INSTANTZZ: Dianne Reeves (Plaça Jaume I, Vijazz Penedès, Vilafranca del Penedès –Barcelona-. 2017-07-09) [Galería fotográfica]

  • Fecha: Domingo, 09 de julio de 2017
  • Lugar: Plaça Jaume I (Vilafranca del Penedès –Barcelona-)
  • Grupo:
    Dianne Reeves
    Dianne Reeves, voz
    Peter Martin, piano y teclados
    Romero Lubambo, guitarras
    Reginald Veal, bajo y contrabajo
    Terreon Gully, batería

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2018




Razones para el jazz: un disco. Crystal Stair (Donald Harrison y Terence Blanchard) [368]

Un disco. Harrison / Blanchard: Crystal Stair (Columbia, 1987)

Seleccionado por Juanma Castro Medina

Con Donald Harrison, Terence Blanchard, Cyrus Chestnut, Reginald Veal, Carl Allen




Dianne Reeves (XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier, San Javier, Murcia. 2015-07-22)

XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

  • Fecha: 22 de julio de 2015
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa (San Javier, Murcia)
  • Componentes:
    Dianne Reeves: voz.
    Romero Lubambo: guitarra.
    Peter Martín: piano y teclados.
    Reginald Veal: contrabajo y bajo eléctrico.
    Terreon Gully: batería.

Concierto de Dianne Reeves el día 22 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Concierto de Dianne Reeves el día 22 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

La norteamericana Dianne Reeves regresó a San Javier en la decimoctava edición del festival de jazz de esta localidad. Ya estuvo en dos ocasiones anteriores, en las que demostró ser una de las vocalistas más importantes de su generación y conquistó con éxito al público del festival. La dama del jazz ha sido ganadora, este año 2015, de un premio Grammy por su álbum Beautiful Life (Concord Records, 2014), por lo que la cantante se encuentra en uno de los momentos más destacados de su carrera.

Concierto de Dianne Reeves el día 22 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Concierto de Dianne Reeves el día 22 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Concierto de Dianne Reeves el día 22 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Concierto de Dianne Reeves el día 22 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

La versión instrumental del conocido “Summertime”, sin la presencia de la líder, sirvió al grupo para ir chequeando sonido, ya que no pudieron hacerlo con anterioridad por falta de tiempo y una posible caída de la lluvia. No obstante fue mejorando en el desarrollo de la sesión. El concierto fue una suma de poderosos momentos protagonizados por Reeves, a partir de su salida a escena, en el segundo tema del repertorio, “Dreams” de Stevie Nicks, acaparando, con su maravillosa voz y su figura, todo el espacio auditivo y escénico del Auditorio Parque Almansa. La cantante, arropada por un cuarteto de excelentes músicos, nos embelesó con su voz calida, capaz de conseguir los registros más variados y un manejo admirable del scat, como si se tratara de un instrumento más.

Concierto de Dianne Reeves el día 22 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Concierto de Dianne Reeves el día 22 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Concierto de Dianne Reeves el día 22 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Concierto de Dianne Reeves el día 22 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

En los siguientes temas del repertorio, “Who Will Buy”, “That’s All”, y la balada “I’m In Love Again”, hubo también lucimiento de los principales solistas del grupo: el guitarrista Romero Lubambo, exquisito en sus improvisaciones, y el pianista Peter Martín, compartiendo solos y arreglos. Con el standard de Gershwin titulado “Our Love Is Here To Stay”, la cantante hizo un guiño a las vocalistas que más han influido en su carrera, Dinah Washington, Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald. “Cold” y “Tango”, dos piezas incluidas también en su último disco, avivaron, aún más, si cabe, las llamas de la actuación, con la complicidad de Lubambo y Martín, sin olvidar la contundente consistencia de la sección rítmica, formada por el bajista Reginald Veal y el baterista Terreon Gully. Tras el conocido “Waiting In Vain” de Bob Marley, Reeves recibió el premio del festival, y ofreció agradecida en el bis “Beautiful”, con el que cerraron un memorable y esplendido concierto.

Fue, en definitiva, una sesión magistral, como corresponde a una verdadera estrella del jazz que nunca defrauda con su arte y su voz.

Texto: © José Antonio García López, 2015
Fotos: © R.Mellado/Jazz San Javier, 2015




INSTANTZZ: Dianne Reeves (Round About Midnight, Barcelona. 2015-05-15)

Round about Midnight

  • Fecha: Viernes, 15 de mayo de 2015
  • Lugar: Teatro Coliseum (Barcelona)
  • Componentes:
    Dianne Reeves, voz
    Peter Martin, piano y teclados
    Romero Lubambo, guitarras
    Reginald Veal, contrabajo y bajo eléctrico
    Terreon Gully, batería

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© Joan Cortès, 2015




Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Tomajazz recupera… Paco Charlín: en su propio camino, por Pachi Tapiz

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

Pachi Tapiz: ¿Qué opinión te merece el llamado jazz europeo?

Paco Charlín: Supongo que cuando se habla de jazz europeo se refiere también a Portugal, España, Inglaterra, Italia, pero tengo la extraña sensación de que no ocurre eso. No estoy muy puesto en estos términos, como cuando hablábamos antes de si el jazz tiene nacionalidad o no pues que te voy a decir… Creo que hay muchas maneras de interpretar jazz y es lógico que cada una de ellas se etiquete de una manera distinta. En mi opinión la palabra jazz define una cultura y una manera de interpretación musical concreta, por lo que a mi respecta. Además, no creo que sea el indicado para hablar de algo que no conozco con exactitud.

Leer: Paco Charlín: en su propio camino, por Pachi Tapiz (publicado originalmente en 2006)




45è Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona (I): Saxophone Summit – Emma Vilarasau / Carles Margarit – Dianne Reeves

45è Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona

Saxophone Summit

  • Fecha: Sábado 19 de octubre de 2013
  • Lugar: Teatre-Auditori Sant Cugat (Barcelona)
  • Componentes:
    Ravi Coltrane, saxo tenor y sopranino
    Dave Liebman, saxo tenor, soprano y flauta de madera
    Joe Lovano, Saxo tenor, clarinete alto y flauta de madera
    Phil Markowitz, piano
    Cecil McBee, contrabajo
    Billy Hart, batería

Emma Vilarasau / Carles Margarit “No era lluny ni difícil”

  • Fecha: Lunes, 21 de octubre de 2013
  • Lugar: Teatre-Auditori Sant Cugat (Barcelona)
  • Componentes:
    -Primer parte-
    Emma Vilarasau, recitado
    Xavier Bosch, guitarra y percusión
    -Segunda parte-
    Carles Margarit, saxo tenor, dirección y composiciones
    Joan Margarit, poemas y recitado
    Xavier Algans, piano
    Miquel Àngel Cordero, contrabajo
    Núria Cols, voz

Dianne Reeves

  • Fecha: Viernes, 25 de octubre de 2013
  • Lugar: Teatre-Auditori Sant Cugat (Barcelona)
  • Componentes:
    Dianne Reeves, voz
    Peter Martin, piano
    Romero Lubambo, guitarra acústica y eléctrica
    Reginald Veal, contrabajo
    Terreon Gully, batería

Comentario:

El pasado sábado 19 de octubre se inauguró el 45 Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona, en la vecina localidad de Sant Cugat, concretamente en su Teatre-Auditori –que está celebrando su veinte aniversario-. Los encargados de hacerlo fueron los componentes del sexteto de Saxophone Summit, formado por un trío de saxos tenores (aunque también se doblan a otros instrumentos con cañas), Joe Lovano, Dave Liebman y Ravi Coltrane (este último sustituyó en su día al malogrado Michael Brecker), y una sección rítmica, también de considerables quilates, Billy Hart a la batería, Cecil McBee al contrabajo y Phil Markowitz al piano. Un sexteto que deambula por las trazas de la obra y el espíritu, mediante arreglos y composiciones originales, del gran maestro, John Coltrane, influyente como pocos del saxo tenor y soprano así como del jazz en general.

01_SAXOPHONE SUMMIT (©Joan Cortes)_19oct13_45FIJazzBcn_Teatre-Auditori_Sant Cugat (Bcn)

Presentan un directo elaborado y remarcablemente conjuntado. Rehuyen de las posibles mímesis de los temas con sus consabidos solos. Encaran los temas versionados con arreglos complejos, estructurados, aportando savia fresca y nueva. Incluso presentan composiciones originales sin desdibujar el gran mundo del saxofonista homenajeado.

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Interpretaron algunos temas que han de conformar el próximo y tercer trabajo del grupo, “Blues minor” (del coltraniano “African brass”), así como un exquisito tema original, uno de los dos grandes puntos álgidos de la noche, una supuesta balada, compuesta por Liebman, dividida en varias partes, un tema cambiante y ondulante, especulativo y bien engarzado, con Lovano al clarinete alto. Posteriormente vendría la otra cumbre de la actuación, “Peace of the heart” (perteneciente al primer trabajo de la banda, “Gathering of spirits” -2004- ) enlazado con “Olé”, a modo de una pequeña suite, iniciada con un solo de batería de Billy Hart -que nos deleitó con su magisterio a lo largo de todo el concierto y remarcó que continúa siendo un jabalí en plena vitalidad-, como preámbulo de “Peace …”, después vendría un nuevo solo, en esta ocasión, de Cecil McBee -contrabajista que hemos podido disfrutar en contadas ocasiones por estos lares- y finalmente el tema “Olé”, con Liebman y Lovano soplando pequeñas flautas de madera, el pianista Phil Markowitz –una de las gratas sorpresas de la noche- percutiendo las cuerdas del piano y Ravi Coltrane desenvolviéndose con el saxo sopranino. Tema que sirvió para concluir la propuesta antes del bis. El bis, composición de Joe Lovano, “Alexander the Great” (también del primer cd del grupo), fue el trabajo con los aires más canónicos de la jornada.

03_SAXOPHONE SUMMIT (©Joan Cortes)_19oct13_45FIJazzBcn_Teatre-Auditori_Sant Cugat (Bcn)

Dave Liebman resultó ser el más extravertido de la tripleta tenorista, el más vigoroso, musculado, y especialmente viperino con el soprano, Joe Lovano se mantuvo moderado, conciso y elegante, y Ravi Coltrane, el más joven del grupo, fue el más reservado, incluso dio la sensación, en algunos momentos, de estar algo intimidado.

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Sin duda un buen arranque del festival, a unos veinte quilómetros de su ciudad homónima.

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Para el lunes siguiente, 21 de octubre, estaba anunciado en el programa del festival de jazz, el que resultaría ser la segunda parte de otro festival, el del 13º de poesía de Sant Cugat. Un doble programa, que a más de uno nos cogió con el pie cambiado –todo sea mencionado, no supimos apreciar ninguna referencia o indicativo jazzístico en el espacio donde transcurrió la velada-.

El doble evento se realizó en el interior del escenario –de amplia caja-, tanto para el albergue del público como de los actuantes.

La primera parte fue a cargo de la actriz catalana Emma Vilarasau, “Premi butaca” -2013-, acompañada por Xavier Bosch a la guitarra, donde fue recitando poemas de diferentes autores catalanes (Palau i Fabra, Joan Vinyoli, Miquel Martí Pol i Joan Margarit) e internacionales (Chantal Mailard, Pablo Neruda, J.L. Borges y M. Benedetti). Una interesante selección de textos, aunque no nos terminó de convencer el engarce entre el recitado y el acompañamiento musical, especialmente por la disparidad de las cadencias de cada uno.

El encaje entre recitado y música resulta complejo. Quisiera destacar por diferentes conceptos, en este ocasión especialmente por la relación entre la voz y el piano, el trabajo discográfico “Le long de la plage” (Vision Fugitive -2012-, el sello francés, creado por Jean-Marc Foltz y Philippe Mouratoglou, que solamente publica tres proyectos anuales), del pianista estadounidense Marc Copland con el poeta, novelista y ensayista francés Michel Butor.

06_CARLES I JOAN MARGARIT (©Joan Cortès)_21oct13_45FIJazzBcn_TeatreAuditori_Sant Cugat (Bcn)

La segunda parte, la que constaba en el programa del festival de jazz, correspondió a la propuesta titulada “No era lluny ni difícil” (No era lejos ni difícil),  con poemas del poeta Joan Margarit -poeta de honor del actual festival de poesía-, recitados por el mismo, cantados por Núria Cols –con una voz más próxima al mundo del musical que al del jazz- y las composiciones musicales, además de la dirección y las interpretaciones al saxo tenor, de Carles Margarit –hijo del poeta-, que contó con la colaboración del contrabajista Miquel Àngel Cordero y Xavier Algans al piano.

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Las composiciones musicales, “Dear John”, “Autoretrat”, “Fragilitat”, entre otras, podríamos calificarlas de próximas al entorno del sello muniqués ECM, en los que destacó, muy especialmente, las aportaciones, en los solos, del pianista. Algunos de los textos recitados ya los habíamos podido escuchar, gratamente, no hace mucho en el Jamboree, en la propuesta “Paraula de Jazz” (Palabra de Jazz), del propio Joan Margarit con el poeta Pere Rovira y la música de Perico Sambeat trío.

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La velada termino con la incorporación, al quinteto, de Emma Vilarasau y en un mano a mano con Margarit, recitando (traduzco del catalán, una parte, pidiendo disculpas de antemano por el atrevimiento):

“un auditorio oscuro dentro de nosotros
escuchando en silencio esta historia
de la seducción sin esperanzas.
Amar es ser distante.
El amor es ser extranjero, pero vosotros
sois la hospitalidad de este silencio.
Que me ha escuchado sabiendo que dentro vuestro
he dejado de existir, que no habré estado
más que la sombra querida de algún otro.”

09_CARLES I JOAN MARGARIT (©Joan Cortès)_21oct13_45FIJazzBcn_TeatreAuditori_Sant Cugat (Bcn)

Cuatro días después, el viernes 25, en el mismo escenario del Teatro-Auditorio y con el público llenando completamente el aforo de butacas, Dianne Reeves demostró nuevamente poseer un registro y unas capacidades totalmente envidiables, sin duda una de las voces femeninas del mundo del jazz en mayor estado de forma en la actualidad. Con una propuesta musical, tanto discográfica como en directo, al alcance de un público mayoritario, dicho sin la menor desviación peyorativa, aunque sus directos superan y de largo sus grabaciones.

10_DIANNE REEVES (©Joan Cortès)_131025_TASCugat_45FIJazzBcn_StCugat

Este año ha publicado Beatiful Life, a gusto de uno, irregular, caramelizado y demasiado sobreproducido.  Dianne es una de aquellas cantantes que cuantas menos parafernalias tenga a su alrededor mejor es su resultado.

En Sant Cugat vino acompañada por un cuarteto de músicos notablemente solventes y efectivos, no en vano, en mayor o menor medida, todos ellos colaboran en su reciente disco, de donde partió el material ofrecido en directo. Un directo variado en lo temático (jazz, pop, blues-zydeco, samba, …) y en el juego de las formaciones (quinteto, cuarteto, trío, dúo e incluso a capela).

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El cuarteto instrumental abrió la velada con una versión del conocido “Summertime”, e inmediatamente después aparecería la cantante, vestida con sencillez y ademanes pausados, empezando desde el primer momento a mostrar, que muy probablemente, es una de las pocas herederas de las últimas grandes damas del jazz, más cercana a Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan o Carmen McRae que a Betty Carter.


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Algunos de los títulos interpretados fueron “Dreams” (composición original de la cantante Stevie Nicks, componente de Fleetwood Mac) -con unos arreglos que en algunos momentos nos hizo rememorar la versión davisiana de “Time after time”-, “Waiting in Vain” de Bob Marley, así como el tema, de título más bien engañoso, “Tango”, una composición original de la cantante, que lo está convirtiendo en un estandarte, como se puede apreciar en las distintas versiones que se encuentran en “youtube”, más la del disco, pero de momento nos quedamos

con la versión ofrecida en Sant Cugat. Un tema de aires totalmente latinos, con un inicio que musicalmente podríamos ubicar en  el centro de Sudamérica, que después, fue derivando hacia una especie de bolero-son, para rematarlo en forma de  rumba cubana. Tema interpretado inicialmente a capela, al que posteriormente y de forma paulatina fueron integrándose los componentes de la banda, aprovechando para ir presentando, de forma totalmente cantada, a cada uno de ellos, Romero Lubambo a las guitarras, Peter Martin  al piano, Reginald Veal al contrabajo y Terreon Gully a la batería.

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Un concierto notable, que fue acrecentándose tema a tema, donde el público disfruto de forma considerable. Aunque, todo sea dicho, quedó a unos cuantos peldaños por debajo de la soberbia actuación que ofreció, en el verano del 2012, en el festival jazz-vinícola de ViJazzPenedès, como voz solista e intérprete remarcable del “Mosaic” de Terri Lyne Carrington (baterista también presente en la actual edición del festival barcelonés, con dos de las féminas del aquel proyecto discográfico, aunque ausentes en el escenario de Vilafranca del Penedès, la pianista Geri Allen y la cantante-contrabajista Esperanza Spalding).

© Texto y fotografías: Joan Cortès, 2013

 




Foto © 2011 Thabi Moyo

René Marie / Cassandra Wilson / Raimundo Amador Band / B.B. King (VIII Festival de Jazz de Peñíscola, Castellón, 20 al 22-VII-2011)

VIII Festival de Jazz de Peñíscola

  • Fecha: 20 al 22 de julio de 2011.
  • Lugar: Peñíscola (Castellón).
  • Comentario:

    La tercera semana del VIII Festival Internacional de Jazz de Peñíscola fue, sin proponérselo, de conciertos centrados en las versiones.

    Esta comenzó el miércoles con un concierto doble. Fuera de los escenarios habituales, la cita musical se trasladó al recinto portuario de Peñíscola. Allí no esperaba una nueva temporada de The Wire. Fue el turno de un concierto doble con la banda de B.B.King como cabeza de cartel, y ejerciendo de telonero la Raimundo Amador Band.

     

    El sevillano comenzó su concierto versioneando “Jessica” de los míticos Allman Brothers Band. Toda una magnífica declaración de intenciones ejecutada por una banda más que competente en la que sobresalieron el propio Amador, el baterista, el teclista (con algún solo más que aplaudido) y el bajista, mientras que el percusionista y la vocalista quedaron en un segundo plano. El grupo dio un magnífico recital en el que incidieron en la forma en que el ex-Pata Negra realiza la fusión del flamenco con el blues. El conocido “Bolleré” o el divertido “El blues de los niños” (de Pata Negra) fueron algunos de los mejores momentos del recital. Sin embargo Raimundo Amador no era el protagonista de la noche. Aunque el concierto fue alcanzando su punto álgido tema tras tema, tras apenas una hora de actuación le tocó el turno de abandonar el escenario. No fue la ocasión de un bis más que merecido pero no reclamado. Así dejaron paso al veteranobluesman (1925) de Indianola, Mississippi.

    El protagonista se hizo esperar. Tras un rápido cambio de instrumentos hicieron acto de presencia los ocho miembros de la banda de B.B. King. Además de bajista, batería y teclados, sobre el escenario aparecieron una sección de cuatro vientos y un guitarra rítmica. El concierto, a la espera del veterano guitarrista y cantante sobre el escenario, comenzó magníficamente con un par de temas instrumentales con todo lo que se esperaba en la cita: blues (por supuesto), una vibrante ronda de solos al estilo clásico –con un papel preponderante de los vientos, paso al frente al micro situado en medio del escenario y a soplar–, y una sección rítmica marcando firme el paso del resto de músicos.

     

    Lamentablemente Riley B. King se empeñó en dinamitar lo que sus músicos habían comenzado a construir. A pesar de su edad el octogenario músico todavía toca con su legendaria maestría, pero en el concierto de Peñíscola se dedicó sobre todo a hablar. Su arma fueron unas presentaciones muy extensas, que en más de una ocasión duraron más que los propios temas a los que estaban prologando. Una lástima. En el caso de intérpretes con una edad tan avanzada, en muchas ocasiones con lo que uno se encuentra es con un pálido reflejo de lo que el artista de turno fue en sus buenos y lejanos tiempos. No fue lo que ocurrió con B.B. King, aunque se echó en falta que hablase menos y él o su banda (la otra parte eclipsada) tocasen más.

     

    Aun y todo dio tiempo para que volviese sobre algunos de sus temas más famosos como los archiconocidos “Everyday I Have The Blues”, “Rock Me Baby” o “Thrill Is Gone”. También atacó temas tradicionales como “You Are My Sunshine” (con el que se empeñó –sin conseguirlo– poner a cantar a los 4000 espectadores que abarrotaban el recinto portuario a pesar de insistir una y otra vez) o “When The Saints Go Marchin’ In” con el que finalizó el espectáculo. El público terminó satisfecho a pesar de que B.B. King fue una versión reducida (más bien en formato showcase que en formato concierto) de sí mismo.

     

    Al día siguiente la cantante René Marie conquistó al público que abarrotaba la plaza de Santa María, uno de los escenarios habituales de la cita de Peñíscola. Tras impartir un seminario esa misma mañana, fue el momento de pasar de la teoría a la práctica sobre el escenario. Le acompañaron tres ayudantes de lujo: Kevin Bales (piano), Kevin Hamilton (contrabajo) y Quentin Baxter (batería), con quienes ha grabado su último discoVoice Of My Beautiful Country. La cantante sorprendió con las dos versiones elegidas antes de dar un bis muy reclamado y bien merecido. La primera fue “White Rabbit” del grupo psicodélico de San Francisco Jefferson Airplane, a la que siguió el “Angelitos Negros” que popularizó en nuestro país Antonio Machín.

    Fue la conclusión de un concierto en el que René Marie no solo hizo gala de su magnífica voz, sino que también mostró una gran complicidad con sus tres compañeros y con el público. En él alternó temas propios y standards, dejando espacio para las intervenciones de sus compañeros, en especial del pianista Kevin Bales. Buen concierto y una sorpresa la de esta cantante, cuya calidad le hace merecedora de un mayor reconocimiento.


    Foto © 2011 Toni Porcar

    El viernes 22 fue el turno de la cantante Cassandra Wilson en el Palau de Congressos. Comandando un octeto en el que le acompañaron Martin Sewell (guitarra), Gregoire Maret (armónica), Lekan Babalola (percusión), Reginald Veal (bajo y contrabajo), John Davis (batería) y John Cowherd (piano) mostró una de sus versiones. La de Peñíscola fue la de la cantante que demostró su gran voz, que dejó mucho espacio para sus músicos, pero que a pesar de sus calores se mostró muy fría con ellos. Apenas fueron tres las ocasiones en las que se animó a lanzarse a improvisar. Durante el resto del concierto dejó que sus músicos llevasen el peso de la actuación. Entre ellos destacó sobremanera el armonicista Gregoire Mairet, con tres solos soberbios. También sobresalieron el guitarrista Martin Sewell y el percusionista Lekan Babalola, deslumbrante en el único solo que pudo acometer.


    Foto © 2011 Thabi Moyo

    En cuanto al repertorio interpretado, la intro instrumental del “Lay Lady Day” de Dylan mostró la capacidad de la de Jackson (Mississippi) de adentrarse por los terrenos del country y del blues. Siguieron con “The Man I Love”, “Forty Days & Forty Nights”, “Red Guitar” y “Black Bird”, entre otros. El concierto terminó con una versión de “St. James Infirmary” que, junto al tema de Dylan (especialmente la introducción), resultó ser lo mejor de la noche. Ello provocó que el público reclamase un bis que la cantante tuvo a bien conceder. El punto final para una velada en la que, a tenor de lo escuchado en sus grabaciones, se pudo haber disfrutado de otra Cassandra Wilson bien distinta, aunque no fue la ocasión.

    Texto © 2011 Pachi Tapiz
    Fotos © 2011 Sera Martín, excepto donde se indica



Paco Charlín: en su propio camino, por Pachi Tapiz

A pesar de su juventud, el contrabajista Paco Charlín (Vilanova de Arousa, 1975) es uno de los más activos en la escena nacional en estos momentos. Buena muestra de ello son su labor docente en el Seminario Permanente de Jazz de Pontevedra (que incluye su participación en las grabaciones del seminario y también sus composiciones para estos proyectos) o la decena larga de grabaciones en las que ha participado en 2005. Entre éstas se encuentran Ziribuye de Perico Sambeat, el disco This Is New, a nombre de German Kucich, Juanma Barroso y el propio Charlín, Tras Coltrane del Vicente Espí Quartet o la edición –en el sello recientemente creado Free Code Jazz Records– de dos grabaciones a su nombre: The Ultimate Jazz Earth-tet (en cuarteto con temas originales de Charlín) y Jazz Frequency Group (en trío, versioneando a Coltrane, Bird, Sonny Rollins y Mongo Santamaría). José Francisco Tapiz charló con el contrabajista gallego sobre todo esto.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: En tu último disco, The Ultimate Jazz Earth-tet, todas las composiciones y arreglos son tuyos. ¿De dónde te viene la inspiración a la hora de componer? ¿Qué aportan tus compañeros a los temas?

PACO CHARLÍN: Por mi parte, la inspiración se va creando con la experiencia de tocar temas originales de muchos músicos con los que he compartido y comparto escenario: de ellos aprendes muchas cosas. También de los discos, donde está toda la información necesaria. De ahí saco muchas de las ideas a la hora de componer. Y otras muchas veces la inspiración viene de diferentes maneras y no sólo con la música.
Mis compañeros aportaron justo lo que tenía en mente para los temas y para poder plasmarlos en un disco. El sonido que desprende cada uno de ellos individualmente conectaba en conjunto con las composiciones y en la manera en que tenían que ser interpretadas.
En el caso del batería Donald Edwards, su trabajo fue a mí parecer impecable: acompaña con un drive muy definido y lleno de matices, con un conocimiento del lenguaje, la experiencia y madurez apropiadas para el funcionamiento idóneo del grupo y especialmente de la sección rítmica.
Jonathan Kreisberg tiene un sonido que está intrínsicamente unido al desarrollo climático, que ha sido fundamental a la hora de crear la atmósfera adecuada en cada composición.
El saxofonista Jaleel Shaw es la punta del iceberg que da forma a este proyecto: su sonido y sus solos hacen que toda su energía contagie al resto de la banda.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿De dónde viene el nombre de Ultimate Jazz Earth-tet?

PACO CHARLÍN: Quería que reflejase la importancia de la Tierra, de lo que está sobre ella y también de lo que surge y nace de ella. Agradezco mucho estar viviendo en un lugar rodeado de naturaleza. Es lo que me da energía y tranquilidad, manteniendo el equilibrio que necesito. Del mismo modo que el jazz te puede llevar a lugares a los que solo consigues llegar cuando tocas, para mí la naturaleza hace lo mismo si la aprecias y te dejas llevar. La mezcla de las dos partes hizo que saliese un nombre particular en el que se identificasen por igual el jazz y la Tierra.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Por qué esa formación de guitarra eléctrica, saxo alto, contrabajo y batería? ¿Tenías en mente alguna formación similar de algún músico en concreto?

PACO CHARLÍN: La formación surge a partir del tipo de sonoridades que quería para los temas, que particularmente los “escuchaba” en ese formato. No tenía ninguna formación musical concreta en mente. Está claro que siempre hay influencias de otros discos y formaciones, pero éstas eran distintas a las que yo quería. Además me gustaba la idea de tocar tanto en cuarteto como en trío de guitarra y trío con saxo. El contrabajo y la batería se acoplan perfectamente a una situación de trío que es más libre que la formación de cuarteto, teniendo mayor protagonismo, por supuesto. Por eso en el disco hay un tema en trío de guitarra y otro en trío con saxo. Además, hay también dos temas a solo con el contrabajo, muy diferentes entre sí. Todo esto hace que el disco tenga con un mismo proyecto una mayor variedad de formaciones.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿De donde salió la idea de grabar en el Teatro Principal de Pontevedra? ¿Destacarías algo en particular?

PACO CHARLÍN: La idea surgió por haber tocado y grabado en anteriores ocasiones en este teatro, unas experiencias que siempre han sido muy positivas. Esto me llevó a apostar por volver a grabar de una manera particular este proyecto. La situación para mí es muy distinta a la de un estudio de grabación. El modo en el que grabamos es más similar y más cercano a un directo o a la manera en que se hacían los discos de jazz de toda la vida, todos juntos en el escenario y tan solo separados por paneles. Creo que el estudio es mas frío, estás casi siempre aislado de tus compañeros, a veces ni los ves, y ese calor se va perdiendo. Era la manera más idónea de plasmar esta música: cerrar el teatro para nosotros y grabar.
Destacaría la forma de grabar en sí misma: tener a tus compañeros sin una pared por medio y con un cristal para poder verlos es algo que se agradece mucho cuando grabas. Estamos más habituados a tocar de esa manera, así que cuando llegas a un estudio todo cambia.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Tuvisteis que realizar muchas tomas hasta que lograsteis los temas aparecidos finalmente en el disco?

PACO CHARLÍN: La verdad es que no. Algunos temas se grabaron dos veces y otros en la primera toma. Se decidieron las tomas que se editarían al final de cada una de ellas y por mutuo acuerdo. Grabar los temas cuatro o cinco veces es algo que no me gusta hacer mucho: te puedes volver loco eligiendo la toma que más te gusta. Cuando el tema se va desarrollando de un modo natural, no tienes por qué darle más vueltas, a no ser que quieras hacer algo que no sea verdad.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Cómo afrontas el proceso creativo?

PACO CHARLÍN: La música que intento transmitir y componer se basa en un porcentaje muy alto en el estilo del jazz americano y las nuevas tendencias que pueden salir de ahí. No sé si es bueno o malo, pero es la música con la que más me identifico y con la que mejor me puedo expresar. Sin duda los temas salen de la manera en que uno ve este estilo, aportando nuevas variantes según se crece en términos de experiencia.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: Hablas del jazz americano y de sus tendencias. ¿Tiene el jazz nacionalidad?

PACO CHARLÍN: Ahora mismo no creo que tenga una nacionalidad específica. Sin embargo creo que está muy claro en donde nació, a pesar de que como sucede en todo idioma hay diferentes formas de hablar y cada una con sus peculiaridades. Te pueden gustar unas tendencias o maneras más que otras, pero no creo que eso sea tampoco algo malo.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Qué opinión te merece el llamado jazz europeo?

PACO CHARLÍN: Supongo que cuando se habla de jazz europeo se refiere también a Portugal, España, Inglaterra, Italia, pero tengo la extraña sensación de que no ocurre eso. No estoy muy puesto en estos términos, como cuando hablábamos antes de si el jazz tiene nacionalidad o no pues que te voy a decir… Creo que hay muchas maneras de interpretar jazz y es lógico que cada una de ellas se etiquete de una manera distinta. En mi opinión la palabra jazz define una cultura y una manera de interpretación musical concreta, por lo que a mi respecta. Además, no creo que sea el indicado para hablar de algo que no conozco con exactitud.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: En Galicia, como en cualquier región, hay un folklore propio y particular. ¿No te has sentido tentado a intentar conjugar el jazz con todas esas raíces musicales?

PACO CHARLÍN: La verdad es que no se me ha pasado nunca por la cabeza… ¡qué le voy a hacer!

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿De dónde eliges esos títulos aparentemente tan extraños para tus temas?

PACO CHARLÍN: Lo de los títulos es algo más complicado: primero compongo el tema, después le pongo el título y ahí viene el dilema. Creo que depende mucho de cómo me levante ese día…. Pero la verdad es que espero a escuchar el tema y después veo lo que me sugiere o viceversa. Muchos de ellos están sacados de ideas o conversaciones con compañeros, incluso te inventas palabras o formas diferentes de decir algo que sólo tú conoces.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Cuáles son tus principales influencias como contrabajista dentro de la música actual?

PACO CHARLÍN: Hay un montón de contrabajistas que tocan muy bien hoy en día. Personalmente para mí los principales son Rodney Whitaker, Robert Hurst, Christopher Thomas, Carlos Barreto, Larry Grenadier, Christian McBride, Zé Eduardo, Reginald Veal, Scott Colley y un largo etcétera. De todos se aprende mucho cuando los escuchas… Y de los viejos o ya fallecidos ni te cuento. Llegas a la conclusión de que todos ellos vienen de sitios similares. Con los nuevos escuchas muchísimas cosas de ellos.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: Me extraña mucho que entre esos nombres no aparezca el de Dave Holland…

PACO CHARLÍN: Por supuesto, cómo no, Dave Holland, pedazo músico, Bob Bowen, Ron Carter, Avishai Cohen, y muchos más. Y si te digo los que ya por desgracia han fallecido no acabaríamos hoy. Pero las principales influencias para mí, entre los que están activos, están en la lista que te nombré antes.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Cuáles son tus experiencias musicales previas? ¿Hacia dónde camina Paco Charlín como músico y contrabajista?

PACO CHARLÍN: Bueno, todo surge cuando uno se interesa por el jazz y casi siempre sin darse uno de cuenta, todo sucede a medida que pasa el tiempo. Los conciertos en directo que vas viendo, los discos que se van comprando, las clases de algunos profesores acertados, la necesidad de investigar y conocer esta música y cultura te llevan a entender el jazz de una manera más natural y a involucrarte en ella de una forma más profesional. Algunas de las experiencias musicales previas encima de un escenario hasta hoy han sido con Steve Kuhn, Javier Vercher, Nuno Ferreira, Chris Cheek, Juanma Barroso, Sheila Jordan, Miguel Zenón, Bernardo Sassetti, Mark Turner, Vicente Espí, Jesús Santandreu, Perico Sambeat, Abe Rabade, Raynald Colom, Rodrigo Gonçalves o Alex Frasao… Con todos ellos, y con otros muchos compañeros más, vas intentando entender mejor todo esto para poder hacer tu camino. Hacia donde voy a caminar a partir de aquí no lo sé, y creo que ningún músico lo sabe de sí mismo. Lo que está claro es cómo me gustaría que fuese y lo que uno se va a esforzar para conseguir lo que quiere hacer, aparte de otros muchos factores que van surgiendo en el proceso.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: Como muchos músicos te dedicas a la enseñanza, en tu caso desde el Seminario Permanente de Jazz de Pontevedra (SPJ). Tu labor docente, ¿viene dada por obligación o por devoción?

PACO CHARLÍN: De las dos maneras. Creo que la enseñanza es algo fundamental para cualquier músico. Mi aportación en el SPJ es una más para poder ayudar a aquellos que estén dispuestos a tomarse el jazz en serio. La labor que hace tiempo iniciaron –y en la que siguen– gente como Suso Atanes y Miguel Guerra en Galicia es para respetar y tomar ejemplo. Continuar con ese proceso es la manera de seguir con la tradición y que no se quede todo en un saco roto. Hacer lo contrario no tiene mucho sentido: rascarse los bolsillos y que te cuelguen medallitas a las 4 de la mañana con cinco copas de alcohol en el cuerpo…. Ya me dirás tú a donde iríamos a parar.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Con que objetivo surge el SPJ?

PACO CHARLÍN: El SPJ nace hace ya seis años en Cangas de la mano de Luis Carballo, quien posteriormente trasladó el proyecto a Pontevedra. En este tiempo se ha formado una nueva generación de músicos exclusivamente dedicados al estudio del jazz. Gracias al esfuerzo e impulso del SPJ se puede contar con músicos como Xan Campos, Telmo Fernández, Javier Pereiro, Virxilio da Silva, Max Gómez, Iago Fernández, José Ferro, Alberto Vilas, Toño Otero, Nacho Pérez, José Santomé, Jorge Valero, Martín Brea, Seir Caneda, Iago Vázquez, Roi Adrio, y un largo etcétera en la nueva escena jazzística.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Qué buscáis transmitir a los alumnos tanto tú como el SPJ?

PACO CHARLÍN: Primero las experiencias que uno pueda haber tenido previamente tanto con sus profesores como en el escenario. Todo esto lo vas pasando por un filtro y sacas las mejores conclusiones para que el alumno aprenda de la manera mejor y más eficaz. Eso te lleva a enfocar las clases de un modo más practico y en donde los resultados tienen que ser visibles. Si no fuese de esta manera y no hubiera ningún resultado, algo estaría fallando y tendríamos que resolver el problema para seguir avanzando.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: En 2005-2006 el SPJ cumple su quinta edición. ¿Cuáles son los resultados en estos años y qué esperáis de este proyecto que se podría decir que está ya consolidado tras sus inicios?

PACO CHARLÍN: Los resultados hablan por sí solos. Desde mi punto de vista el SPJ es uno de los puntos importantes e imprescindibles en la educación jazzística de Galicia. El concepto que desarrolla el SPJ es el idóneo para el alumno, poniéndolo siempre en situación real ante cualquier circunstancia que se pueda encontrar en su carrera musical. Al margen de las clases habituales, los alumnos han recibido Master Classes de músicos como Ramón Cardo, Jeff Williams, Perico Sambeat, John O’Gallagher, Carlos Barreto, Miguel Zenón, Joao Moreira y un largo etcétera de músicos que pasan a incrementar el desarrollo adecuado para el alumnado, logrando que quede un poso ideal que antes no había.
Todo esto hace que haya más programación para la nueva generación, que esté mejor preparada y sobre todo que haya más discos de jazz. En este corto periodo se han grabado en Galicia más discos de jazz que en toda su historia y el SPJ tiene una parte importante de culpa en que todo esto esté sucediendo. Por una parte dándole el protagonismo al alumnado en sí en el SPJ y también a otros muchos músicos a los que se les incita a pensar de esta manera y a que traten sus proyectos en serio para grabarlos. No querer ver esta situación es algo absurdo, por que la realidad de lo que está sucediendo salta a la vista. Hablar por hablar y criticar con la lengua sucia es lo más rastrero y cobarde en lo que uno puede caer. Otra cosa es ponerse a trabajar y sacar adelante un proyecto que funcione.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Está teniendo reflejo esta existencia de una mayor cantidad de músicos en forma de más conciertos fuera de Galicia y un mayor intercambio entre los músicos de igual a igual (no de profesor a alumno) tanto de Galicia como de otras regiones? ¿O es, por el contrario, un proceso que corre el riesgo de ser puramente endogámico?

PACO CHARLÍN: La situación de profesor a alumno cambia por completo cuando te subes al escenario. Encima del escenario no te avalan ni las colaboraciones que hayas hecho, ni los títulos de papel, ni las master classes. O tocas o te pones en el público a escuchar o criticar, como prefieras. Los grupos y músicos que hay en Galicia están saliendo fuera a tocar con sus formaciones o de manera individual. Esto ya es una realidad que no hace falta repetir más, a no ser que no se quiera ver. El riesgo que puede aportar todo ello va a ser siempre en beneficio de los músicos de Galicia y su formación y nunca al contrario: pensar de otra manera no tiene lógica.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Cómo ves el panorama actual en España en cuanto a la posibilidad de tocar en vivo?

PACO CHARLÍN: Ese tema está en manos de los programadores. Los músicos españoles hacen lo posible para poder tocar y entrar en los circuitos ya cerrados o exclusivos para otro tipo de músicos. Algunos críticos tampoco ayudan mucho que digamos en esta labor: se pasan de vez en cuando a ver tocar un grupo español y cuando lo hacen te puedes esperar cualquier cosa en sus críticas. A partir de ahí los programadores hacen sus cuentas.
Es una tarea difícil que nunca se acaba. Si la realidad fuese de otro modo esta pregunta pasaría a la historia, pero ten por seguro que se seguirá preguntando. Tampoco entiendo por que no hay mas grupos españoles en los festivales si en muchos casos sus cachés no se acercan ni al 50% del de un grupo de afuera. Pues ni con esas.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: Insistiendo en lo que comentabas, un tema que surge habitualmente es el relativo al nivel de los músicos españoles. Quizás sería apropiado preguntar a un músico español sobre los periodistas: ¿cómo ves el nivel del periodismo sobre jazz en España?

PACO CHARLÍN: La verdad es que no sé cómo está el nivel de los críticos en España. Lo que veo es que pegan unos hachazos de muerte, sobre todo a los músicos españoles, a los que no se les hace ni caso. Creo que falta muchísima humildad a la hora de escribir y pensar un poco más en positivo. No me cabe en la cabeza que se escriba sobre un disco de Wayne Shorter o de Greg Osby y lo quemen con gasolina. Pero no te voy a contar qué pasa con la gente nueva o de este país. A todo esto, muchos críticos pagan las consecuencias de otros y la fama que les rodea no goza de muy buena salud.

©José Francisco “Pachi” Tapiz, Tomajazz, 2006