Malditos Jazztardos… Nels Cline (Wilco) y Sonic Youth (009) [Podcast]

En Malditos Jazztardos #9, la visita que Nels Cline (imprescindible guitarrista de jazz aunque más popular para el gran público como componente de Wilco), que realizaba de “Snare, Girl” de Sonic Youth en Lovers, el doble CD publicado en 2016 en el sello Blue Note.

© Pachi Tapiz, 2017

Malditos Jazztardos es un podcast de jazz… para quienes no saben que les gusta el jazz.

Malditos Jazztardos está editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.




24 Festival D’Altitude Jazz À Luz (y III): Electric Vocuhila, PIAK, Heretics, KAZE (Luz Saint-Sauveur, Francia. 2014-07-14)

24 Festival D’Altitude Jazz À Luz
Luz Saint-Sauveur, Francia

Electric Vocuhila

  • Fecha: Domingo, 13 de julio de 2014
  • Lugar: Club Maison de la Vallée
  • Componentes:
    Maxime Bobo, saxo alto, soprano y teclados
    Boris Rosenfeld, guitarra
    François Rosenfeld, bajo y percusión
    Etienne Ziemniak, batería

PIAK

  • Fecha: Lunes, 14 de julio de 2014
  • Lugar: Club Maison de la Vallée
  • Componentes:
    Bertrand Fraysse, batería
    Julien Gineste, saxo alto y tenor
    Florian Nastorg, saxo y barítono

Heretics

  • Fecha: Lunes, 14 de julio de 2014
  • Lugar: Chapiteau
  • Componentes:
    Anne-James Chaton, voz y electrónica
    Andy Moor, guitarra
    Thurston Moore, guitarra y voz

KAZE

  • Fecha: Lunes, 14 de julio de 2014
  • Lugar: Chapiteau
  • Componentes:
    Satoko Fujii, piano
    Peter Orins, batería
    Christian Pruvost, trompeta
    Natsuki Tamura, trompeta

Comentario:

Anunciados a las 00:00, Electric Vocuhila empezaron su actuación con un retraso bastante más allá del denominado de cortesía. Rock-funk-jazz, de líneas repetitivas, urbanas, con sugerencias hipnóticas y referencias a dos Colemans, Ornette y Steve.

 

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Ritmo marcado, persistente y musculado, que desde el primer momento invitaba al baile, especialmente para los más jóvenes. Un cuarteto formado por el saxofonista, Maxime Bobo, que en algunos pasajes simultaneó el alto con el soprano (éste sujetado mediante cinta americana) y también a los teclados, con los gemelos Rosenfeld, Boris a la guitarra y François desdoblándose al bajo y a los bongos, más el percutir persistente, sin desfallecimiento, de Ziemniak.

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Ambientados con una luz casi inexistente, pobre y mediocre, y un volumen excesivo (suerte, para uno, de los tapones moldex que absorbían lo suyo). Con el público muy cercano, apenas a medio metro de los músicos, aunque una parte considerable de los asistentes estaban más para ir de un lado a otro, la cháchara sin miramientos y las cervezas. Problemas asociados a los asientos inexistentes.

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Cabe decir que contaron con la escucha atenta de una buena parte de los miembros de la Orchestre National de Jazz (después de su excelente y potente actuación de hacía pocas horas).

Un cuarteto que resultaría interesante escucharlo en unas condiciones mucho más idóneas.

Después de un buen descanso nocturno, a las once de la mañana, en el mismo club de la Maison de la Vallée, aunque estaba anunciado en el auditorio del mismo edificio -con una comodidad y sonoridad manifiestamente superior-, se presentó la propuesta del trío PIAK.

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Dos saxofonistas y un batería, una formación sin instrumentos armónicos. Una batería antigua, con los platos sujetos con cintas y el bombo inmovilizado por su parte anterior por una pieza de cemento.

Una propuesta de improvisación, con sus buenas componendas rurales, dicho sin el menor tono despectivo, todo lo contrario, donde los dos saxos se iban intercalando los solos y las funciones del bajo. Temas de fuerte componente rítmica, de trazas primarias, como muy pegado al suelo, hecho que condicionaba la elaboración y evolución de las improvisaciones, todas desbocadas hacia la visceralidad.

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Se hubiera agradecido algún pasaje más tranquilo, con tempos más sosegados y variables, especialmente a nivel percusivo.

En algunos de los pasajes ofrecidos nos evocaron, salvando las correspondientes distancias, tanto musicales como conceptuales, al Oyate (Nato, 1990) de Tony Hymas y el Sacred common ground (Blue Note, 1995) del también pianista Don Pullen, desgraciadamente tan poco considerado en la actualidad.

 A les 18:30, en la carpa del Chapiteau, anunciados como “Guitar Poetry Tour” comenzó la actuación del trío “Heretics”, denominación sumamente explícita y a su vez en consonancia con el proyecto presentado. Formalizaron una actuación singular y en buena medida atípica.

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Una banda integrada por el guitarrista Andy Moor (miembro del grupo de rock holandés The Ex), el también guitarrista y vocalista Thurston Moore (componente del grupo estadounidense Sonic Youth) y el escritor, poeta sonoro y artista plástico francés Anne-James Chanton.

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La colaboración entre Chanton y Moor procede del 2003, posteriormente han colaborado en diversos proyectos, a dúo, trío o con el propio grupo The Ex. Algunos de estos proyectos han sido editados en CD o en Libro/CD/DVD por la editorial marsellesa Al-Dante (gestes & escritures indóciles).

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La actuación se inició con el dúo de guitarristas, en una improvisación de rock no alejada de la psicodelia, posteriormente se les añadió Anne-James, con su peculiar timbre de voz, grave, nítido, bien temperado y totalmente cautivador.

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Su voz, tal como la utiliza, aclara el concepto de poeta sonoro, binomio, que como especifica el propio poeta, no se ha de confundir con el de poesía oral. Una voz que sutilmente altera, distorsiona y reverbera, gracias a los usos electrónicos. Un juego entre el texto y la voz, la escritura y el sonido, el tempo, la cadencia, la entonación y los efectos. Textos que a su vez se aparejan con la poesía experimental y contemporánea.

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Un estimulante trabajo, con y entre “el qué y el cómo”, así como su interacción y retroalimentación. Un juego donde se manifiesta cierta querencia por la repetición, creando cadencias circulares que desprenden unas buenas dosis atmosferas hipnóticas.

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“…

T.S. Eliot, 1989 i

Dylan Thomas, 1989 Di

Ezra Pound, 1989 i

Gertrude Stein, 1989 i

William Carlos William, 1989 C

Wystam H. Auden, 1989 É

…”

 

Seis nombres de un extenso listado de autores, leído a buena velocidad, de forma neutra, como si estuviera pasando lista y añadiera en cada caso un calificativo.

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Anotemos un par de breves fragmentos correspondientes a otros poemas.

“…

que la solution interne est expulsée

que la porosité passe à 0’5

que la surface d’échange a une aire important

que le point d’appui du doigt est déterminé à moins de 1 millimètre

que le cathéter no s’obstrue pas

que la fonction de différents phonèmes en un même point de la chaîne est de différencier des unités significatives

… ”

 

“ …

à Rouen, Cleveland, Saint-Pétersbourg

J’ai vu des Saints méditant, écrivant,

Isaac, Pierre, André sacrifiés

l’enfant du roi de Bretagne au torse percé

 

à Syracuse, à Nancy, à Montserrat

J’ai vu Jesus capturé, couronné, flagellé

à la colonne, au verger,

le baiser de Judas, Thomas l’incrédule

… ”

 

Una de aquellas actuaciones que ha ido creciendo en la mente de uno, incluso variando el ángulo de visión.

 

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A las 21:30, en el mismo Chapiteau, se presentó el Grupo KAZE, formado por la pareja japonesa Satoko Fujii, piano, y Natsuki Tamura, trompeta, y los franceses Peter Orins, batería, y Christian Pruvost (trompetista que pudimos escuchar el día anterior formando dúo con Kristof Hiriart). Una formación bastante atípica.

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El grupo tiene un par de trabajos discográficos Rafale (2011) y Tornado (2013), ambos coeditados por el sello francés Circum-Disc y el japonés Libra. Circum nació en el año 2000, con el fin de promover el jazz de creación. En el 2010 se fusionó con Crime para formar el colectivo Muzzix, al cual pertenecen Pruvost y Orins. También es el sello que ha publicado los tres trabajos de la interesante Circum Grand Orchestra, los dos primeros con la participación de Olivier Benoit, actual director, compositor y guitarrista de la reciente ONJ. Libra Records es la discográfica, fundada en 1997, por Natsuki Tamura y Satoko Fujii, que entre otros proyectos forman parte del cuarteto Gato Libre con un temario sumamente melódico y donde la pianista solamente toca el acordeón.

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La propuesta del cuarteto discurre por un buen magma estilístico, desde el clásico con claras referencias contemporáneas hasta las músicas improvisadas, pasando por el jazz y el free-jazz más algunas pequeñas referencias orientales. En ocasiones las funden pausadamente, en otras optan por el corte radical sin solución de continuidad, aunque también las simultanean de forma paralela.

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Dos trompetistas de concepciones diferentes pero a su vez complementarios. Líneas líricas, frases jazzísticas, efectos, sonidos próximos a los zumbidos de un puñado de moscas o abejas, gruñidos y sonidos guturales. Un batería que aporta desde pequeñas sutilezas percusivas hasta la contundencia de un derribo inmobiliario, pasando por el desplome de la cacharrería de una cocina. Tiempos musculados y marcados, hasta las sugerencias más etéreas y atmosféricas. La pianista, Satoko Fujii –con una dilata discografía-, dejó muestras sobradas de sus notables cualidades, gustos y sensibilidades. Tanto acariciaba las teclas de su piano como se desbordaba por ellas, o por las cuerdas del arpa de su instrumento. Pulsaba y rasgaba. Jugaba con los silencios para acto seguido descargar una contundente masa sonora.

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Un cuarteto que en algunos de sus pasajes sonaba como una auténtica pequeña big band. Una actuación musicalmente rica, variada y contrastada, con saltos continuos y en ocasiones vertiginosos e imprevisibles, pero con una pega, la corta duración de su actuación, apenas unos cincuenta minutos. Encontramos a faltar, como mínimo, un par de temas más.

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Un buen cierre de Festival, que demuestra de forma fehaciente que se pueden realizar programaciones coherentes, arriesgadas y a su vez tener una buena respuesta por parte del público -una parte de él, nada desestimable, haciendo un buen kilometraje-. Un festival que ha cumplido su 24ª edición, fiel y coherente a su ideario, apartado de los nombres mediáticos, sin sus consecuentes conservantes, colorantes, naftalinas o rebomborios afines.

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Texto y fotografías: © Joan Cortès, 2014




Arte, literatura, rock, jazz y otras hierbas, un cóctel explosivo en manos de los malagueños Kermit. Entrevista por Enrique Farelo y Carlos Lara

El cuarteto Kermit nació a principios de 2012. Año en el que apareció su primer disco llamado Autoficción, un trabajo de corte experimental, donde los guiños al jazz y al rock progresivo estaban presentes, apuntando ya una interesante referencia al mundo de la literatura. Rasgos que se han visto corroborados recientemente con la publicación de su nueva grabación, Litoral (Itaca Records, 2014), concebido como un homenaje a la revista del mismo nombre, fundada en 1926, y cuyo director actual, Lorenzo Saval, ha sido el autor del diseño de la portada. Como referencia hacia esta prestigiosa revista malagueña es obligado recordar su extraordinario número La Poesía del Jazz editado en el año 2000.

Litoral está lleno de referencias literarias, con textos de Allen Ginsberg, George Orwell,  Roberto Bolaño, Raúl Díaz Rosales y del componente de la banda, Francisco Trujillo.  El grupo lo forman: Miguel Seguí a la guitarra, los sintetizadores y los sampler, Álvaro Parada a la batería, las voces y el saxo, Francisco Trujillo al bajo eléctrico y Gonzalo Presa a la guitarra, la batería, los sampler y las voces.

Con ellos, sobre su trayectoria y su particular forma de entender la música y otras expresiones artísticas, Enrique Farelo y Carlos Lara han mantenido la siguiente entrevista.

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Enrique Farelo-Carlos Lara: Lleváis dos años en la carretera, ¿de dónde provienen los miembros de Kermit hasta que forman el grupo? ¿Cuáles son vuestras principales influencias?

Kermit: Gonzalo, Paco y Miguel nos juntamos a principios de 2011 para componer temas. Reclutamos a Álvaro un año más tarde, cuando ya teníamos compuestos los temas que serían Autoficción, nuestro álbum de debut, que publicó Itaca Records en noviembre de 2012. Cada uno de nosotros aporta sus influencias personales a Kermit, pero las comunes incluyen el rock progresivo, el jazz y la electrónica. Por ahí también hay post-rock, hardcore e indie rock.

Enrique Farelo-Carlos Lara: Para quien no os conozca, ¿en qué ámbito musical os sentís más cómodos?

Kermit: Somos una banda prácticamente instrumental, que se mueve en el terreno de la experimentación y la búsqueda de nuevos caminos.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Qué significado tienen para vosotros las palabras experimental y modernidad?

Kermit: Kermit es experimental porque nos permite dar rienda suelta a nuestras influencias y conceptos, a expresarnos… y eso siempre es una aventura, algo nunca realizado previamente… nuevo. Nos gusta explorar. Modernidad imaginamos que es para nosotros sentirnos parte de un todo. En una exploración compartida.

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Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Para vosotroscuál es el sentido del Arte?

Kermit:El de expresar lo que llevamos dentro y que esto ayude a alguien a convivir con lo que lleva dentro. El de intentar congraciarnos con nosotros mismos y vivir el presente. El de buscarnos y encontrarnos en otros. El de ser felices.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Cómo definís Autoficción, vuestro primer trabajo?

Kermit: Corresponde a la etapa en la que Kermit explora con gusto y alevosía múltiples direcciones en lo musical e insinúa la concepción de un álbum como una unidad a través del poema visual de Cesárea Tinajero, poetisa a la que buscan los protagonistas de Los detectives salvajes (Roberto Bolaño) a lo largo de toda la novela. Autoficción gira en torno a la idea del viaje y el descubrimiento de nuevos lugares, no necesariamente exteriores.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Qué diferencias resaltáis entre este disco y el segundo?

Kermit: Si Autoficción corresponde a la idea del viaje, nos gusta pensar que Litoral es una llegada a puerto. El momento de avistar al farero y tocar tierra: el sonido, la dirección, el propósito de Kermit se definen y aparecen nítidos tras la niebla de direcciones y caminos sugeridos en Autoficción.

Aparte de poder contar con Álvaro desde el principio del proceso compositivo, también hemos podido disponer a nuestras anchas del magnífico estudio que han montado Gonzalo Presa y Daniel Torres, Kraken Sound, lo que nos ha permitido cuidar la grabación y por lo tanto el sonido del álbum. Gonzalo conoce perfectamente en qué dirección deseamos que se mueva Kermit y qué queremos expresar en Litoral.

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Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Cómo surge la idea de hacer un disco de rock con poesía, si se permite la expresión?

Kermit: Autoficción también se caracterizó por su componente literario. Y en Litoral echamos mano de esta herramienta de forma instintiva, integrándola en el proceso de composición. Los textos son de un poeta malagueño, Raúl Díaz Rosales. Litoral también incluye un poema de Paco en el tema “Circumpolares” y suenan Ginsberg, Orwell y el propio Bolaño.

Por otro lado, poder contar con la ayuda de Lorenzo Saval cerró el círculo conceptual de este trabajo con su amanecer rosado, su farero ávido de aventuras y su Kremlin ardiente: su vocación exploratoria, en definitiva. Ha sido un auténtico honor y un privilegio tanto para la banda como para el sello poder contar con su colaboración.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Música psicodélica y textos surrealistas forman parte conceptual de Kermit? ¿En qué medida?

Kermit: Sí. La psicodelia siempre nos ha atraído, como una forma de viaje, a veces de evasión, al más puro estilo romántico. Como en A contracorriente de Huysmans. El surrealismo nos dio la escritura automática y el dejar salir el subconsciente. Otro viaje. Una exploración.

Enrique Farelo-Carlos Lara: Si el mar es vuestro caldo de cultivo, ¿el camino a recorrer es Neptuno, el Kraken,la Atlándiday el fondo marino como subconsciente?

Kermit: La verdad es que son todas imágenes que nos llaman. Son muy kermitianas [risas]. Muy evocadoras.

Enrique Farelo-Carlos Lara ¿Es la musa-inspiraciónde Kermit dirigir literalmente vuestra mirada al ocaso marino para componer?

Kermit: Es difícil haber nacido en Málaga y no hacerlo. Aunque culturalmente vivimos un poco atentos a lo que llega del norte, Málaga siempre ha vivido mirando al sur, a su mar Mediterráneo. Lorenzo ha sabido expresar muy bien en Litoral ese anhelo marinero que ya guiaba la experimentación kermitiana en Autoficción.

Enrique Farelo-Carlos Lara: La portada es de Lorenzo Saval (director y diseñador gráfico desde 1975 de la revista malagueña de poesía y pensamiento Litoral). ¿Procede de ahí el título del álbum? ¿Quépodríaisdecir de Lorenzo Saval? ¿También diseñó la portada de Autoficción?

Kermit: Concebimos el álbum como un homenaje a la revista, subrayado por su heterogeneidad. Está pensado para funcionar como un número adicional de la revista, aunque en este caso sonoro. Ya habíamos decidido que se titularía sencillamente Litoral cuando contactamos con Lorenzo para proponerle que se encargara del diseño y la ilustración del álbum. Su colaboración cerró el círculo conceptual del proyecto.

Lorenzo ha sido una auténtica reafirmación en nuestros ideales artísticos y expresivos. Con su hermano Paco, hemos pasado grandes momentos de intercambio de ideas y perspectivas. Está siendo una colaboración fructífera y bonita. Percibimos una sinergia entre nosotros que era difícil de prever cuando decidimos contactar con él. Tendemos un verdadero puente intergeneracional.

La portada de Autoficción es un poema visual de la poetisa Cesárea Tinajero, personaje al que persiguen los protagonistas de Los detectives salvajes de Roberto Bolaño a lo largo de toda una novela río que va de Chile a México y que describe los anhelos y miserias de una generación poética mexicana, imagen de la del propio Bolaño y su compañero y amigo Papasquiaro: los viscerrealistas.

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Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Litoral da más rienda suelta a las improvisaciones jazzísticas? ¿Podríamos encuadrarlo en el jazz-rock?

Kermit: El jazz tuvo una presencia más diluida y de fondo en Autoficción, fue una contribución de Álvaro a un proyecto que encontró prácticamente cerrado al llegar, mientras que en Litoral adquiere mucha mayor presencia, debida a haber podido contar con él desde el comienzo del proceso compositivo del álbum, a esa semilla que buscamos los tres en él.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Qué papel representa el jazz en vuestra concepción musical?

Kermit: Creemos que nuestro gusto por el jazz nace de la tendencia a la improvisación en el local de ensayo. Kermit no es netamente un grupo de jazz, pero tampoco es un grupo de rock al uso: nos encanta el rock progresivo, muy dado también a la improvisación, muy jazzy a veces. Por otro lado, también nos llama mucho la electrónica y otros sonidos del rock más heterogéneo y experimental, como Sonic Youth, Slint, Mogwai, Liars, Massive Attack o incluso Radiohead.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Tenéis algunos músicos de jazz como referentes?

Kermit: Nuestro jazz son las referencias con las que hemos crecido los cuatro. Básicamente esto es Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans, Weather Report, Chick Corea, Herbie Hancock, la Mahavishnu Orchestra, Avishai Cohen, etc. Buf… esto se está alargando… [risas]

Enrique Farelo-Carlos Lara: Y dentro del rock progresivo, ¿por dónde van vuestros gustos? ¿Qué grupos son los que más os han marcado?

Kermit: Kermit es muy de Pink Floyd y de King Crimson, a partes iguales. Y de los Doors más experimentales. Algo de Jethro Tull también hay por ahí. Ah, claro, de Primus y Mr Bungle también. Y de la psicodelia, por supuesto, la de los Beatles, Jimi Hendrix, 13th Floor Elevators, Os Mutantes, Small Faces, Grateful Dead, etc. E inluso jam bands como Phish.

Enrique Farelo-Carlos Lara: Otro aspecto a mencionar es la incorporación de textos recitados, ¿qué creéis que aporta a Litoral este recurso poético?

Kermit: Fue algo que hicimos instintivamente, casi sin hablarlo. Llegamos y lo hicimos. Son trazos que dibujan una narrativa. Esa es la espina sobre la que se construye el concepto de Litoral.

Enrique Farelo-Carlos Lara: Textos de Allen Ginsberg, George Orwell, Roberto Bolaño… ¿Cómo habéis realizado la selección de los mismos?

Kermit: Los textos provienen de nuestras lecturas, de aquellas obras que nos inquietan y nos hacen pensar.

Por ejemplo: “To exchange one orthodoxy for another is not necessarily an advance. The enemy is the gramophone mind, whether or not one agrees with the record that is being played at the moment” [Cambiar una ortodoxia por otra no supone necesariamente un avance. El enemigo es la mente gramófono, ya esté uno de acuerdo o no con la grabación que está sonando en ese momento].

Esta frase de Orwell suena en un tema de corte electrónico en el que su halo distópico y sus palabras sensatas resuenan tras unas instrucciones en ruso para encender y poner a punto una grabadora de cinta, evocando el concepto de “Magnitizdat”, cintas en las que, para esquivar la censura en la URSS, se grababa contenido prohibido: ya fueran audiolibros (los libros, Samizdat, estaban muchísimo más vigilados) o música (jazz y rock, principalmente).

Por otro lado, Ginsberg recita partes de Howl (Aullido) en un tema frenético en 10/8. Aullido nos pareció una narrativa muy interesante en el desarrollo del tema, aunque se trata de un poema en el que predominan muchísimo las imágenes, que además aparecen aún más fragmentadas en el tema.

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Enrique Farelo-Carlos Lara: Esto da pie a una cuestión más: ¿Cómo veis la conexión entre la literatura y la música y en qué manera una influye a la otra y viceversa?

Kermit: La literatura y la música son las herramientas expresivas con las que estamos más familiarizados. Son de lo que echamos mano a la hora de crear, aunque el cine y el arte gráfico también permean en Kermit, pues nuestro proyecto musical tiene un fuerte componente narrativo, cierto dinamismo, como el cine.

Enrique Farelo-Carlos Lara: La edición de Litoral se ha hecho en vinilo y CD. ¿Creéis que existe una vuelta a la tradición del vinilo?

Kermit: Creemos que la experiencia de hacer sonar un vinilo es muy diferente a la de poner un CD o un MP3 en el ordenador o el móvil. Es otra filosofía. Es el ritual de escuchar música. El diseño y la ilustración adquieren peso en la percepción de la obra. Además, la calidez del sonido en el vinilo de Litoral nos ha agradado especialmente: puedes percibir la atmósfera del estudio. Es difícil de explicar, pero es algo muy especial, la verdad… y caro [risas].

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿El IVA cultural del gobierno supone una manera definitiva de acabar con la cultura de una vez por todas?

Kermit: España, lamentablemente, nunca se ha caracterizado por un especial respeto a la cultura y las artes. O por lo menos no a esta cultura y a estas artes. Quizá seamos más de playa, toros, feria y semana santa. A este respecto siempre nos gusta mirar a Francia.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Pensáis que la ingente cantidad de propuestas musicales existentes en el planeta Música pueden hacer que proyectos tan interesantes como el vuestro pasen desapercibidos para el aficionado?

Kermit: Es difícil conseguir llegar al público a través de internet y España no es un país muy fértil para este tipo de propuestas. La escena es pequeña y crece poco a poco: Madrid, Barcelona, Málaga, Cádiz, Don Benito, Galicia… Las escenas del Reino Unido, Holanda, Bélgica, Alemania o Rusia están muchísimo más desarrolladas. Y en ciertas zonas de EE.UU., como Chicago, Austin, San Francisco-San José, Sacramento, Nashville, Boston… Da un poco de envidia; pero todo llegará. Se está trabajando bien y hay mucha ilusión y muchas ganas puestas en hacerlo bien.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿El número de músicos (grupos y solistas) en España es muy superior y por tanto inversamente proporcional a la cantidad de aficionados?

Kermit: La música es un arte que requiere mucha educación. Institucionalmente tampoco se le ha dado nunca mucha importancia. Ha mejorado en los últimos años, pero todavía estamos lejos de Francia, Italia, Alemania o Reino Unido. Actualmente la LOMCE no deja la enseñanza musical en muy buen lugar que digamos.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Se puede vivir dignamente y como merecéis hoy con la música o necesitas de otros complementos para hacerlo?

Kermit: Imposible. Tampoco sabemos si realmente nos gustaría vivir de la música. Kermit es nuestra vía de escape y expresión. Convertirla en nuestro medio de subsistencia quizá supondría meterle una presión que no necesita de ningún modo para producir y experimentar con verdadera libertad. Sería cambiar Kermit irremediablemente y, probablemente, no a mejor.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Hay vida más allá de la Música o cómo compaginarla con vuestra cotidianidad del día a día?

Kermit: Sí. Hay vida más allá de la Música y nos gusta pensar que precisamente es lo que la hace significativa y expresiva.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿A qué tipo de público entendéis que va dirigida vuestra música?

Kermit: Es difícil de decir, porque Kermit es un proyecto muy personal. Hay rock instrumental, jazz y algo de electrónica. Literatura y pasión por la música entendida como un viaje, una ensoñación, una evasión o una introspección.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Escuchar música, leer o visionar una película es un esfuerzo que no entra en el lenguaje del apresurado hombre actual?

Kermit: A veces sí que resulta difícil sacar ese rato de sosiego que requiere bucear en una obra para experimentarla, madurarla y en último término, quizá con el paso del tiempo, aprehenderla. La abundancia también nos convierte un poco en ojeadores de revistas en una sala de espera permanente.

Enrique Farelo-Carlos Lara: ¿Qué conciertos tenéisprevistos en los próximos meses?

Kermit: Comenzamos una mini gira andaluza en Jaén el pasado sábado 10 de mayo, y seguimos el viernes 16 en la sevillana DF Hollander y en Don Benito (Badajoz) el sábado 17 de mayo en el maravilloso y obligado The Rincón Pío Sound. Aún quedan muchas fechas por cerrar. Litoral es un disco con un largo recorrido cuyo parto nos ha dejado exhaustos pero felices e ilusionados con un proyecto con mucho potencial de crecimiento. Y llega el verano [risas].

Texto © 2014 Carlos Lara y Enrique Farelo
Fotografías © 2014 Víctor Hernández

Kermit: “Magnitizdat” (vídeo-single)