HDO 194. Ximo Tébar y su Son Mediterráneo: sus palabras y sus músicas. Entrevista por Pachi Tapiz [Podcast]

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ximo-tebar_soleo_2016El guitarrista Ximo Tébar es el protagonista de la entrega 194 de HDO. El motivo es su actuación en el Festival de Jazz de Madrid el jueves 17 de noviembre (de 2016), en el que presentará Soleo, una grabación que le sirve para conmemorar y poner al día -25 años después-, Son Mediterráneo. Este concierto es la excusa perfecta para charlar sorbe esta grabación, sobre el libro Ximo Tébar, la guitarra del jazz mediterráneo. Son Mediterráneo, 25 aniversario, 1990-2015 de José Pruñonosa, y para que el músico valenciano nos dé sus opiniones sobre la escena del jazz en España (tanto acerca de los músicos, como de los locales), el estado del negocio discográfico en general, e incluso de la política en los tiempos actuales. Como complemento a las palabras del músico suenan temas de Soleo. The New Son Mediterráneo (el disco que presentará en directo en Madrid con la Ximo Tébar Band que completarán Víctor MerloRicardo Belda, y Vicente Climent), así como el tema en solitario “A solas con Satie” de Ximo Tébar Celebrating Erik Satie.

Texto: © Pachi Tapiz, 2016
Fotografía: © Rafa Márquez, 2012

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.




Limehouse Hot Quartet (Jazzazza Jazz Club, Algezares, Murcia. 2016-01-16)

  • Fecha: 16 de enero de 2016
  • Lugar: Jazzazza Jazz Club (Algezares, Murcia)
  • Componentes:
    Limehouse Hot Quartet
    Juan Antonio Hurtado: guitarra.
    Quico Pérez: guitarra.
    Pedro Molina: contrabajo.
    Fernando José Gómez: percusión.

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La formación Limehouse Hot Quartet, presentó su primer proyecto dedicado a la música jazz manouche (gypsy jazz), en el escenario del club Jazzazza, arropada por un aforo completo y expectante ante el esperado concierto. La cita fue exitosa en muchos sentidos. Más de un año lleva el cuarteto preparándose para ofrecer un repertorio que tiene tanto de divertido, visceral y pasional como de arriesgado, si tenemos en cuenta el arduo trabajo que se requiere para poder tocar este estilo musical en cuestión, sobre todo cuando se trata de interpretar los temas más rápidos. La velocidad de ejecución en algunas composiciones requiere una gran perseverancia y labor previa, aquí no valen las medias tintas. Es precisamente eso lo que garantiza con fiabilidad el poder salir satisfecho, o no, después de escuchar un concierto de estas características.

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Dos pases fueron necesarios para ofrecer los más de veinte temas que conformaban el repertorio, en el que predominaron los ritmos de swing medio y alto, excepto en algunas piezas a tiempo lento. “All Of Me”, “Douce Ambiance”, “Daphne”, “Wrap Your Troubles”, “Limehouse Blues”, “Blues For Ike” y “Swing Gitan”, fueron algunos de los temas con los que abarcaron la primera parte de la sesión, en la que pude percibir la buena interacción que fluía entre los músicos. Los dos guitarristas, Juan Hurtado y Quico Pérez, desvelaron una forma diferente de tocar, aunque naveguen en el mismo barco, siendo éste un matiz favorable que le da diversidad y enriquece el resultado sonoro y la expresión lingüística de las piezas musicales que interpretan. El contrabajista Pedro Molina y Fernando Gómez en la percusión, completaban el cuarteto aportando una base muy consistente y una labor incansable. Ambos tuvieron también sus momentos de improvisación. Las notas rápidas y a veces más imperceptibles decoraban los fraseos y llenaban de cromatismos las improvisaciones, agrupadas dentro de un todo musical mágico, revelando el secreto de una música rebosante de sentimiento pero también cargada de energía, realizada de manera impecable. Ni una sola guía o partitura sobre el escenario, excepto el setlist de los temas. Todo el repertorio está bien trabajado e interiorizado por cada músico en los ensayos, meses antes de la actuación.

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La segunda parte se presentaba aún más emocionante si cabe. Pasados lo momentos iniciales de tensión, previos a cualquier estreno, el cuarteto comenzó con la pieza llamada “Out Of Nowhere” (Green/Heyman), expuesta y desarrollada en parte de forma magistral por Juan Hurtado que se lució en una improvisación extraordinaria. Las influencias de músicos como Django Reinhardt, Jimmy Raney, Joe Pass, Stan Getz, Charlie Parker o Chet Baker, entre otros, son notorias en el lenguaje jazzístico de este gran guitarrista. Con “Dark Eyes”, “Coquette”, “Nuages”, “Sweet Georgia Brown”, “Bistro Fada”, y “Swing 48”, dejaron muy alto el buen nivel en el que se encuentra la formación, convirtiendo su saber hacer en un disfrute de improvisaciones alternadas y a veces compartidas que mantenían atentos a una gran mayoría de los presentes en el local. Brillaron también los solos de Quico Pérez en varios de los temas propuestos como en “Nuages”, la conocida composición de Django, en el que dispuso de fraseos al más puro estilo. El concierto rozaba casi el final con “Minor Swing”, destacando la improvisación del contrabajista Pedro Molina, que por cierto estuvo formidable a pesar de su laborioso papel en el grupo, junto a Fernando Gómez, base clave de la banda que destaca por su percusión sólida y una excelente métrica. El grupo despidió su concierto con un bis a petición del público, el tema llamado “For Vic”, una alegre y vigorosa composición para un final apoteósico.

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Tengo la sensación de haber escuchado uno de los mejores conciertos de los que he asistido en las últimas fechas. La combinación de los ritmos del swing y el jazz manouche con el lenguaje propio del estilo y los elementos del bebop forman un tándem muy interesante para el oído. Por fortuna, el dicho de que “nadie es profeta en su tierra” no siempre se cumple, aún más si lo que se profetiza está avalado por un riguroso, ejemplar y elegante ejercicio musical. En los próximos meses saldrá a la luz su primer disco. Mi enhorabuena por tan hermoso proyecto.

Texto: © José Antonio García López, 2016
Fotografías: © Rafa Márquez , 2016




Eric Revis Quartet (Jazzazza Jazz Club, Murcia. 2015-05-23)

VIII Ciclo de Jazz 1906

  • Fecha: 23 de mayo de 2015.
  • Lugar: Jazzazza Jazz Club (Murcia)
  • Componentes:
    Eric Revis Quartet
    Eric Revis: contrabajo.
    Chad Taylor: batería.
    Bill McHenry: saxo tenor.
    Darius Jones: saxo alto.

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Qué mágica y extraordinaria actuación la del Eric Revis Quartet en el club Jazzazza, en uno de los diversos conciertos programados en el Ciclo 1906 de Jazz. La particular trayectoria artística del contrabajista Eric Revis nos puede dar una pista del porqué de su especial gusto por las formas más modernas del género jazzístico. Así lo demuestran sus tres últimos trabajos discográficos como líder: Parallax (2012, Clean Feed), City Of Asylum (2013, Clean Feed), y el más reciente In Memory Of Things Yet Seen (2014, Clean Feed), en el que basó buena parte del repertorio. Su tendencia vanguardista le viene, en cierto modo, de las influencias de otros grandes jazzmen que fueron precursores, en su tiempo, de una forma distinta de hacer y crear en el jazz. Tomemos como ejemplo al saxofonista Ornette Coleman y al pianista Sun Ra, y más recientemente a músicos como Oliver Lake o Kris Davis, entre otros. Revis ha sido miembro de importantes formaciones de jazz: Tarbaby -la más reciente-, es una de ellas; y también ha trabajado junto a Branford Marsalis, Orrin Evans, Steve Coleman, o el guitarrista Kurt Rosenwinkel, además de participar en más de una veintena de discos.

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Puntuales a la cita, los cuatro miembros del grupo llegaron al club, seguramente algo mermados por el cansancio de los viajes entre ciudades, lo cual no influyó en el buen desarrollo del concierto, que realizaron en un solo pase de casi una hora y media de duración. “The Tulpa Chronicles, Pt. 1- Poem” y “The Tulpa Chronicles, Pt. 2- Ephemeral Canvas”, fueron los temas elegidos para iniciar la sesión, dos movimientos cortos unidos a modo de suite, con la que el cuarteto fue mostrando sus primeras intenciones ante un público exigente, entendido en su mayoría, y nada neófito, salvo excepciones, y a pesar del tipo de música en cuestión. Apoyándose en una tonalidad con pocas variaciones, los vientos fueron introduciendo sonidos suaves y otras veces desgarradores, arropados por las dinámicas sutiles, y a veces enérgicas, del baterista y del contrabajista. La música de Eric Revis es arriesgada y audaz, te atraviesa como un torrente musical dejándote una huella inspiradora que hay que masticar lentamente o simplemente sentirla y dejarte llevar. “Ayanna” de Revis, incluida en el álbum Tales Of The Stuttering Mime (2004, 11:11 Records), fue otra de las piezas que formaron el repertorio, junto a otros temas: “African Song”, de Bill McHenry; “Song For Ayani” de Chad Taylor; y “Roosevelt” de Darius Jones, en las que destacaron sus respectivos compositores.

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El cuarteto dedicó una parte del concierto al excelente saxofonista Johnny Hodges, interpretando dos piezas suyas: “Wiggle Awhile” y “I’n Be There”, adaptadas al estilo del jazz contemporáneo en las que el saxo alto de Darius Jones sonó espléndido, con elocuentes y vertiginosos fraseos. El walking del contrabajista, apoyado por la contundente batería de Taylor, dio entrada a un último tema llamado “Unknown”, un fluido y largo diálogo entre los saxofones, tenor y alto, con improvisaciones intensas y bien construidas.

Revis, nos ofreció su faceta más hacendosa y vanguardista, con un palpable sentido del groove, en la que los músicos solistas revelaron su poderosa maestría con una gran creatividad y expresividad, cargada de energía y sabiduría, en una noche de reflexión para los amantes del buen jazz.

Texto: © José Antonio García, 2015
Fotografías: © Rafa Márquez, 2015




Pasión por el Jazz: un día con Cifu. Por José Antonio García

Cifu Pasion por el jazz Foto por Rafa Marquez

No he conocido a nadie tan ilustrado, en lo concerniente al jazz, como a Cifu. Su sabiduría, generosidad y dialéctica sobre el género musical, rebasaban el tiempo y el espacio, dejándote la sensación de estar ante una persona apasionada por su trabajo.

Tuve la grata ocasión de conocerle en la primavera de 2013 cuando aceptó, gustosamente, la invitación del club Jazzazza para venir a Murcia, a la presentación del I Jazzazza Festival. Su presencia en los medios informativos y en los diversos actos que tuvieron lugar ese día fue trascendental, dando ánimo a los presentes y apoyando la iniciativa cultural en todos sus aspectos. La jornada fue larga y dio de sí lo suficiente para poder entablar con él varias conversaciones, no solo referentes a la música, a la situación del jazz en nuestro país y a las vicisitudes por las que atraviesan los músicos de jazz, entre otros temas, porque con él se podía hablar de todo. Una persona verdaderamente agradable e inteligente.

Las palabras se quedan cortas para expresar mi agradecimiento y el de miles de seguidores por el gran legado que nos dejado, no solo material, sino también espiritual. Un mensaje que nos alienta para seguir luchando por la cultura, en general, y por la música, en particular, tomada como un puente que acerca y une a personas de todo el mundo, sin barreras ni artificios.

Cifu, tiene un lugar merecido en la historia del jazz, junto a las grandes figuras que la han hecho posible. A través de sus programas de radio, conferencias y escritos, nos acercó a un mundo para muchos desconocido, a base de esa vitalidad, constancia y amor por su trabajo, un ejemplo de vida ofrecida para todos. Su huella es imperecedera.

Gracias maestro por todo lo que nos has dado.

Texto: © José Antonio García, 2015
Fotografías: © Rafa Márquez, 2013




Oliver Lake & Tarbaby “The Eric Dolphy Project” (VII Ciclo Jazz 1906, Jazzazza, Murcia. 2014-04-19)

VII Ciclo de Jazz 1906

  • Fecha: 19 de abril de 2014.
  • Lugar: Jazzazza Jazz Club (Murcia)
  • Componentes :
    Oliver Lake & Tarbaby
    Oliver Lake: saxo alto.
    Orrin Evans: piano.
    Luques Curtis: contrabajo.
    John Betsch: batería.

Comentario:

Hay ocasiones en las que uno no tiene más remedio que quitarse el sombrero, hacerle honor a alguien, y aceptar lo evidente ante tanto derroche de conocimiento y maestría. Tal es el caso de la formación Tarbaby, liderada por el veterano saxofonista norteamericano Oliver Lake, que acudió al club Jazzazza dentro de los conciertos programados en el VII Ciclo de Jazz 1906.

 Oliver Lake

Oliver Lake es un músico consagrado, además de compositor, poeta y pintor, con una gran carrera jazzística y una, no menos, extensa discografía, más de treinta discos liderados y otros tantos como colíder y colaborador. El cuarteto lo completaba el pianista Orrin Evans, el contrabajista Luques Curtis, en sustitución de Eric Revis, y el baterista John Betsch, en lugar de Nasheet Waits, dos músicos extraordinarios que demostraron estar a la altura de sus compañeros durante toda la sesión, aportando una gran solidez en la sección rítmica.

 Orrin Evans

La dilatada experiencia de Lake se impuso desde los primeros compases, dando buena prueba de ello nada más comenzar el concierto. El sonido del saxo alto, unas veces sosegado y otras desgarrador, según la tensión requerida, fue inundando el espacio con fraseos bien calculados del saxofonista, concisos, y a veces largos y vertiginosos, en ricos diálogos con el resto de la sección rítmica, arropado sobre todo por el contrabajo y la batería.

 Luques Curtis

Lake tocó y dejó tocar, variando, por momentos, el formato inicial de cuarteto en un trío de piano, contrabajo y batería, que deleitaron al público con sus propias improvisaciones, destacando las ingeniosas y sugerentes ideas musicales de Orrin Evans, y la impecable interacción entre Luques Curtis y John Betsch.

 John Betsch

En el homenaje al saxofonista Eric Dolphy, el cuarteto desplegó algunos temas con sello propio como “Rolling Vamp” de Oliver Lake; “M.B.B.S”, del pianista Orrin Evans; y “O” de Eric Revis, de marcado estilo free jazz, así como varias composiciones del homenajeado: “245” y “The Prophet”, entre otras.

 

Fue éste un concierto desbordante y espléndido, todo un lujo musical al alcance del oyente más exigente, que pudo disfrutar del eclecticismo, la fuerza y la enérgica expresión de uno de los músicos más emblemáticos del jazz mundial, Oliver Lake. Seguro que al gran Dolphy le llegaron los sonidos de esta excelente sesión, allá donde se encuentre.

 

Texto: © José Antonio García López, 2014
Fotografías: © Rafa Márquez, 2014




Chuchito Valdés Cuarteto “Homenaje a Bebo Valdés” (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, 2013-07-27)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 27 de julio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    Chuchito Valdés: piano.
    Sandra Carrasco: voz invitada.
    Javier Colina: contrabajo.
    Georvis Picó: batería.
    Yuvisney Aguilar: percusión.

Comentario:

 Chuchito Valdés

El cierre del XVI Festival Internacional de Jazz San Javier se convirtió en un homenaje al extraordinario pianista y compositor cubano Bebo Valdés, recientemente fallecido. Su nieto, Chuchito Valdés, fue el encargado de protagonizar el evento dedicado a su abuelo, acompañado por músicos de gran prestigio y categoría como el genial contrabajista pamplonés Javier Colina y los cubanos: Georvis Picó, en la batería, y Yuvisney Aguilar, en la percusión. El cuarteto se convertiría más tarde en quinteto, con la unión de la voz invitada de la cantaora  Sandra Carrasco, que actuó en buena parte de la sesión.

 Sandra Carrasco

La trayectoria del pianista, comienza a ser relevante a partir de sus primeros álbumes editados en el año 2002, discografía que comienza a tomar amplitud con los nuevos trabajos grabados en 2012: The Other Side Of Me, Piano & Charango con Eddy Navia, y Live in Chicago, estos dos últimos están nominados para el Grammy de la música latina.

 Javier Colina

“Tributo a Bebo”, fue el primer tema elegido para iniciar la actuación. Una hermosa pieza que recordó las particulares cadencias armónicas que realizaba su abuelo, ahora adornadas por la mano derecha de su más joven sucesor. Valdés incluyó en el repertorio varios temas de su más reciente trabajo Live in Chicago,  como la emotiva partitura llamada “Bossa Para Ti”, un tema que el pianista supo conducir sabiamente con sus enérgicas improvisaciones, logrando niveles de gran intensidad sonora y lírica, y “Danzon De Nina”, en el que destacaron los solos del pianista, desprendidos y elocuentes,  arropados por el singular ritmo cubano. Otra de las piezas incluidas fue “Take The A Train”, un claro guiño al pianista Duke Ellington, como muestra de las buenas influencias que se dan en el joven Valdés. El líder compartió aquí desarrollos e improvisaciones con el contrabajista Javier Colina, columna vertebral del cuarteto que realizó una sublime labor musical durante todo el concierto y fue principal protagonista en muchos momentos del mismo. La formación continuó deleitando a los presentes con “Guajira Blanca” y “Montuno Lecuona”, una descarga afrocubana desarrollada en gran parte por los sonidos de la percusión y de la batería, en las manos de Yuvisney Aguilar y Georvis Picó, y los diálogos cantados a modo de pregunta y respuesta entre los cuatro componentes. “C7” y “Obsesión”, fueron los dos últimos temas antes de invitar al escenario a la cantaora Sandra Carrasco.

 Georvis Picó

Con la presencia de la vocalista el concierto tomó otros caminos no exentos de la calidad musical impuesta por los maestros que le acompañaron en los diversos temas cantados. “Por una cabeza”, “Cómo fue”, “Cualquiera” y el conocido bolero “Sabor a mí”, fueron algunas de las canciones con las que nos deleitó la espléndida voz de la invitada. El bis final de su actuación fue con la canción “Oh qué será”, de Chico Buarque. El público aplaudió a la cantante y reclamó otro bís que no se hizo esperar demasiado, ejecutando una peculiar adaptación de “El manisero”. Generosos en su entrega, el cuarteto de Valdés regaló un último tema, ahora sí, llamado “Almendra Danzon”, un colosal colofón de concierto para el recuerdo de los presentes.

 Yuvisney Aguilar

Excelso y merecido homenaje a una de las figuras más relevantes que nos ha dado la música moderna, el gran maestro Bebo Valdés, siempre recordado a través de sus discos y ahora también con sus dignos sucesores.

Texto: José Antonio García López
Fotografías: Rafa Márquez




Lou Donaldson Quartet (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, 2013-07-27)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 27 de julio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    Lou Donaldson: saxo alto y voz.
    Randy Johnston: guitarra eléctrica
    Akiko Tsuruga: órgano Hammond B3.
    Fukushi Tainaka: batería.

Comentario:

Lou Donaldson

El octogenario compositor y saxofonista estadounidense Lou Donaldson (1926) fue uno de los  encargados de clausurar el XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, con una emotiva exposición musical que comprendió estilos tan diversos como el bebop, hard bop, blues y el soul jazz, en la que incluyó piezas propias de su extensa discografía, -casi 50 álbumes editados como líder-,  y de otras grandes figuras del jazz. A pesar de su avanzada edad, Donaldson está de gira continua desde hace algunos años acompañado de una formación excepcional compuesta por el guitarrista Randy Johnston, la pianista japonesa Akiko Tsuruga, y el baterista Fukushi Tainaka, conformando un cuarteto atípico, sin contrabajo, en el que la música fluye de forma natural, sin demasiadas complicaciones pero con una alta complicidad y sincronía entre ellos.

 Randy Johnston

“Esto no es fusion, no es rock, no es pop… sólo es jazz”, comentó Donaldson antes de comenzar el concierto, que inició con un tema de su cosecha llamado “Blues Walk”. Un elegante blues de doce compases, que desarrollaron con extensas improvisaciones de saxo alto, guitarra y órgano. Un anticipo exquisito de una actuación que duró alrededor de 90 minutos, tiempo suficiente para deleitar y conectar con la gran cantidad de seguidores que estaban presentes en el auditorio, con los que el saxofonista compartió, entre otras actitudes, una gran dosis de buen humor. Una de las cualidades, de Donaldson, que más puede llamarte la atención es su extraordinaria agilidad técnica y su particular sonoridad, suave, algo terrosa y profunda, como su propia voz. Los 32 compases del rhythm changes llamado “Wee” (Denzil Best / Dizzy Gillespie) tocados a un tiempo vertiginoso, los convirtió, el saxofonista, en una enérgica y contundente muestra de fraseos jazzísticos improvisados, posiblemente inspirados por las buenas influencias de otro grande del saxo alto de aquella época, el virtuoso Charlie Parker, máximo representante del estilo bebop  en el jazz de los años 50. El líder del cuarteto compartió ingeniosas improvisaciones con sus compañeros de grupo, que respondieron también con desarrollos de gran calidad técnica y ricos fraseos llenos de ágiles recursos musicales. La exposición del saxofonista, arropado por la estable y eficaz sección rítmica, sonó cálida y mágica en la balada “What A Wonderful World”,  tantas veces interpretada por Louis Armstrong, llenando con su sonido cada rincón del auditorio. Los tiempos rápidos no tardaron en reaparecer en una escalofriante versión del standard “Fine & Dandy”, en el que destacó el brillante solo de batería de Fukushi Tainaka, elástico y magistral.

 Akiko Tsuruga

Donaldson, realizó otros  temas incluidos en sus primeros álbumes como,  “Whisky Drinkin Woman”, cantada por él, y “Alligator Boogaloo”, en el que el órgano Hammond B3 de Akiko Tsuruga ocupó gran parte de la atención del oyente, con un intenso y apasionado solo en el que mantenía pulsado el sonido hasta terminar en la  tecla más aguda del órgano. El veterano saxofonista descansó en el conocido “Softy As In A Morning Sunrise”, dejando el protagonismo a sus tres compañeros, sobre todo al guitarrista Randy Johnston, que llevó buena parte del peso armónico de la pieza y elaboró sugerentes diálogos en su espacio de improvisación. El standard “Over The Rainbow” y un fulminante “Cherokee”, cerraron una actuación fenomenal, tanto por la calidad y nivel de la música expuesta como por la excelente habilidad musical de los interpretes. Los aplausos y vítores del público provocaron un bis final, el blues “Gravy Train”, una despedida apoteósica con intervenciones de todos los miembros de la formación.

 Fukushi Tainaka

La música de Donaldson continúa por los caminos del jazz imperecedero. Un jazz ceñido y adaptado también a los nuevos tiempos, representado por una de las figuras más prolíficas y emblemáticas que ha legado el género en su herencia.

Texto: José Antonio García López
Fotografías: Rafa Márquez




China Moses & Raphaël Lemonnier (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, 2013-07-26)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 26 de julio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    China Moses: voz.
    Raphaël Lemonnier: piano.
    Luigi Grasso: saxo alto.
    Fabien Marcoz: contrabajo.
    Jean Pierre Derouard: batería.

Comentario:

China Moses

“De tal palo tal astilla”, dice el refrán, y nunca mejor aplicado si tenemos en cuenta los orígenes familiares de la cantante estadounidense China Moses. Hija de la famosa cantante de jazz Dee Dee Bridgewater, la artista ha heredado de su madre la belleza, la elegante presencia en el escenario y un extraordinario registro vocal en el que caben también las influencias de otras grandes figuras femeninas del jazz cantado, Dinah Washington, Etta James y Billie Holiday, entre otras. Moses compartió liderazgo con el pianista  francés Raphaël Lemonnier, acompañados por excelentes músicos como el saxofonista Luigi Grasso, Fabien Marcoz, en el contrabajo, y el baterista  Jean Pierre Derouard, completando un quinteto compacto con el que demostraron complicidad, interacción y un exquisito buen hacer musical.

Raphaël Lemonnier

A pesar de su, por ahora, escasa discografía, solo cinco álbumes editados desde 1997, la cantante ya goza de un espléndido reconocimiento en Francia, su país de residencia, y en las esferas del jazz internacional. This One’s for Dinah (Blue Note, 2009) y Crazy Blues (Universal Music France, 2012) son sus dos últimos trabajos discográficos con los que conformó buena parte del repertorio. Compositora y productora, la vocalista se introduce en el jazz a través de estilos como el hip-hop, el soul, pop-soul, y sobre todo del blues, como tema central y esencial. Si examinamos sus discos podemos ver que la labor compositiva de la cantante supera en existencia al numero de piezas standards interpretadas, son más bien creaciones propias elaboradas con colaboradores de gran reputación artística.

Luigi Grasso

Moses representa en el escenario una actitud elegante, vital y simpática, que engancha desde el primer momento al espectador. “Resolution Blues” y “Why Don’t You Do Right”, ambos temas incluidos en su último álbum, fueron el punto de partida de una magistral sesión que mantuvo embelesado al respetable aforo durante casi dos horas. En homenaje a una de sus máximas influencias, Dinah Washington, la cantante le dedicó un blues lento y emotivo llamado “Dinah’s Blues”, mostrándonos un hábil control de su registro vocal y un gran ímpetu expresivo.

Fabien Marcoz

Otro de los componentes del grupo que más lució por sus intervenciones fue el saxofonista Luigi Grasso, poseedor de una envidiable técnica que demostró con audacia en los solos de improvisación ejecutados en “Cherry Wine”, seguido del solo del contrabajista Fabien Marcoz, preciso y escueto en su diálogo, sin demasiados adornos. La voz de Moses llenó de quietud el ambiente del auditorio con la balada “You’re Crying”, arropada por los sutiles arreglos y contrapuntos de piano y saxo alto. Grasso compartió, de nuevo, protagonismo con la vocalista en “Crazy Blues”, tema central que da nombre al reciente álbum editado, aderezando con su instrumento el espacio de improvisación que le correspondía en esta pieza. Temas como el conocido “Work Song”, introducido con un largo solo del baterista Jean Pierre Derouard, el enérgico “Hot Stuff” y “Love Me Or Leave Me”, de Gus Kahn / Walter Donaldson, fueron cerrando la actuación que despidieron generosamente con dos piezas más, a modo de bis, “Move Over” y una colosal “Rescue Me”, versión particular reflejada en la poderosa voz de Moses.

Jean Pierre Derouard

Lo tradicional y lo moderno de la música de jazz se unen con gracia y talento en la figura de esta estupenda vocalista, a la que podemos augurarle un prospero porvenir artístico, conforme a la experiencia que ya sustenta.

Texto: José Antonio García López
Fotografías: Rafa Márquez




Víctor Aneiros Band con Julie Guravich (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, 2013-07-26)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 26 de julio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    Víctor Aneiros: guitarra y voz.
    Julie Guravich: voz.
    Manuel Gutiérrez: piano.
    Fran Rey: teclados.
    Víctor Gacio: bajo eléctrico.
    Marcos Sánchez: batería.
  • Invitados:
    Mingo Balaguer: armónica y voz.
    Patxi Valverde: saxo tenor.

Comentario:

Víctor Aneiros

La banda gallega liderada por el guitarrista Víctor Aneiros, visitó San Javier en la penúltima jornada de su festival de jazz, integrada por reconocidos músicos de la escena musical en España, entre ellos dos invitados de lujo: el veterano armonicista Mingo Balaguer, y el compositor y saxofonista Patxi Valverde. Las primeras palabras de la organización y de los músicos fueron en recuerdo a las víctimas del trágico accidente ferroviario ocurrido días antes en Galicia, y en apoyo a sus familias.

Patxi Valverde

La discografía de Aneiros comprende varios álbumes editados desde 1999. Siete trabajos en los que nos muestra su personal inclinación hacia el blues, el soul y el rock, como vitales fundamentos de sus obras musicales. Brétemas Da Memoria (2010) Víctor Aneiros Ao Vivo (2011) y Back From The Blues (Gaztelupeko Hotsak, 2012) junto a la cantante canadiense Julie Guravich, son los tres últimos trabajos discográficos del guitarrista.

Julie Guravich

Aneiros arrancó su concierto en formación de cuarteto con dos temas: “Home Solitario” (O Blues Do Amanecer, 2004) y “O Ceo Está Chorando” (Live In Montreux, 2003) ambos cantados en español. Con “Miña Bala Perdida” (Héroe secreto, 2008) el líder dio entrada al saxofonista Patxi Valverde, uno de los principales solistas del concierto que apoyó con sus arreglos y enérgicas improvisaciones buena porción de la actuación. La presencia de la cantante Julie Guravich absorbió, acto seguido, parte del protagonismo y  la atención en los temas “Start It Up”,  “Back From The Blues”, pieza que da titulo a su reciente disco, y el clásico “Help Me Through The Day”, de Leon Russell, en el que lo más brillante fue la improvisación de Valverde, aportando con sus fraseos una faceta más jazzística al conjunto y a la pieza en cuestión. Otro de los músicos invitados fue el maestro de la armónica  Mingo Balaguer, que deleitó a los asistentes con un elocuente solo en el tema “Damn Right I’ve Got The Blues”, de Buddy Guy, en el que guitarra y armónica compartieron también incisivos diálogos que elevaron la tensión y la dinámica de la composición.

Mingo Balaguer

El repertorio, basado en composiciones propias del guitarrista y en algunos temas clásicos del blues, continuó con “Women Across The River”, “Axúdame”, y “I Can’t Stand The Rain”, de Ann Peebles, en los que participaron como solistas el pianista Manuel Gutiérrez, Aneiros, Valverde y Fran Rey, este último con una discreta pero eficiente labor en los teclados. De nuevo en el escenario, Balaguer, hizo resonar su armónica en “Same Old Blues”, recreando el sonido característico de este instrumento en el viejo estilo americano, con acertados fraseos haciendo uso de escalas pentatónicas y de blues.

Manuel Gutiérrez

“Blue Mambo”, “Hey Bartender” y el bis “The Feeling Music Brings”, de Susan Tedeschi, cerraron pues un concierto algo lineal y perezoso en los acompañamientos de la sección rítmica, de escasa calidad sonora, pero honesto y entregado, gracias al líder de la formación y su colíder, y sobre todo a la participación de los dos músicos invitados, principales solistas de la banda, Patxi Valverde y Mingo Balaguer, que elevaron y enriquecieron con su presencia, sonido y buen hacer, muchos de los temas expuestos en el concierto. El blues, una de las raíces que dieron forma al género jazzístico, tuvo también su espacio y protagonismo en esta jornada del festival. Salud y jazz.

Texto: José Antonio García López
Fotografías: Rafa Márquez




Thierry Lang Trio & Matthieu Michel (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, San Javier, Murcia)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 13 de julio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    Thierry Lang Trio & Matthieu Michel
    Thierry Lang: piano.
    Matthieu Michel: trompeta y fiscorno.
    Heiri Känzig: contrabajo.
    Kevin Chesham: batería.

Comentario:

Thierry Lang

Una de las formaciones más atractivas y elegantes que han pasado este año, hasta ahora, por el XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, ha sido el cuarteto liderado por dos grandes del jazz europeo, me refiero al pianista y compositor suizo Thierry Lang y al fabuloso trompetista suizo Matthieu Michel. Completando el cuarteto encontramos al contrabajista Heiri Känzig y Kevin Chesham, en la batería. Un primer y único concierto en España, dentro de su gira europea. Lang atesora en su haber una colección de 25 álbumes editados desde 1988. Los más recientes son Colors Of Time (2013) y Lyoba Revisited (2010). Comparados con los trabajos grabados de Michel, no más de media docena -entre ellos Live At Theatre Oriental (2003) y The Sadness Of Yuki (2003)-, supone una extensa discografía, que no empaña, ni mucho menos, el trabajo de su compañero.

 Matthieu Michel

Para asegurar de alguna manera el silencio necesario, la organización pidió a los espectadores respeto al cuarteto y a sus seguidores, ya que la noche ofrecía de entrada dos actuaciones muy distintas en cuanto a contenidos musicales. “Malena”, fue el tema elegido para abrir la sesión, un tema lento con exposición al unísono del piano de Lang y el fiscorno de Michel, instrumento que utilizó durante todo el concierto. Las exposiciones y los desarrollos de improvisación dejaron claro, desde el principio, la calidad artística de los cuatro componentes del grupo, además de una excelente sonorización por parte de los técnicos: nada que objetar y en todo caso alabar. Lang presentó a sus compañeros y anunció la siguiente pieza “Night Wind”, en la que pianista y trompetista repartieron extensos y vibrantes solos con una técnica magistral. La conjunción entre ambos músicos no es algo de ahora ya que llevan años tocando y colaborando juntos en diversos trabajos discográficos, y en festivales por medio mundo. En “Le Sablier”, compartieron protagonismo el contrabajista Heiri Känzig y Michel, con elocuentes solos, sobre todo del contrabajo, comunicando un sonido limpio y bien definido. “Novembre”, casi en el ecuador del concierto, es una preciosa composición en la que lo más brillante fue el piano de Lang, con fraseos de gran contenido poético y una dulzura exquisita.

 Kevin CheshamHeiri Känzig

Känzig, fue el encargado de iniciar “La Pluie”, un tema a swing medio, bien marcado por el baterista Kevin Chesham, en el que destacaron de nuevo los solos de contrabajo y piano, además del protagonizado por el baterista. El cuarteto deleitó al público con tres piezas más de su repertorio, “His Smile”, “Too Many Moons Ago” y “Napoli” encarando el final de una extraordinaria actuación que hizo gozar y sentir a los seguidores presentes, merecedores también del respeto del resto de los asistentes. El bis final llegó con “When We Last Meet”, cerrando, ahora sí, una muestra musical que lleva el sello inequívoco del mejor jazz que se hace en el viejo continente. Suerte en su recorrido por los distintos festivales programados en esta época del año, y ojalá que no sea la única vez que podamos verles por nuestro país.

 

Texto: © José Antonio García López, 2013
Fotografías: © Rafa Márquez, 2013