Annie Ross. La Odisea de la Música Afroamericana (179) [Podcast]

Por Luis Escalante Ozalla.

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor de los libros Nueva Orleans (1717-1917): Sexo, Raza y Jass y Y se hace música al andar con swing.

En el capítulo 179 de La Odisea de la Música Afroamericana Luis Escalante Ozalla repasa (sin llegar a finalizarla), la carrera de la cantante (y también actriz) Annie Ross. Aparte de su trabajo en solitario, la escuchamos junto a Gerry Mulligan, Count Basie y también como integrante del grupo Lambert, Hendricks & Ross, uno de los grupos más importantes del género conocido como Vocalese.

En el programa 179 suenan:

  • “Easy living” Kurt Elling
  • “A handful of songs” Annie Ross
  • “Love for sale” Annie Ross
  • “I feel pretty” Annie Ross & Gerry Mulligan
  • “It don´t mean a thing if it ain´t got that swing” Annie Ross & Gerry Mulligan
  • “Four brothers” Lambert, Hendricks & Ross
  • “Four brothers” Manhattan Transfer
  • “Blues backstage” Count Basie
  • “Blues backstage” Lambert, Hendricks & Ross
  • “Down for the count” Lambert, Hendricks & Ross
  • “Nature boy” Annie Ross
  • “What´s new” Annie Ross
  • “Spiritual companion” Roy Hargrove

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Luis Escalante_Y se hace musica al andar... con swing

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Roy Hargrove In Memoriam

 

David “Fathead” Newman was my first experience with improvisation. When I saw him play for the first time I realized that there is an importance of spontaneous music being made on the spot. It was so soulful and singing through his horn. So that’s how I was inspired early on.

Entrevista a Roy Hargrove por Baldwin “Smitty” Smith en JazzMonthly.com

Roy Hargrove (1969 – 2018)

Fotografía © Joan Cortès, 2018
Roy Hargrove / Roy Hargrove Quintet
29 Festival Jazz Terrassa
Domingo, 28 de marzo de 2010. Jornada en la que le hicieron entrega el premio anual del festival, el “Jazzterrasman”
Nova Jazz Cava
Terrassa (Barcelona)

 




365 razones para amar el jazz: un tema. Strasbourg-Saint Denis (Roy Hargrove) [150]

Un tema. “Strasbourg-Saint Denis” (Roy Hargrove)

Seleccionado por Mariche Huertas de la Cámara. Los motivos aquí

Incluido en Roy Hargrove QuintetEarfood (EmArcy, 2008)

 




Tomajazz recomienda… un CD: Reconstrucción (Sebastián Chames, 2013)

sebastian chames recosntruccionTanto buscar fuera cuando a veces la calidad está en casa. Madrileño de adopción, el pianista argentino Sebastián Chames cruzó el charco hace unos meses para grabar un discazo de hard-bopcon algunos de los mejores músicos de la escena neoyorquina. Utilizando la formación clásica de quinteto con trompeta y saxo (en este caso alto), Chames cede las melodías de sus originales a Jeremy Pelt y Justin Robinson (habitual de las bandas de Roy Hargrove), escudándose en la poderosa sección rítmica compuesta por el batería Willie Jones III y el contrabajista Dwayne Burno, recientemente fallecido. Las composiciones son compactas y fieles al estilo, y tanto la escritura como la sonoridad de la banda recuerda a la de los quintetos de Terence Blanchard. La cantante Earth Godessa y el tenorista Eric Wyatt aparecen como invitados en un disco cuyo líder se recluye en un voluntario segundo plano para dar cancha al plantel estadounidense. Sabio planteamiento, buenos resultados.

© Adolphus van Tenzing, 2014

Sebastián Chames – Reconstrucción (Youkali Music 047)




Raynald Colom: un músico curioso e impaciente. Entrevista por Juanma Castro Medina

Raynald Colom es uno de los músicos más reputados de nuestro país, que ha conseguido traspasar nuestras fronteras y tocar con los más grandes. Posee un estilo, para mí, único, con el que filtra todas sus influencias sonoras, creando algo personal, intransferible y reconocible. Es un artista, en el más amplio sentido de la palabra, y un músico total, que ha jugueteado con el flamenco, con el hip hop y otros muchos estilos, como si de un prestidigitador se tratara, y sin dejar de acompañar a músicos tan diversos como Manu Chao o La Tremendita. Cuando empezó su carrera internacional, nos enorgullecíamos de que Raynald acompañara a grandes figuras. Hoy, son otros los que se enorgullecen de que sus músicos toquen con él. Pero ese gran talento, esa gran talla como músico, queda ensombrecido cuando se compara con el Colom persona. Ante nosotros tenemos a un tipo amable, abierto, cálido y ante todo humilde, que parece no dar importancia a todo lo que ha conseguido. Desde aquí le quiero dar las gracias por acceder a darnos esta pequeña entrevista y decirle que nos tiene a su entera disposición cuando quiera y para lo que quiera. Os dejamos con Raynald Colom.

01_RAYNALD COLOM (©Joan Cortès)_27feb14_Nova Jazz Cava_Terrassa

Juanma Castro Medina: Bien, vamos a empezar fuerte ¿Quién es Raynald Colom?

Raynald Colom: ¡Pues yo también me hago esta pregunta muchas veces! Diría, con perspectiva, que soy alguien con mucha curiosidad, impaciente para muchas cosas pero sobre todo, buscando una manera de expresarme y de momento la música me ayuda a hacerlo.

Juanma Castro Medina: Musicalmente hablando, qué ha cambiado en Raynald, desde su primer disco como líder hasta hoy.

Raynald Colom: Mmm…muchas cosas, creo que ya no tengo la necesidad de demostrar quién soy de cara afuera. Me tomo la música con mucha más seriedad gracias a las hostias que he recibido y gracias a los músicos con quien he podido tocar. Últimamente estoy escuchando mucho a gente como Wadada Leo Smith, Andrew Hill o Richard Muhal Abrams. Estuve un tiempo tocando en un grupo de Aruan Ortiz y Michael Janisch donde también estaba Greg Osby. Giramos bastante con este grupo los últimos 3 años. Allí me di cuenta que tenía que expandir mi oído a nivel armónico y rítmico y tener mucho más control técnico para poder “tirarme a la piscina“ mucho más. Así que ahora mismo estoy trabajando estas cosas. También el hecho de ser padre es un gran cambio.

Juanma Castro Medina: He podido leer que defines la música que haces como “Música Negra Norteamericana”, y no jazz. ¿Nos puedes contar la diferencia?

Raynald Colom: Es más bien una manera de decir de dónde vengo, musicalmente hablando. La palabra fue inventada por gente que estaba fuera de la música y muchas veces se niega la raíz de esta música que es Afroamericana. A partir de allí la definición de la música que hago es irrelevante: soy un tío nacido en Francia con raíces catalanas, viviendo en Barcelona, tocando música de otra cultura y colaborando con músicos flamencos, músicos de tango pasando por hip hop… así que como puedes ver lo de la definición sería un dolor de cabeza. Recomiendo el libro Notes and Tones de Art Taylor. Ayuda a entender por que la palabra jazz siempre ha sido polémica.

Juanma Castro Medina: En otras declaraciones, allá por 2008, decías lo siguiente: “El flamenco es el futuro, el jazz está quemado”. ¿Sigues pensando lo mismo hoy? ¿Por qué?

Raynald Colom: A ver, esto fue un titular que salió en un artículo que estaba totalmente fuera de contexto. Lo que veo, desde mi punto de vista, es que el academicismo en el jazz ha cortado los lazos con las raíces, o más bien, ya no hay tanta comunicación entre la “vieja guardia” y los músicos más jóvenes, porque salen directamente de la universidad con proyectos propios y queriendo liderar bandas sin tener experiencia con los mayores. Cuidado, no digo que esté mal pero echo de menos el pasar el oficio de “padre a hijo” como sigue pasando en el flamenco. El sentido de comunidad se ha perdido por el camino, pero siguen saliendo tremendos músicos jóvenes como Lluc Casares o Joan Terol. Tío, me acuerdo de los años que pase en el sextet de Perico [Sambeat], eso fue una parte muy importante en mi educación musical. Lo que decía Perico iba a misa y de allí aprendí mucho sobre el oficio, seriedad a la hora de tocar, etc., aunque Perico piense lo contrario. [risas].

02_RAYNALD COLOM (©Joan Cortès)_06mai14_Jamboree_Barcelona

Juanma Castro Medina: ¿Qué tal se lleva la etiqueta de ser el Miles Davis catalán?

Raynald Colom: Me parece una gilipollez enorme, es la necesidad que tienen los medios de comparar por falta de conocimiento. Las etiquetas son odiosas y creo que hacen un flaco favor al artista para que pueda crecer. Miles es La Referencia, pero ante todo soy Raynald con lo bueno y con lo malo. También me hace reflexionar: algo mal estaré haciendo, por lo tanto tengo que trabajar mucho más en encontrar mi sonido. Así que tiene lo bueno y malo

Juanma Castro Medina: El músico de jazz, ¿nace o se hace?

Raynald Colom: El músico (jazz o no jazz, da igual) nace por el amor a la música, pero creo que sobre todo se hace a base de trabajo siempre basado en el amor a este oficio.

Juanma Castro Medina: ¿Qué músico ha influido más en tu carrera, con cuál trabajarías perpetuamente y cuál es el más divertido encima de un escenario.

Raynald Colom: Man, la lista es muy larga, desde mi Padre, Philippe Colom, a los músicos con quienes toco actualmente. Considero mis mentores a Horacio Fumero y Jesse Davis que han estado siempre conmigo desde el principio, y cuando me asaltan dudas son las personas a las que llamo. Otras personas son Logan Richardson o Aruan Ortiz: tocar con ellos es súper estimulante para seguir empujando en nuevas direcciones sin miedo. Marc Ayza y Tom Warburton que son como familia. En cuanto a los músicos más divertidos con quienes he tocado, te diría que con Marcelo Mercadante o Chicuelo siempre te lo pasas bien dentro del escenario y fuera de él.

Juanma Castro Medina: ¿Cómo fue estudiar con figuras como Wynton Marsalis, Roy Hargrove o Kenny Barron? ¿Qué has podido extraer de cada uno?

Raynald Colom: De Wynton te diría que el rigor; Roy es el sonido y el blues; y Barron es como beber directamente de la fuente.

Juanma Castro Medina: ¿Cómo ves el panorama jazz en nuestro país?

Raynald Colom: Esta pregunta me la hacen siempre y nunca se cómo responder, creo que solo pondré unos nombres y que cada uno saque sus conclusiones: Perico Sambeat, Jorge Rossy, Carlos Benavent, Horacio Fumero, Chano Domínguez, Abe Rábade, Gorka Benitez, David Xirgu, Javier Colina, Antonio Serrano, etc.

Juanma Castro Medina: ¿Qué debería tener el jazz para ser una música más mayoritaria, por lo menos en nuestro país?

Raynald Colom: ¿Por qué el jazz tiene que mayoritario? No tiene ningún sentido tener que competir con el pop o con otros estilos. Quizás un poco de industria de verdad ayudaría bastante. El francés seria el modelo a seguir.

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Juanma Castro Medina: ¿Qué opinas sobre la eliminación de la asignatura de música de la enseñanza primaria de la Comunidad de Madrid?

Raynald Colom: Cualquier recorte en educación es retrasar diez – quince años un país con respecto a los otros.

Juanma Castro Medina: ¿Es posible protestar y patalear, ante el panorama que tenemos, con una trompeta?

Raynald Colom: El músico es alguien que pone en duda todo lo que hace para crecer musicalmente. Si utilizas ese concepto en tu vida diaria, te respondo: ¡sí!

Juanma Castro Medina: Por cierto, ¿por qué elegiste la trompeta y no el clarinete, instrumento que toca tu progenitor?

Raynald Colom: Empecé con violín a los 4 años y no me gustaba mucho. Un día mi viejo trajo una trompeta a casa y… hasta hoy.

Juanma Castro Medina: Te lo voy a poner difícil: ¿qué le evoca (Evocación, 2009) a Raynald Colóm la sublevación (Rise, 2012) en menos de 51 minutos (My 51 minutes, 2004)? No admitimos como contestación el Groove (Sketches of Groove, 2007).

Raynald Colom: Vivimos un época difícil, hay que reafirmase como persona y colectivo a base de conocimiento. Pero sobre todo no tener miedo.

Juanma Castro Medina: ¿Con cuál de tus discos estás más satisfecho?

Raynald Colom: Con ninguno y todos a la vez, siempre podría estar mejor técnicamente o el sonido o muchas variables más, pero al fin y al cabo son fotografías de un día concreto en un entorno concreto con músicos concretos. Esto es lo que valoro más. Siempre grabo en directo y con pocas tomas, con lo bueno y lo malo…

Juanma Castro Medina: Tengo un serio problema, a ver si me puedes echar una mano. La cuestión es la siguiente: he podido constatar que en muchos medios te califican a ti y a tus discos como fusión. Yo, por mucho que escucho tus álbumes, no me suenan a fusión para nada, aunque sí mezclas muchos estilos. ¿Qué opinas sobre esto? ¿Me puedes resolver el problema?

Raynald Colom: Es lo que te he comentado antes, hay una necesidad de definir al artista por parte de los medios y los sellos. Tienen que empaquetar el producto con un nombre para poder venderlo, no tengo nada que objetar con esto. También la palabra “fusión” es a mi entender de los ochenta, con guitarra eléctrica y mucho teclado, cosa que no suele haber (de momento) en mis discos.

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Juanma Castro Medina: ¿Por qué el hip hop?

Raynald Colom: ¿Por qué Coltrane? ¿O por qué Louis Armstrong? Son diferentes ramas del mismo árbol. Es la evolución natural y social de la misma música. Cuando escucho a Flying Lotus o WTC oigo las raíces de esta música.

Juanma Castro Medina: Es común pensar que los sellos discográficos grandes cohíben al artista, mientras que los pequeños dejan más margen al autor. ¿Cuál ha sido tu experiencia al respecto?

Raynald Colom: Hasta ahora nunca he tenido problemas porque siempre he producido mis discos y después he licenciado los masters, por lo tanto el disco ya estaba hecho cuando el sello lo compró.

Juanma Castro Medina: Y hablando un poco de todo, ¿te has mojado ya por la ELA?

Raynald Colom: No

Juanma Castro Medina: Hemos visto que recientemente luces un cuero cabelludo limpio de polvo y paja. Hay quien defiende (no soy yo uno de ellos) que los cambios de look radicales van unidos a un cambio en lo personal, un poco como hacer borrón y cuenta nueva. ¿Es tu caso? ¿Seguirás usando esas gorras y sombreros que tanto me gustan y que, por cierto, también uso? (Se aceptan donaciones).

Raynald Colom: [Risas] Pues no creo. Pero sigo llevando gorras y sombreros

Juanma Castro Medina: Y para terminar con este tema estético… ¿Eres consciente, que en esto del jazz, ya sólo quedan dos caras guapas, la tuya y la mía? O sea, ¿crees que nuestro estilo tan cool nos ha podido abrir puertas en el pasado y ayudarnos en el futuro?

Raynald Colom: Lo único que puedo decir es que hay que ir bien vestido sobre un escenario. ¡Cuidado!, no digo que hay que ir de traje, pero sí cuidar la imagen por respeto al público que paga una entrada por verte. Aparte de que mirando fotos de mis ídolos siempre van impecables.

05_RAYNALD COLOM (©Joan Cortès)_07jun13_Jamboree_Barcelona

Juanma Castro Medina: Un músico de un talento y de una talla pública como la tuya ¿puede hablar de política? Si la respuesta es afirmativa ¿qué opinas de la aparición de un partido político como Podemos en la escena política española?

Raynald Colom: No me importa hablar de política. A ver, Podemos es necesario para salir del bipartidismo al que llevamos sometidos los últimos treinta y tantos años. Hay que ver cómo evolucionan… si consiguen que se vayan a la mierda los que están en el poder ahora mismo, pues perfecto… algún día, haciendo zapping, puse TVE y le quité el color a la tele: solo faltaba la canción del NODO, con eso te lo digo todo.

Juanma Castro Medina: Hay un apocalipsis zombie y eres uno de los pocos supervivientes. Ves que una de las mejores tiendas de música del mundo está a tu entera disposición. ¿Qué disco trincarías primero?

Raynald Colom: Creo que ninguno…

Juanma Castro Medina: ¿Cual es tú proyecto más inmediato?

Raynald Colom: Pues ahora mismo me pillas escribiendo para unos conciertos que haré en noviembre con la banda sinfónica de Montevideo, Uruguay. Si todo va bien, estaremos de gira con mi Large Ensemble “the Re-fugees” el próximo verano por Europa.

Juanma Castro Medina: Si el Cielo existe… y te encontraras a dios en la puerta, ¿qué te gustaría que te dijera al llegar?

Raynald Colom: Ni idea, lo sabré cuando llegue. ¡Si es que me envían allí! Pero al no ser cristiano no me importa mucho.

Juanma Castro Medina: ¿Cuál es la pregunta que siempre has esperado que te hagan en una entrevista, pero que nunca te han hecho?

Raynald Colom: La sigo esperando… [Risas]

Juanma Castro Medina: Tienes este último espacio a tu entera disposición. Expláyate y di todo lo que este humilde periodista sin titulación (por suerte) no te ha podido extraer.

Raynald Colom: Darte las gracias.

Entrevista: © Juanma Castro Medina, 2014
Fotografías: © Joan Cortès, 2014




Sonny Rollins: Road Shows. Volume 3 ( Doxy Records, 2014)

Sonny Rollins Road Shows Vol 3‘Doxy’ vivió su primera grabación en junio de 1954, en el transcurso de una gloriosa sesión que acabaría traducida en un célebre disco de Miles Davis, Bag’s Groove, y durante la cual su propio autor, Sonny Rollins, la interpretaría codo a codo con el genial trompetista y con los no menos imprescindibles Horace Silver, Percy Heath y Kenny Clarke. Aquel disco albergaría otras dos composiciones más de Rollins, ‘Airegin’ y ‘Oleo’, a las que la eternidad ya ha hecho también un hueco en su seno. ‘Doxy’ ha amasado  condición de clásico con el tiempo y ha sido objeto de atención por parte de músicos de todos los tiempos. Rollins ha echado mano del nombre para bautizar también su propio sello bajo cuyo auspicio ha grabado Sonny, Please (2006), su último álbum de estudio, y la serie ‘Road Shows’. Esta última, suma de música en directo, abarca ya tres entregas, la primera de las cuales data de 2008 y hace acopio de actuaciones de Rollins a lo largo de las tres últimas décadas y la segunda quedó fechada en 2011 y nutrida por algunos de los momentos de los conciertos del ‘colossus’ en 2010, sobre todo del que llevó a cabo en el Beacon Theatre de Nueva York en mayo de aquel año y en el que participaron nombres de la entidad de Ornette Coleman (absolutamente inolvidable el tema que comparten juntos los dos mitos, ‘Sonnymoon for two’, junto a Christian McBride y Roy Haynes), Jim Hall o Roy Hargrove, entre otros. El tercer capítulo de la saga acaba de aparecer, incluye seis temas, registrados en Japón, en las localidades francesas de Toulouse, Marsella y Marciac y también en St. Louis  entre 2001 y 2012, y sigue haciendo hincapié, como en el resto de la serie, en la facilidad del maestro para el directo, en su indiscutible capacidad, cuando se ausenta del estudio, para la extracción del matiz, en su magistral convicción durante el ejercicio de la improvisación.

Sonny Rollins anda ahora mismo por los 84 años. Lleva oficiando su magisterio desde hace seis décadas y media y ratificando continuamente su condición de leyenda. Su estilo, sometido al virtuosismo del que siempre ha hecho gala, destaca por su calidad como improvisador, por conferir a su música una personalidad propia que huye del resquicio o la duda, por hacer de la libertad creativa su principal seña de identidad. Es un especialista en riesgos, en caminar sobre el alambre sin red, en descifrar las claves que le desvelen la salida de los laberintos en los que voluntariamente se cuela. Su pericia es objeto de demostración permanente  en los seis temas del tercer volumen de ‘Road Shows’. Resultan incuestionables las facultades de Sonny Rollins en la travesía emprendida por él y de la que da testimonio esta grabación. No es fácil buscarle cosquillas a un álbum que abunda en la solvencia y que queda encarado hacia la eficacia gracias a la autoridad de un Sonny Rollins incontestable y a la interacción estrecha que sostiene con el resto de los músicos. También, resulta realmente destacable la participación de Bob Cranshaw. No hay intérprete que conozca mejor al ‘colossus’. No en vano, se juraron fidelidad hace ya cincuenta años y a ella se han entregado con devoción. El contrabajista, también octogenario y al que alimenta una trayectoria de auténtico privilegio, ha sido el compañero de faenas ideal del saxofonista nortemaricano y el guía que ha sublimado el talento de este. En este disco participa en la media docena de temas. Con rigor, con suficiencia. Constituye otro de los grandes alicientes de un álbum realmente atractivo que incluye una composición inédita, ‘Patanjali’, dedicada a un maestro yoga, disciplina que cultiva Rollins, quien, por supuesto y en este disco, asume de manera rotunda su condición de líder y maestro de ceremonias a lo largo y ancho de una propuesta que le rinde constante reverencia. Quizás el momento más impactante de todo el disco lo constituya ‘Why Was I Born?’, adaptación de una reputadísima composición de Kern y Hammerstein II que supera los veinte minutos. La conoce de sobra y al detalle. Otra versión de este aplaudido tema, incluida en su disco en vivo (un género que domina como nadie y del que es maestro y señor) Without a Song: The 9/11 Concert, le hizo merecedor en 2006 de un Grammy. El contagioso entusiasmo impuesto a la canción se convierte en sostén fundamental de un trabajo muy bien armado en el que destacan, sobre todo, el guitarrista Bobby Broom, el baterista Steve Jordan y, por supuesto, el saxo tenor de Sonny Rollins. También hay mucha energía y chispa en ‘Don’t Stop The Carnival’, que, con aroma de calypso (otro género que Rollins ha glorificado), ya ha devenido en tradición en el repertorio del saxofonista. Atractivos también son el poso funk de ‘Biji’ o las facultades de Rollins para atrapar toda clase de emociones en ‘Someday I’Fill Find You’ con la complicidad de las percusiones de Kimati Dinizulu. El título del tercer tema del álbum, ‘Solo Sonny’, es realmente expresivo. Rollins se pone manos a la obra y se arranca con un larguísimo solo (otra de sus grandes virtudes) de ocho minutos que da satisfacción a sus seguidores y engrandece su leyenda. Sonny Rollins está en el disco, en cada uno de sus rincones, en cada uno de los instantes que guarda. Y eso ya es motivo suficiente para no perderlo de vista y tenerlo siempre a mano.

© L. Castellanos, 2014

 

Sonny Rollins: Road Shows. Volume 3

Músicos: Sonny Rollins: saxo tenor; Bob Cranshaw, bajo; Clifton Anderson, trombón; Stephen Scott, piano (1); Bobby Broom, guitarra (2, 4, 5), Peter Bernstein, guitarra (3,6); Perry Wilson, batería (1); Victor Lewis, batería (2); Kobie Watkins, batería (3, 4, 6); Steve Jordan, batería (5); Kimati Dinizulu, percusión (1,2,5); Sammy Figueroa, percusión (3, 4, 6)

Temas: “Biji”; “Someday I’ll Find You”; “Patanjali”; “Solo Sonny”; “Why Was I Born?”; “Don’t Stop The Carnival”

Publicado en 2014 por Doxy Records.




El jazz por Álex García (mini-exposición fotográfica)

Álex García no sólo es el creador e impulsor de JazzTK. También es un fotógrafo de jazz. Como complemento a su entrevista con motivo de las cuatrocientas entradas en su web, publicamos la mini-exposición El jazz por Álex García. Que ustedes lo disfruten.

Eva Cortes

Eva Cortés

Joan Chamorro y Andrea Motis

Joan Chamorro y Andrea Motis

Perico Sambeat

Perico Sambeat

Raynald Colom

Raynald Colom

Roy Hargrove

Roy Hargrove

Xan Campos

Xan Campos

Fotografías: © Álex Sánchez, 2014




Marcus Miller: A Night In Monte-Carlo (Dreyfus Jazz, 2011)

Marcus Miller ya no sabe qué hacer para que su propuesta de siempre suene fresca. A fuerza de trabajo e imaginación lo consigue, como demuestra en este directo registrado a finales de 2008 en el Festival de Jazz de Monte-Carlo. ¿El truco? La presencia de la orquesta filarmónica de la capital del Principado de Mónaco.

Miller no renuncia en absoluto a su sabor funk habitual. No para de hacer slap y, a pesar de aparecer en primera línea, forma una rítmica firme con el batería Poogie Bell y el teclista Federico González Peña. Por si el contraste fuera poco, la presencia de DJ Logic al tocadiscos aporta al conjunto un toque entre bizarro e interesante.

El inicial “Blast!” deja sentadas las bases de lo que está por venir. En “So What” Miller arregla para orquesta la introducción que el pianista Bill Evans escribiera para Kind Of Blue. El bajista pasa a segundo plano y deja improvisar al resto de la banda, mientras vientos y cuerdas aportan pinceladas a modo de background. Miller se dedica a encadenar citas en su solo.

Parte de la variedad del disco no tiene que ver, curiosamente, con la orquesta, sino con la presencia de dos colaboraciones de lujo: la del cantante Raúl Midón (que aporta su original “State Of Mind”) y la del trompetista Roy Hargrove. Midón aporta un cambio de contexto donde su voz repleta de matices y el sonido pastoso de su guitarra acústica dan descanso al protagonismo del líder. Hargrove ofrece dinamismo y contundencia interpretativa.

El repertorio mezcla clásicos intemporales de Gershwin o Jimmy Dorsey con clásicos del propio Miller como “Amandla” o “Your Amazing Grace”. El séptimo corte del CD presenta un contexto divertido, mezclando a Puccini con Jorge Ben. Miller “canta” con su bajo “O mio babbino caro”, aria de la ópera Gianni Schicchi. Después Midón y Hargrove se enzarzan en un juego de pregunta y respuesta sobre el ritmo de bossa nova de “Mas que nada”.

De postre, una versión de estudio del “Strange Fruit” que popularizara Billie Holiday, y que ha formado parte del ideario de Marcus Miller desde hace años. Como es habitual, lo interpreta al clarinete bajo. El invitado de lujo y guinda del pastel, en este caso, el mismísimo Herbie Hancock.

Arturo Mora Rioja
Marcus Miller: A Night In Monte-Carlo
Composiciones: “Blast!”, “So What” (Miles Davis), “State Of Mind” (Raúl Midón), “I Loves You Porgy” (George Gershwin, Ira Gershwin & DuBose Heyward), “Amandla”, “I’m Glad There Is You” (Jimmy Dorsey & Paul M. Mertz), “O Mio Babbino Caro / Mas que nada” (Giacomo Puccini / Jorge Ben), “Your Amazing Grace”, “Strange Fruit” (Lewis Allen)

Todos los temas por Marcus Miller, excepto donde se indica.

Músicos: Marcus Miller (bajo eléctrico, clarinete bajo y más instrumentos), Roy Hargrove (trompeta), Raúl Midón (voz, guitarra), Alex Han (saxo alto), DJ Logic (tocadiscos), Federico González Peña (piano, teclados y percusión), Poogie Bell (batería) y la Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo dirigida por Damon Gupton. Con la colaboración de Herbie Hancock (piano) en “Strange Fruit”.

Grabado en el Festival de Jazz de Monte-Carlo (Mónaco) el 29 de noviembre de 2008.
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Take 6 – The Standard (

Primer disco de Take 6 para el sello Heads Up. En The Standard el sexteto vocal brilla con poderío e intenta huir de la teórica monotonía del formato gracias a una cierta variedad estilística y, sobre todo, a la inclusión de colaboradores de lujo. Si el clásico “Sweet Georgia Brown”, que abre el CD, camina con un swing contagioso a pesar de no contar con instrumento alguno (solo las voces de los seis cantantes), el gershwiniano “Someone To Watch Over Me” aborda sonoridades pop conducidas por la voz de Shelea Frazier y la presencia de teclados, guitarra, bajo y batería. Entre los invitados estelares se encuentran George Benson (“Straigthen Up And Fly Right”), Roy Hargrove (“Someone To Watch Over Me”) y Aaron Neville (“Do You Know What It Means To Miss New Orleans”), y el humor aparece en “Bein’ Green” (“siendo verde”), divertida reivindicación racial a cargo del mismísimo Kermit (la rana Gustavo de Barrio Sésamo), que se pregunta si llegará el día en que el Presidente de los Estados Unidos sea verde.

Lo mejor: la presencia de Jon Hendricks y Al Jarreau en “Seven Steps To Heaven”, con el solo de Miles Davis interpretado en vocalese. El trompetista alemán Till Bronner también hace sus pinitos al fiscorno. Lo peor: el “A Tisket A Tasket” de Ella Fitzgerald con los Take 6 codeándose con la voz pre-grabada de la cantante, como ya hicieran hace años Natalie Cole con su padre o Kenny G con Louis Armstrong, en lo que Pat Metheny calificó como “necrofilia musical”.

 

Arturo Mora Rioja

Composiciones: “Sweet Georgia Brown” (Maceo Pinkard, Kenneth Casey Sr. & Ben Bernie), “Straighten Up And Fly Right” (Nat King Cole), “Seven Steps To Heaven” (Miles Davis & Victor Feldman), “Windmills Of Your Mind” (Alan Bergman, Marilyn Bergman & Michel Legrand), “Someone To Watch Over Me” (George Gershwin & Ira Gershwin), “Grace (Pre-Prise)” (Quency Jones & Jeremy Lubbock), “Back To You” (Claud McKnight & Victoria Venier), “A Tisket A Tasket” (Ella Fitzgerald & Van Alexander), “Bein’ Green” (Joe Raposo, Patricia Collins Sarnoff, Elizabeth Collins Raposo, William Andrew Raposo, Joseph Raymond Raposo & Nicholas Anthony Raposo), “Do You Know What It Means To Miss New Orleans” (Louis Alter & Edgar DeLange), “What’s Going On” (Renaldo Benson, Al Cleveland & Marvin Gaye), “Shall We Gather At The River” (Robert Lowry), “Grace” (Quincy Jones & Jeremy Lubbock)

Músicos: Claude McKnight, Mark Kibble, David Thomas, Joey Kibble, Alvin Chea (voz) y Cedric Dent (voz, piano, teclados), con George Benson (voz, guitarra eléctrica), Jon Hendricks, Al Jarreau, Shelea Frazier, Ella Fitzgerald, Aaron Neville (voz), Till Bronner (fiscorno), Roy Hargrove (trompeta), Miles Robertson (teclados, Fender Rhodes), Mark Bowers (guitarra), Mark Kelley, Jamaal Andrews (bajo), Butter, Jimmie “JJ” Hodges Jr. (batería), Khristian Dentley (instrumentos misceláneos)

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ROY HARGROVE QUINTET. Ciclo 1906. Teatro Principal (Santiago de Compostela, A Coruña).

Con la casa abarrotada hasta la bandera (y doy fe de ese aforo porque desde allí, encaramado en lo más alto de su mástil, disfruté de la velada) el quinteto de Roy Hargrove abrió el regalo inaugural de esta nueva edición del Ciclo 1906. El exquisito control del volumen fue la primera baza con la que el trompetista conquistó al respetable. Su soplido suave y muy bajito, en contraste con el discurso más enérgico del saxofonista Justin Robinson, le aseguraba una mayor atención por parte del público –concentrado en no perderse ni una sola de sus notas–, al tiempo que le permitía utilizar el recurso de aumentar el volumen por sorpresa para subrayar los momentos significativos. En esa dinámica desconcertante pero efectiva también pulula su lenguaje, que reconcilia el cool y el bebop en frases elegantes y precisas, contentando por igual a los seguidores de ambos estilos. El repertorio podría parecer abigarrado si tenemos en cuenta que en la coctelera cupieron hard bop, bolero, samba, baladas, soul… pero resultó muy coherente y empastado en la estética planteada por el líder, quien llegó al tuétano del asunto al empuñar el fiscorno en el tema interpretado a cuarteto. Sin salirse ni una coma del guión, el pianista Sullivan Fortner imprimió una importante estela de originalidad durante todo el concierto. Sus ideas, sus improvisaciones en bloques de acordes o siguiendo patrones rítmicos, su mano izquierda huyendo de las apoyaturas armónicas obvias para dibujar líneas melódicas etc nos descubrieron al músico más creativo sobre el escenario, a pesar de haberse sumado a las filas de Hargrove a última hora. Se echaron en falta, en cambio, más arreglos en el ensamblaje entre trompeta y saxo, máxime cuando la disparidad entre ambos hubiese reportado mucho color y la ilusión de la sonoridad de las big bands. Evidentemente eran otros los intereses del líder: un planteamiento sencillo, casi desnudo, con los correspondientes espacios reservados para los solos y pocas sorpresas en la estructura. Un clásico.

Texto © 2011 Quinito L. Mourelle

Fecha: 18 de marzo de 2011.

Lugar: Teatro Principal (Santiago de Compostela, A Coruña).

Componentes:

Roy Hargrove: trompeta, fiscorno
Justin Robinson: saxo
Sullivan Fortner: piano
Ameen Saleem: contrabajo
Montez Coleman: batería