Bazzola
© Sole González

Carlos Lara: Guillermo, no sé si estás de acuerdo, muchos músicos de jazz hacen versiones de obras de autores clásicos ¿por qué desde el punto de vista contemporáneo el jazz recoge más cosas de la música clásica (tradicional) que ésta del jazz? ¿Acaso esto deja en mal lugar al jazz?

Guillermo Bazzola: No. Supongo que la propia evolución de la música de concierto, en donde se abandonó la tonalidad y se procedió a la fragmentación del ritmo, determinó que el jazz ya no fuera materia de interés. Este interés por la música afroamericana existió en otra época e influyó en la obra de compositores como Dvorak, Debussy o Stravinsky. Ligeti o Steve Reich (pienso en “Electric Counterpoint”, compuesto para Pat Metheny, pero tampoco) hicieron cosas relacionadas con la música africana pero no directamente con el jazz. Un compositor británico, Mark Anthony Turnage, escribió obras orquestales en las que participaron John Scofield y Peter Erskine, pero no mucho más.

PD: de casualidad acabo de descubrir la música para piano de Nikolai Kapustin. Es interesante pero no creo que vaya a tener una gran incidencia en el mundo de la música académica.

Sergio Cabanillas: ¿Qué planes de futuro tienen GNU Trio y tus otros proyectos a corto plazo?

Guillermo Bazzola: El Gnu Trio dejó de tocar sobre todo porque hace unos años Andrés Litwin se fue a vivir a Estados Unidos. Hace un tiempo que volvió y quedamos en retomar. Seguramente lo haremos de acá a un tiempo, grabación incluida.
Tengo un nuevo álbum solista, “Hora Libre”, grabado en Buenos Aires en 2005. Es un cuarteto con órgano y tocan Ernesto Jodos, Rodrigo Domínguez y Juanma Barroso. Acaba de editarlo el sello argentino BlueArt. También un álbum de música improvisada grabado en Nueva York con el baterista Joe Hertenstein y el multivientista Daniel Carter. Estoy también trabajando en un proyecto con dos músicos que son bastante nuevos en Madrid: el pianista y saxofonista Miguel López y el bajista Daniel Batán, quienes son además muy buenos compositores. Estamos trabajando en un proyecto en colaboración basado en composiciones originales.

Enrique Farelo: Estoy convencido que el tema “The Jig Saw” de Kenny Wheeler es elección tuya, Guillermo. ¿Estoy en lo cierto?

Guillermo Bazzola: Sí. Kenny es uno de mis músicos favoritos. Trato de escuchar cada disco suyo y usualmente transcribo al menos un par de temas. “The Jig Saw” es una composición relativamente simple pero muy efectiva. Se la mostré a Steve, le gustó y decidimos grabarla.

Ithaca, 2013 © Barbara Brown, 2013

Ithaca, 2013
© Barbara Brown, 2013

Sergio Cabanillas: ¿Cómo se conocieron?

Steve Brown: Aunque Guillermo nació en Buenos Aires, Argentina, nos conocimos en Madrid –donde ahora vive- hace muchos años, en uno de mis viajes a España para tocar y enseñar. Siempre fue muy amable conmigo y me ayudaba a conseguir actuaciones y seminarios durante mis giras europeas.

Guillermo Bazzola: En 2007, nuestro amigo común John Stowell me envió un correo diciéndome que su amigo Steve Brown iba a estar en Madrid y preguntándome si estaría interesado en conocerle. “Por supuesto”, contesté. Steve me escribió, y así me enteré de que había estado en Madrid hacía muchos años haciendo seminarios para el Taller de Músicos, donde yo trabajo. Nos hicimos amigos inmediatamente.

Enrique Farelo: ¿Cómo es posible que siendo tan diferentes en cuanto a la forma y el sonido entre ustedes hayan conseguido un producto tan fluido y armonioso?

Steve Brown: aunque crecimos a miles de kilómetros de distancia, ambos tenemos un bagaje similar. Hemos escuchado a los mismos músicos en nuestros años de formación como Wes Montgomery, John Abercrombie, Keith Jarrett, Chick Corea, Miles Davis y muchos otros. Decidimos elegir un repertorio no sólo muy variado, sino que además fuera representativo de los diferentes antecedentes que ambos tenemos. Por ejemplo, hay dos tangos en el CD, tres composiciones originales de Guillermo, dos mías y algunos standards.

Guillermo Bazzola: No creo que seamos tan diferentes, a los dos nos encanta la música, el jazz, la guitarra, la composición, etc. Evidentemente, tenemos nuestra propia visión de estos conceptos, pero son totalmente compatibles.

Enrique Farelo: ¿En qué momento se fraguó la idea de un disco a dúo de guitarras? ¿Cuál era el objetivo marcado al inicio?

Steve Brown: empezamos a grabar un CD a dúo en Madrid hace unos años, pero nunca dispusimos de tiempo para completarlo, así que cuando él decidió venir a Ithaca, Nueva York, de visita, concerté tres actuaciones y esta sesión de grabación durante la semana que Guillermo pasó allí. Mis objetivos iniciales eran presentar al dúo y tener composiciones originales.

Guillermo Bazzola: En 2010 grabamos algunos temas en mi estudio doméstico, pero por problemas técnicos no pudimos terminarlo, así que cuando viajé a Ithaca a visitar a Barbara y Steve, él tuvo la idea de dar algunos conciertos y tener una sesión de grabación.

REP Studios, 2013 © Barbara Brown, 2013

REP Studios, 2013
© Barbara Brown, 2013

Enrique Farelo: ¿Qué tiempo habéis invertido en la grabación del disco?

Steve Brown: El CD se grabó el 8 de Abril de 2013 en una sesión de seis horas en REP Studio, en Ithaca, Nueva York, con Nate Silas Richardson como ingeniero de grabación.

Guillermo Bazzola: Lo hicimos en una sesión, además de las mezclas y la masterización.

Enrique Farelo: ¿En qué formato os sentís más a gusto en el pequeño o arropados por un buen número de instrumentistas?

Steve Brown: Disfruto tocando en cualquier formato desde el dúo hasta grandes grupos. Estoy cómodo en todos ellos, pero también soy consciente de que… ¡Cuanto mayor es el grupo, menos tocas!

Guillermo Bazzola: Yo prefiero los grupos pequeños (tal vez el trío sea el más próximo a la perfección en términos de equilibrio), pero me gusta tocar en distintos formatos, desde solo hasta grandes orquestas. Cada formación tiene sus propias características, con sus pros y sus contras. Explorar distintas situaciones es un trabajo tan importante como reconfortante para cualquier músico.

Enrique Farelo: ¿En cuánto al repertorio se refiere ha sido consensuado entre ambos o ha habido mayor elección de uno u otro?

Steve Brown: Yo elegí siete y Guillermo, seis.

Guillermo Bazzola: De hecho, acordamos el repertorio. Cada uno aportó temas originales, y Steve sugirió tocar algunos tangos, así que elegí un par. Probamos distintos temas, nos quedamos con unos y descartamos otros. Fue una decisión consensuada.

Sergio Cabanillas: ¿Cómo valoráis vuestra reciente gira por Galicia?

Steve Brown: Disfruté muchísimo nuestra visita. Hice varios conciertos con buena respuesta y dirigí con Guillermo un seminario con diecisiete alumnos en el Conservatorio Superior de A Coruña. Conocí a muchos futuros músicos de jazz y tuve un público agradecido.

Guillermo Bazzola: ¡Fue genial! Galicia es uno de mis sitios favoritos de España, así que intento ir siempre que puedo. Tengo muchos amigos allí que verdaderamente disfrutan y apoyan el jazz yendo a conciertos y comprando discos. En el Conservatorio de A Coruña, los alumnos mostraron gran interés por nuestro proyecto, y musicalmente eran muy buenos también.

Madrid, 2010 © Barbara Brown, 2010

Madrid, 2010
© Barbara Brown, 2010

Enrique Farelo: Desde el punto de vista laboral ¿cómo veis por separado el futuro de cada uno en vuestros respectivos países de residencia?

Steve Brown: Yo espero seguir tocando, escribiendo, enseñando y viajando. Espero que podamos seguir tocando a dúo con Guillermo tanto en Estados Unidos como en España y en cualquier lugar, y seguir trabajando en nuestros proyectos individuales.

Guillermo Bazzola: Por mi parte, quiero seguir trabajando en distintos proyectos, como el dúo con Steve y otras cosas. Hora Libre, un disco a cuarteto de órgano que grabé en Buenos aires en 2005 saldrá en breve. También tengo otro disco que hice en Nueva York, todo música improvisada. Aún está por publicar. Además, tengo otros proyectos, tanto docentes como de composición.

Enrique Farelo: ¿Cuáles son vuestros guitarristas de referencia?

Steve Brown: Mis mayores influencias en la guitarra son Barney Kessel, Joe Pass, Wes Montgomery y Pat Martino.

Guillermo Bazzola: Me gusta escuchar todo tipo de instrumentos, así que mis influencias son diversas. En cuanto a la guitarra mencionaría principalmente a Jim Hall y John Abercrombie aunque, por supuesto, he gozado e intentado aprender de otros grandes intérpretes como Wes Montgomery, Ed Bickert, John Scofield, Bill Frisell, Ralph Towner y John McLauglin, entre otros. Y también Carlos Santana, mi primer “guitar hero”.

Enrique Farelo: El disco está dedicado a la memoria de George J. Katz. ¿Quién era este personaje y porqué se lo habéis dedicado al él?

Steve Brown: George J. Katz era el padre de mi mujer, Barbara D. Katz-Brown. Él y Guillermo se hicieron muy amigos cuando George vivió con nosotros tras la tormenta Sandy en Nueva Jersey.

Guillermo Bazzola: George era el suegro de Steve, le conocí en Ithaca en Abril de 2013, nos llevábamos muy bien. Era un veterano de la segunda guerra mundial, un tipo encantador, lleno de historias que contar y un carpintero muy hábil… ¡y tenía 90 años!. Desafortunamente, poco después enfermó y falleció. Fue muy triste para todos nosotros. Me siento afortunado de haberle conocido.

Una Pequeña Alegría Brown Cats Records, 2014

Una Pequeña Alegría
Brown Cats Records, 2014

Enrique Farelo: Pienso que uno de los aspectos interesantes y atrayentes de los aficionados al fetiche de los discos físicos es poder contemplar una hermosa y artística portada. En el caso que nos ocupa la autoría corresponde a Barbara Katz-Brown (otra vez los apellidos Katz y Brown) ¿Quién es ella y porqué fue elegida para el disco?

Steve Brown: Barbara Katz-Brown es mi encantadora y talentosa esposa. Ella pintó con acrílico “Extremadura en Otoño” cuando viajamos desde Madrid hacia el oeste de España. Es administradora de colegios de distrito retirada y la autora del libro de reciente publicación Climbing the Rock Wall – Surviving a Career in Public School Education, disponible en Amazon y Barnes and Noble. Más información en www.climbingtherockwall.com .

Guillermo Bazzola: Tiene un gran sentido del humor y una persona maravillosa y polifacética. Es profesora, escritora y una pintora exquisita.

Texto : © Sergio Cabanillas, 2014
Traducción: © Sergio Cabanillas y Guillermo Bazzola, 2014.
Fotografías: © Barbara Brown, 2014.




Steve Brown & Guillermo Bazzola: a little great joy, by Sergio Cabanillas

The meeting in Ithaca, NY, of veteran US guitarist Steve Brown and Argentinian Guillermo Bazzola has favored one of the finest releases of 2014. Una pequeña alegría sounds like a kind and placid conversation between two friends next to a coffee -or a good mate– that brings together a common taste for swing or tango with encyclopedic knowledge of jazz language provided by the duo. A little great joy for every listener.

Madrid, 2010 © Barbara Brown, 2010

Madrid, 2010
© Barbara Brown, 2010

Sergio Cabanillas: Steve, what are the results of Ithaca College jazz program in the last years, according to the interest of the students and the number of them? Can you recommend our readers a few names of up and coming jazz musicians to discover from Ithaca program?

Steve Brown: After having taught at Ithaca College for 40 years, as the Director of the Jazz Studies Program, I retired 6 years ago as Professor of Music.  I have followed the progress of the program for the past six years and I have noticed a growth, not only in numbers of students, but also in the faculty of the Jazz Studies Department. There are now four big bands rather than two.  I have also noticed curricular changes. Therefore I can only attest to the students who studied with me during their time in school, but the ones who attended Ithaca College and are prominent today include:  Marty Ashby, Darmon Meader, Kim Nazarian, Chieli Minucci, Jay Ashby, Andy LaVerne, Tony DeSare, Chris Persad, Brian Czach, Chris Gordan, Tim Collins, Larry Corban and many others.

Sergio Cabanillas: Is Atlantic Bridge with Alberto Conde moving forward? Have you got any short term future plans for this band?

Steve Brown: Yes, we just finished a reunion concert at Xancarajazz in Vigo and we intend to continue to look for other playing opportunities.  We were very well received again this time.

Enrique Farelo: Why have you become interested in Spanish jazz being so unknown in the US?

Steve Brown: During the 1980’s I traveled to Spain to perform and run jazz seminars in many places in Spain starting in Banyoles under the leadership of Chuck Israels. Over the many years I visited Spain playing and teaching jazz, I developed an interest in Spanish players and the Spanish approach to American jazz improvisation. I was especially impressed by the music of Galicia through my relationship with pianist and composer Alberto Conde, who attended two of my earliest seminars.

Carriage House, Ithaca, 2013 © Barbara Brown, 2013

Carriage House, Ithaca, 2013
© Barbara Brown, 2013

Enrique Farelo: Is the interest in jazz in the US decreasing lately or is it the same it was before?

Steve Brown: The interest in jazz continues to be strong within the academic communities of higher education in the United States.  Most US public schools also have a jazz program in their high schools, depending on the state.  This serves as a “feeder” system for higher education.  The general public of listeners and audiences are small but supportive.  Radio stations across the US need to be playing more jazz.

Enrique Farelo: Does the US government promote culture with grants or does it rise taxes on culture as Spain does?

Steve Brown: They do give grants but they are difficult to obtain, especially within the last 10 years. Many jazz musicians are teaching in academic institutions today to supplement their income from playing.  Others play shows, commercial gigs, or have additional jobs. Donations from the private sector and corporate businesses fund concerts and venues in our country.

Enrique Farelo: What musicians are you interested in nowadays, Guillermo?

Guillermo Bazzola: I am no longer a “record hunter” in terms of checking every new release but I try to listen to new music all the time. I listen to new records by my all-time favorite musicians, by my friends, by young guys who contact me, old albums that I didn’t listen before, folk musicians from everywhere, etc.

Carlos Lara: And what do you think of The Bad Plus’ The Rite Of Spring?

Guillermo Bazzola: I know them, they’re very good, but didn’t listen to this album.

Guillermo Bazzola © Sole González

Guillermo Bazzola
© Sole González

Carlos Lara: Many jazz musicians make versions of classical music composers. Why -in a contemporary perspective- jazz picks more from classical music than classical does from jazz? Does that leave jazz in a bad position?

Guillermo Bazzola: No. I guess that the concert music’s own evolution, in which tonality was abandoned and there was a process of rhythm fragmentation, determined that jazz were no longer a matter of interest for classical composers. This interest in African-American music existed in the past and influenced the work of composers like Dvorak, Debussy o Stravinsky. Ligeti or Steve Reich (I think on “Electric Counterpoint”, written for Pat Metheny, but it isn’t a good example) did things related to African music but not directly to jazz. A British composer, Mark Anthony Turnage wrote orchestral pieces that included John Scofield and Peter Erskine, but not much more.

PS: by accident, I just discovered Nikolai Kapustin’s piano music. It’s interesting but I don’t think it will have a big incidence into the academic music world.

Sergio Cabanillas: What are your short term future plans for Gnu Trio and your other projects?

Guillermo Bazzola: The Gnu Trio stopped playing mostly because a few years ago Andrés Litwin moved to the US.  He came back a while ago, we met and talked about a comeback. I’m sure we’ll be back very soon, album included. I have a new solo album, Hora Libre, recorded in Buenos Aires in 2005. It’s an organ quartet with Ernesto Jodos, Rodrigo Domínguez and Juanma Barroso. It was just released by Argentine label BlueArt. Also an improvised music album recorded in NY with drummer Joe Hertenstein and multi-reedist Daniel Carter. I’m also working on a project with two musicians who are quite new in Madrid: pianist/saxophonist Miguel López and bassist Daniel Batán. They’re very good composers as well. We are working on a collective project based on original compositions.

Enrique Farelo: Guillermo, I’m pretty sure that Kenny Wheeler’s “The Jig Saw” is one of your choices. Am I right?

Guillermo Bazzola: Yes. Kenny is one of my favorite musicians. I try to listen to all of his albums and I usually transcribe a couple of tunes at least. “The Jig Saw” is a relatively simple but very effective composition. I showed it to Steve, he liked it and we decided to record it.

Ithaca, 2013 © Barbara Brown, 2013

Ithaca, 2013
© Barbara Brown, 2013

Sergio Cabanillas: How did you meet each other?

Steve Brown: Although he is a native of Buenos Aires, Argentina, we met many years ago in Madrid, where he now lives, during one of my trips to Spain to play and teach. He was always very gracious to me and helped secure performances and teaching engagements during my European tours.

Guillermo Bazzola: In 2007, our mutual friend John Stowell emailed me telling that his friend Steve Brown was visiting Madrid an asking if I were interested in getting in touch with him. I said “of course”. Steve wrote to me, so I learned that he had already been in Madrid many years ago, doing seminars for the Taller de Músicos, where I work. We became friends immediately.

Enrique Farelo: Being so different musically and in your sound, how could you deliver such a fluent and harmonious result in your duo recording?

Steve Brown: We both have similar background even though we grew up thousands of miles from each other.  We listened to many of the same artists during our formative years such as Wes Montgomery, John Abercrombie, Keith Jarrett, Chick Corea, Miles Davis and many others.  We decided to pick material that would not only have great variety, but would represent the different backgrounds that we both have.  For example, there are two tangos on the CD, three of Guillermo’s originals, a couple of my originals, and some standards.

Guillermo Bazzola: I don’t think we’re so different. We both love music, jazz, guitar, composition, etc. Obviously, we have individual approaches to these subjects but they’re entirely compatible.

Enrique Farelo: When did you decide to make a duo recording, what were your initial goals?

Steve Brown: We had started to record a duo CD in Madrid a few years ago, but never had enough contact time to complete the project.  Therefore, when he decided to come to Ithaca, New York, to visit I scheduled three concerts and this recording session during the week Guillermo was here. My initial goals were to present the duo and feature original compositions.

Guillermo Bazzola: In 2010 we recorded some tracks at my home studio, but due to some technical issues we couldn’t finish it. So, when I travelled to Ithaca to visit Barbara & Steve, he had the idea of doing some gigs and a recording session.

REP Studios, 2013 © Barbara Brown, 2013

REP Studios, 2013
© Barbara Brown, 2013

Enrique Farelo: How long did it take to record the album?

Steve Brown: The CD was recorded on April 8, 2013 in one six hour session at REP Studio in Ithaca, New York with recording engineer Nate Silas Richardson.

Guillermo Bazzola: We recorded it in one session, plus some mixing and mastering work.

Enrique Farelo: What format is more comfortable for you to play in, small group or bigger band?

Steve Brown: I enjoy playing in any format from a duo to a large ensemble.  I am comfortable in them all but I realize that the larger the group, the less you get to play!

Guillermo Bazzola: I prefer small groups (maybe trio is closest to perfection in terms of balance) but I like to play in different situations, from solos to big orchestras. Each format has its own characteristics, with pros & cons. To explore different settings is an important and truly rewarding work for any musician.

Enrique Farelo: How many pieces have each of you selected for the record?

Steve Brown: I selected seven and Guillermo contributed six.

Guillermo Bazzola: Well, actually we both agreed the repertoire. Each of us provided some originals, Steve suggested playing some tangos, so I picked a couple of them. We tried different songs, kept some and discarded others. I would say it was a joint decision.

Sergio Cabanillas: How did you feel in your last tour in Galicia?

Steve Brown: I had an extremely enjoyable visit to Galicia.  I played some well-received concerts and conducted a seminar for seventeen students with Guillermo at the Conservatorio Superior in La Coruna.  I met many future jazz musicians and had appreciative audiences.

Guillermo Bazzola: It was great! Galicia is one of my favorite places in Spain, so I try to go there as often as possible. I have many friends there that really like and support jazz music by going to concerts and buying records. We also had a masterclass at the Conservatorio Superior in Coruña, and the students showed a great interest in our music. Their musicianship was very good as well.

Madrid, 2010 © Barbara Brown, 2010

Madrid, 2010
© Barbara Brown, 2010

Enrique Farelo: In terms of work, what do you both expect from the future for each of you, one in Spain and another in the US?

Steve Brown: I expect to continue performing, writing, teaching and traveling. I hope we can continue to perform as a duo with Guillermo both in the US, Spain, and elsewhere, but we are also working on individual projects of our own.

Guillermo Bazzola: I expect to keep on working with different projects, the duo with Steve and also some other things. Hora Libre, An organ-quartet album I recorded in Buenos Aires in 2005 will be released very soon. I have one more record I did in NY, all improvised music. It’s still unreleased. I also have some teaching and writing projects.

Enrique Farelo: What are your influences according to guitar playing?

Steve Brown: My major guitar playing influences are Barney Kessel, Joe Pass, Wes Montgomery, and Pat Martino.

Guillermo Bazzola: I like to listen to all kinds of instruments, so my influences are diverse.  Speaking about guitar, specifically, I would mention mainly Jim Hall and John Abercrombie. But of course, I enjoyed and try to learn from other great players like Wes Montgomery, Ed Bickert, John Scofield, Bill Frisell, Ralph Towner and John McLaughlin, among others. And also Carlos Sanana, my first guitar hero.

Enrique Farelo: The album is dedicated to George J. Katz. Who was he, and why do you dedicate the album to him?

Steve Brown: George Katz was my wife, Barbara D. Katz-Brown’s father.  Guilllermo and he became good friends while George was living with us after Superstorm Sandy in New Jersey.

Guillermo Bazzola: George was Steve’s father-in-law. I met him in Ithaca in April 2013. We got along very well. A WWII veteran, he was such a nice man, full of stories and a very skilled wood craftsman. And he was 90 years old! Unfortunately, shortly after, he got ill and died. It was very sad for all of us. I feel blessed for having had the chance of meeting him.

Una Pequeña Alegría Brown Cats Records, 2014

Una Pequeña Alegría
Brown Cats Records, 2014

Enrique Farelo: One of the most attracting and interesting aspects for physical record lovers is the artwork. In this case it was made by Barbara Katz-Brown (again Katz and Brown). Could you introduce her to our readers?

Steve Brown: Barbara Katz-Brown is my lovely and talented wife who painted the acrylic painting of “Extremadura in the Autumn” while traveling from Madrid to western Spain.  She is a retired public school district administrator and the author of the recently pubished book, Climbing the Rock Wall – Surviving a Career in Public School Education, available on Amazon and at Barnes and Noble. For more information www.climbingtherockwall.com.

Guillermo Bazzola: She has a great sense of humor and is a wonderful and multifaceted person. She’s an educator, a writer and an exquisite painter.

Text : © Sergio Cabanillas, 2014
Translation: © Sergio Cabanillas and Guillermo Bazzola, 2014.




Pat Martino Trio (Sala Clamores, Madrid, 2013/11/11)

  • Fecha: 11 de Noviembre de 2013.
  • Lugar: Sala Clamores, Madrid.
  • Grupo:
    Pat Martino: guitarra
    Pat Bianchi: órgano
    Carmen Intorre Jr.: batería

Comentario:

Pat Martino Trio © Sergio Cabanillas

Pat Martino Trio
© Sergio Cabanillas

Parece que las últimas visitas que ha realizado Pat Martino a nuestro país en los últimos años vienen dejando al respetable con apetito, y es que la leyenda de Filadelfia volvió a presentarse con su trío de órgano en Clamores a sala llena. Además de los buenos aficionados de la capital, entre el público se encontraban reputados intérpretes de las seis cuerdas como los argentinos Sacri Delfino y Guillermo Bazzola o el estadounidense Chuck Loeb, acompañado por el batería Wolfgang Haffner, todos ellos bien dispuestos a disfrutar del espectáculo.

Pat Martino © Sergio Cabanillas

Pat Martino
© Sergio Cabanillas

Martino no defraudó y se entregó a su público con un repertorio de swing sin concesiones desde el primer acorde del explosivo “Catch”, con un arreglo diferente al que puede escucharse en Live At Yoshi’s (Blue Note, 2001), donde Pat Bianchi ya se hizo notar con un solo espléndido, antes de seguir con el original “Inside Out”, incluído en Undeniable (High Note, 2011), donde el guitarrista deleitó a los asistentes con un solo decididamente negro, arrastrando el tempo y utilizando las octavas al estilo de Wes Montgomery, pero utilizando la púa en lugar de sus dedos, y brindando después un espléndido acompañamiento al solo de órgano. El trío continuó con “Seven Come Eleven” de Charlie Christian antes de relajar el ritmo con una interpretación llena de sentimiento de “Blue In Green”, uno de los momentos más emotivos de la noche, donde la guitarra de Martino cantó la soledad y el vacío. La velada continuó con el aire de bossa de “The Island” y el primer pase finalizó por todo lo alto con la enérgica revisión de “Oleo” de Sonny Rollins, donde Martino despachó un solo de fantasía, tomando caminos insospechados y resolviendo con maestría, antes de dar paso a una espectacular intervención de Bianchi que levantó el aplauso espontáneo del público.

Pat Bianchi © Sergio Cabanillas

Pat Bianchi
© Sergio Cabanillas

Tras una breve pausa, los músicos regresaron al escenario para interpretar “Footprints” de Wayne Shorter, desplazando la melodía sobre el ritmo, donde de nuevo el órgano cobró protagonismo en su solo, con Carmen Intorre empujando sin cesar a sus compañeros. Después el trío pisó el acelerador con el delicioso “Twisted Blues” de Wes Montgomery que Martino grabó en Remember: A Tribute To Wes Montgomery (Blue Note, 2006) y tomó oxígeno con “In Your Own Sweet Way” de Dave Brubeck antes de volver a la carga con “Impressions” de Coltrane. El momento lírico del pase lo puso la balada “In A Sentimental Mood” antes de que el protagonista y sus compañeros volvieran a desbocarse recurriendo a de nuevo a Montgomery con “Full House” y finalizaron por todo lo alto con su habitual “Mac Tough”, dedicado a Brother Jack McDuff donde Bianchi volvió a hacer de las suyas con la complicidad de Intorre y su groove. Tras la ovación final, la petición de bises no se hizo esperar, y Martino y sus compañeros correspondieron con un inolvidable “Round Midnight”.

Carmen Intorre Jr. © Sergio Cabanillas

Carmen Intorre Jr.
© Sergio Cabanillas

Noche de gigantes en Clamores, con un anfitrión de leyenda que con el paso de los años no ha perdido ni un ápice de su chispa, con su pulso prodigioso y su fraseo inconfundible, y dos compañeros con un swing a toda prueba. Desde su increíble historia de superación personal, Martino sigue maravillando a partes iguales a la ciencia y al público de todo el mundo. Todo un ejemplo del triunfo del espíritu humano.

Texto y fotos: © 2013  Sergio Cabanillas

Contenido relacionado: Pat Martino en Pamplona, 2012.

 




All Jazz Sera: Pat Martino

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Pat Martino
Pat Martino Trio
XII Ciclo de Jazz en la UPNA
Sala de Cámara. Auditorio Baluarte, Pamplona, Navarra. 2012-04-28




Núa Trío – Tracey Reid and the Sweet Rhythm Kings – Pat Martino Trio (XII Ciclo de Jazz en la UPNA, Auditorio Baluarte, Pamplona, Navarra)

XII Ciclo de Jazz en la UPNA

  • Fecha: 26 al 28 de abril de 2012.
  • Lugar: Auditorio Baluarte, Pamplona (Navarra).
  • Componentes:
    26 de abril
    Núa trío
    Mû: voz e instrumentos africanos
    Luisa Brito: contrabajo
    Jesús Mañeru: percusión
    Músico invitado
    Iñaki Rodríguez: saxos tenor y barítono
    27 de abril 

    Tracey Reid And The Sweet Rhythm Kings
    Tracey Reid: voz
    Enric Peidro: saxofonista
    Francisco Soler: trombonista
    David Herrington: trompetista
    Luís Suria: pianista
    Curro García: batería
    Andrés Lizón: contrabajo

    28 de abril
    Pat Martino Trio
    Pat Martino: guitarra
    Pat Bianchi: órgano Hammond
    Carmen Intorre Jr.: batería

  • Comentario:

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    En 2012 el Ciclo de Jazz de la UPNA (Universidad Pública de Navarra) ha llegado a su duodécima edición. A lo largo de todos estos años ha pasado por cuatro emplazamientos diferentes. Los tres primeros estuvieron situados en el propio campus de la Universidad, hasta llegar en la edición de 2011 a la Sala de Cámara del Auditorio Baluarte, situado en pleno centro de Pamplona. Otra novedad importante, también desde el pasado curso, es la implicación de los alumnos de un modo más directo en su programación. Además de a los conciertos, los universitarios tienen la posibilidad de asistir a unas charlas sobre el jazz tituladas “Jazz en el Siglo XXI”, y realizar un trabajo sobre ello. Todo esto es convalidable por unos créditos que han permitido incorporar el jazz a la oferta formativa de la Universidad y por tanto a los currículum de los alumnos participantes, algo que no es muy habitual en nuestro país.

     IMG_5241_PatMartinoconmarco

    El paso del festival a la Sala de Cámara del Auditorio de Baluarte ha supuesto todo un éxito para la Universidad Pública de Navarra y para su Ciclo de Jazz. Tras la incertidumbre inicial motivada por el cambio de localización en la edición del pasado año, que fue respondida por una magnífica entrada en sus tres conciertos, en 2012 el cambio se ha consolidado, convirtiéndolo en un gran acierto. La siempre difícil propuesta local, en lo relativo a la respuesta del público, de Núa Trío en la primera jornada presentó una muy buena entrada que ocupó algo más de las tres cuartas partes del auditorio. La actuación de la cantante Tracey Reid y sus Sweet Rhythm Kings llevó algo más de público, mientras que la clausura con el trío del veterano guitarrista Pat Martino logró un lleno casi total.

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    Núa Trío trabaja con la fusión del jazz con la música africana. El cantante, guitarrista y multi-instrumentista Mû (originario de Guinea Bissau), la contrabajista Luisa Brito y el percusionista Jesús Mañeru ofrecen una propuesta lírica y delicada. La magnífica voz y la guitarra del cantante encontraron el soporte perfecto en los detalles del percusionista y el acompañamiento de la contrabajista. Los tres músicos fueron desgranando algunos de los temas de su primer disco, Casa Núa , que se publicará en breve. A lo largo de hora y media se fueron sucediendo momentos mágicos en los que los versos de distintos poetas portugueses y de Guinea Bissau emocionaron expuestos con una aparente desnudez. El saxofonista local Iñaki Rodríguez participó en un par de temas, logrando con su intervención al barítono en el bis que cerró el concierto la mayor ovación de la primera jornada.

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    La actuación de Tracey Reid And The Sweet Rhythm Kings fue por unos derroteros muy distintos a la inmediatez y delicadeza del Núa Trío. Reid reivindicó a algunas de las grandes cantantes de las décadas de los años 30, 40 y 50, trayendo al escenario la inmediatez de un swing contagioso y la proximidad de unas melodías muy conocidas. La cantante se erigió en una potente frontwoman que no paró en ningún momento de bromear con el público y con sus compañeros, siendo el trompetista David Herrington la diana más frecuente de sus gracias. En lo musical, la cantante estuvo acompañada por un sexteto de músicos muy competente que gracias a los arreglos del conjunto y a sus solos trasladaron al público a la época dorada del swing . No faltaron temas como “Love Me Or Leave Me” (un clásico del repertorio de Nina Simone), o el archiconocido “Minnie The Moocher” de Cab Calloway, con el que puso a cada una de las dos mitades del auditorio a cantar su famoso estribillo.

     IMG_5261-PatMartinoconmarco

    El veterano guitarrista Pat Martino y su trío fueron los encargados de la clausura del Ciclo de Jazz ante un auditorio prácticamente abarrotado. Junto a sus compañeros habituales, el organista Pat Bianchi y el baterista Carmen Intorre Jr., bordó un concierto en el que mostró su gran facilidad para moverse a toda velocidad por el mástil de su guitarra ofreciendo un discurso directo con un sonido muy limpio y dotado de una gran naturalidad. A lo largo de la hora y cuarto de concierto fueron sonando temas propios como el magnífico “Inside Out”, junto a un buen número destandards como “Peace” de Horace Silver y “‘Round Midnight” de Thelonious Monk (en los que bajó la velocidad), mientras que en “Impressions” de John Coltrane, u “Oleo” de Sonny Rollins mostró su rapidez. Pat Bianchi demostró en sus solos por qué es uno de los mejores organistas de la actualidad. El baterista Carmen Intorre Jr. no tuvo tanto espacio como sus compañeros para lucirse en forma de solos, aunque su trabajo como acompañante fue fundamental para que la música fluyese con tanta facilidad como lo hizo. El bis del trío, reclamado con insistencia, en el que interpretó el conocido tema “Sunny” de Bobby Hebb, fue el final perfecto para un gran concierto.

    Texto y fotografías © 2012 Sera Martín