HDO 194. Ximo Tébar y su Son Mediterráneo: sus palabras y sus músicas. Entrevista por Pachi Tapiz [Podcast]

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ximo-tebar_soleo_2016El guitarrista Ximo Tébar es el protagonista de la entrega 194 de HDO. El motivo es su actuación en el Festival de Jazz de Madrid el jueves 17 de noviembre (de 2016), en el que presentará Soleo, una grabación que le sirve para conmemorar y poner al día -25 años después-, Son Mediterráneo. Este concierto es la excusa perfecta para charlar sorbe esta grabación, sobre el libro Ximo Tébar, la guitarra del jazz mediterráneo. Son Mediterráneo, 25 aniversario, 1990-2015 de José Pruñonosa, y para que el músico valenciano nos dé sus opiniones sobre la escena del jazz en España (tanto acerca de los músicos, como de los locales), el estado del negocio discográfico en general, e incluso de la política en los tiempos actuales. Como complemento a las palabras del músico suenan temas de Soleo. The New Son Mediterráneo (el disco que presentará en directo en Madrid con la Ximo Tébar Band que completarán Víctor MerloRicardo Belda, y Vicente Climent), así como el tema en solitario «A solas con Satie» de Ximo Tébar Celebrating Erik Satie.

Texto: © Pachi Tapiz, 2016
Fotografía: © Rafa Márquez, 2012

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.




Limehouse Hot Quartet (Jazzazza Jazz Club, Algezares, Murcia. 2016-01-16)

  • Fecha: 16 de enero de 2016
  • Lugar: Jazzazza Jazz Club (Algezares, Murcia)
  • Componentes:
    Limehouse Hot Quartet
    Juan Antonio Hurtado: guitarra.
    Quico Pérez: guitarra.
    Pedro Molina: contrabajo.
    Fernando José Gómez: percusión.

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La formación Limehouse Hot Quartet, presentó su primer proyecto dedicado a la música jazz manouche (gypsy jazz), en el escenario del club Jazzazza, arropada por un aforo completo y expectante ante el esperado concierto. La cita fue exitosa en muchos sentidos. Más de un año lleva el cuarteto preparándose para ofrecer un repertorio que tiene tanto de divertido, visceral y pasional como de arriesgado, si tenemos en cuenta el arduo trabajo que se requiere para poder tocar este estilo musical en cuestión, sobre todo cuando se trata de interpretar los temas más rápidos. La velocidad de ejecución en algunas composiciones requiere una gran perseverancia y labor previa, aquí no valen las medias tintas. Es precisamente eso lo que garantiza con fiabilidad el poder salir satisfecho, o no, después de escuchar un concierto de estas características.

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Dos pases fueron necesarios para ofrecer los más de veinte temas que conformaban el repertorio, en el que predominaron los ritmos de swing medio y alto, excepto en algunas piezas a tiempo lento. “All Of Me”, “Douce Ambiance”, “Daphne”, “Wrap Your Troubles”, “Limehouse Blues”, “Blues For Ike” y “Swing Gitan”, fueron algunos de los temas con los que abarcaron la primera parte de la sesión, en la que pude percibir la buena interacción que fluía entre los músicos. Los dos guitarristas, Juan Hurtado y Quico Pérez, desvelaron una forma diferente de tocar, aunque naveguen en el mismo barco, siendo éste un matiz favorable que le da diversidad y enriquece el resultado sonoro y la expresión lingüística de las piezas musicales que interpretan. El contrabajista Pedro Molina y Fernando Gómez en la percusión, completaban el cuarteto aportando una base muy consistente y una labor incansable. Ambos tuvieron también sus momentos de improvisación. Las notas rápidas y a veces más imperceptibles decoraban los fraseos y llenaban de cromatismos las improvisaciones, agrupadas dentro de un todo musical mágico, revelando el secreto de una música rebosante de sentimiento pero también cargada de energía, realizada de manera impecable. Ni una sola guía o partitura sobre el escenario, excepto el setlist de los temas. Todo el repertorio está bien trabajado e interiorizado por cada músico en los ensayos, meses antes de la actuación.

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La segunda parte se presentaba aún más emocionante si cabe. Pasados lo momentos iniciales de tensión, previos a cualquier estreno, el cuarteto comenzó con la pieza llamada “Out Of Nowhere” (Green/Heyman), expuesta y desarrollada en parte de forma magistral por Juan Hurtado que se lució en una improvisación extraordinaria. Las influencias de músicos como Django Reinhardt, Jimmy Raney, Joe Pass, Stan Getz, Charlie Parker o Chet Baker, entre otros, son notorias en el lenguaje jazzístico de este gran guitarrista. Con “Dark Eyes”, “Coquette”, “Nuages”, “Sweet Georgia Brown”, “Bistro Fada”, y “Swing 48”, dejaron muy alto el buen nivel en el que se encuentra la formación, convirtiendo su saber hacer en un disfrute de improvisaciones alternadas y a veces compartidas que mantenían atentos a una gran mayoría de los presentes en el local. Brillaron también los solos de Quico Pérez en varios de los temas propuestos como en “Nuages”, la conocida composición de Django, en el que dispuso de fraseos al más puro estilo. El concierto rozaba casi el final con “Minor Swing”, destacando la improvisación del contrabajista Pedro Molina, que por cierto estuvo formidable a pesar de su laborioso papel en el grupo, junto a Fernando Gómez, base clave de la banda que destaca por su percusión sólida y una excelente métrica. El grupo despidió su concierto con un bis a petición del público, el tema llamado “For Vic”, una alegre y vigorosa composición para un final apoteósico.

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Tengo la sensación de haber escuchado uno de los mejores conciertos de los que he asistido en las últimas fechas. La combinación de los ritmos del swing y el jazz manouche con el lenguaje propio del estilo y los elementos del bebop forman un tándem muy interesante para el oído. Por fortuna, el dicho de que “nadie es profeta en su tierra” no siempre se cumple, aún más si lo que se profetiza está avalado por un riguroso, ejemplar y elegante ejercicio musical. En los próximos meses saldrá a la luz su primer disco. Mi enhorabuena por tan hermoso proyecto.

Texto: © José Antonio García López, 2016
Fotografías: © Rafa Márquez , 2016




Eric Revis Quartet (Jazzazza Jazz Club, Murcia. 2015-05-23)

VIII Ciclo de Jazz 1906

  • Fecha: 23 de mayo de 2015.
  • Lugar: Jazzazza Jazz Club (Murcia)
  • Componentes:
    Eric Revis Quartet
    Eric Revis: contrabajo.
    Chad Taylor: batería.
    Bill McHenry: saxo tenor.
    Darius Jones: saxo alto.

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Qué mágica y extraordinaria actuación la del Eric Revis Quartet en el club Jazzazza, en uno de los diversos conciertos programados en el Ciclo 1906 de Jazz. La particular trayectoria artística del contrabajista Eric Revis nos puede dar una pista del porqué de su especial gusto por las formas más modernas del género jazzístico. Así lo demuestran sus tres últimos trabajos discográficos como líder: Parallax (2012, Clean Feed), City Of Asylum (2013, Clean Feed), y el más reciente In Memory Of Things Yet Seen (2014, Clean Feed), en el que basó buena parte del repertorio. Su tendencia vanguardista le viene, en cierto modo, de las influencias de otros grandes jazzmen que fueron precursores, en su tiempo, de una forma distinta de hacer y crear en el jazz. Tomemos como ejemplo al saxofonista Ornette Coleman y al pianista Sun Ra, y más recientemente a músicos como Oliver Lake o Kris Davis, entre otros. Revis ha sido miembro de importantes formaciones de jazz: Tarbaby -la más reciente-, es una de ellas; y también ha trabajado junto a Branford Marsalis, Orrin Evans, Steve Coleman, o el guitarrista Kurt Rosenwinkel, además de participar en más de una veintena de discos.

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Puntuales a la cita, los cuatro miembros del grupo llegaron al club, seguramente algo mermados por el cansancio de los viajes entre ciudades, lo cual no influyó en el buen desarrollo del concierto, que realizaron en un solo pase de casi una hora y media de duración. “The Tulpa Chronicles, Pt. 1- Poem” y “The Tulpa Chronicles, Pt. 2- Ephemeral Canvas”, fueron los temas elegidos para iniciar la sesión, dos movimientos cortos unidos a modo de suite, con la que el cuarteto fue mostrando sus primeras intenciones ante un público exigente, entendido en su mayoría, y nada neófito, salvo excepciones, y a pesar del tipo de música en cuestión. Apoyándose en una tonalidad con pocas variaciones, los vientos fueron introduciendo sonidos suaves y otras veces desgarradores, arropados por las dinámicas sutiles, y a veces enérgicas, del baterista y del contrabajista. La música de Eric Revis es arriesgada y audaz, te atraviesa como un torrente musical dejándote una huella inspiradora que hay que masticar lentamente o simplemente sentirla y dejarte llevar. “Ayanna” de Revis, incluida en el álbum Tales Of The Stuttering Mime (2004, 11:11 Records), fue otra de las piezas que formaron el repertorio, junto a otros temas: “African Song”, de Bill McHenry; “Song For Ayani” de Chad Taylor; y “Roosevelt” de Darius Jones, en las que destacaron sus respectivos compositores.

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El cuarteto dedicó una parte del concierto al excelente saxofonista Johnny Hodges, interpretando dos piezas suyas: “Wiggle Awhile” y “I’n Be There”, adaptadas al estilo del jazz contemporáneo en las que el saxo alto de Darius Jones sonó espléndido, con elocuentes y vertiginosos fraseos. El walking del contrabajista, apoyado por la contundente batería de Taylor, dio entrada a un último tema llamado “Unknown”, un fluido y largo diálogo entre los saxofones, tenor y alto, con improvisaciones intensas y bien construidas.

Revis, nos ofreció su faceta más hacendosa y vanguardista, con un palpable sentido del groove, en la que los músicos solistas revelaron su poderosa maestría con una gran creatividad y expresividad, cargada de energía y sabiduría, en una noche de reflexión para los amantes del buen jazz.

Texto: © José Antonio García, 2015
Fotografías: © Rafa Márquez, 2015




Pasión por el Jazz: un día con Cifu. Por José Antonio García

Cifu Pasion por el jazz Foto por Rafa Marquez

No he conocido a nadie tan ilustrado, en lo concerniente al jazz, como a Cifu. Su sabiduría, generosidad y dialéctica sobre el género musical, rebasaban el tiempo y el espacio, dejándote la sensación de estar ante una persona apasionada por su trabajo.

Tuve la grata ocasión de conocerle en la primavera de 2013 cuando aceptó, gustosamente, la invitación del club Jazzazza para venir a Murcia, a la presentación del I Jazzazza Festival. Su presencia en los medios informativos y en los diversos actos que tuvieron lugar ese día fue trascendental, dando ánimo a los presentes y apoyando la iniciativa cultural en todos sus aspectos. La jornada fue larga y dio de sí lo suficiente para poder entablar con él varias conversaciones, no solo referentes a la música, a la situación del jazz en nuestro país y a las vicisitudes por las que atraviesan los músicos de jazz, entre otros temas, porque con él se podía hablar de todo. Una persona verdaderamente agradable e inteligente.

Las palabras se quedan cortas para expresar mi agradecimiento y el de miles de seguidores por el gran legado que nos dejado, no solo material, sino también espiritual. Un mensaje que nos alienta para seguir luchando por la cultura, en general, y por la música, en particular, tomada como un puente que acerca y une a personas de todo el mundo, sin barreras ni artificios.

Cifu, tiene un lugar merecido en la historia del jazz, junto a las grandes figuras que la han hecho posible. A través de sus programas de radio, conferencias y escritos, nos acercó a un mundo para muchos desconocido, a base de esa vitalidad, constancia y amor por su trabajo, un ejemplo de vida ofrecida para todos. Su huella es imperecedera.

Gracias maestro por todo lo que nos has dado.

Texto: © José Antonio García, 2015
Fotografías: © Rafa Márquez, 2013




Oliver Lake & Tarbaby “The Eric Dolphy Project” (VII Ciclo Jazz 1906, Jazzazza, Murcia. 2014-04-19)

VII Ciclo de Jazz 1906

  • Fecha: 19 de abril de 2014.
  • Lugar: Jazzazza Jazz Club (Murcia)
  • Componentes :
    Oliver Lake & Tarbaby
    Oliver Lake: saxo alto.
    Orrin Evans: piano.
    Luques Curtis: contrabajo.
    John Betsch: batería.

Comentario:

Hay ocasiones en las que uno no tiene más remedio que quitarse el sombrero, hacerle honor a alguien, y aceptar lo evidente ante tanto derroche de conocimiento y maestría. Tal es el caso de la formación Tarbaby, liderada por el veterano saxofonista norteamericano Oliver Lake, que acudió al club Jazzazza dentro de los conciertos programados en el VII Ciclo de Jazz 1906.

 Oliver Lake

Oliver Lake es un músico consagrado, además de compositor, poeta y pintor, con una gran carrera jazzística y una, no menos, extensa discografía, más de treinta discos liderados y otros tantos como colíder y colaborador. El cuarteto lo completaba el pianista Orrin Evans, el contrabajista Luques Curtis, en sustitución de Eric Revis, y el baterista John Betsch, en lugar de Nasheet Waits, dos músicos extraordinarios que demostraron estar a la altura de sus compañeros durante toda la sesión, aportando una gran solidez en la sección rítmica.

 Orrin Evans

La dilatada experiencia de Lake se impuso desde los primeros compases, dando buena prueba de ello nada más comenzar el concierto. El sonido del saxo alto, unas veces sosegado y otras desgarrador, según la tensión requerida, fue inundando el espacio con fraseos bien calculados del saxofonista, concisos, y a veces largos y vertiginosos, en ricos diálogos con el resto de la sección rítmica, arropado sobre todo por el contrabajo y la batería.

 Luques Curtis

Lake tocó y dejó tocar, variando, por momentos, el formato inicial de cuarteto en un trío de piano, contrabajo y batería, que deleitaron al público con sus propias improvisaciones, destacando las ingeniosas y sugerentes ideas musicales de Orrin Evans, y la impecable interacción entre Luques Curtis y John Betsch.

 John Betsch

En el homenaje al saxofonista Eric Dolphy, el cuarteto desplegó algunos temas con sello propio como “Rolling Vamp” de Oliver Lake; “M.B.B.S”, del pianista Orrin Evans; y “O” de Eric Revis, de marcado estilo free jazz, así como varias composiciones del homenajeado: “245” y “The Prophet”, entre otras.

 

Fue éste un concierto desbordante y espléndido, todo un lujo musical al alcance del oyente más exigente, que pudo disfrutar del eclecticismo, la fuerza y la enérgica expresión de uno de los músicos más emblemáticos del jazz mundial, Oliver Lake. Seguro que al gran Dolphy le llegaron los sonidos de esta excelente sesión, allá donde se encuentre.

 

Texto: © José Antonio García López, 2014
Fotografías: © Rafa Márquez, 2014




Chuchito Valdés Cuarteto “Homenaje a Bebo Valdés” (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, 2013-07-27)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 27 de julio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    Chuchito Valdés: piano.
    Sandra Carrasco: voz invitada.
    Javier Colina: contrabajo.
    Georvis Picó: batería.
    Yuvisney Aguilar: percusión.

Comentario:

 Chuchito Valdés

El cierre del XVI Festival Internacional de Jazz San Javier se convirtió en un homenaje al extraordinario pianista y compositor cubano Bebo Valdés, recientemente fallecido. Su nieto, Chuchito Valdés, fue el encargado de protagonizar el evento dedicado a su abuelo, acompañado por músicos de gran prestigio y categoría como el genial contrabajista pamplonés Javier Colina y los cubanos: Georvis Picó, en la batería, y Yuvisney Aguilar, en la percusión. El cuarteto se convertiría más tarde en quinteto, con la unión de la voz invitada de la cantaora  Sandra Carrasco, que actuó en buena parte de la sesión.

 Sandra Carrasco

La trayectoria del pianista, comienza a ser relevante a partir de sus primeros álbumes editados en el año 2002, discografía que comienza a tomar amplitud con los nuevos trabajos grabados en 2012: The Other Side Of Me, Piano & Charango con Eddy Navia, y Live in Chicago, estos dos últimos están nominados para el Grammy de la música latina.

 Javier Colina

“Tributo a Bebo”, fue el primer tema elegido para iniciar la actuación. Una hermosa pieza que recordó las particulares cadencias armónicas que realizaba su abuelo, ahora adornadas por la mano derecha de su más joven sucesor. Valdés incluyó en el repertorio varios temas de su más reciente trabajo Live in Chicago,  como la emotiva partitura llamada “Bossa Para Ti”, un tema que el pianista supo conducir sabiamente con sus enérgicas improvisaciones, logrando niveles de gran intensidad sonora y lírica, y “Danzon De Nina”, en el que destacaron los solos del pianista, desprendidos y elocuentes,  arropados por el singular ritmo cubano. Otra de las piezas incluidas fue “Take The A Train”, un claro guiño al pianista Duke Ellington, como muestra de las buenas influencias que se dan en el joven Valdés. El líder compartió aquí desarrollos e improvisaciones con el contrabajista Javier Colina, columna vertebral del cuarteto que realizó una sublime labor musical durante todo el concierto y fue principal protagonista en muchos momentos del mismo. La formación continuó deleitando a los presentes con “Guajira Blanca” y “Montuno Lecuona”, una descarga afrocubana desarrollada en gran parte por los sonidos de la percusión y de la batería, en las manos de Yuvisney Aguilar y Georvis Picó, y los diálogos cantados a modo de pregunta y respuesta entre los cuatro componentes. “C7” y “Obsesión”, fueron los dos últimos temas antes de invitar al escenario a la cantaora Sandra Carrasco.

 Georvis Picó

Con la presencia de la vocalista el concierto tomó otros caminos no exentos de la calidad musical impuesta por los maestros que le acompañaron en los diversos temas cantados. “Por una cabeza”, “Cómo fue”, “Cualquiera” y el conocido bolero “Sabor a mí”, fueron algunas de las canciones con las que nos deleitó la espléndida voz de la invitada. El bis final de su actuación fue con la canción “Oh qué será”, de Chico Buarque. El público aplaudió a la cantante y reclamó otro bís que no se hizo esperar demasiado, ejecutando una peculiar adaptación de “El manisero”. Generosos en su entrega, el cuarteto de Valdés regaló un último tema, ahora sí, llamado “Almendra Danzon”, un colosal colofón de concierto para el recuerdo de los presentes.

 Yuvisney Aguilar

Excelso y merecido homenaje a una de las figuras más relevantes que nos ha dado la música moderna, el gran maestro Bebo Valdés, siempre recordado a través de sus discos y ahora también con sus dignos sucesores.

Texto: José Antonio García López
Fotografías: Rafa Márquez




Lou Donaldson Quartet (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, 2013-07-27)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 27 de julio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    Lou Donaldson: saxo alto y voz.
    Randy Johnston: guitarra eléctrica
    Akiko Tsuruga: órgano Hammond B3.
    Fukushi Tainaka: batería.

Comentario:

Lou Donaldson

El octogenario compositor y saxofonista estadounidense Lou Donaldson (1926) fue uno de los  encargados de clausurar el XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, con una emotiva exposición musical que comprendió estilos tan diversos como el bebop, hard bop, blues y el soul jazz, en la que incluyó piezas propias de su extensa discografía, -casi 50 álbumes editados como líder-,  y de otras grandes figuras del jazz. A pesar de su avanzada edad, Donaldson está de gira continua desde hace algunos años acompañado de una formación excepcional compuesta por el guitarrista Randy Johnston, la pianista japonesa Akiko Tsuruga, y el baterista Fukushi Tainaka, conformando un cuarteto atípico, sin contrabajo, en el que la música fluye de forma natural, sin demasiadas complicaciones pero con una alta complicidad y sincronía entre ellos.

 Randy Johnston

“Esto no es fusion, no es rock, no es pop… sólo es jazz”, comentó Donaldson antes de comenzar el concierto, que inició con un tema de su cosecha llamado “Blues Walk”. Un elegante blues de doce compases, que desarrollaron con extensas improvisaciones de saxo alto, guitarra y órgano. Un anticipo exquisito de una actuación que duró alrededor de 90 minutos, tiempo suficiente para deleitar y conectar con la gran cantidad de seguidores que estaban presentes en el auditorio, con los que el saxofonista compartió, entre otras actitudes, una gran dosis de buen humor. Una de las cualidades, de Donaldson, que más puede llamarte la atención es su extraordinaria agilidad técnica y su particular sonoridad, suave, algo terrosa y profunda, como su propia voz. Los 32 compases del rhythm changes llamado “Wee” (Denzil Best / Dizzy Gillespie) tocados a un tiempo vertiginoso, los convirtió, el saxofonista, en una enérgica y contundente muestra de fraseos jazzísticos improvisados, posiblemente inspirados por las buenas influencias de otro grande del saxo alto de aquella época, el virtuoso Charlie Parker, máximo representante del estilo bebop  en el jazz de los años 50. El líder del cuarteto compartió ingeniosas improvisaciones con sus compañeros de grupo, que respondieron también con desarrollos de gran calidad técnica y ricos fraseos llenos de ágiles recursos musicales. La exposición del saxofonista, arropado por la estable y eficaz sección rítmica, sonó cálida y mágica en la balada “What A Wonderful World”,  tantas veces interpretada por Louis Armstrong, llenando con su sonido cada rincón del auditorio. Los tiempos rápidos no tardaron en reaparecer en una escalofriante versión del standard “Fine & Dandy”, en el que destacó el brillante solo de batería de Fukushi Tainaka, elástico y magistral.

 Akiko Tsuruga

Donaldson, realizó otros  temas incluidos en sus primeros álbumes como,  “Whisky Drinkin Woman”, cantada por él, y “Alligator Boogaloo”, en el que el órgano Hammond B3 de Akiko Tsuruga ocupó gran parte de la atención del oyente, con un intenso y apasionado solo en el que mantenía pulsado el sonido hasta terminar en la  tecla más aguda del órgano. El veterano saxofonista descansó en el conocido “Softy As In A Morning Sunrise”, dejando el protagonismo a sus tres compañeros, sobre todo al guitarrista Randy Johnston, que llevó buena parte del peso armónico de la pieza y elaboró sugerentes diálogos en su espacio de improvisación. El standard “Over The Rainbow” y un fulminante “Cherokee”, cerraron una actuación fenomenal, tanto por la calidad y nivel de la música expuesta como por la excelente habilidad musical de los interpretes. Los aplausos y vítores del público provocaron un bis final, el blues “Gravy Train”, una despedida apoteósica con intervenciones de todos los miembros de la formación.

 Fukushi Tainaka

La música de Donaldson continúa por los caminos del jazz imperecedero. Un jazz ceñido y adaptado también a los nuevos tiempos, representado por una de las figuras más prolíficas y emblemáticas que ha legado el género en su herencia.

Texto: José Antonio García López
Fotografías: Rafa Márquez




China Moses & Raphaël Lemonnier (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, 2013-07-26)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 26 de julio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    China Moses: voz.
    Raphaël Lemonnier: piano.
    Luigi Grasso: saxo alto.
    Fabien Marcoz: contrabajo.
    Jean Pierre Derouard: batería.

Comentario:

China Moses

“De tal palo tal astilla”, dice el refrán, y nunca mejor aplicado si tenemos en cuenta los orígenes familiares de la cantante estadounidense China Moses. Hija de la famosa cantante de jazz Dee Dee Bridgewater, la artista ha heredado de su madre la belleza, la elegante presencia en el escenario y un extraordinario registro vocal en el que caben también las influencias de otras grandes figuras femeninas del jazz cantado, Dinah Washington, Etta James y Billie Holiday, entre otras. Moses compartió liderazgo con el pianista  francés Raphaël Lemonnier, acompañados por excelentes músicos como el saxofonista Luigi Grasso, Fabien Marcoz, en el contrabajo, y el baterista  Jean Pierre Derouard, completando un quinteto compacto con el que demostraron complicidad, interacción y un exquisito buen hacer musical.

Raphaël Lemonnier

A pesar de su, por ahora, escasa discografía, solo cinco álbumes editados desde 1997, la cantante ya goza de un espléndido reconocimiento en Francia, su país de residencia, y en las esferas del jazz internacional. This One’s for Dinah (Blue Note, 2009) y Crazy Blues (Universal Music France, 2012) son sus dos últimos trabajos discográficos con los que conformó buena parte del repertorio. Compositora y productora, la vocalista se introduce en el jazz a través de estilos como el hip-hop, el soul, pop-soul, y sobre todo del blues, como tema central y esencial. Si examinamos sus discos podemos ver que la labor compositiva de la cantante supera en existencia al numero de piezas standards interpretadas, son más bien creaciones propias elaboradas con colaboradores de gran reputación artística.

Luigi Grasso

Moses representa en el escenario una actitud elegante, vital y simpática, que engancha desde el primer momento al espectador. “Resolution Blues” y “Why Don’t You Do Right”, ambos temas incluidos en su último álbum, fueron el punto de partida de una magistral sesión que mantuvo embelesado al respetable aforo durante casi dos horas. En homenaje a una de sus máximas influencias, Dinah Washington, la cantante le dedicó un blues lento y emotivo llamado “Dinah’s Blues”, mostrándonos un hábil control de su registro vocal y un gran ímpetu expresivo.

Fabien Marcoz

Otro de los componentes del grupo que más lució por sus intervenciones fue el saxofonista Luigi Grasso, poseedor de una envidiable técnica que demostró con audacia en los solos de improvisación ejecutados en “Cherry Wine”, seguido del solo del contrabajista Fabien Marcoz, preciso y escueto en su diálogo, sin demasiados adornos. La voz de Moses llenó de quietud el ambiente del auditorio con la balada “You’re Crying”, arropada por los sutiles arreglos y contrapuntos de piano y saxo alto. Grasso compartió, de nuevo, protagonismo con la vocalista en “Crazy Blues”, tema central que da nombre al reciente álbum editado, aderezando con su instrumento el espacio de improvisación que le correspondía en esta pieza. Temas como el conocido “Work Song”, introducido con un largo solo del baterista Jean Pierre Derouard, el enérgico “Hot Stuff” y “Love Me Or Leave Me”, de Gus Kahn / Walter Donaldson, fueron cerrando la actuación que despidieron generosamente con dos piezas más, a modo de bis, “Move Over” y una colosal “Rescue Me”, versión particular reflejada en la poderosa voz de Moses.

Jean Pierre Derouard

Lo tradicional y lo moderno de la música de jazz se unen con gracia y talento en la figura de esta estupenda vocalista, a la que podemos augurarle un prospero porvenir artístico, conforme a la experiencia que ya sustenta.

Texto: José Antonio García López
Fotografías: Rafa Márquez




Víctor Aneiros Band con Julie Guravich (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, 2013-07-26)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 26 de julio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    Víctor Aneiros: guitarra y voz.
    Julie Guravich: voz.
    Manuel Gutiérrez: piano.
    Fran Rey: teclados.
    Víctor Gacio: bajo eléctrico.
    Marcos Sánchez: batería.
  • Invitados:
    Mingo Balaguer: armónica y voz.
    Patxi Valverde: saxo tenor.

Comentario:

Víctor Aneiros

La banda gallega liderada por el guitarrista Víctor Aneiros, visitó San Javier en la penúltima jornada de su festival de jazz, integrada por reconocidos músicos de la escena musical en España, entre ellos dos invitados de lujo: el veterano armonicista Mingo Balaguer, y el compositor y saxofonista Patxi Valverde. Las primeras palabras de la organización y de los músicos fueron en recuerdo a las víctimas del trágico accidente ferroviario ocurrido días antes en Galicia, y en apoyo a sus familias.

Patxi Valverde

La discografía de Aneiros comprende varios álbumes editados desde 1999. Siete trabajos en los que nos muestra su personal inclinación hacia el blues, el soul y el rock, como vitales fundamentos de sus obras musicales. Brétemas Da Memoria (2010) Víctor Aneiros Ao Vivo (2011) y Back From The Blues (Gaztelupeko Hotsak, 2012) junto a la cantante canadiense Julie Guravich, son los tres últimos trabajos discográficos del guitarrista.

Julie Guravich

Aneiros arrancó su concierto en formación de cuarteto con dos temas: “Home Solitario” (O Blues Do Amanecer, 2004) y “O Ceo Está Chorando” (Live In Montreux, 2003) ambos cantados en español. Con “Miña Bala Perdida” (Héroe secreto, 2008) el líder dio entrada al saxofonista Patxi Valverde, uno de los principales solistas del concierto que apoyó con sus arreglos y enérgicas improvisaciones buena porción de la actuación. La presencia de la cantante Julie Guravich absorbió, acto seguido, parte del protagonismo y  la atención en los temas “Start It Up”,  “Back From The Blues”, pieza que da titulo a su reciente disco, y el clásico “Help Me Through The Day”, de Leon Russell, en el que lo más brillante fue la improvisación de Valverde, aportando con sus fraseos una faceta más jazzística al conjunto y a la pieza en cuestión. Otro de los músicos invitados fue el maestro de la armónica  Mingo Balaguer, que deleitó a los asistentes con un elocuente solo en el tema “Damn Right I’ve Got The Blues”, de Buddy Guy, en el que guitarra y armónica compartieron también incisivos diálogos que elevaron la tensión y la dinámica de la composición.

Mingo Balaguer

El repertorio, basado en composiciones propias del guitarrista y en algunos temas clásicos del blues, continuó con “Women Across The River”, “Axúdame”, y «I Can’t Stand The Rain», de Ann Peebles, en los que participaron como solistas el pianista Manuel Gutiérrez, Aneiros, Valverde y Fran Rey, este último con una discreta pero eficiente labor en los teclados. De nuevo en el escenario, Balaguer, hizo resonar su armónica en “Same Old Blues”, recreando el sonido característico de este instrumento en el viejo estilo americano, con acertados fraseos haciendo uso de escalas pentatónicas y de blues.

Manuel Gutiérrez

“Blue Mambo”, “Hey Bartender” y el bis “The Feeling Music Brings”, de Susan Tedeschi, cerraron pues un concierto algo lineal y perezoso en los acompañamientos de la sección rítmica, de escasa calidad sonora, pero honesto y entregado, gracias al líder de la formación y su colíder, y sobre todo a la participación de los dos músicos invitados, principales solistas de la banda, Patxi Valverde y Mingo Balaguer, que elevaron y enriquecieron con su presencia, sonido y buen hacer, muchos de los temas expuestos en el concierto. El blues, una de las raíces que dieron forma al género jazzístico, tuvo también su espacio y protagonismo en esta jornada del festival. Salud y jazz.

Texto: José Antonio García López
Fotografías: Rafa Márquez




Thierry Lang Trio & Matthieu Michel (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, San Javier, Murcia)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 13 de julio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    Thierry Lang Trio & Matthieu Michel
    Thierry Lang: piano.
    Matthieu Michel: trompeta y fiscorno.
    Heiri Känzig: contrabajo.
    Kevin Chesham: batería.

Comentario:

Thierry Lang

Una de las formaciones más atractivas y elegantes que han pasado este año, hasta ahora, por el XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, ha sido el cuarteto liderado por dos grandes del jazz europeo, me refiero al pianista y compositor suizo Thierry Lang y al fabuloso trompetista suizo Matthieu Michel. Completando el cuarteto encontramos al contrabajista Heiri Känzig y Kevin Chesham, en la batería. Un primer y único concierto en España, dentro de su gira europea. Lang atesora en su haber una colección de 25 álbumes editados desde 1988. Los más recientes son Colors Of Time (2013) y Lyoba Revisited (2010). Comparados con los trabajos grabados de Michel, no más de media docena -entre ellos Live At Theatre Oriental (2003) y The Sadness Of Yuki (2003)-, supone una extensa discografía, que no empaña, ni mucho menos, el trabajo de su compañero.

 Matthieu Michel

Para asegurar de alguna manera el silencio necesario, la organización pidió a los espectadores respeto al cuarteto y a sus seguidores, ya que la noche ofrecía de entrada dos actuaciones muy distintas en cuanto a contenidos musicales. “Malena”, fue el tema elegido para abrir la sesión, un tema lento con exposición al unísono del piano de Lang y el fiscorno de Michel, instrumento que utilizó durante todo el concierto. Las exposiciones y los desarrollos de improvisación dejaron claro, desde el principio, la calidad artística de los cuatro componentes del grupo, además de una excelente sonorización por parte de los técnicos: nada que objetar y en todo caso alabar. Lang presentó a sus compañeros y anunció la siguiente pieza “Night Wind”, en la que pianista y trompetista repartieron extensos y vibrantes solos con una técnica magistral. La conjunción entre ambos músicos no es algo de ahora ya que llevan años tocando y colaborando juntos en diversos trabajos discográficos, y en festivales por medio mundo. En “Le Sablier”, compartieron protagonismo el contrabajista Heiri Känzig y Michel, con elocuentes solos, sobre todo del contrabajo, comunicando un sonido limpio y bien definido. “Novembre”, casi en el ecuador del concierto, es una preciosa composición en la que lo más brillante fue el piano de Lang, con fraseos de gran contenido poético y una dulzura exquisita.

 Kevin CheshamHeiri Känzig

Känzig, fue el encargado de iniciar “La Pluie”, un tema a swing medio, bien marcado por el baterista Kevin Chesham, en el que destacaron de nuevo los solos de contrabajo y piano, además del protagonizado por el baterista. El cuarteto deleitó al público con tres piezas más de su repertorio, “His Smile”, “Too Many Moons Ago” y “Napoli” encarando el final de una extraordinaria actuación que hizo gozar y sentir a los seguidores presentes, merecedores también del respeto del resto de los asistentes. El bis final llegó con “When We Last Meet”, cerrando, ahora sí, una muestra musical que lleva el sello inequívoco del mejor jazz que se hace en el viejo continente. Suerte en su recorrido por los distintos festivales programados en esta época del año, y ojalá que no sea la única vez que podamos verles por nuestro país.

 

Texto: © José Antonio García López, 2013
Fotografías: © Rafa Márquez, 2013




John Pizzarelli Quartet (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, San Javier, Murcia, 2013-07-10)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 10 de julio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    John Pizzarelli Quartet
    John Pizzarelli: voz y guitarra.
    Larry Fuller: piano.
    Martin Pizzarelli: contrabajo.
    Tony Tedesco: batería.

Comentario:

 John Pizzarelli

Espléndido aforo en el concierto del guitarrista y cantante John Pizzarelli, una de las figuras del jazz más demandadas y esperadas por los seguidores del festival de San Javier. Son ya tres ocasiones en las que el guitarrista ha pisado el escenario del Parque Almansa, y en todas ellas ha obtenido un gran éxito y reconocimiento. En esta tercera ocasión llegó con un reciente álbum editado titulado Double Exposure (Telarc, 2012) en el que recopila variadas piezas musicales del mejor pop mundial de su generación, tratadas bajo la perspectiva del jazz tradicional. Desde su primer álbum en el año 1990, su producción discográfica alcanza ya la cifra de veinticinco títulos como líder, y otros tantos discos como colaborador de figuras con gran renombre. El cuarteto lo completó el pianista Larry Fuller, el contrabajista Martin Pizzarelli (su hermano), y Tony Tedesco en la batería.

 Larry Fuller

Puntual a su cita, el cuarteto comenzó la actuación con varios temas standards del cancionero de jazz americano, en los que alternaron piezas cantadas e instrumentales, desarrolladas, la mayoría, con improvisaciones de guitarra y piano. “Satin Doll”, “In My Solitude”, “Just Squeeze”, “Embraceable You” y “In A Mellow Tone”, fueron algunos de los temas de sus anteriores discos con los que nos deleitaron hasta la mitad del concierto.

 Martin Pizzarelli

La bossa nova es otra música en la que Pizzarelli se encuentra también a sus anchas y se maneja mágicamente con dulzura y dominio, así que no podía faltar en el extenso repertorio del guitarrista. Temas como “So Danço Samba” y “The Girl From Ipanema”, de Antonio Carlos Jobim, con las que rememoró al gran compositor brasileño, hicieron las delicias del público presente en el auditorio. Larry Fuller fue el encargado de las fluidas improvisaciones, en las que hizo gala de su magistral destreza en honor al autor desaparecido. Para continuar, Pizzarelli tocó y cantó en solitario “And I Love Her”, tema emblemático de Lennon y McCartney, y “Here Comes The Sun”, a ritmo de bossa, ya acompañado por el resto del grupo. Una singular versión en la que lucieron de nuevo los excelentes fraseos del pianista.

 Tony Tedesco

“I’ve Got You Under My Skin”, tema recordado en la voz de Frank Sinatra, supuso un golpe de tuerca, una vuelta al cancionero americano, antes de seguir con otra serie de piezas instrumentales, como “In Memory of Elizabeth Reed”, en la que todos los miembros del cuarteto participaron con enérgicas improvisaciones del líder, en las que expuso fraseos rápidos y precisos, y sobre todo del baterista Tony Tedesco, que realizó también una labor más que encomiable durante toda la sesión, junto al contrabajista Martin Pizzarelli. El líder nos regaló también algunos temas incluidos en su más reciente álbum, entre ellos “Harvest Moon”, de Neil Young, otra muestra de la deliciosa forma de cantar de Pizzarelli. La complicidad del guitarrista con los asistentes no tardo mucho en dar su fruto, invitándoles a acompañarle en “Ruby Baby”, de Jerry Leiber y Mike Stoller, otro de los temas de su último disco, compartiendo coros y palmas con los entusiasmados oyentes. La sesión acabó con John Pizzarelli en el escenario acompañado únicamente por su guitarra, ante una respetable audiencia que disfrutó de algo más de 90 minutos de actuación, minutos que parecieron eternos, en el mejor de los sentidos. Un extraordinario concierto que pasará a la memoria del festival, junto con sus dos anteriores. Vendrán nuevos trabajos de este imparable guitarrista, pero mientras tanto podemos disfrutar, en el presente, de su ya abultada y rica discografía. Salud y jazz.

 

Texto: © José Antonio García López, 2013
Fotografías: © Rafa Márquez, 2013




Bill Evans Soulgrass Band (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, San Javier, Murcia, 2013-07-06)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 6 de julio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    Bill Evans Soulgrass Band
    Bill Evans: saxo tenor, soprano y voz.
    Ryan Cavanaugh: banjo.
    Mitch Stein: guitarra eléctrica.
    Etienne M’Bappe: bajo eléctrico.
    Josh Dion: batería y voz.

Comentario:

 Bill Evans

El veterano saxofonista norteamericano Bill Evans definió su proyecto, desde el principio del concierto, como una fusión de rock, blues, funky y soul, estilos integrados dentro del género jazzístico. Aprovecho este comentario del artista para aclarar de una vez, aunque sea de forma breve y sin profundizar demasiado, lo que es jazz, y a partir de ahí lo que no lo es. Si tenemos en cuenta el gran esquema del jazz comprenderemos que está formado por diversos estilos derivados de un mismo tronco o género, un árbol con profundas raíces que se ha ido desarrollando desde sus orígenes a finales del siglo XIX, creando ramas o estilos bien definidos. Siempre que se den los cuatro principales elementos del jazz como son la improvisación, el swing, la sonoridad y el fraseo, estaremos escuchando música de jazz. No hay que olvidar, sobre todo, que el jazz es un género, no un estilo musical. Este concepto parece no estar muy claro, aún hoy, para algunos, a pesar de la extensa documentación que existe sobre esta música. Aclarado en parte el asunto, eso espero, podemos pasar al concierto que ofreció el extraordinario saxofonista, que en esta ocasión llegó acompañado por Ryan Cavanaugh, en el banjo, Mitch Stein, en la guitarra eléctrica, Etienne M’Bappe, en el bajo eléctrico, y Josh Dion, en la voz y la batería, completando un compacto y entregado quinteto.

Etienne M_Bappe

Josh Dion

Excepto uno, “Sweet Tea” (Vans Joint, 2009) todos los temas expuestos en la actuación están incluidos en el álbum Dragonfly (2011) del saxofonista, una colección de piezas compuestas por Evans, muestra de su inclinación particular hacia algunos de los diversos estilos musicales de jazz que engloba el nombrado género. La exposición del primer tema llamado “Time”, en la voz del baterista Josh Dion, dio paso a las improvisaciones de Mitch Stein y Bill Evans, a cual de ellas más fluida y enérgica. Como principales solistas, serian ellos los encargados de los desarrollos en gran parte de las composiciones. “Kings And Queens”, fue otro tema largo en el que lució de nuevo la magnética e inconfundible voz de Dion, y los poderosos solos de Stein y Evans, llevando la intensidad de la pieza hasta su más dilatada expresión. La introducción del bajista Etienne M’Bappe, dio inicio a “Sweet Tea”, en la que Evans optó por el saxo soprano para la exposición y posterior desarrollo improvisado. El sonido del banjo en las manos de Ryan Cavanaugh, tuvo también aquí su espacio, arropado por los arreglos del saxofón y la guitarra. Stein y Evans se sirvieron de una corta batalla dialéctica para abrir en solitario la siguiente composición llamada “Tit For Tat”, que me recordó mucho al tipo de composiciones del gran guitarrista John Scofield. Pero para diálogos vertiginosos los que ofrecieron saxofón y banjo en “Dirt County Breakdown”, acompañados solamente por la pandereta de Dion.

 Ryan Cavanaugh

Rebasado ya el ecuador del concierto, la voz del baterista se incorporó de nuevo al repertorio en el tema “I Don’t Know About Love”, en el que lo más destacado fue el solo de saxofón soprano de Evans, elegante, incisivo y magistral en sus fraseos. La contundente batería de Josh Dion marcó la penúltima pieza de la sesión, “Madman”, que finalizaron con la participación improvisada de Evans, Cavanaugh y Stein. El bis final se tradujo en una divertida pieza coreada por todos los miembros del quinteto, alternando también rápidos solos de dos compases entre los principales solistas, dando así una sensación aún más vertiginosa.

 Mitch Stein

Genial proyecto el de la formación Bill Evans Soulgrass Band, un verdadero goce para los sentidos garantizado por un repertorio exquisito y por la alta calidad de los músicos que mostraron, entre otras cosas, una gran complicidad con el público, hecho que les supieron agradecer con prolongadas ovaciones.

Texto: © José Antonio García López, 2013
Fotografías: © Rafa Márquez , 2013




Grace Kelly, Lynne Arriale & René Marie Quintet (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, San Javier, Murcia, 2013-07-06)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 6 de julio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    Grace Kelly, Lynne Arriale & René Marie Quintet
    René Marie: voz.
    Grace Kelly: saxo alto, soprano y voz.
    Lynne Arriale: piano.
    Martin Gjakonovski: contrabajo.
    Guido May: batería.

Comentario:

 René Marie

Grace Kelly, Lynne Arriale y René Marie, son tres grandes figuras del jazz contemporáneo, que se han unido en un nuevo y atractivo proyecto avalado por sus respectivas exitosas carreras, en el que recopilan una excelente variedad de conocidas composiciones de la música, tanto del jazz como del blues y de la música pop. Hablar de los trabajos artísticos de cada una de ellas sería algo extenso, por lo que me remito a decir que todas poseen su propio y evidente carácter musical, y una extensa discografía como lideres y colaboradoras de otros grandes músicos, lo que hace del encuentro una sofisticada relación que da como resultado una gran calidad y diversidad en lo expuesto sobre el escenario. La menos veterana, no por recorrido artístico sino por la edad, es la joven saxofonista, compositora, cantante y educadora Grace Kelly (1992) a la que ya se le reconoce como una de las promesas de la música actual con más futuro y perspectivas, tras su incipiente ascenso musical, desde que contaba tan solo con doce años de edad. Completando el quinteto, dos músicos también singulares: el contrabajista Martin Gjakonovski y Guido May, en la batería. Lastima que el primero de ellos estuviera condicionado a tocar con un sonido saturado de graves durante gran parte del concierto, el porqué de ello deberíamos preguntárselo a los técnicos de sonido.

Grace Kelly

La vigorosa voz de René Marie resonó en el espacio del auditorio desde el primer tema que acometieron, “Feeling Good”, en el que se dieron las primeras improvisaciones de Kelly, con un potente discurso y el sonido limpio de su saxo alto, y de la pianista Arriale, elegante y ajustada en sus fraseos. Un juego de diálogos entre la cantante, la saxofonista, y después con el contrabajista, en los que utilizó el scat vocal, emulando a cada uno de los instrumentos, determinó el final de la pieza. Arriale fue la encargada de las presentaciones en las que comentó las influencias de reconocidas artistas como Nina Simone, Abbey Lincoln, Rickie Lee Jones y Joni Mitchell, que se dan en el grupo. “Here Comes The Sun”, del grupo británico The Beatles, incluido en el álbum de Arriale llamado Convergence (Motema Music, 2011) fue el segundo tema del repertorio, una estupenda versión con bellos arreglos de la pianista y del saxofón, apoyando la voz de la cantante. Otra de las canciones elegidas fue “The Times They Are A-Changin”, de Bob Dylan, en la que la voz de Marie interpretó con energía el sugerente mensaje contenido en la letra, seguida de una brillante improvisación de Kelly con el saxo soprano, luciendo una sonoridad y fraseo sencillamente hermoso y coherente. “The Music In The Magic” y la preciosa balada llamada “I Loves You Porgy”, volvieron a poner a prueba las buenas cualidades de la cantante, manejándose de forma elocuente y bucólica en un alarde de interpretación y registro vocal, este último comparable quizá con la voz de Dianne Reeves, pero con sus propias particularidades y matices.

 Lynne Arriale

La emotividad que transmite Grace Kelly con su instrumento quedó reflejada, una vez más, en el tema llamado “Rainy Night House”, de Joni Mitchell, realizado a dúo de piano y saxofón. Una preciosa melodía adaptada para la ocasión, que supongo penetró en los oyentes tanto como en mí, hasta el punto de ponerme la piel de gallina, por decirlo de alguna manera, debido a los desarrollos improvisados de piano y saxofón. Superado el problema de sonido del contrabajo, -más vale tarde que nunca-, en la pieza titulada “Yellow Bird” destacó el solo de batería de Guido May, que efectuó junto Gjakonovski una labor impecable en las bases rítmicas. El concierto deparaba aún ciertas sorpresas como el hecho de que la cantante Rene Marie nos embelesara con su voz en español, en las primeras estrofas de “Throw It Hawai”.

 Martin Gjakonovski

El blues llamado “See Line Woman”, de Nina Simone, despertó las energías apaciguadas de la banda, mostrándonos la voz más desgarrada de Marie en un juego de fraseos, estilo gospel, con la saxofonista Grace Kelly. El bis de rigor, a petición del público, llegó con el título de “Rainbow Sleeves”, composición de Rickie Lee Jones, que se tradujo en un corto tema de despedida, envuelto en la afable y melodiosa voz de la cantante.

 Guido May

Un concierto sublime y magistral en cuanto a la entrega y calidad artística de todos los miembros del quinteto, en parte desvirtuado por la labor de los técnicos, que a veces parecen olvidar la estrecha relación que existe entre la música y el sonido en el resultado final de cualquier actuación en directo.

 

Texto: © José Antonio García López, 2013
Fotografías: © Rafa Márquez, 2013 




Avishai Cohen Quartet (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, San Javier, Murcia, 2013-07-05)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 5 de julio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    Avishai Cohen Quartet
    Avishai Cohen: contrabajo, bajo eléctrico y voz.
    Eli Degibri: saxo tenor.
    Nitai Hershkovits: piano y teclados.
    Ofri Nehemya: batería.

Comentario:

 Avishai Cohen

Hablar del contrabajista israelí Avishai Cohen, a estas alturas, es referirse a él como una figura consagrada del jazz. Cohen visitó de nuevo el escenario del Parque Almansa de San Javier, con dos recientes álbumes editados desde su anterior cita en 2010: Seven Seas (EMI / Blue Note, 2011) y Duende (EMI / Blue Note, 2012) dos discos que se suman a los once ya editados desde 1998. Mucho tiempo ha pasado desde aquellas primeras colaboraciones con el gran pianista Chick Corea, un periodo en el que el contrabajista y compositor ha ido modelando sus influencias musicales hasta convertirlas en algo con sello propio e inigualable. Lo novedoso, aparte de sus dos últimos trabajos, es la formación a trío que le acompaña compuesta por el excelente saxofonista Eli Degibri, el pianista, también de Israel, Nitai Hershkovits y un joven baterista llamado Ofri Nehemya, un trío tan formidable como el que le escoltó en sus giras pasadas.

 Eli Degibri

“Captain And The Ship At Sea”, de su segundo disco llamado Devotion (Stretch Records, 1999) fue la pieza con la que iniciaron el concierto. Un primer acercamiento que dejó ya pistas suficientes sobre la calidad y técnica que poseen los cuatros componentes de la banda, en el que nos deleitaron con los primeros solos de improvisación de cada uno de ellos, incluyendo varias ruedas de ocho compases en un diálogo del baterista Ofri Nehemya con el resto de compañeros. El “niño” del grupo, como más tarde le presentaría el mismo líder, dio mucho de sí en el transcurso de la actuación, en la que nos mostró las poderosas cualidades que tiene, contundencia, flexibilidad y precisión rítmica, a pesar de su joven edad. Uno de los temas más intensos fue “Interlude In C Sharp Minor” (Aurora, 2009) en el que el saxofonista Eli Degibri protagonizó una extensa improvisación que llevó hasta los límites sonoros de su instrumento, con fraseos enérgicos e incisivos, provocando esa sensación de caos controlado en el que todo lo tocado segundos antes se desvanece, dejando sólo en el oyente la emoción que ha transmitido con el contenido de su improvisación musical. Nehemya ofreció también aquí una muestra de sus habilidades antes de pasar a la exposición final del tema.

 Nitai Hershkovits

La sesión continuó con “Ballad For An Unborn Child” (Duende, 2012), una solemne y  melancólica pieza, desarrollada con elocuentes solos de contrabajo, saxofón y batería. Poco duró la relajación ya que momentos después desplegaron fuerza y energía arrolladora en “Yagla” (Unity, 2001) una pieza a tiempo vertiginoso en la que lucieron los excelentes fraseos del pianista Nitai Hershkovits, con una técnica limpia, ágil y meticulosa. De vuelta de nuevo a los tiempos lentos en el tema “Float”, incluido en el mismo álbum, la sonoridad del saxofonista inundó el espacio del auditorio, arropado por el continuo y sutil groove de la sección rítmica. Cohen dejó la mayoría de las improvisaciones en manos de Degibri y de Hershkovits, excepto en algunos temas como “New Swing” y “13 Thirteen”, dos composiciones que suele tocar con frecuencia en los últimos directos que ha realizado este año en otros festivales europeos, en los que asume buena parte de los desarrollos, aportando un hermoso lenguaje lírico, repleto de ideas sugerentes y muy emotivas, y un sonido redondo y limpio, característica fundamental de este gran músico. El contrabajista regaló un corto y gracioso tema en solitario, el corrido mejicano llamado “La cucaracha”, haciendo uso de las cuerdas y la madera del contrabajo a modo de percusión, antes de dar paso a la última partitura del concierto, “Remembering” (Credits, 2005) con la que despidió la actuación.

 Ofri Nehemya

En resumen, un concierto de los que dejan un buen sabor de boca, como demostraron los largos aplausos del público presente, agradecidos por la espectacular sesión que realizaron los cuatro miembros de la formación, entregados en cuerpo y alma a este singular proyecto.

 

Texto: © José Antonio García López, 2013
Fotografías: © Rafa Márquez, 2013

 




Alain Pérez / Julio Montalvo & The Cuban Collective (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, San Javier, Murcia, 2013-07-05)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 5 de julio de 2013
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    Alain Pérez / Julio Montalvo & The Cuban Collective
    Alain Pérez: bajo eléctrico y voz.
    Julio Montalvo: trombón y voz.
    Juan Munguía: trompeta.
    Roque Martínez: saxo alto.
    Luis Guerra: piano.
    Lukmil Pérez: batería.
    Yoel Páez: percusión.
    Eugenia Sancho: voz invitada.

Comentario:

 Alain Pérez

Jazz afrocubano, después de Avishai Cohen Quartet, en el segundo día de programación del XVI Festival Internacional de Jazz San Javier. En esta ocasión representado por uno de los bajistas eléctricos más solicitados de la esfera jazzística nacional y colaborador frecuente en los trabajos musicales del guitarrista Paco de Lucía, me refiero al músico cubano Alain Pérez, y el trombonista y cantante, también cubano, Julio Montalvo. Dos líderes que aunaron su talento y esfuerzo para comandar un proyecto hecho con el corazón, arropados por un elenco de excelentes músicos, como el magnífico trompeta Juan Munguía, -recordemos su recorrido con el grupo Irakere-, el genial saxofonista Roque Martínez, un joven audaz y virtuoso llamado Luis Guerra, en el piano, y Lukmil Pérez junto a Yoel Páez, completando la sección rítmica.

 Juan Munguía

El grupo sonó ya compacto en los primeros temas del repertorio, que comenzaron con la pieza llamada “En el aire”, un tema que da titulo a un disco grabado por Pérez con el mismo nombre, en 2006, lanzado por el sello Ayva Musica, en el que destacaron las improvisaciones de Pérez y Juan Munguía, apoyado por las líneas del bajista, y los arreglos de la sección de viento al unísono. La segunda pieza anunciada fue “South West”, iniciada por el percusionista Yoel Páez, con una descarga vigorosa a modo de introducción seguida por la exposición a cargo de los vientos. Julio Montalvo y Roque Martínez compartieron espacio en los solos de improvisación con atrevidos diálogos, en una estrecha interacción con el resto de la formación. Con “Enséñame a quererte”, pieza incluida en el último álbum de Pérez, Apetecible (2009) y “Amor de bolero”, cambiaron la dinámica de la actuación, abandonando por el momento el estilo para llevarlo más hacia el bolero sin apenas improvisaciones, siendo la voz del bajista, el teclado de Luis Guerra y la trompeta de Munguía, los protagonistas principales. “120 & 90”, lo dedicó el bajista al público presente que se quedó a escucharles, ya que el aforo fue disminuyendo paulatinamente en el transcurso de la actuación. Los solos de Munguía y Guerra fueron lo más lucido de la pieza, encarando elocuentes fraseos y tensiones de forma magistral.

 Eugenia Sancho

La presencia en el escenario de la cantante invitada, Eugenia Sancho, dio continuidad a la tónica de la canción cubana, con dos temas: “Decídete mi amor”, de José Antonio Méndez, y “Llora”, de Marta Valdés. La estupenda voz de la cantante cautivó y engalanó el ecuador de la sesión, bien arropada por los arreglos y contrapuntos del trombonista Julio Montalvo. El concierto se alargaba más de lo esperado, por lo que la banda tuvo que reducir su repertorio, deleitando al aforo con dos últimos temas como despedida.

 Julio Montalvo

Luis Guerra

Yoel Páez

Lukmil Pérez

La particularidad de convocar dos grupos tan distintos para esta segunda jornada, y lo prolongado de la actuación, fueron quizá los motivos que hicieron desmerecer algo al colectivo de músicos cubanos, tres generaciones unidas con el objetivo de realizar buena música, y en este sentido sí que merecieron los calurosos aplausos de los que quedábamos en el auditorio. Un concierto fastuoso y honesto con el que recordaron lo tradicional y lo actual de la música cubana. Larga vida a este proyecto.

 

Texto: © José Antonio García López, 2013
Fotografías: © Rafa Márquez, 2013




Dhafer Youssef Quartet (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, Murcia, 2013-06-29)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 29 de junio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    Dhafer Youssef: cantante y oud.
    Kristjan Randalu: piano.
    Phil Donkin: contrabajo.
    Chander Sardjoe: batería y percusión.

Comentario:

Dhafer Youssef

Tres años han pasado desde su anterior visita al XIII Festival Internacional de Jazz San Javier. Me refiero al compositor, vocalista y laudista tunecino Dhafer Youssef. Desde aquella cita la creatividad del músico ha continuado con un imparable ascenso, en el que se incluyen numerosas actuaciones por festivales de jazz de toda Europa, paseando sus álbumes más recientes y otros anteriores, como el titulado Abu Nawas Rhapsody (Jazzland, 2010) dedicado al poeta árabe de origen persa Abu Nawas. Un trabajo que refuerza las líneas generadoras de su música, basada en una exquisita fusión de influencias orientales y occidentales: la música sufi, el jazz, y la música india y centroeuropea, utilizadas para plantear un objetivo único que nos acerca a lo espiritual, a lo místico y trascendental de la música, a través de su personalidad. Son varios los discos, bien como líder y colíder, que acreditan la carrera del artista: Malak (2001), Electric Sufi (2002), Digital Prophecy (2003), Divine Shadows (2006) y Glow (2007) junto al guitarrista austriaco Wolfgang Muthspiel, son algunos títulos entre muchos otros trabajos. Para esta ocasión, Youssef llegó acompañado por un renovado trío de músicos en la formación, compuesto por Kristjan Randalu, en el piano, Phil Donkin, en el contrabajo, y Chander Sardjoe, en la batería y percusión, un triangulo magistral y muy acoplado, como pudimos comprobar durante la actuación.

Kristjan Randalu

Casualidad o ganas de acabar lo iniciado, el concierto comenzó con el mismo tema que haces tres años, -creo que en aquella ocasión no terminaron la pieza debido a un fallo eléctrico-, “Aya”, de su álbum Digital Prophecy, un tema enigmático y profundo centrado en los diálogos del oud (laúd árabe) y el piano, en el que pudimos disfrutar de las primeras improvisaciones del pianista de Estonia, Kristjan Randalu, y la voz de Youssef. A partir del primer tema, el concierto se transformó en una suite continua con varios movimientos, en la que enlazaron buena parte del repertorio, tema tras tema, de su último disco y de anteriores trabajos. Por cierto, una actuación algo escasa de duración, unos sesenta minutos, incluido el bis final.

 

Phil Donkin

 

 

Un concierto cargado de momentos intensos, en el que también tuvieron cabida los sutiles discursos protagonizados entre los componentes del grupo. El contrabajista Phil Donkin, aportó un notable sonido a la formación, manejándose con destreza en los acompañamientos y en los solos de improvisación. Otro destacado miembro del cuarteto fue el baterista y percusionista Chander Sardjoe, un músico con una excepcional carrera ascendente, colaborador de grandes figuras de la escena jazzística, que realizó una labor impresionante durante la actuación. La contundencia y seguridad de Sardjoe hizo levantar a más de uno de su asiento. Fuerza, agilidad y flexibilidad son elementos que le caracterizan.

 

Chander Sardjoe

El vocalista se despidió con un bis, a petición del público, que aún andaba algo extasiado por la belleza de la música, y quizá algo perplejo por lo corta que pudo parecer la actuación. Podríamos aplicar pues aquello de “Más vale poco y bueno que mucho y malo”. Así son a veces las cosas… Salud y jazz.

 

Texto: © José Antonio García López, 2013
Fotografías: ©  Rafa Márquez, 2013




Abdón Alcaraz “Bolero flamenco” (XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, Murcia, 2016-06-29)

XVI Festival Internacional de Jazz San Javier

  • Fecha: 29 de junio de 2013.
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa, San Javier (Murcia)
  • Componentes:
    Abdón Alcaraz: piano.
    Gautama del Campo: saxo alto y flauta.
    Jorge Reyes: contrabajo.
    Miguel Angel Orengo: batería.
    Paco Botía: cajón flamenco y palmas.
    Lázaro Issaqui: tumbadoras y palmas.
    Enrique Heredia “El Negri”: cante.
    Verónica Sobrinos: cante.
    Mara Luna: baile.

Comentario:

Abdon Alcaraz

Jornada de doble sesión en el arranque del XVI Festival Internacional de Jazz San Javier, con la actuación, en primer lugar, del pianista y compositor murciano Abdón Alcaraz, que llegó acompañado por un grupo de ocho reconocidos artistas de la escena musical nacional e internacional, tanto en el ámbito del jazz como del flamenco y la música latina. Alcaraz presentó su último trabajo discográfico llamado Bolero flamenco, ante un aforo que ocupaba algo más de la mitad del auditorio, espectadores ansiosos de escuchar y ver el nuevo proyecto de este gran pianista. La mezcolanza de géneros entre el flamenco y el jazz sigue dando, cada vez más, mejores y excelentes resultados, nuevas aportaciones del lenguaje y una búsqueda de nuevas formas musicales en lo que podríamos “catalogar” como, no sólo una fusión de músicas, sino una música con identidad propia, en la que compositores y artistas navegan bajo las influencias de ambas tendencias. En este caso con el añadido también de la música latina. La trayectoria musical de Abdón Alcaraz está en pleno desarrollo, avalada por varios premios (Premio Filón, del Festival de Flamenco de La Unión, al mejor instrumentista flamenco del 2010) y numerosas colaboraciones con renombradas figuras de la música en las diversas salas y auditorios ubicados dentro y fuera de nuestras fronteras, y varios álbumes editados: Con Alma (2006), Un mar menor (2009), Pianeando por Levante, un proyecto a trío, junto a la cantaora cartagenera Verónica Sobrinos y la flautista Irene Gabarrón, y Reikiavik (EXIT Records, 2010) un disco entrañable y ambicioso, muestra precursora de ese gran talento que acompaña al pianista.

 Jorge Reyes

El tema llamado “La casona”, incluido en su disco anterior, Reykiavik, abrió el repertorio elegido, con una introducción de piano que dio paso al resto de la formación. La voz de Verónica Sobrinos asomó sutilmente entre la amalgama de sonidos, en una corta exposición cantada de la pieza, que fueron desarrollando con las primeras improvisaciones del pianista y el saxofonista Gautama del Campo, destacado componente que realizó una extraordinaria labor en los arreglos y contrapuntos con las voces, y en los solos de improvisación que construyó a lo largo de la sesión. La voz de Sobrinos sonó de nuevo, en esta ocasión, poderosa y expresiva en los temas “Bolerenco”, pieza que da sobrenombre al último disco del pianista y en “Podría ser mejor volver”, un melancólico bolero en el que también destacó el sonido y los arreglos del saxo soprano. Los adornos y fraseos de Alcaraz se fueron tornando más complejos, enriqueciendo la compacta sonoridad del grupo y llevando la partitura hasta intensidades de éxtasis y embrujo.

 Mara Luna

El baile y la danza flamenca tienen también una parte muy importante en el proyecto, protagonizada por la bailadora Mara Luna, que en la pieza llamada “Gitana”, llenó de color y movimiento los ritmos y cadencias musicales creadas por sus compañeros de grupo. La balada “Nos separó la luz”, anunciada y dedicada a Fernando Pravia, es una preciosa composición de Alcaraz, nostálgica y cargada de sentimiento, expresada en la afable voz de Verónica Sobrinos, bien arropada por el contrabajista Jorge Reyes y por los arreglos de piano y saxo soprano.

 Verónica Sobrinos

De su estancia en La Habana, el pianista portaba en su alforja musical un tema acunado en los orígenes del folklore popular cubano llamado “Longina”, compuesto a principios del siglo XX por el famoso trovador y cantante Manuel Corona, uno de los cuatro grandes de la Vieja Trova, junto a Sindo Garay, Rosendo Ruíz y Alberto Villalón, entre muchos otros. Voz y piano, a dúo, se encargaron de completar la partitura en un alarde de interacción musical.

Enrique Heredia

Paco Botía y Lázaro Issaqui

Pasado el ecuador de la actuación, el líder de la formación invitó a subir al escenario al cantante Enrique Heredia, que interpretó dos conocidos temas, “Mía” y “Contigo aprendí”, a ritmo de bolero y del son cubano. En otra composición del pianista llamada “Cubanita”, lucieron las improvisaciones de la sección rítmica, sobre todo en los solos de cajón de Paco Botía, las tumbadoras de Lázaro Issaqui y la batería de Miguel Ángel Orengo, unidos en un discurso común. La sesión aún deparaba alguna sorpresa más, en este caso protagonizada por el joven cantante argentino Miguel Bustos, que interpretó el bolero llamado “Decir adiós”. De nuevo con todos los miembros del grupo en el escenario realizaron el último tema de la actuación, “La música” con la colaboración de Enrique Heredia en la voz.

 Gautama del Campo

La música de Abdón Alcaraz es un todo en el que confluyen las experiencias e influencias adquiridas a lo largo de su extensa carrera musical. El jazz, el flamenco, la música latina y otras músicas son inherentes en su trayectoria. Su profesionalidad, su energía y talante, y el amor por este arte están haciendo de él un compositor que respeta las tradiciones e investiga más allá de los cánones establecidos, en busca de una identidad propia, inmerso en el buen camino, y siempre en esa constante evolución.

 

Texto: © José Antonio García López, 2013
Fotografías: © Rafa Márquez, 2013 




Jochen Rueckert Quartet featuring Mark Turner (Jazzazza Jazz Club, Murcia, 2013-05-31)

  • Fecha: 31 de mayo de 2013.
  • Lugar: Jazzazza Jazz Club (Murcia)
  • Componentes :
    Jochen Rueckert: batería.
    Mark Turner: saxo tenor.
    Lage Lund: guitarra eléctrica.
    Matt Penman: contrabajo.

Comentario:

jochen rueckert quartet

Magnífica despedida, del festival Jazzazza Fest. 2013 en Jazzazza Jazz Club, protagonizada por el grupo Jochen Rueckert Quartet, un cuarteto de gigantes del jazz contemporáneo llegados directamente desde la gran manzana neoyorquina, lugar donde actualmente se forja el mayor despliegue artístico y musical del género jazzístico. El baterista alemán, Jochen Rueckert, presentó su último disco titulado Somewhere Meeting Nobody (Pirouet, 2012) ante un aforo completo de músicos, seguidores y aficionados que disfrutaron del proyecto y de la calidad de los artistas que le acompañan  en esta gira europea. Nada más y nada menos que el saxofonista tenor, Mark Turner (Ohio) figura reconocida del jazz con una fuerte personalidad sonora y compositiva, demostrada en numerosos trabajos discográficos, bien como líder o colaborador; el guitarrista de origen nórdico, Lage Lund, considerado uno de los mejores músicos de su generación, y el contrabajista neozelandés Matt Penman, un músico muy solicitado en las formaciones y proyectos más vanguardistas que se están generando actualmente en la escena del jazz más innovador. Todos ellos, incluido Rueckert, son líderes de algunas formaciones y tienen infinitas colaboraciones con una larga lista de renombrados músicos de jazz, tan extensa que llenaría más de la mitad de esta reseña únicamente con sus nombres, entre ellos: Marc Copland, Kurt Rosenwinkel, Seamus Blake, Aaron Parks, Ben Street, Bill Stewart, Bobby Hutcherson, Nicholas Payton, Dave Douglas y Joe Lovano, por citar a algunos.

 

jochen rueckert

 “Yellow Bottoms”, fue el tema elegido para iniciar el primer set del concierto, una pieza a ritmo de swing medio alto, marcada por la batería de Rueckert y el contrabajo de Penman, muy compenetrados y atentos a las incursiones de sus compañeros de formación. Las originales improvisaciones de Turner, Lund y Penman no tardaron mucho en aparecer, dejando en el aire los primeros signos de lo que sería una actuación extraordinaria, en cuanto al contenido temático, las formas musicales, y al elegante manejo de los cuatro componentes. Con el vamp final del tema enlazaron el principio de  “Bridge And Front”, una composición fluida cuya suave exposición estuvo a cargo del saxofonista, dejando paso al solo del contrabajista, diestro y preciso en sus fraseos. Lund y Turner protagonizaron también parte de la pieza con excelentes improvisaciones, partícipes de esa alquimia sonora que el cuarteto iba creando paso a paso. La balada titulada “Bess” transmitió un clima sosegado y etéreo, en la que el saxofonista y el guitarrista efectuaron ajustados solos, a cual de ellos más profundo y elocuente. La intensidad más acentuada llegó con la pieza llamada “Allo Plasty”, un tema introducido a tiempo lento que fue convirtiéndose en un complejo diálogo entre saxofón y batería, apoyados por la consistencia del contrabajista y las ricas fórmulas armónicas del guitarrista, plagada de acordes  abiertos y fluidas maneras al borde de lo virtuoso.

mark turner

La segunda parte comenzó con “The Cook Strait”, una partitura en la misma línea que los temas anteriores, en la que Rueckert planteó uno de los pocos solos de batería que escuchamos durante el concierto, casi al final del tema. Jochen Rueckert es un extraordinario baterista, firme, bien apostado en su instrumento, enérgico y flexible en las maneras, con grandes cualidades, idóneo para llevar las riendas de este proyecto compartido con los tres pesos pesados del jazz que le acompañan. Llevados por el ritmo del contrabajo y la batería, en “Café Rommel” volvieron a lucir las improvisaciones de guitarra y saxofón, manejándose con intensos fraseos dentro y fuera de la estructura armónica, en los que a veces predomina el concepto interválico. Con “Somewhere Meeting Nobody”, tema que da título al reciente álbum, y  “Eggshells”, una partitura realizada a ritmo vertiginoso, en la que Turner desplegó todas sus rápidas habilidades, creando momentos de gran intensidad, llegaron a la parte final del concierto. Lund y Rueckert tuvieron también aquí su espació, con un espléndido discurso del guitarrista y un esperado solo de batería que dejó entusiasmados al atento público presente. Los aplausos y vítores tuvieron su recompensa transformada en un bis final, una adaptación del tema llamado “To Hare And The Hold”, de la banda británica Depeche Mode. Un final apoteósico de una actuación memorable en todos los sentidos, sobre todo por el contenido del repertorio musical y la condición de los miembros del cuarteto.

 

lage lund
matt penman
 

Oportunidad única de escuchar a estos cuatro fenómenos del género, que espero volver a encontrar en tiempos venideros, y larga vida a este joven festival que inicia su aventura apostando por una música de gran calidad, avalada por prestigiosos músicos de la esfera jazzistica nacional e internacional.

 

Texto: © José Antonio García López, 2013
Fotografías: ©Rafa Márquez, 2013




Jorge Pardo “Huellas” (Jazzazza Jazz Club, Murcia, 2013-05-25)

Ciclo de Jazz 1906

  • Fecha: 25 de mayo de 2013.
  • Lugar: Jazzazza Jazz Club (Murcia)
  • Componentes :
    Jorge Pardo: saxo tenor y flauta.
    Josemi Carmona: guitarra.
    Pablo Martín Caminero: contrabajo.
    José Ruiz Motos «Bandolero»: percusión.

Comentario:

 jorge pardo

El último concierto en Jazzazza del Ciclo de Jazz 1906, integrado a su vez en la programación del festival Jazzazza Fest. 2013, estuvo protagonizado por el saxofonista madrileño Jorge Pardo, que presentó su reciente trabajo llamado Huellas (Cabra Road, 2012) posiblemente el proyecto más atípico y con mayor proyección de su larga carrera musical. Premiado en enero de este año como mejor músico europeo del año 2012 por la academia de jazz francesa (Académie du Jazz Française) el galardón significa, aparte del premio en sí, un merecido reconocimiento a toda una labor artística de muchos años, nada menos que cuatro décadas dedicadas al arte de la música. El carismático compositor continúa siendo, para los que somos conocedores de toda o buena parte de su amplia trayectoria y discografía, una figura audaz y relevante de la escena musical nacional y también de fuera, más allá de nuestras fronteras. Un músico que ha conseguido reunir las esencias y las influencias de dos géneros musicales, el jazz y el flamenco, agrupándolos en una forma sonora única, propia y diferente. En formato de cuarteto, acompañado por Josemi Carmona a la guitarra, Pablo Martín Caminero en el contrabajo y José Ruiz Motos en la percusión, deleitaron con su música a un aforo completo y expectante,  deseoso de escuchar este mágico proyecto adaptado para la ocasión, ya que en la grabación original del disco participan numerosos artistas y seria casi imposible contar con la presencia de todos ellos en reducidos escenarios. De hecho, el repertorio de Huellas esta  diseñado para que funcione en varios formatos.

 pablo martin

El arranque del directo lo encabezó el tema llamado “Zapatito”, una bulería poderosa marcada por el contundente pulso de la sección rítmica en la que el saxofonista desplegó sus habilidades con decisivos fraseos, un anuncio de lo que iba a deparar una sesión continuada como ésta, de más de hora y media de duración. Una vez hechas las presentaciones la formación encaminó la siguiente pieza, arrancando a ritmo de soleá, en la que el guitarrista realizó una preciosa introducción en solitario tras la que se fue sumando el resto del grupo, desarrollando largas improvisaciones con el saxo tenor, el contrabajo y la guitarra. El contrabajista Pablo Martín realizó aquí una de sus mejores incursiones musicales, además de un sostén rítmico impecable, pero no sería la única a lo largo de la actuación. Sí pudiéramos asistir en distintos días a varias sesiones de este mismo proyecto, con los mismos músicos, nos daríamos cuenta de la riqueza experimental que lleva consigo este trabajo y sería raro, por no decir imposible, escuchar un mismo tema expresado idéntico en un momento anterior, cada concierto es distinto. Las  composiciones tienen vida propia, y las improvisaciones son un elemento importante para adornarlas con nuevos y diferentes matices cada vez que se interpretan. Es creatividad en estado puro. La cita continuó con “El faro”, una rumba-songo, iniciada con una introducción  de  Jorge Pardo a la flauta travesera. Uno de los solos más lucidos en este tema fue el del percusionista José Ruiz, que desempeñó un papel crucial en el cuarteto, enérgico y trascendente.

 josemi carmona

“Puerta del Sol Expreso” es una zambra guiada al comienzo por el contrabajista  Pablo Martín, que inicio el tema en solitario con una introducción en la que citó un fragmento de Bach, antes de dar paso a la exposición melódica del saxo tenor compartida con la guitarra de Josemi Carmona. Un tema lento y nostálgico en el que participaron los principales solistas con extensas incursiones, intercalando pasajes y fraseos de gran belleza. De nuevo a la flauta, el líder construyó una larga introducción con variaciones, basada en la famosa suite de Manuel de Falla, “El amor brujo” (Danza ritual del fuego) arropado solamente por la percusión, que enlazaron con una bulería llamada “Sanlúcar – Mojácar”, en la que participó toda la formación, incluido el percusionista con una descarga rítmica entregada y visceral. El final de la sesión culminó con dos piezas más a modo de bis a petición del público presente, cerrando así un concierto extraordinario que acercó a los oyentes a las raíces de la música popular española, rica fuente de la que bebe todo el proyecto.

 jose ruiz

Las palabras de esta corta reseña comparadas con lo sublime de la actuación se quedan cortas a la hora de expresar los acontecimientos, así que recomiendo a los interesados que si tienen la oportunidad de escuchar en directo este gran proyecto en cualquiera de sus formatos, trío, cuarteto, sexteto o big band, no se lo pierdan por nada del mundo. El apasionado hechizo y el duende que transmiten esta asegurado. Salud y jazz.

 

 

Texto: © José Antonio García López, 2013
Fotografías: © Rafa Márquez, 2013

 

 




Javier Colina Cuarteto (Jazzazza Jazz Club, Murcia, 2013-05-18)

  • Fecha: 18 de mayo de 2013.
  • Lugar: Jazzazza Jazz Club (Murcia)
  • Componentes :
    Javier Colina: contrabajo.
    Ariel Brínguez: saxo tenor y soprano.
    Albert Sanz: piano.
    Daniel García: batería.

Comentario:

 javier colina

La música de jazz que se hace en España debería ser divulgada y mostrarse sin prejuicios, ante la falta de esa evidente y necesaria consideración y valoración con la que se le ha determinado desde hace tiempo en este país por parte de algunos sectores oficiales de la cultura, dando por sabido que el jazz y los músicos de jazz españoles son muy apreciados y considerados en otros países como es el caso del músico premiado recientemente en Francia, el saxofonista madrileño Jorge Pardo. Hay que revindicar el excelente jazz que existe en nuestro país y la gran calidad de músicos españoles como Perico Sambeat, Albert Vila, Javier Vercher, Albert Sanz, Esteve Pi y muchos otros que trabajan en este género musical universal, así como los buenos proyectos jazzísticos que salen a la luz todos los años, de la creatividad y de las manos de nuestros músicos. Sin irnos muy lejos, el  ejemplo lo tenemos en la persona del gran contrabajista Javier Colina (Pamplona) al que he tenido la suerte de escuchar en directo en diversos conciertos y en otras formaciones. El escenario del club Jazzazza acogió al grupo de Colina dentro de la programación de su primer festival Jazzazza Fest. 2013, que en esta ocasión estaba formado por el saxofonista cubano Ariel Brínguez,  Albert Sanz al piano y el baterista Daniel García, conformando de este modo un cuarteto de lujo que dio mucho de sí mismo en cuanto a entrega artística, musicalidad y lenguaje, como pudimos comprobar a lo largo de la actuación.

 ariel bringuez

Sin una fórmula concreta, no siempre necesaria, con la que se pudiera etiquetar el tipo o el estilo de música del repertorio, la actuación navegó por diferentes estilos y ritmos, entre el jazz americano, las músicas de raíces populares latinas, el flamenco, y los ritmos africanos y colombianos, bajo la perspectiva continua del jazz, usando los mecanismos musicales que caracterizan este género con una gran dosis de personalidad en las formas, en el uso del lenguaje y en el sonido que cada uno de los componentes aporta dentro de la banda, elementos que Javier Colina sabe manejar con elegante buen acierto y esmero. “African Lullaby” de Dave Holland, realizado a trío de contrabajo, batería y saxofón, fue el primer tema con el que arrancó la sesión, para continuar con “Eighty One” de Ron Carter, en el que pudimos escuchar las primeras improvisaciones de piano, saxo tenor y contrabajo. Los ritmos afro-colombianos marcaron la siguiente pieza, “You Don’t Know What Love Is” de Gene de Paul, en la que Brínguez optó por el saxo soprano para realizar la exposición de la partitura, desarrollada luego con los solos de piano de Albert Sanz, ágil y sugerente en sus diálogos, y posteriores improvisaciones de sus compañeros de grupo. La balada llamada “Novia mía” del cantante y guitarrista cubano José Antonio Méndez, dejó un soplo de nostálgico romanticismo en el ambiente, a tenor de los solos de improvisación del pianista y del contrabajista, sutiles, elocuentes y limpios en la construcción de sus fraseos. Para terminar esta primera parte del concierto eligieron el standard “»Epistrophy» de Thelonious Monk, un tema rápido en el que participó todo el grupo con sendas y poderosas descargas y solos musicales, mostrando las generosas habilidades de cada uno.

 albert sanz

Los ritmos latinos y africanos siguieron siendo protagonistas de la sesión en la pieza llamada “Cinco hermanas” y “De Gnawa”, esta última procedente de la música magrebí, introducida a golpe de contrabajo, a la que fueron incorporando batería,  saxo soprano y finalmente piano, hasta formar una exquisita cadencia musical con claras influencias norteafricanas. De vuelta a la música cubana, deleitaron al público con una nana a ritmo de congo-tango llamada “Belén” del compositor cubano Eliseo Grenet, en la que destacaron los solos de Sanz, Brínguez y Colina, a cual de ellos más transmisor y expresivo, apoyados por el baterista Daniel García, que realizó una labor impecable en el transcurso de toda la sesión. Uno de los temas más brillantes del concierto fue el bolero “Verdad amarga”, de la compositora Consuelo Velásquez, balada profunda y elocuente que protagonizó Ariel Brínguez con el sonido redondo y afable de su saxo tenor. El concierto llegaba a su fin con “Soy Califa” del saxofonista Dexter Gordon, una espléndida versión a ritmo caribeño que desarrollaron con extensas y enérgicas improvisaciones de piano, saxo tenor y batería. El aforo quería más y el cuarteto ofreció un bis, en forma de balada, despidiéndose agradecidos a los vítores y aplausos de los presentes.

 daniel garcia

Un magnifico proyecto, liderado por uno los músicos más emblemáticos de la escena jazzística nacional e internacional, que dejó claras sus preferencias musicales en torno al jazz y a la música latina, abogando más por los ritmos calientes, poderosos y telúricos, en los que Javier Colina se proyecta de forma honesta en su elemento, como un pez en el agua. En una reciente entrevista de la revista digital JazzTK, Ariel Brínguez decía lo siguiente: «hay una estrecha relación entre la forma en que tocamos un instrumento musical y lo que somos como personas». Cuánta verdad hay en estas palabras que expresan la hermosa esencia del músico en su más alta cualidad.

 

Texto: © José Antonio García López, 2013
Fotografías: © Rafa Márquez, 2013