Eivissa Jazz 2018 (III): María Toro Quartet / Pablo M. Caminero Quintet (2018-09-06) [Festival]

Por José Luis Luna Rocafort (imágenes) y Juan Antonio Serrano Cervantes (texto).

XXX Eivissa Jazz

  • Fecha: 6 de septiembre de 2018, 21:30
  • Lugar: Baluard de Sta. Llúcia (Eivissa / Ibiza)
  • Grupos:
    María Toro Quartet
    María Toro (flauta)
    Daniel García Diego (piano)
    Shayan Fathi (batería)
    Reinier Elizarde Ruano (contrabajo)
    Pablo M. Caminero Quintet
    Pablo M. Caminero (contrabajo)
    Ariel Bringuez Ruiz (saxo)
    Toni Belenguer (trombón)
    Daniel García Diego (piano)
    Michael Olivera García (batería)

Terminados los conciertos gratuitos, otro reencuentro, el del presentador desde 2001 José Miguel López. Radio 3 graba los conciertos y una semana antes de la siguiente edición los emite en su programa “Discópolis”.

El haber pasado cinco años en Nueva York y otros cinco en Brasil es la causa de que la coruñesa María Toro apenas sea conocida a este lado del Atlántico; ahora lleva un año en Madrid para que la situación cambie y hacerse un nombre en España y Europa; después de verla tocar la sensación es que está sobradamente capacitada para ello.

Con dos discos grabados, A contraluz y Arara (Jazz Activist 2013 y 2018), la flautista basó su concierto en el primero, de aires más flamencos. Esta gallega lleva el ritmo en la sangre: la vimos varias veces tocar la flauta con movimientos del pie o marcándose unos bailecitos cuando tocaba el trío que la acompañaba, formado por el pianista Daniel García Diego, Reinier “El negrón” Elizarde y el baterista iraní que se mueve entre Madrid, Berlín y Viena Shayan Fathi, los tres muy adaptados tantos a los momentos más flamencos como a los más jazzeros.

Sonaron temas muy flamencos como “Gitano”, otros como “A contraluz” donde María aportaba la parte flamenca y Daniel García ponía en ocasiones un punto de jazz.

Excelente “Por el reloj”. Intro con la flauta, luego intervención del trío sin ella, después solo de Reinier agarrando el bajo casi como una pareja de baile, para terminar con un solo de batería con María moviéndose al ritmo. En “Babel” el flamenco se insinúa ligeramente, con un gran Daniel García tocando de forma muy percusiva, cuando parece que acaba el tema, breve pero intensa intervención de María. Para acabar, “Te miré”, con el pianista y el público dando palmas mientras tocaba María.

Acabado el concierto, es inevitable que surja el nombre de Jorge Pardo; nos cuenta que sí, que es una gran influencia, pero también es muy importante para ella la figura de Hermeto Pascoal. No queremos jubilar ni a Jorge ni a Hermeto, pero en María Toro se adivina una digna sucesora (al menos con la flauta).

No tanto ni tan evidente, pero también hubo flamenco en la música que nos ofreció Pablo Martín Caminero. Con el pianista Daniel García Diego haciendo doblete, el quinteto empezó fuerte, con la suite “Salto al vacío” que consta de cuatro partes: “Despertar del héroe”, “Aproximación”, “El salto” y “Estamos vivos”; un comienzo de los que hacen afición, con vientos potentes, Daniel García manipulando las cuerdas del piano, con Pablo controlando desde su contrabajo, a veces usando el arco y enlazando con el siguiente tema “Trianatrón”, que no es otra cosa que “un reguetón de Triana”, y es que otro aliciente para verles es el buen humor de sus presentaciones; “Soleá de Gasteiz” se llama así porque “Si no se atreve a decir que es una ‘soleá’, la llama ‘Soleá de Gasteiz’ porque los de Gasteiz hacen las ‘soleás’ en cualquier sitio”. Empieza con un solo de contrabajo con arco, y según se desarrolla el tema, vemos que el flamenco está integrado muy sutilmente, sobre todos en algunos toques de piano y contrabajo. “Por camineras” es “Un nuevo palo flamenco en 13 tiempos”, con un Ariel Brínguez grandioso al saxo soprano.

“Eider” es una balada que Martín Caminero dedicó a su sobrina y esta noche también al hijo de Ariel con casi dos meses de vida, y aquí saltó la sorpresa cuando subió al escenario la feliz mamá de Llum, Ángela Cervantes, que se encargó de poner voz (porque letra no tiene) a la balada; comenzó con un suave tarareo, acompañada de piano y contrabajo, el piano todo delicadeza, mientras la voz subía y subía de volumen hasta alcanzar cotas difíciles de explicar; quien quiera hacerse una idea de esta portentosa voz puede buscar en youtube la interpretación que hace de “The Great Gig in the Sky” con el grupo Brit Floyd y podrá hacerse una buena idea.

El buen humor volvió al presentar el último tema con un “Momento Toni Belenguer”, y ya en serio podríamos hablar de “Momento saxo soprano” en ese “Cuentas pendientes” que cerró la noche. Hora de ir a la jam de “Sa Qüestió” hasta bien entrada la madrugada.

Tomajazz. Fotografías: © José Luis Luna Rocafort, 2018
Texto: © Juan Antonio Serrano Cervantes, 2018




Perico Sambeat Ensemble © Sergio Cabanillas, 2018

INSTANTZZ: Perico Sambeat Ensemble Plays Zappa (Teatro Fernando de Rojas, Círculo de Bellas Artes, Madrid. 2018-02-02) [Galería fotográfica]

  • Fecha: Viernes, 2 de febrero de 2018
  • Lugar: Teatro Fernando de Rojas, Círculo de Bellas Artes, Madrid
  • Grupo:
    Perico Sambeat Ensemble «Plays Zappa»
    Perico Sambeat, saxos alto y soprano
    Javier Vercher, saxos tenor y soprano
    Voro García, trompeta
    Toni Belenguer, trombón
    Santi Navalón, piano y teclados
    Iván Cebrián, guitarra
    Julio Fuster, contrabajo y bajo eléctrico
    Miquel Asensio «Rochet», batería


Perico Sambeat Ensemble © Sergio Cabanillas, 2018

Perico Sambeat Ensemble
© Sergio Cabanillas, 2018

Perico Sambeat © Sergio Cabanillas, 2018

Perico Sambeat
© Sergio Cabanillas, 2018

Javier Vercher © Sergio Cabanillas, 2018

Javier Vercher
© Sergio Cabanillas, 2018

Voro García © Sergio Cabanillas, 2018

Voro García
© Sergio Cabanillas, 2018

Toni Belenguer © Sergio Cabanillas, 2018

Toni Belenguer
© Sergio Cabanillas, 2018

Julio Fuster © Sergio Cabanillas, 2018

Julio Fuster
© Sergio Cabanillas, 2018

Santi Navalón © Sergio Cabanillas, 2018

Santi Navalón
© Sergio Cabanillas, 2018

Miquel Asensio © Sergio Cabanillas, 2018

Miquel Asensio
© Sergio Cabanillas, 2018

Perico Sambeat © Sergio Cabanillas, 2018

Perico Sambeat
© Sergio Cabanillas, 2018

Iván Cebrián © Sergio Cabanillas, 2018

Iván Cebrián
© Sergio Cabanillas, 2018

Julio Fuster © Sergio Cabanillas, 2018

Julio Fuster
© Sergio Cabanillas, 2018

Toni Belenguer © Sergio Cabanillas, 2018

Toni Belenguer
© Sergio Cabanillas, 2018

Julio Fuster © Sergio Cabanillas, 2018

Julio Fuster
© Sergio Cabanillas, 2018

Javier Vercher, Perico Sambeat © Sergio Cabanillas, 2018

Javier Vercher, Perico Sambeat
© Sergio Cabanillas, 2018

Iván Cebrián © Sergio Cabanillas, 2018

Iván Cebrián
© Sergio Cabanillas, 2018

Santi Navalón © Sergio Cabanillas, 2018

Santi Navalón
© Sergio Cabanillas, 2018

Perico Sambeat Ensemble & Chevi Martínez © Sergio Cabanillas, 2018

Perico Sambeat Ensemble & Chevi Martínez
© Sergio Cabanillas, 2018

Javier Vercher, Perico Sambeat © Sergio Cabanillas, 2018

Javier Vercher, Perico Sambeat
© Sergio Cabanillas, 2018

Voro García © Sergio Cabanillas, 2018

Voro García
© Sergio Cabanillas, 2018

Perico Sambeat Ensemble & Chevi Martínez © Sergio Cabanillas, 2018

Perico Sambeat Ensemble & Chevi Martínez
© Sergio Cabanillas, 2018


Tomajazz. Fotografías: © Sergio Cabanillas, 2018




Igor Tavan Collective: Suite Frenética (Karonte, 2016) [Grabación]

El baterista brasileño afincado en Valencia, Igor Tavan crea su Collective con la intención de ser una marca y no un grupo que propicia los encuentros entre grandes figuras del jazz de distintas procedencias internacionales en combinación con músicos valencianos o de otras comunidades.

Cédric Hanriot y Darryl Hall, uno francés y el otro estadounidense (aunque residente en Francia) se funden con músicos de Valencia y con Ernesto Aurignac de Málaga para la grabación de éste primer trabajo del Collective que lidera Igor Tavan.

Tanto Cédric Hanriot y Darryl Hall han tocado al lado de músicos de primer nivel internacional entre los que encontramos a Danilo Pérez, Dianne Reeves, Robert Glasper, Didier Lokwood o Uri Cane entre otros.

El gusto por el surrealismo se plasma en la portada de Suite Frenética valiéndose del pintor italiano del S.XVI Giuseppe Arcimboldo y que recuerda a Carmen Miranda icono del país originario de Igor Tavan. Portada que sin duda podría editarse en vinilo para regocijo de aficionados a la pintura y el jazz.

Ocho composiciones forman el programa, si bien podríamos considerar nueve ya que el último corte (“We See”) tiene oculto la tradicional “La cucaracha”.

Sin duda si hay algo que caracteriza a ésta Suite Frenética es el dinamismo y el swing aplicado a las ganas de vivir y de ser vivido por el colectivo de Igor Tavan. Su música fluye con soltura y sin descanso sucediéndose los solos con la naturalidad y frescura que le permite la brillante técnica que atesoran cada uno de los miembros del combo.

¡Qué goce con el Fender Rhodes de Cédric Hanriot en “The Vaginator” y en “Yo’ People my People” y con la guitarra eléctrica de Iván Cebrián en la primera de ellas!

Los precisos arreglos ensamblan a la perfección en una maquinaria ya de por sí bien lubricada y que muestra sus mejores galas en “Souly”; pieza funk muy bien orquestada por el trombón de Tony Belenger con destacadas intervenciones de Ernesto Aurignac y Cédric Hanriot.

La composición “Break of Day” se pausa a la mitad para divertimento y lucimiento de Darryl Hall con un solo de bajo que vuelve a dar impulso hasta el final.

“Suite Frenética” es un homenaje a la samba y a la fiesta de la tierra que es originario Igor Tavan donde regresan Cédric Hanriot y su rhodes y el saxo soprano de Víctor Jiménez.

“Crepuscule” es por convicción una de las mejores piezas del álbum con un preciso, sutil y elegante Igor Tavan en los platos y el omnipresente Rhodes de Cédric Hanriot.

“Orgiavant” es misteriosa al comienzo, languideciente después con el saxo alto de Ernesto Aurignac y conciliador con el trombón de Toni Belenguer a la conclusión.

Solo sin acompañamiento para lucimiento personal de Darryl Hall como broche final con “We See”… y para terminar con la sorpresa de la oculta “La cucaracha”.

© Enrique Farelo, 2017

 

Igor Tavan Collective: Suite Frenética (Karonte, 2016) [Grabación]

Músicos: Ernesto Aurignac (saxo alto), Toni Belenguer (trombón), Darryl Hall (contrabajo), Cédric Hanriot (piano, Fender Rhodes), Víctor Jiménez (Saxo soprano en “The Vaginator” y “Suite Frenética”), Iván Cebrián (guitarra en “The Vaginator” y “Suite Frenética”), Manuel Hamerlinck (guitarra acústica en “Suite Frenética”) e Igor Tavan (batería)

Composiciones: “The Vaginator” (Tony Belenger), “Yo’ People my People” (Darryl Hall), “Souly”(Cedric Hanriot), “Break of Day” (Darryl Hall), “Suite Frenética”(Igor Tavan), “Crepuscule” (Cedric Hanriot), “Orgiavant” (Tony Belenger) y “We See” (Thelonius Monk)/ “La cucaracha” (tradicional)

Grabado en el 2016 en live session. Publicado por Karonte




Perico Sambeat Ensemble © Sergio Cabanillas, 2017

Perico Sambeat Ensemble Plays Zappa (Intruso Bar, Madrid. 2017-07-29) [Concierto]

  • Fecha: 29 de julio de 2017.
  • Lugar: Sala Intruso Bar, Madrid.
  • Componentes:
    Perico Sambeat Ensemble
    Perico Sambeat, saxos alto y soprano, y flauta
    Javier Vercher, saxo  tenor
    Voro García, trompeta
    Toni Belenguer, trombón.
    Santi Navalón, teclados.
    Iván Cebrián, guitarra.
    Julio Fuster, contrabajo y bajo eléctrico.
    Miquel Asensio “Rochet”, batería.

Perico Sambeat Ensemble © Sergio Cabanillas, 2017

Perico Sambeat Ensemble
© Sergio Cabanillas, 2017

Estaba previsto que el concierto se celebrara en el Bogui Jazz como parte de la programación de julio, pero este local ha tenido que iniciar unas obras de aclimatación y por tanto la actuación tuvo que ser trasladada hasta la sala Intruso Bar, ubicado en el mismo barrio de Chueca. En una calurosa tarde-noche típicamente madrileña ocho músicos valencianos se “acomodan” como pueden en un pequeño escenario, bajo la atenta mirada de un público ya peinando canas. Perico Sambeat Ensemble se dispone a presentar por primera vez en Madrid su proyecto dedicado íntegramente a la figura del polifacético Frank Zappa, compositor, guitarrista, cantante y sobre todo personaje revolucionario dentro del mundo de la música. Madrid era la última parada de una gira que les ha llevado a presentar el proyecto en varias salas del país.

El proyecto fue estrenado con éxito en noviembre de 2015 en la sala Jimmy Glass de Valencia bajo los auspicios de su programador y propietario, Chevi Martínez, en colaboración con el propio Perico Sambeat. Tras la confirmación del buen trabajo realizado llegó el disco que puede ser considerado como uno de los mejores del  2016.

Perico Sambeat © Sergio Cabanillas, 2017

Perico Sambeat
© Sergio Cabanillas, 2017

En su actuación el grupo interpretó los diez temas que forman parte del disco, sobre los cuales los músicos han estado trabajando duro y mucho tiempo, bajo la batuta de Perico Sambeat, ya muy curtido en la dirección de grandes y medianas bandas. Trabajo que tiene su plasmación en el directo de una forma arrolladora y que prácticamente te deja sin aliento.  Tal y como dejó claro Perico Sambeat se trata de un conjunto de temas de los más complejos de Frank Zappa. Ya el primero, “Zomby Woof”, supone toda una declaración de intenciones en la que queda evidente la capacidad de asimilación de la música de Zappa. La entrada  directa de Perico Sambeat al saxo alto y una base rítmica contundente, además del trombonista y  el guitarrista,  dejan patentes la calidad de la interpretación.

Voro García © Sergio Cabanillas, 2017

Voro García
© Sergio Cabanillas, 2017

Uno de los principales méritos de este octeto está en el gran trabajo realizado en los arreglos, y así en “It Must Be a Camel”, tras el inicio de  Voro García a la trompeta hay una fina orquestación del grupo rota por un solo de Perico al soprano y el primero de Javier Vercher en el tenor, al que le gusta meterse por territorios más libres. Iván Cebrián con sus aportaciones a la guitarra crea el contraste perfecto. “For Calvin”  es una pieza para mayor lucimiento de los cuatro metales, en especial de Toni Belenguer al trombón, que recoge el testigo  para realizar un solo improvisado de larga duración que prepara la tormenta sonora que viene a continuación.

Iván Cebrián © Sergio Cabanillas, 2017

Iván Cebrián
© Sergio Cabanillas, 2017

Para terminar el primer pase, el grupo eligió “Don´t You Ever Wash That Thing?” potente pieza en la que transpira el sentido del humor que solía poner Zappa con los metales decantándose hacia el “Swing”, para cambiar inmediatamente de registro.  Perico Sambeat  en su línea de calidad de siempre y  Javier Vercher hace un solo de escándalo. Tanto Iván Cebrián, como Santi Navalón a los teclados y Miquel Asensio “Rochet” trabajan como disciplinados acompañantes para crear otro tema redondo.

Santi Navalón © Sergio Cabanillas, 2017

Santi Navalón
© Sergio Cabanillas, 2017

Para comenzar el segundo pase, llega “Inca Roads”, donde Perico Sambeat a la flauta se recrea en el conocido comienzo del tema y rápidamente cambia de nuevo al  saxo alto con un  nuevo solo. La guitarra de  Iván Cebrián, la trompeta  de Voro García, con  Perico Sambeat y un solo de Santi Navalón  proporcionan la sonoridad precisa  para dar brillo al tema.

Toni Belenguer © Sergio Cabanillas, 2017

Toni Belenguer
© Sergio Cabanillas, 2017

Una de las piezas más complejas de la noche fue “The Eric Dolphy Memorial Barbecue”. Rodeada desde el comienzo con un cierto halo misterioso, las disonancias aportadas por los ocho músicos hacen que el tema entre por derroteros casi de libre improvisación.

Javier Vercher © Sergio Cabanillas, 2017

Javier Vercher
© Sergio Cabanillas, 2017

Otro de los momentos mejor arreglados y orquestados de la noche fue el doble tema Imaginary Diseases/Tink walks Amok”, donde volvió a brillar a gran altura Javier Vercher, que al principio fue arropado por una nueva base rítmica potente, para a continuación realizar un solo a “capella” de quitarse el sombrero. El trabajo de Perico Sambeat con sus solos con ecos para ensamblar la banda es digno de elogio.

Julio Fuster © Sergio Cabanillas, 2017

Julio Fuster
© Sergio Cabanillas, 2017

“I Promise not to Come in Your Mouth”, es una pieza melódica donde a modo de balada Voro García realiza un solo muy evocador, con unos magníficos arreglos de los que participan Santi Navalón en el sintetizador y Perico Sambeat en el saxo alto. El tema “A Pound for a Brown” mantiene un ritmo frenético desde el comienzo y a continuación se suceden los solos de los ocho instrumentistas para llegar hasta un final  apoteósico. El colofón del concierto vino de la mano del clásico “Peaches en Regalia”, quizá uno de los temas más comerciales de Zappa, pero también de una calidad indiscutible.

Miquel Asensio © Sergio Cabanillas, 2017

Miquel Asensio
© Sergio Cabanillas, 2017

Perico Sambeat Ensemble ha sabido ser fiel a la música caleidoscópica de Zappa, pero también ha dejado su sello personal en cada uno de los temas, siempre con unos grandes arreglos y una armonización sin precedentes en el panorama musical español. Un conciertazo.

Texto: © 2017 Carlos Lara
Fotografías: © 2017 Sergio Cabanillas

 

 




HDO 253. Perico Sambeat: sus palabras y su revisión de la música de Frank Zappa. Entrevista por Pachi Tapiz [Podcast]

En el final del año 2016, el saxofonista Perico Sambeat publicaba en Karonte el CD Perico Sambeat Ensemble Plays Zappa. Esta es la grabación de un proyecto nacido como iniciativa del Jimmy Glass Jazz Bar (incansable local con una sobresaliente programación de jazz en directo en Valencia). Sambeat charló con Pachi Tapiz sobre esta grabación, su génesis y sus próximos pasos. Como complemento a sus palabras escuchamos varios temas de esta grabación, todos ellos composiciones muy conocidas de Frank Zappa: «Peaches En Regalia», «The Eric Dolphy Memorial Barbecue», «Don’t You Ever Wash That Thing?», «Zomby Woof» y «It Must Be A Camel». Joan Cortès aporta la imagen de Sambeat en la presentación del CD en Jamboree (Barcelona).

Tomajazz. Texto y audio: © Pachi Tapiz, 2017
Fotografía: © Joan Cortès, 2017

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.




INSTANTZZ. Perico Sambeat Ensemble plays Zappa! (Jamboree, Barcelona. 2017-02-04) [Galería fotográfica]

  • Fechas: 3 y 4 de febero de 2017
  • Lugar: Jamboree. Barcelona
  • Grupo:
    Perico Sambeat Ensemble plays Zappa
    Perico Sambeat, saxos y flauta
    Javier Vercher, saxos y flauta
    Toni Belenguer, trombón
    Voro García, trompeta
    Santi Navalón, piano y teclados
    Ivan Cebrián, guitarra
    Julio Fuster, contrabajo y bajo eléctrico.
    Miguel Asensio, batería

Tomajazz: © Joan Cortès, 2017




INSTANTZZ. Perico Sambeat plays Zappa. El pre-concierto (Jamboree, Barcelona. 2017-02-03/04) [Galería fotográfica]

  • Fechas: 3 y 4 de febero de 2017
  • Lugar: Jamboree. Barcelona
  • Grupo:
    Perico Sambeat plays Zappa
    Perico Sambeat, saxos y flauta
    Javier Vercher, saxos y flauta
    Toni Belenguer, trombón
    Voro García, trompeta
    Santi Navalón, piano y teclados
    Ivan Cebrián, guitarra
    Julio Fuster, contrabajo y bajo eléctrico.
    Miguel Asensio, batería

Chevi Martínez, coproductor

Javier Vercher

Javier Vercher

Toni Belenguer

Toni Belenguer

Voro García

Santi Navalón

Santi Navalón

Ivan Cebrián

Julio Fuster

Miquel Asensio

Perico Sambeat

Perico Sambeat

Javier Vercher

Javier Vercher y Voro García

Voro García

Ivan Cebrián

Julio Fuster

Miquel Asensio

Perico Sambeat Ensemble Plays Zappa

© Toni Porcar, 2016
http://www.aporcar.com/musicians
https://www.flickr.com/photos/axkr/albums/72157627701201851




Perico Sambeat: Plays Zappa (Nuba records 2016) [CD]

No hay duda alguna. Embarcarse en una odisea como es el universo sonoro de uno de los genios del Siglo XX como es Frank Zappa, no es cosa baladí precisamente, ya que requiere de un esfuerzo y un conocimiento unidos a un sentimiento de admiración muy arraigado.

Perico Sambeat lo ha hecho y se ha sabido rodear de músicos muy afines a la causa.

La música de Zappa fue, es y será un referente al que se han arrimado todo tipo de músicos de rock, jazz o incluso de los denominados cultos, léase Pierre Boulez.

Aquí Perico Sambeat ha elegido un ramillete de composiciones muy destacadas de la carrera del descubridor del compositor del siglo XVIII, Francesco Zappa.

Quiero empezar el análisis del disco con el quinto corte, el cual es un medley entre “Imaginary Diseases” y “Tink Walks Amok”, el primero es una pieza de la cual no existe versión en estudio y la segunda pertenece al disco The Man From Utopia. Esta doble pieza exige un mayor esfuerzo y aporte a cargo de Perico Sambeat para enlazar ambas con la naturalidad necesaria. Brillantes arreglos orquestales y excelentes en los relevos de los solos con efectos que se acercan al funk.

“Zomby Woof” guarda el aroma y la esencia de estilo del original si bien éste vira hacia el funk o el soul con un sonido muy de los setenta.

“It Must Be a Camel” es otro ejercicio orquestal de arreglos precisos y sin perder de vista el espíritu de Zappa destacando los solos de Perico Sambeat e Iván Cebrián que se muestra menos corrosivo que el propio Zappa.

“Don´t You Ever Wash That Thing?” es swingueante y casi salsero al comienzo para ir transformándose en un arreglo de fusión donde destacan Perico Sambeat, la guitarra languideciente de Iván Cebrián con Miquel Asensio «Rochet» llenándolo todo con sus redobles sobre los tambores.

En “For Calvin” el humor (siempre tan presente en la música de Zappa) lo encarna el monologante trombón de Toni Belenguer aunque la composición se retuerce en busca del avant-garde y el free-jazz más complejo y creativo.

Uno cierra los ojos y cree estar ante la versión original de “Inca Roads”. Preciso Iván Cebrián en la guitarra ante las acometidas de la flauta, la trompeta con sordina y los metalófonos con un final de vértigo del saxo alto con wah wah de Perico Sambeat que sustituye al no menos vertiginoso solo de George Duke a los teclados en le versión original.

“I Promise not to Come in Your Mouth”, incluido en Zappa in New York, es elegante y turbadora destacando Voro García con solo convincente magníficamente implementado por Santi Navalón en el sintetizador y Perico Sambeat en el saxo alto.

“A Pound for a Brown” donde la música parece hablar a través de los instrumentos, manteniendo diálogos y monólogos tan inteligentes como para dar paso a solos no menos inteligentes de saxos,(Perico Sambeat y Javier Vercher) y teclados (Santi Navalón) con Julio Fuster marcando el ritmo con el bajo eléctrico.

“The Eric Dolphy Memorial Barbecue” pertenece originariamente al disco Weasels Ripped My Flesh, sin embargo, como el propio Perico Sambeat señala la versión es la que está incluida en el disco The Best Band You Never Herd in Your Life. La pieza en sí, es un amasijo de sonidos complejos que conforman un solo de todos a una donde entran y salen instrumentos sin desmayo muy en la línea del mejor avant-garde y el free-jazz tal y como sucediera en “For Calvin”.

El broche final lo pone un tema emblemático donde los haya: “Peaches en Regalia” incluido en su excepcional Hot Rats de 1969 en una versión más que digna que aporta frescura y convincentes arreglos.

Decía Frank Zappa que: “El cerebro es como un paracaídas, solo funciona si se abre” y aquí se abre, ya lo creo.

© Enrique Farelo, 2017

Perico Sambeat: Plays Zappa

Músicos: Perico Sambeat (Saxos Alto, Soprano y Pandereta), Javier Vercher (Saxos Tenor y Soprano), Voro García (Trompeta), Toni Belenguer (Trombón) Santi Navalón (Teclados), Iván Cebrián (Guitarra), Julio Fuster (Bajo y Contrabajo), Miquel Asensio «Rochet» (Batería y Percusiones)

Composiciones: “Zomby Woof”,(Over-Nite Sensation) “It Must Be a Camel”,(Hot Rats) “Don´t You Ever Wash That Thing?”,(Zappa Roxy & Elsewhere) “For Calvin”,(The Grand Wazoo) “Imaginary Diseases-Tink Walks Amok”,(The Man From Utopia) “Inca Roads”,(One Size Fits All)“I Promise not to Come in Your Mouth”,(New York) “A Pound for a Brown”,(Uncle Meat) “The Eric Dolphy Memorial Barbecue”(Weasels Ripped My Flesh) y “Peaches en Regalia”(Hot Rats)

Grabado en Elefante Estudios (Valencia), los días 21 y 22 de junio de 2016 por Vicente Sabater.




HDO 212. Novespain 2016… una vez más: Perico Sambeat Ensemble Plays Zappa, Anthus, Alfredo García Quintet, Pol Omedes with Strings, Seminal Jazz, Eva Fernández [Podcast]

Media docena de novedades (casi) de 2016, que no habían sonado todavía en HDO. En el programa de 21 de diciembre de 2016 escuchamos (a dos temas por obra) Perico Sambeat Ensemble Plays Zappa (Karonte, 2016) y que surje como una iniciativa del Jimmy Glass (¡bravo desde aquí!), Anthus Calidoscòpic (Temp Records, 2016), Alfredo García Quintet Blue Line (FreeCode JazzRecords, 2016), Pol Omedes with Strings Mallorca (Fresh Sound New Talent, 2016), Seminal Jazz (Moskito Rekords, 2016), y Eva Fernández That Darkness (Taller de Músics, 2015).

© Pachi Tapiz, 2016

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.

 

En HDO 212 participan:

  • Perico Sambeat Ensemble Plays Zappa (Karonte, 2016)
    Perico Sambeat Ensemble: Perico Sambeat, Javier Vercher, Voro García, Toni Belenguer, Santi Navalón, Iván Cebrián, Julio Fuster, Miquel Asensio «Rochet»
  • Anthus Calidoscòpic (Temp Records, 2016)
    Anthus, Pol Padrós, Max Villavecchia, Manel Fortià, Ramón Díaz
  • Alfredo García Quintet Blue Line (FreeCode JazzRecords, 2016)
    Alfredo García Quintet, Alfredo García, José García, Iago Mouriño, Bruno Couceiro, Pablo Pérez
  • Pol Omedes with Strings Mallorca (Fresh Sound New Talent, 2016)
    Pol Omedes, Lluc Casares, Kristina Trezune, Mátyás Gayer, Matyás Hofecker, Joan Terol; Strings: Jan Omedes, Pablo Kirschner, Laura Bosch, Guillem Vellvé; Cosmos Quartet: Bernat Prat, Helena Satué, Alejandro Garrido
  • Seminal Jazz (Moskito Rekords, 2016)
    Seminal Jazz: Roberto Nieva, Daniel Juárez, Tana Santana, Borja Barrueta
  • Eva Fernández That Darkness (Taller de Músics, 2015)
    Eva Fernandez, David Pastor, Josep Lluís Guart, Miquel Àngel Cordero, Toni Pagés



HDO 205. Muestra BBK Jazz: los directos [Podcast]

bbk-jazz-pack_moskito-rekords_2015

Con motivo de la celebración de la VII Muestra BBK Jazz y los premios de la edición de 2016, en HDO 205 realizamos un repaso a la caja de 5 CD 5 urte años years Muestra BBK Jazz Bilbao (Moskito Rekords, 2015), que se publicada coincidiendo con la celebración de la sexta edición de estos premios. Allí se recogían cinco conciertos grabados entre las ediciones de 2011 y 2013 por formaciones lideradas por Pablo Martín Caminero (Pablo Martín Quintet con Perico Sambeat, Toni Belenguer, Abe Rábade, Bruno Pedroso), Javier Colina (Javier Colina Quartet con Albert Sanz, Dani García, Ariel Brínguez), Gonzalo Tejada (Gonzalo Tejada Special Trio Chet Baker Tribute con Joaquín Chacón, Chris Kase), Ander García (Ander García Quintet con Luis Verde, Ariel Brínguez, Marcos Collado, Miguel Benito «PT»), y Andrzej Olejniczak (Andrzej Olejniczak Quartet con Vlasyslav Sendecki, Laurent Vernerey, Ángel Celada). En el programa suenan los siguientes temas «Intro – El Caminero», «You Don’t Know What Love Is», «Way To Go Out», «Ttun-Kurrun», y «In Memory Of Vege», correspondientes a los CD protagonizados por cada uno de los músicos mencionados.

Texto y programa HDO: © Pachi Tapiz, 2016

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.




Sedajazz: 25 años no es nada. Al habla con Latino. HDO 0068 [Audioblog]

Sedajazz_logo

Aunque la idea viene de antes, el año oficial de puesta en marcha de Sedajazz –según reza su página web-, es 1991. En 2016 este colectivo de músicos valencianos, llega a 25º Aniversario, a su primer cuarto de siglo de vida. Con motivo de sus bodas de plata Pachi Tapiz charló con Francisco Ángel Blanco “Latino”. Como complemento a sus palabras, suenan algunas de las últimas producciones del sello Sedajazz Records con temas de las nueva grabaciones de Sedajazz Big Band, Kontxi Lorente Trío, Thaïs Morell, Víctor Jiménez & Friends, Fabio Zambelli – Matt Baker, Voro García – Toni Belenguer 5tet, Miquel Asensio Quartet y Alexey León.

© Pachi Tapiz, 2016

HDO (Hablando de oídas) es un audioblog producto de la factoría Tomajazz, ideado, editado, producido, presentado y mantenido por Pachi Tapiz.


Kontxi Lorente Trío_About Me_Sedajazz Records_2015Albert Sanz - Sedajazz Bigband_l'emigrant_Sedajazz_2015 Alexey León Reyes_Cuba Meets Russia_Sedajazz_2015 maqueta Train to Laveno Miquel Asensio Quartet_Senda Nova_Sedajazz_2015 Thais Morell_Amaralina_Sedajazz_2015 Victor Jiménez_Victor Jiménez & Friends_Sedajazz_2015 Voro García - Toni Belenguer 5tet_Reality Shaw_Sedajazz_2015

Los temas, las grabaciones, los músicos participantes

  • “For the Cat”, “About Bill”
    Kontxi Lorente Trío: About Me (Sedajazz, 2015)
    Kontxi Lorente, Alessandro Cesarini, Borja Barrueta, Perico Sambeat
  • “Segura o tombo da canoa”, “Sambhaliji”, “Amaralina”
    Thaïs Morell: Amaralina (Sedajazz, 2015)
  • “KI”, “Buscando conflicto”
    Víctor Jiménez: Víctor Jiménez & Friends (Sedajazz, 2015)
    Víctor Jiménez, Albert Palau, Iván Cebrián, Alessandro Cesarini, Miguel Asensio. Special guest: Toni Belenguer, Jaume Guerra
  • “Lisboa adormece”
    Albert Sanz & Sedajazz Big Band: L’emigrant (Sedajazz, 2015)
    Albert Sanz & Sedajazz Big Band: Voro García, David Martínez, Pepe Zaragoza, Roqui Albero, Vicent Pérez, Toni Belenguer, Victor Colomer, Paco Soler, Kako Rubio, Joan Saldanya, Víctor Gimenez, Vicente Macian, Javier Vercher, Latino Blanco, Borja Barrueta, Ruben Carles, Albert Sanz. Special guest: Carles Denia, Ganavya Doraiswamy, Sergio Martinez
  • “Train to Laveno”, “Corale nº2”
    Fabio Zambelli, Matt Baker: Train to Laveno (Sedajazz, 2015)
    Fabio Zambelli, Matt Baker
  • “Zoltan”
    Voro García – Toni Belenguer 5tet: Reality Shaw (Sedajazz, 2015)
    Voro García – Toni Belenguer 5et: Voro García, Toni Belenguer, Toni Vaquer, Max Ridley, Santi Colomer. Invitados: Alberto Palau, Ruben Carles
  • “Rectilini”, “Cami a Santa Barbara”
    Miquel Asensio Quartet: Senda Nova (Sedajazz, 2015)
    Miquel Asensio, Javier Vercher, Ruben Carles. Invitados: Joan Soler, Santi Navalon, Ales Cesarini, Carlos Martin, Gianni Gagliardi
  • “Como fue”, “Perséfone”
    Alexey León: Cuba Meets Rusia (Sedajazz, 2015)
    Alexey León, Voro García, Francisco «Latino» Blanco, Javier Vercher, Toni Belenguer, Piotr Orzhechowski, Alberto Palau, Aless Cesarini, Maxwell Ridley, Ruben Carles, Mariano Steimberg, Vicente Espí, String Quartet from the Conservatory of Valencia, Sedajazz children’s choir



Josep-Maria Balanya, Dorantes – Garcia-Fons, Caius Cat, Juanma Barroso, Perico Sambeat, Abe Rábade Trío: Jazzpain. HDO (0042) [Audioblog]

Variedad en la entrega número 42 de HDO con media docena de novedades discográficas que tienen en común la participación de músicos españoles.
Josep-Maria Balanya en don’t mind trabaja en solitario con el piano, tanto modificado como sin modificar. Cada una de las ocho piezas tienen una personalidad propia y diferenciada. La improvisación es una caja llena de sorpresas, que en la obra de este veterano pianista muestra múltiples facetas.
El pianista Dorantes y el contrabajista Renaud Garcia-Fons tienen en común su pasión por el flamenco (entre otras músicas), así como el virtuosismo con sus instrumentos. Paseo a dos se mueve por una amplia variedad de palos flamencos, en los que los dos músicos se entienden a la perfección, y brillan con sus instrumentos.
Caius Cat es el grupo del contrabajista Pedro Martínez Maestre, que residente en Zurich, graba en un sello sueco. Martínez Maestre y el saxofonista Oskar Forsber son quienes se reparten las composiciones de esta grabación. El trío suena muy bien conjuntado y armado, con unos temas sumamente cantábiles, que se pegan apenas tras una escucha.
Pyro’s Mood de Juanma Barroso ya fue repasado en profundidad en Tomajazz por Juanma Castro Medina. No hay mucho más que añadir, salvo que incluye muy buenas composiciones de Barroso, un par de clásicos («Skylark» y «Fall» de Wayne Shorter), y la magnífica «Open Road» de Paco Charlín, pero sobre todo un grupo que suena magníficamente conjuntado, con unos músicos en un espectacular estado de forma.
Perico Sambeat presenta Voces al frente de una big-band en la que aparecen veteranos de nuestra escena (Joan Chamorro, Joan MonnéMarc Miralta…), junto a nuevas voces que están apareciendo con fuerza (Ernesto AurignacJulián Sánchez, Andrea Motis…). Sambeat logra que su big band (que en esta encarnación no visita los terrenos del jazz flamenco), no necesite mirarse en los clásicos de esta manera de entender el jazz. Las composiciones y arreglos de Sambeat, que cuenta con la participación puntual de las cantantes Silvia Pérez Cruz y Viktorija Platovic en cuatro temas, son suficientes para transmitir su propia personalidad. El grupo funciona magníficamente, aunque quien no lo conozca, posiblemente quede sorprendido por el trabajo del guitarrista André Fernandes.
Tránsito es un CD+DVD grabado por el Abe Rábade Trío junto a la Real Filharmonía de Galicia. El pianista gallego recupera «Zigurat» y los tres primeros «Tránsitos», que ya habían ido apareciendo en distintas obras. Añade «Tránsito 4», así como versiones del tango «El día que me quieras», «La Martiniana» y el tema de John Coltrane «Like Sonny». El trío de Rábade funciona como una máquina de precisión perfectamente engrasada. La orquesta tiene la virtud de que su participación varía de tema en tema: en un momento puede servir para crear una enorme masa sonora que da lustre a la música del trío, mientras que en otros momentos tiene una participación más discreta, o directamente deja que el trío sea el protagonista. En unos u otros casos sirve para aportar nuevos matices a las obras del pianista.

Texto: © Pachi Tapiz, 2015

HDO (Hablando De Oídas) es un audioblog editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.

Josep-Maria Balanya_Don't Mind_Laika_2015Perico Sambeat Big Band_voces_karonte_2015 Juanma Barroso_pyro's mood_fresh sound new talent_2015 Dorantes - Reanud Garcia-Fons_paseo a dos_e-motive_2015 CaiusCATtrio
Los temas, las grabaciones, los músicos

  • «Celestial», «Don’t Slap, Slap»
    Josep-Maria Balanya: don’t mind. solo piano (Laika Records, 2015)
    Josep-Maria Balanya
  • «Molto enrollado» (bulerías), «Entre las rosas» (guajiras), «Mar y rayo» (garrotín y livianas)
    Renaud Garcia-Fons – Dorantes: Paseo a dos (e-motive Records, 2015)
    Renaud Garcia-Fons, Dorantes
  • «Friendship», «Arabesque pour Estela»
    Caius Cat Trio: Caius Cat Trio (Do Music Records, 2015)
    Caius Cat: Oskar Forsber, Pedro Martínez Maestre, Raphael Nick
  • «Barro», «Open Road»
    Juanma Barroso: Pyro’s Mood (Fresh Sound New Talent, 2015)
    Juanma Barroso, Ariel Brínguez, Jorge Vistel, Albert Bover, Reinier Elizarde «El Negrón». Special guest: Maikel Vistel
  • «La Voz del viento», «Viejo mundo», «Triptik»
    Perico Sambeat Big Band: Voces (Karonte, 2015)
    Perico Sambeat, Enrique Oliver, Vicente Macián, Ernesto Aurignac, Guim García-Balasch, Joan Chamorro, Voro García, Julián Sánchez, David Martínez, Andrea Motis, Carlos Martín, Toni Belenguer, Víctor Correa, Darío García, Silvia Pérez Cruz, Viktorija Pilatovic, Joan Monné, Martin Leiton, Marc Miralta, Antonio Sánchez, André Fernandes
  • «Zigurat», «Tránsito 2: Deep Cycle»
    Abe Rábade Trío & Real Filharmonía de Galicia: Tránsitos (Karonte, 2015; CD+DVD)
    Abe Rábade Trío: Abe Rábade, Pablo Martín Caminero, Bruno Pedroso; Real Filharmonía de Galicia



INSTANTZZ: Ernesto Aurignac Orquesta (34è Festival Jazz Terrassa, Nova Jazz Cava, Terrassa. 2014-03-15)

34è Festival Jazz Terrassa

  • Fecha: Sábado, 14 de marzo de 2015
  • Lugar: Nova Jazz Cava (Terrassa)
  • Componentes:
    Ernesto Aurignac Orquesta
    Ernesto Aurignac, saxo alto, composiciones y dirección
    Perico Sambeat, saxo alto y soprano
    Enrique Oliver, saxo tenor
    Julián Sánchez, trompeta, fiscorno y dirección
    Pau Doménech, clarinete bajo
    Toni Belenguer, trombón
    Lorena Fernández, trompa
    Patricio Medina, trompa
    Fernando Brox, flauta
    Maripepa Contreras, oboe
    Martín Meléndez, violonchelo
    Tiziana Tagliani, arpa
    Jaume Llompart, guitarra
    Dee Jay Foster, contrabajo
    Ramon Prats, batería
    Carlos Cortés, percusión
    Invitados:
    Blas Córdoba “Kejio”, cante
    Carmen Canela, voz
    Carles Benavent, bajo eléctrico

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© Joan Cortès, 2015




Excelente cosecha de jazz andaluz en 2014 (Parte 2ª). Por Jesús Gonzalo

 

Jazz andaluz, ilusión, alegría y perseverancia , con Tete Leal, Ernesto Aurignac, Julián Sánchez, Enrique Oliver y Carlos Cortés

Jazz andaluz, juventud, humor, ilusión y perseverancia . Con Tete Leal (cerebro y músculo  de la AJM, agarrando el contrabajo), Ernesto Aurignac, Julián Sánchez, Enrique Oliver y Carlos Cortés (el de la guitarrita)

 

Seguimos y concluimos este dossier con una segunda parte que intenta completar la visión de un fenómeno que había que detallar tras las publicaciones en disco que aparecieron en 2014, en las que hubo cantidad, calidad y variedad contrastadas. En nuestra anterior entrega hacíamos hincapié en los cambios y expansión de la actividad jazzística que se han producido en Andalucía en los últimos tres años. Como no creemos en las causalidades, ha sido necesario seguir la pista y al hacerlo hemos ido trazando un mapa de escenas, músicos y agentes que lo han hecho posible.

Hablando de escenas, posiblemente sea la de Málaga, que ya se nombró en la primera entrega de este artículo, la de mayor actividad jazzística de toda Andalucía. En el año 2011 se funda la Asociación de Jazz de Málaga (AJM), asociación cultural sin ánimo de lucro. Su actividad se desarrolla a través de la formación, la organización de talleres, seminarios, masterclass, conciertos y festivales.

 

Oferta de conciertos de la AJM para este mes de febrero

Oferta de conciertos de la AJM para este mes de febrero

 

Lo que empezó como un sueño hoy se trata de un proyecto asentado que cuenta con muchos colaboradores. La AJM posee ya una larga lista de socios  que le ha permite poner en marcha el CAMM, Centro de Artes y Música Moderna de Málaga, ofreciendo una formación pionera en Andalucía en el ámbito de la música moderna y el Jazz subrayando, como nos cuenta su impulsor, Tete Leal, la naturaleza de «una actividad absolutamente autogestionada».

Dos big bands, un conjunto de vientos, un coro gospel, combos de latin, rock, funk,  jazz y swing, y ahora introduciendo formación sobre expresión corporal con yoga y entrenamiento rítmico, conforman su oferta pedagógica para 400 alumnos y que cuenta en su profesorado con nombres destacados del jazz no ya local sino español (como los que aparecen arriba en la foto).

 

La Asociación de Jazz de Málaga compagina actividad formativa con programación en directo estrenando un nuevo Club

La Asociación de Jazz de Málaga compagina actividad formativa con programación en directo estrenando nuevo Club

En la misma provincia, en una localidad que está justo al lado de la capital, se fomenta una oferta intermedia formativa-conciertos nacional-internacional. Se trata del Seminario de Jazz y Música Moderna de Alhaurín de la Torre, que con su inminente edición suma 11 con un formato de concierto-seminario internacional y apoyo presupuestario de su ayuntamiento que también hace posible Portón del jazz, festival de dicha ciudad que cuenta con el apoyo de su ayuntamiento. En el pueblo granadino de Atarfe también se han puesto en marcha con apoyo financiero de su festival de julio.

 

Figura histórica del jazz en directo y dando una master class, Barry Harris pasó por Almería gracias a la Asociación Clasijazz

Figura histórica del jazz en directo y dando una master class, Barry Harris pasó por Almería gracias a la Asociación Clasijazz


 

Acompañada de una clara voluntad didáctica enfocada a pequeños y no tan pequeños, ejemplo para todas las demás, la frenética programación de la Asociación Clasijazz, la más veterana y que más lejos ha llegado en estilos y disciplinas, tiene muy en cuenta la creación andaluza y española y las producciónes propias (ópera, música de cine, big bands, etc) pero también introduce eventos internacionales en formato reducido. Quizá sea la presencia del histórico pianista Barry Harris la más señalada del pasado año.

Huelva JazzYMas

En Huelva se inició en los últimos tres años el ciclo Jazz y Más y también se puso en marcha Jazz en la Higuera. La primera de ellas se postula como la propuesta de una empresa de producción que ya cuenta con apoyos públicos y que reparte su actividad en varias fechas al año y en distintas localidades de la provincia. Por allí han pasado músicos andaluces de la esfera del jazz flamenco, del blues o la canción como Antonio Lizana, Chano Domínguez, Mingo Balaguer, Jorge Pardo o la cantante Vicky Luna. En Punta Umbría, ciudad costera de dicha provincia, se puso en marcha «Festival a orillas del jazz», que tuvo en su programa a los también andaluces O Sister!, Dorantes y Javier Ortí.

El MusicarioCadiz Festival de jazz

Qultura y el Musicario (impulsada por el músico Pedro Cortejosa) son las dos asociaciones radicadas en Cádiz que han unido fuerzas para que el Festival de Jazz de esa ciudad, que venía haciendo la primera de las dos asociaciones, haya  crecido en  la séptima edición del 2014. Asociación El Musicario, desde Cádiz, la segunda asociación que nació en la ciudad en este tiempo y la que ofrece actividades semanales con apertura a otros estilos musicales además del jazz

El Sherry Jazz Festival fue una de las nuevas iniciativas  centrada en la escena andaluza que se puso en marcha en los dos últimos años.

El Sherry Jazz Festival fue una de las nuevas iniciativas centrada en la escena andaluza que se puso en marcha en los dos últimos años.

En este periodo que intentamos trazar alrededor de la producción que nos ocupa, se recuperaron festivales «durmientes» como el de El Puerto de Santamaría que sirvió para presentar el nuevo cuarteto de Julián Sánchez y el de Sanlúcar de Barrameda, o surgieron propuestas como el Sherry Jazz Festival en Jerez de la Frontera. El contexto aquí era difícil, por presupuesto y por el absoluto dominio cultural que el flamenco sigue ejerciendo en esta ciudad, centro histórico de esta música. La falta de apoyo presupuestario para la segunda edición, por parte del ayuntamiento que lo puso en marcha, frustró su segunda edición.

 

Antonio Lizana, joven valor que aborda nuevas fórmulas en el jazz y flamenco

Nacido en San Fernando, como el Camarón, el joven Antonio Lizana aborda nuevas fórmulas entre jazz y flamenco

 

El cartel, exclusivamente andaluz, congregó nombres como los premiados por la muestra Jazzeñe de Madrid el pasado julio, los jóvenes Antonio Lizana e Irene Aranda, e incluía a también a figuras que se nutren del flamenco como Luis Balaguer, Nono García, Carmelo Muriel, Gautama del Campo y los estimulantes grupos Ruchi Manouchi y el flamenco-soul de Jazzoleá.

 

En este periodo que trazamos se puso en marcha en Granada Ool-Ya-Koo, asociación que tiene su base de operaciones en el Pub Magic

En este periodo que trazamos se puso en marcha en Granada Ool-Ya-Koo, asociación que tiene su base de operaciones en el Pub Magic

 

Como decíamos a modo de introducción en la primera entrega de este dossier, el fenómeno asociativo ha sido fundamental en la creación de la realidad actual. En Granada, que tuvo la escena más pujante de Andalucía a mitad de la década anterior  pero se vio perjudicada por la legislación contra ruidos, se puso en marcha esta Asociación Cultural que favorece intercambios con otras de la región. Su sede de conciertos es el club Magic.

 

Jazzwanted nació con el lema “se busca jazz andaluz” hace ya más de tres años, empujado por la “revolución ” que traían las redes sociales. Su imagen, de un cíclope que amenaza a un batería, pertenece al pintor Jean-Michel Basquiat

Jazzwanted nació con el lema “se busca jazz andaluz” hace ya más de tres años, empujado por la “revolución ” que traían las redes sociales. Su imagen, de un cíclope que amenaza a un batería, pertenece al pintor Jean-Michel Basquiat

 

Las redes sociales han supuesto una valiosa herramienta de propagación, concurrencia y difusión de actividad entre las distintas escenas andaluzas. El grupo de Facebook Jazz wanted nació en mayo de 2011 a raíz de un artículo, que firmó quien éste suscribe, en el que se denunciaba la situación del jazz en la región a través de un hecho sucedido a la Andalucía Big Band de Sevilla. Dicha carta-denuncia se titulaba  Jazz Proscrito  y fue publicada en la revista amiga Cuadernos de jazz. Surgió, pues,  como un compromiso que sirviera de plataforma para difundir los proyectos de los músicos andaluces y facilitar los contactos entre profesionales del sector. También, entre sus objetivos,  está intercambiar información y opiniones y publicar anuncios de la actividad de sus miembros. Más de tres años después, el grupo roza los 400 miembros y se mantiene activo como valioso intercambio de información entre músicos y agentes culturales de la región. y no sabemos si sirve de mucho o poco, pues se hace a voluntad, pero las propuestas publicadas en las redes reciben más «me gusta» que los evento financiados públicamente por organismos. Estadísticas hay.

HARRIS EISENSTADT ANDALUSIAN DAY 2 redes

El compositor y baterísta Harris Eisenstadt llegó a Cádiz y Sevilla hace tres años con un proyecto atrevido. Se trataba de dar réplica a su grupo más reconocido internacionalmente Canada Day (que publica su nuevo disco en unos meses) con músicos andaluces, de ahí que la gira, que se extendió durante cinco días, se llamara los “Andalusian Days” de Harris Eisenstadt. Se formó un quinteto y un trío que pasaron por teatros de varias ciudades, se dio una master class y formaron otros combos en el Naima Jazz Café (ver foto aquí). Entre los músicos convocados en esta aventura, que puso en contacto varias escenas del jazz andaluz y nacional, estuvieron  Pedro Cortejosa, Voro García, Arturo Serra, Jaime Serradilla o Baldo Martínez.

 

Azul y negro para Blue Asteroid Records, sello sevillano promovido por club Naima que recupera el diseño clásico de Blue Note

Ya señalamos en la primera parte que para que haya discos (en el formato que sea) deben haber sellos discográficos que los publiquen y estudios que graben la música. Pese a los tiempos que corren para el sector, en Sevilla se puso en marcha -hará año y medio- Blue Esteroid Records. Con est emargen y no sin esfuerzo lleva publicados cuatro títulos, tres de los cuales recogemos en este espacio (Intrology, del saxofonista  Javier Ortí, sale justo estos días).

La estética que establecíamos con el histórico Blue Note, haciendo una reflexión más pausada, parece ir más allá del diseño gráfico. La línea que marca la selección de Jorge Moreno, miembro fundador del club Naima de Sevilla, se mueve con soltura en los amplios principios estéticos del sello que fundó Alfred Lion en 1939. Entre Horace Silver, Freddie Bubbard y Hank Mobley, entre el disco de Jaime Serradilla a trío de piano y el sexteto de Pedro Cortejosa con guitarra eléctrica, se dan no pocos cauces de expresión en la corriente central del jazz y la sofisticación hacia la música popular que representa la modernidad de Blue Note.

Y en medio de ambos estaría el soberbio trabajo del trompetista Daniel Cano.

DANIEL CANO

 

 

 

 

 

 

DON`T TOUCH THE BLUE

DANIEL CANO QUINTET

Daniel Cano (trompeta), Pedro Cortejosa (saxo tenor), Wilfred Wilde (guitarra), Paco Charlin (contrabajo), Jesús Pazos (batería). Blue Asteroid Records

Conocí a Daniel Cano la misma tarde que se subió a tocar con Harris Eisenstadt en el café jazz Naima. Luego me diría el baterista que le gustó cómo tocaba, también lo dijo de Jaime Serradilla, con quien se entendió muy bien. El trompetista afincando en Sevilla, asiduo de clubes londinenses,  colaborador del grupo O sister! y del guitarrista Carlos Bermudo, antiguo miembro del sexteto de los Lakuntza Brothers, ofrece un trabajo rotundo en el que densidad de ideas y claridad en la exposición hacen posible jazz de muchos quilates.

Si en la primera parte ya habíamos trazado un mapa de sonidos lo suficientemente amplio y diverso, en esta segunda, con dos títulos de este mismo sello, nos acercaremos a un jazz perfectamente pertrechado en su lenguaje propio, en su tradición y su apertura. En algún punto fértil entre los años 50 del hard bop y la sofisticación fluida de mediados de los 60 en Blue Note, entre el Miles de y Tom Harrell habría que situar estilisticamente, y en el presente, esta música. El arrebatador inicio tiempos rápidos de bob y cruce de solos de Sin Trom dan paso a Changes, estupenda y moderna pieza de construcción aditiva y creciente en intensidad. El fraseo alargado y en unísonos de saxo y trompeta en el inicio de Plutón,  la pegada groove de Jesús Pazos con la guitarra funky de Wilfred Wilde y el volumen fibroso del bajo de Paco Charlin en ¿Tu siempre tienes que ser el mismo? y también en Plutón, mientras los metales dibujan líneas en suspensión, el soberbio solo de trompeta en el blues que titula el disco, la versión elusiva y hermosa de Chelsea Bridge que endereza Cortejosa con su solo y continua Cano con su entrada, un Monk distraído en la contagiosa y compleja la vez Buenordías, sonidos envolventes en y funky con especias melódicas mexicanas que sugieren, en cuarteto sin guitarra, el emparejamiento de Dave Douglas y John Zorn en Masada... el color del empaste conseguido, los tonos azulados (!que no los toquen!) contorneándose a  ritmo de funky… uno tras otro detalles de sobrado buen gusto y talento.

Jazz gozoso y sin aditivos extras, un sugestivo y sólido viaje por la memoria viva de la mejor Blue Note.

dani cano

 

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CRISIS
MEMORIA UNO
 
1. Conducción #4  13:15
2. Conducción #5  09:34

3. Conducción #8  12:28

Ivo Sans, Carlos Falanga (batería), Marc Cuevas, Alex Reviriego, Johannes Nästesjö, Nicola Lancerotti (contrabajo), Marco Mezquida (piano), Julián Sánchez, Pol Padrós, Alvar Monfort (trompeta), Darío García (trombón bajo), Aram Montagut (trombón tenor), Amaiur González (tuba), Marcel.lí Bayer (saxo alto y clarinete bajo), El Pricto (saxo alto y clarinete), Sergi Felipe, Tom Chant, Gonzalo Levin (saxos tenor y soprano), Joan Mas (saxo barítono), Luiz Rocha, Pau Domenech (clarinete bajo), Valentin Murillo, Juan Saez, Gerard Marsal (flauta), Alfonso Fernández (fagot), Joäo Silva, Gessamí Martín, Stefan Pöntinen, Javier Lecha, Alba Navarro, Violina Pauleta (violín)Alicia Dominguez, Miriam Fernández, Fina Izquierdo (viola), Jordi Claret, Margarida Mariño, Sandrine Robillard, Pilar Rueda, Ana Karent (cello)
 
Conducción: Iván González ( 1,2,3), Albert Cirera (2). Grabado en directo el 18 de junio de 2014 en el Ateneo Barcelonés. Portada realizada por Ivo Sans
La improvisación libre nace a medidos de los años 60 y se impulsa en los 70 canalizando actitudes estéticas que aunque tenían sus cimientos en las expresiones más avanzadas del free jazz, la música contemporánea y otras disciplinas plásticas (Fluxus/Cage) como la danza, el arte de acción y estilos musicales como el rock. El fluir de la creación convenientemente canalizado llegó con las conductions de Lawrence ‘Butch’ Morris.  Escuchar al maestro que nos dejó hace dos años (29 de enero) es la mejor manera de ubicar esta obra del trompetista malagueño, pues fue él el que dio forma a este sistema que se desarrolla sobre forma y estructura. Tres piezas, composiciones en tiempo real como proceso instantáneo, son las piezas que definen Crisis.

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¡¡Atención!!…uno, dos, tres… «Crisis». El malagueño Ivan González y sus gestos de conducción orquestal instantánea en el proyecto colectivo Memoria Uno, desde Barcelona.

Llama la atención la cantidad de cuerdas (violín, violas y chelos) que hay en este grupo, cuestión que condiciona el resultado y apunta modos que lo acercan al lenguaje contemporáneo basado en «masas o nubes» de sonido (Ligeti). El segundo factor que se aprecia a primera vista en esta plantilla que busca equilibrios de color y potencia es la aparición de metales y maderas de registro bajo (trombones y clarinetes bajos), que proporcionan volumen, cuerpo y empuje.
Ivan González,  que además es miembro de la Free Art Ensemble, estimulante contenedor de escenas como la barcelonesa y la andaluza que se ha visto reforzada por su colaboración con Agustí Fernández (autor de las líneas que incluye el disco), parte de un concepto integrador y expansivo. Moldea la creación colectiva como un escultor perfila el bronce, como un pintor elige los colores y los tonos. El resultado, que evita los trazos figurativos para jugar con las texturas, es conmovedor, desestabilizador y hermoso. Como un cuadro de Jackson Pollock el ruido inteligente y el fenómeno orgánico están hechos de precisión, azar e intuición en los gestos personales y colectivos.
Efusivo pero también medido sin leer papel, es «Crisis», como indica Fernández aludiendo al  origen etimológico de la palabra en chino, un principio de acción que nos conecta con la más moderna creación de nuestros días, aquélla que sintetiza corrientes de la música contemporánea y de la improvisada componiendo en tiempo real.

 

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 J. VINUESA & THE MONKEYS CO.

STANDARDS DEES 

Paul Stocker (saxo alto #3 – #4),  Eric Sánchez (trompeta y flugelhorn) , Juan F.G. Vinuesa (tenor y alto saxos),  Vania Cuenca (contrabajo y flugelhorn bajo),  José Sarrión (batería y percusión), Sergio Díaz(batería), Miguel Pimentel (contrabajo),  José Ignacio Hernández (piano), Juan Sánchez (percusión). Clamshell Records

Le cuento que voy a hacer este dossier y que cuento con su disco. Me dice que no es andaluz. Le contesto que eso no importa, si estás rodeado de músicos granadinos…Con lo que tira Granada…Allí se concibió este trabajo, el único de todos los elegidos basado en standards. Juan Vinuesa es músico de jazz e investigador del área de música contemporánea del Departamento de Música de la Universidad de Granada, donde desarrolló investigaciones en la especialidad de jazz en la segunda mitad del siglo XX. Es en este periodo donde establece su conexiones con la escena local de la ciudad de la Alhambra, que recoge aquí algunos de sus mejores músicos. ¿Entonces de dónde eres, Juan? De Albacete, contesta. Ya está, pienso, igual que el sello Clamshell, una de las noticias más estimulantes del panorama discográfico nacional de los últimos años. Se antoja «especial» esta propuesta en un catalogo dedicado a la improvisación libre…pero esto es jazz jazz, de Sonny Rollins hasta Coltrane, pasando por Monk o Dizzy Gillespie, como en el dicho, del cuerno al rabo todo es jazz aquí..

Desde Granada con amor y swing, siendo de Albacete, esta es la banda con la que el saxofnista Juan Vinuesa recupera y renueva la memoria viva de grandes clásicos de la modernidad

Desde Granada con amor y swing, siendo de Albacete, esta es la banda con la que el saxofnista Juan Vinuesa recupera y renueva la memoria viva de grandes clásicos de la modernidad

Para mí la grabación es una continuidad a mi primer disco de 2007 (junto con Vicente Espí a la batería  y Julio Fuster y Amadeu Adell al contrabajo), y al mismo tiempo un punto y aparte en mi actividad jazzística desde que volví de Copenague y a mi paso por Valencia». Claro que con una formación tan generosa y expresiva (Paul Stocker es irrenunciable) como The Monkeys Co., la cosa cambia. «Desde que me volví de Granada trabajo con dos secciones de ritmo distintas, una andaluza y otra manchega. Siempre intento tocar con contrabajistas y baterías que se entiendan, en parejas, en este caso Vania Cuenca y José sarrión (en la sección manchega) y Sergio Díaz y Miguel Pimentel (en la andaluza).

Vinuesa ha escrito unos arreglos que dan impulso renovado a estos clásicos, una lista que sólo con verla ya suscita curiosidad y asombro. En resumidas cuentas, esta lectura de standards, que se sitúan entre los años 50 y principios de los 60 y que abarca un arco que va de Duke Ellington a Ornette Coleman, dan una idea del trabajo que había que hacer. «El disco es una jam de tres días grabada en tomas completas de directo y enlatada con metodologías de los sesenta en cuanto a tomas, medios y sonido «. La frescura, el empuje y la decisión con la que se expresan los músicos, la energía final de estas versiones, diría que tienen en la escritura y la presencia de Sotocker un regusto final de Mingus y la escuela holandesa, es decir, algo muy potente y sugestivo.

Un disco que se escucha una y otra vez y que no sólo te reconcilia con el pasado, sino con el momento.

 

VERDEO

LUIS BALAGUER VERDEO QUINTETO
Luis Balaguer (guitarra española), Pedro Cortejosa (saxos tenor y soprano), Arturo Serra (vibráfono), Jose López (contrabajo), David León (batería y percusión) New Step Records, 2014

Si hay algo característico que ha construido en Verdeo (New Step Records, 2014) este artesano exquisito, meticuloso y tranquilo que es Balaguer es precisamente el juego cromático. Con una combinación instrumental única en el panorama nacional (que me corrijan si me equivoco), uniendo el sonido de su guitarra española a un vibráfono, lo que desprende este formato es un singular juego cromático que acentúa y se recrea en la belleza serena y marina que emana de estas composiciones originales.

 El Verdeo Quinteto, con Luis Balaguer, David León, José López, Pedro Cortejosa  y Arturo Serra, durante las sesiones de grabación en Granada. Frío con risas

El Verdeo Quinteto, con Luis Balaguer, David León, José López, Pedro Cortejosa  y Arturo Serra, durante las sesiones de grabación en Granada. Frío con risas

Composiciones que son instrumentales, pero podrían ser canciones, bastaría con que alguien las tarareara. Sin caer en un falso lirismo, el carácter melódico de sus temas tampoco deja huella al tópico jazz-flamenco o a la acaricia fácil. Sus títulos hablan por sí mismos… “Las Golondrinas”, “Jilguero”, “La Buena sombra”, “Velo de Lágrimas”, “Miramar”… palabras que son una confesión sobre el existir, postales de la cercanía o de aquellos veranos de la infancia en Cádiz…

Un palpitar sin prisas, una simple observancia del paso del tiempo fijada a un recuerdo o a una imagen, en la música de Verdeo hay elemento evocativo que convierte en  respiraciones a los instrumentos cuando éstos se acercan a la orilla del mar (“Miramar”)… Los músicos no son músicos, son elementos de la naturaleza, como en la música de la India…

 

PEDRO CORTEJOSA OCHO CD COVER 001

 

 

 

 

 

 

OCHO 

Pedro Cortejosa (saxos), Carlos Pino (guitarra), Juan Galiardo (piano y teclados), Paco Perera (contrabajo), David León (batería y percusión). Blue Asteroid Records-CMC

Conceder la relevancia a Pedro Cortejosa en todo lo que ha sucedido en el jazz andaluz este tiempo -y ya antes, cuando todo estaba más atomizado- es hacer justicia. Cuenten si no las veces que aparece su nombre en estas líneas. Pero por encima de esa presencia focalizada en distintos proyectos, acaso sea su personalidad creativa, inquieta, insaciable, lo que hace de él una figura fundamental y le coloca, pese a su veteranía, en la cabeza de las ideas más nutritivas. Comentamos este trabajo y ya tiene dos mezclándose, uno a dúo de improvisación electroacística con David léon y otro en quinteto que se llamará 12 días, «otro experimento sin pretensiones de ser disco» que fue tomando forma casi sin querer: se marcó como objetivo escribir una composición o al menos unas anotaciones basadas en su actitud emocional de ese día. Cuando se completó el número surgió la idea de grabarlo en un solo día y sin ensayos. «Y puede que sea mis trabajo más maduro», apunta.

Incluso para los que creemos saber de lo que es capaz, basta los primeros compases de este disco para desmoronar cualquier pretensión preconcebida del sonido. «Ocho» es un trabajo exquisito. Y cuando se usa este adjetivo se hace con todas las consecuencias. Es jazz y no es jazz. Es refinación, diría que por encima de todo es destilación de sus trabajos previos y al mismo tiempo un paso más. Lo que más me gusta de esta música es el cuidado por el detalle, el color instrumental que ha conseguido y esas cadencias envolventes y sugestivas. Y luego, además de ese elemento formal, está la construcción de un estilo. Por eso decíamos en la introducción sobre el sello Blue Esteroid que había conexiones – o mejor filtraciones- del sonido Blue Note.

Foto con Ocho

El grupo de Pedro Cortejosa en «OCHO» con Paco Perera, David León, Jorge Moreno (responsable del sello Blue Asteroid Records), Pedro Cortejosa, Carlos Pino y Juan Galiardo

Para llegar hasta aquí, haciendo un poco esa labor que nos obliga una profesión hecha también con microscopio más que telescopio, el saxofonista gaditano ha tenido experiencias previas que diría le han conducido, igual de manera puramente intuitiva, a la construcción de este interesante sonido.  Entre el cuarteto acústico y el trío eléctrico de saxo en Simetrías, el músico recupera el formato de quinteto con saxo y guitarra. El esclarecedor título Song Book Trío, en el citado Simetrías, no sólo fue el inicio de una fructífera alianza que sigue en Corleone con el versátil, imaginativo y musculoso baterista y percusionista ceutí David León, también significó en las melodías un mensaje de canción y en el sonido una búsqueda por la hibridación acústica y eléctrica. Dos conceptos que aquí se presentan de manera más naturalizada y suave en el emparejamiento de Juan Galiardo y Carlos Pino reforzado por  el sutil trabajo de Paco Perera.

Los números son más que números, esconden relaciones no visibles y cierta simbología mágica…»OCHO» empieza y termina en «o»…Otra Simetría colgada de un amuleto que inspiró con sus agujeros ondulantes al cruzarse esta visión. «OCHO», una síntesis y un paso nuevo del mejor Cortejosa en el valioso Trivio. Pasajes de refinación y gusto. Blues, jazz y pop mezclados en sus justa medida.

Gira de presentación de «OCHO» por Andalucía

Portada de “UNO”, en el pie de imagen la ilustre nómina de colaboradres

Portada de “UNO”, en el pie de imagen la ilustre nómina de colaboradres


 

 

 

 

 

 

 

 
 UNO

Ernesto Aurignac Orchestra

Ernesto Aurignac (saxo alto, composiciones y dirección), Perico Sambeat (saxo soprano y alto), Enrique Oliver (saxo tenor), Julián Sánchez (trompeta y fliscorno), Toni Belenguer (trombón), Fernando Brox (flauta), Maripepa Contreras (oboe y corno inglés), Pau Domenech (clarinete bajo), Lorena Fernández (trompa), Javier Cámara (trompa), Martín Meléndez (chelo), Tiziana Tagiani (arpa), Jaume Llombart (guitarra), José Carra (piano y Fender Rhodes), Dee jay Foster (contrabajo), Ramon Prats (batería), Carlos Cortés Bustamante (percusión), Gerardo Núñez (guitarra flamenca), Carme Canela (voz).

Círculo de UNIDAD…Grabación de «UNO» el verano pasado en Barcelona

Monumental trabajo para gran formato y secciones que incluyen a maestros tan indiscutibles como Perico Sambeat, Jorge Pardo, Carme Canela, Gerardo Núñez y  Carles Benavent con otros que se abren paso como Julián Sánchez, Ramón Prats, Dee Jay Foster, Jose Carra, Enrique Oliver, Carlos Cortés o Jaume Llompart. Un contexto orquestal en el que caben vientos de metal como trompa o de cuerda como cello y arpa, además de percusión afrolatina.

El proyecto es sumamente ambicioso, tanto en lo musical como en la producción,  como imaginan viendo esos nombres… A primera vista, centrándonos en el grupo instrumental, el empaste que se pretende conseguir resulta interesante. La combinación de un conjunto de medio formato de jazz (base rítmica con piano y guitarra eléctrica, percusión, tres saxofones, trombón y trompeta) al añadir tres trompas, oboe, clarinete bajo, chelo y arpa es enormemente expresiva si se le saca provecho.

Los estilos que definen este proyecto, desmintiendo al título, no son “uno” ni es sólo jazz, son múltiplos de sí mismos de ahí el enfoque de orquesta mixta que contiene elementos tan distantes como percusión afrolatina y arpa, que puede sonar a Coltrane, a Stravinsky, a Mancini, a bolero o a bebop. UNO, dice su autor, tiene la intención de que «ninguna parte, ningún miembro de este organismo prevalezca o fuera más importante que otros».

Por fin Aurignac tuvo su premio al llenar el Teatro Cervantes de su ciudad el pasado 4 de noviembre con este gran proyecto. En estos días se publica el DVD de dicho concierto.

Sesión de grabación de UNO, dirección a cargo de Julián Sánchez

Sesión de grabación de UNO, dirección a cargo de Julián Sánchez

© Jesús Gonzalo, 2015




INSTANTZZ: The Black Saint and The Sinner Lady Ensemble (Avuijazz 2014-15. Vila-Real, Castellón. 2014-12-05)

Avuijazz 2014-15

The Black Saint and The Sinner Lady Ensemble

  • Fecha: Viernes, 5 de diciembre de 2014
  • Lugar: Auditori Municipal Rafael Beltrán, Vila-Real, Castellón
  • The Black Saint and The Sinner Lady Ensemble (producción de Jimmy Glass)
    Voro García: trompeta
    Sergio García Aleix: trompeta
    Perico Sambeat: dirección, piano, saxos alto y soprano
    Borja Baixauli: saxo tenor
    Latino Blanco: saxo barítono
    Toni Belenguer: trombón
    Joel Díez: tuba
    Luis Regidor: guitarra
    Santi Navalón: piano
    Ales Cesarini: contrabajo
    Miquel Asensio: batería

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Fotografías: © Antonio Porcar, 2014




El XXVIII Festival de Jazz de Málaga premia la creación local

Con algo de retraso pese a su pronta redacción, por fin ofrecemos la crónica de este festival con el que se abría paso el jazz en el mes de noviembre. Llegábamos a Málaga con la clara intención de centrar nuestra atención en los proyectos que estrenaban por primera vez Ernesto Aurignac y José Carra. Ambas citas, protagonizadas por músicos de una misma generación y ciudad, se desmarcaban del resto no ya por el hecho de ser locales sino por estar construidos sobre un importante andamiaje compositivo y, a causa de lo anterior, disponer de una plantilla instrumental mixta – más variada y amplia en el caso del saxofonista- entre instrumentación clásica, de cámara y jazz. La comprensible cancelación de Lou Donaldson por enfermedad el miércoles 5 y que este cronista no asistiera al concierto de clausura el día 9 con Chano Domínguez con Niño Josele, reduce este análisis, sin tener en cuenta las actividades paralelas, a los conciertos de los malagueños, el cuarteto de Kurt Rosenwinkel y el trío de Abe Rábade.

Antes, y haciendo un balance general previo, habría que añadir que el programa de esta XXVIII edición – segundo festival más longevo en Andalucía tras el debilitado presupuestariamente de Granada-  manifiesta una reconocible y reciente inclinación  hacia la creación española y local -saldada con mayor éxito de público que el resto de la oferta- pero evidencia una confusa distribución horaria y espacial que acentúa la sensación de apelotonamiento de propuestas y concentración de actividades en una única semana.

Ernesto Aurignac Orchestra: UNO.  Martes 4, Teatro Cervantes

Ernesto Aurignac (saxo alto, composiciones y dirección), Perico Sambeat (saxo soprano y alto), Enrique Oliver (saxo tenor), Julián Sánchez (trompeta y fliscorno), Toni Belenguer (trombón), Fernando Brox y Tete Lea (flauta), Maripepa Contreras (oboe y corno inglés), Pau Domenech (clarinete bajo), Lorena Fernández (trompa), Javier Cámara (trompa), Martín Meléndez (chelo), Tiziana Tagiani (arpa), Jaume Llombart (guitarra), José Carra (piano y Fender Rhodes), Dee jay Foster (contrabajo), Ramon Prats (batería), Carlos Cortés Bustamante (percusión), Carles Benavent (bajo), y Carme Canela (voz).

La fe mueve montañas… y esto más que voluntad ha sido fe. Nadie podrá recriminar al contumaz saxofonista que si crees y quieres consigues tu premio: estrenar su proyecto, hacerlo en el teatro más emblemático de su ciudad, meter más público que nadie en este festival y salir casi a hombros con todos los ejemplares del CD vendidos. Las bases de esta idea madurada y producida en los últimos dos años y medio -hace tres estaba subido en este mismo escenario también en su jornada de apertura junto a su cuarteto- ya los ofrecimos aquí en el artículo de  presentación de UNO. Ahora entraremos un poco en cómo sonó en su estreno y lo que acabó siendo una «fiesta Aurignac».

 

Ernesto Aurignac Orchestra 08

El proyecto es sumamente ambicioso, tanto en lo musical como en la producción que requiere, de ahí que el esfuerzo para llevarlo a cabo, sin ayudas públicas realmente significativas, haya tenido que ser equiparable… A primera vista, centrándonos en el grupo instrumental, el empaste que se pretende conseguir resulta interesante. La combinación de un conjunto de medio formato de jazz (base rítmica con piano y guitarra eléctrica, percusión, tres saxofones, trombón y trompeta) al añadir tres trompas, oboe, clarinete bajo, chelo y arpa es enormemente expresiva si se le saca provecho. Este punto hay que recalcarlo porque a nivel solista y de invitados tendrá que ser mejor rentabilizado con el fin de poder ser exportable.

Los estilos que definen este proyecto, desmintiendo al título, no son «uno» ni es sólo jazz, son múltiplos de sí mismos, que requieren de esta orquesta mixta que contiene elementos tan distantes como percusión afrolatina y arpa. UNO, dijo el autor ante el micrófono, tenía la intención de que ninguna parte, ningún miembro de este organismo prevaleciera o fuera más importante que otros. Esa era la intención, pero incluso en una orquesta siempre hay elementos preponderantes, y aquí los hubo.

Aunque no se notaron en el preludio coltraneniano que es «Sephirot». Toda la materia orquestal vibra y crece en su respiración impresionista como una nube. Un deleite percibir el empaste del conjunto, arpa, trompas, metales, guitarra, percusión, todo está ahí, agitado por el viento de los compositores clásicos y el empuje oriental del gran Coltrane. Es el trompetista Julián Sánchez quien, como en posteriores ocasiones, dirige y da plasticidad a la banda en ese estallido de color y movimiento en alturas. Es, para quien esto suscribe, uno de los mejores momentos de un concierto en el que Aurignac favorece la combinación dos a dos de temas, con o sin puentes.

Ernesto Aurignac Orchestra 04

Dos a dos, en sentido inverso al disco,  llegan los destacados «Génesis» y «Jerusalem», temas de contenido bíblico aunque sin matices judíos que se sitúan en el centro del proyecto. «Génesis» es una rendición sobre Historia de un Soldado de Stravinsky y «Jerusalem» se aleja de la mítica ciudad de las tres religiones para acercarse al terreno animado de Mancini sobre modos coloreados y amenos, con la flauta cómplice, de rumba – cha cha chá,  y un break en tiempo bebop en el que surgen rotaciones en solos de Enrique Oliver, Jaume Llompart y el brillante, en sonido y ejecución, dándose la vuelta desde la posición de director y mirando al público, de un necesario y fundamental esta noche Julián Sánchez. Como lo fueron los maravillosos solos que nos regalaron Ramón Prats y Dee Jay Foster, algo que merece ser revisado en la grabación que se hizo en vídeo y sonido del directo.

Otro solo memorable lo ofreció el trombón de Toni Belenguer, fuera de registro típico del género, muy gaseoso, anunciando el bolero «Sophia», debilidad de estilo marca de la casa Aurignac que es cantado como sólo ella puede, llevándolo más allá de la tradición, por una Carme Canela que no recibió el volumen de sonido necesario. El solo del saxofonista malagueño, dueño de la noche, es el que mejor ofreció. Sánchez entra aquí con fliscornio. «Baal Zebú» y «Pericles» van emparejados, tienen empuje rítmico en un interesante estilo latin eléctrico (Carra al teclado) que deja espacio para el solo de Perico Sambeat.

Me gusta mucho, cerca del final, «Isaías 40-22», otra alusión bíblica no judaica. Vuelve la dirección de Sánchez, elevando este blues que respira a Miles Davis («All blues») hacia texturas y ambientes desestabilizadores de lo tonal. Y lo hace desde abajo hasta arriba. Carles Benavent, invitado que hace de rogar Aurignac en su presentación, entra con un solo lleno de virtuosismo y sentido sobre el tema aflamencado que le sigue. Es en la segunda mitad donde se escuchan los solos del violonchelista cubano Martín Meléndez y el clarinete bajo Pau Domenec. «Nefesh Lee», un bis de metales, con preciosa introducción y pase a dixieland imantado por el espíritu de Charlie Parker, pone fin a esta auténtica fiesta Aurignac

Hagamos una pequeña parada en esta crónica para el cuarteto de Kurt Rosenwinkel. Incluir este proyecto, el de músico que se crece en los de otros, tras contar con alguien de la avanzada edad de Donaldson, junto con el resto de la configuración del festival, hace tambalear la solvencia de los criterios de programación… El guitarrista es mucho mejor acompañante que líder. Ya sabemos que hay un montón de fieles aficionados a la guitarra, ya leímos en el  programa de mano lo que -se dice- escribió Bill Frisell de él. No es ni el continuador de Frisell, ni el de Metheny ni el de Scofield. Rosenwinkel escribe bien, muy bien, los inicios de sus temas, e incluso por momentos el grupo contagia cierta intensidad colectiva en el discurso central. Pero su fórmula con piano, que ya probó junto a Brad Mehldau y aquí con la ausencia del anunciado Aaron Parks -otro nuevo niño prodigio-, jamás contagia ni como música ni como mensaje con un desarrollo coherente y sólido. Y si lo hace es cuando el trío de piano se queda solo. Una lástima.

José Carra 05

José Carra El Camino.  Viernes 7, Teatro Cervantes

Jose Carra (piano), Beatriz Pessoa (voz),  Enrique Oliver (saxofón y clarinete bajo), Romeu Tristao (contrabajo), Joao Lopes Pereira (batería), Carlos López (percusión).

Sección de cuerda: Mario Navas, violín I (solista), Javi Gregori, violín I, Lorenzo Triviño, violín I, Sergio Martínez, violín II, Sara Muñoz, violín II, Ana María Navarro, violín II, Francisco José Fernández, viola, Ana González, viola, Alejandro Martínez, violonchelo, César Jiménez, violonchelo, Alejandro Escalera, palmas y nudillos. Producido por Jose Carra y Antonio Romero

The Wild Bunch es un grupo de Jose Carra que nada tiene que ver con éste, aunque sirva de núcleo para darle forma. Sí que mantiene más relación estética, pero  tampoco demasiada, con su trío y aquél excelente disco Ewig, que compartió con Ramón Prats y DeeJay Foster.  Su proyecto, acertadamente incluido en el programa de este festival, se basa como el de Aurignac en composición y plantilla mixta de jazz y, en este caso con bastante más acento clásico que el del saxofonista, conjunto de cuerda.

El concierto se concibe sobre una estructura en quinteto más percusión con dos elementos centrales que son la voz de Beatriz Pessoa (sin letra, declamando líricamente las notas) y saxo tenor (no bien dimensionado en sonido por los técnicos) de Enrique Oliver. La música se inicia con una voz en off recitando un poema del que no se aprecia bien el mensaje ni el sentido musical del mismo, aunque deja entrever, en ese recurrente uso de bases de voz programadas que recuerdan al teatro, una conexión directa con el fenómeno romántico. Esta anunciación tenía ese fin, poner el punto de salida a un «Camino» que parecía quedar descrito en una narración hecha de distintas paradas o distintos pasajes. El conjunto de cámara apareció justo al final.

José Carra 04

Carra se entrega al perfume de la sensibilidad aterciopelada, a la sublimación melancólica, al deleite contagioso y consabido de la voluptuosidad y delicadezas del canon estético Romántico, en una mezcla entre emociones aéreas y motivos minimales que citan a Steve Reich acercándolo al pop en ese encuentro. El encuadre de voz y saxo sí es interesante, ella con onomatopeyas, él alargando y dando empuje  a la melodía. Buenos unísonos, un emparejamiento que podría hacerse aún más descriptivo. Una fórmula de voz/saxo que nos recordó al grupo alemán Schultzting, que ganó hace un montón de años el concurso de Granada para jóvenes menores de 30. Por cierto, no creo que la media de este grupo alcanzara esa cifra con los tres portugueses, estupendos músicos de gran finura y técnica, con mucho por decir Romeu Tristao (contrabajo) y Joao Lopes Pereira (batería).

El paseo por este camino con paradas de desigual destino, algunas por las que el oyente ya parecía haber pasado antes, tiene quizá su mejor expresión con la entrada del conjunto de cámara, que casi sin ensayo previo encaja a la perfección su parte escrita en el discurso jazzístico del quinteto (sexteto con percusión). Escucharemos y comentaremos la versión en disco esperando y deseando, como todo lo que surge y empieza  a caminar, crezca y encuentre nuevos senderos de expresión más terrenales. La poesía o la belleza no son una cuestión de lirismo, es una apreciación sobre la realidad, y pueden ser duras, desagradables, divertidas e incluso feas. Pero deben sentirse como un acto de verdad. Faltaron otros paisajes en El Camino.

Abe Rábade Trío 01

 Abe Rábade Trio VerSonsSábado 8, Teatro Cervantes

Abe Rábade:  piano, Pablo Martín Caminero: contrabajo, Bruno Pedroso: Batería

Escribí del primero, segundo y luego me llegó el tercero de sus discos a trío. Pude verle en directo, en sus comienzos, dentro de un contexto que favorecía lo efusivo y la pirotecnia. Han pasado 10 años desde aquél Ghu! del 20o4, él sigue fiel al concepto de trío pero su pianismo ha madurado de un modo que han convertido su capacidad técnica y su muy resuelto y vigoroso sentido del ritmo en algo más que empuje melódico: ha conseguido crear intensidad melódica. Bien respaldado por el muy activo, casi tanto como el pianista, Pablo Martín Caminero, acaso uno de nuestros mejores contrabajistas, y por la batería abierta en gestos y texturas aéreas de Bruno Pedroso, el pianista galego deleitó a un público al que tuvo que entregar hasta dos bises, uno de ellos una rendición sobre Haendel. Es posible que en este cruce espontáneo, en esa construcción precisa e inspirada del conjunto, esta música abierta y veraz pudo ser el mejor ejemplo de aquella semana de lo que el jazz ha significado, significa y será.

Texto: © Jesús Gonzalo, 2014
Fotos: © Daniel Pérez / Teatro Cervantes, 2014




Ernesto Aurignac presenta «UNO», el proyecto más ambicioso del año

Ernesto Aurignac Festival Jazz Malaga 2014

Cartel de presentación de UNO
Obra gráfica de Arkaitz del Río y diseño de Marian Martí Requena

 

  «Siempre soñé con un día grabar este trabajo en disco, con mis amigos y músicos favoritos. Este sueño está a punto de hacerse realidad. He grabado en muchos discos como sideman, pero nunca a mi nombre. Esta es la primera vez, mi carta de presentación…Y luego lo intentaré en directo. Mi ilusión es máxima».

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Hace un par de años alguien tan activo en las redes como nuestro protagonista parecía haber desaparecido. Le seguimos la pista en ciertas citas pero no entendíamos ese aislamiento. La justificación nos venía dada por amigos cercanos: «está escribiendo». Hasta ese momento uno tenía la impresión de que el músico era un gran improvisador. Le conocí con Sindicato Ornette, y aquella experiencia suponía en la mayoría de las veces un salto sin red. Fue Julián Sánchez, el fundametal trompetista de dicho grupo, quien me hizo un breve pero sustancioso resumen de su relación musical con Aurignac. En él me llegó a decir que desde siempre Ernesto había tenido en la cabeza una inquietud por la organización escrita, por componer, vaya. Que mientras fundaban Sindicato Ornette, en «pisos de estudiantes», ahí se oía de todo, Ornette Coleman y también Stravinski.

Ese tiempo de silencio ha sido suficiente para reunir fe y voluntad inquebrantables. Tantas para llegar a materializar el próximo 4 de noviembre de 2014 este enorme proyecto en el Teatro Cervantes de Málaga. He sido testigo – más bien indirecto, porque sino lo habría sufrido- de la gestión y esfuerzos que ha conllevado este escueto y acertadamente llamado UNO. Será el primer disco del malagueño, y tras pasar por el estudio el pasado verano, con todos los protagonistas sobre el escenario, será inmortalizado en vídeo durante su estreno absoluto. Igual no hay mejor lugar para un malagueño como Aurignac que hacerlo en casa,  pero uno se pregunta, en este provinciano pastel autonómico, si podría ser ése el único teatro que acogiera, con ciertas garantías y el mínimo apoyo público para su producción, un proyecto que abarca al JAZZ como género, a la creación hispana, andaluza y catalana (recordemos que también se formó en Barcelona).

Gerardo Núñez, Ernesto Aurignac y Jorge Pardo

Gerardo Núñez, Ernesto Aurignac y Jorge Pardo

Monumental trabajo para gran formato y secciones que incluyen a maestros tan indiscutibles como Perico Sambeat, Jorge Pardo, Carme Canela, Gerardo Núñez y  Carles Benavent con otros que se abren paso como Julián Sánchez, Ramón Prats, Dee Jay Foster, Jose Carra, Enrique Oliver, Carlos Cortés o Jaume Llompart. Un contexto orquestal en el que caben vientos de metal como trompa o de cuerda como cello y arpa, además de percusión afrolatina.

 

Grabación en estudio de <i>UNO</i>, con la participacion de Carles Benavent

Grabación en estudio de «UNO», con la participacion de Carles Benavent

Me gusta el cartel, va con la personalidad de Aurignac. La plasticidad en collage dinámica y viajera realizada por Arkaitz del Río  -imagen de cabecera de este artículo- sirve para visualizar  los sonidos que contiene esta ambiciosa propuesta. Es un lienzo que evoca a otros conglomerados artísticos de la música popular de los Beatles en Sgt. Peppers, de Frank Zappa en Grand Wazoo pero sobre todo el empuje aéreo de la portada de Miles Davis en Bitches Brew. En suma, Ernesto Aurignac indaga en los recursos de un concepto aglutinador por medio de una verdadera orquesta, no big band. El saxofonista ama por igual a Parker como a Ornette Coleman, quizá más al primero. Ama los standards, ama el bolero, le gusta la melodía y volar alto o raso, rápido o lento sobre ella. Flamenco, blues, bolero, bebop, UNO es un puzzle de las corrientes principales del jazz traídas por el músico andaluz hasta el presente con sumo respeto y emoción. Con un sentimiento profundo y personal que él hace colectivo sumando voluntades. Un montón de voluntades.

Ensayos previos con Perico Sambeat (primer plano) y Enresto Aurignac (al fondo)

Ensayos previos con Perico Sambeat (primer plano) y Ernesto Aurignac (al fondo)

¿Y cómo suena UNO? En la entrevista publicada en Tomajazz este pasado mes de agosto nos daba unas pistas…»Pues supongo que genial, es una experiencia nueva, será fluido, espontáneo, tendrá algo de clásico, algo de contemporáneo, muy musical, no abierto, porque va canalizado, pero seguro que en directo esto crece. Tendrá algo latino, algo de bolero, de bossa, de blues, standards con arreglos, porque me gustan, es decir, será una batidora moderna de estilos clásicos”.

Tres de los mejores saxofonistas juntos: Ernesto Auignac, Enrique Oliver y Perico Sambeat

Tres de los mejores saxofonistas juntos: Ernesto Auignac, Enrique Oliver y Perico Sambeat

En esa línea de una escritura de memorias – o mejor aún de visiones- el músico explica los motivos que inspiran las piezas que conforman UNO… Un título que a todos nos invita a pensar en el mayor de los músicos de jazz: John Coltrane.»‘Ain Soph Aur‘ es el origen, es el átomo, es el viento impresionista que colorea Ellington; ‘Jerusalén‘, podría estar hecha de sonidos contemporáneos y estética ‘Konitziana‘ (Lee Konitz) que nos adentra en un entramado de espiritualidad mediante un color circense; ‘Nefesh Lee‘ evoca los instintos del alma de manera minimalista, virtuosa y espectacular a la vez; ‘Astrologic‘ es un viaje, un sueño al más allá, una oda ilusionista volátil; ‘Pericles´ es el más sabio, su nombre, un juego latino, un interludio de otra galaxia; ‘Isaías 40-22‘ es la expansión del universo, una sensación plástica única; ‘Sophia‘ es la frágil luz que asoma tentaciones, dulces sueños provocadores, y tú, fina miel, danzas pura en amargos dulces;  ‘Génesis‘ tiene influencias stravinskyanas, surrealismo romántico; ‘Samadhi‘ ¿es flamenco, música celta, jazz?… Supongo que es fruto de una conciencia que alcanza la unidad con lo divino y que da sentido a todo, a nada y al UNO«. Una sentencia que firmaría Coltrane….

Panorámica de la orchestra con la dirección de Julián Sánchez durante la grabación de UNO

Panorámica de la orchestra con la dirección de Julián Sánchez durante la grabación de UNO

 

El Teatro Cervantes es donde el festival de cine de Málaga tiene su sede. En su entrada ponen una alfombra roja extendida por la que se pasean las estrellas… Los músicos que estarán allí el día 4, martes, son estrellas sin alfombra. No la necesitan. Con gran esfuerzo e ilusión, Ernesto Aurignac los ha reunido para presentar una música de siempre y de ahora. UNO,  tributo a una divinidad propia.

Texto: © Jesús Gonzalo, 2014

Video:

Ernesto Aurignac Orchestra presenta UNO
Festival de Jazz de Málaga
Martes 4 de noviembre de 2014. 21:30

Ernesto Aurignac (saxo alto, composiciones y dirección)

Perico Sambeat (saxo soprano y alto)

Enrique Oliver
(saxo tenor)
Julián Sánchez (trompeta y fliscorno)
Toni Belenguer (trombón)
Fernando Brox (flauta)
Maripepa Contreras (oboe y corno inglés)
Pau Domenech (clarinete bajo)
Lorena Fernández (trompa)
Javier Cámara (trompa)
Martín Meléndez (chelo)
Tiziana Tagiani (arpa)
Jaume Llombart (guitarra)
José Carra (piano y Fender Rhodes)
Dee jay Foster (contrabajo)
Ramon Prats (batería)
Carlos Cortés Bustamante (percusión)
Gerardo Núñez (guitarra flamenca)
Carme Canela (voz)

Entradas: http://www.teatrocervantes.com/es/genero/musica/ciclo/120/espectaculo/1590




Sole Giménez y la Sedajazz Big Band “Recordando a Bebo: la música de Chico y Rita” (XVII Festival Internacional de Jazz de San Javier, Murcia. 2014-07-26)

XVII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Fecha: 26 de julio de 2014
Lugar: Auditorio Parque Almansa (San Javier, Murcia)
Componentes:
Sole Giménez: voz.
Francisco Blanco “Latino”: saxo barítono y flauta travesera.
Ivan Albuixech: saxo alto.
Victor Jiménez: saxo alto.
Jesús Santandreu: saxo tenor.
Eladio Reinón: saxo tenor.
David Pastor: trompeta.
Voro García: trompeta.
Sergio García: trompeta.
Fede Crespo: trompeta.
Toni Belenguer: trombón.
Vicente Pérez: trombón.
Paco Soler: trombón.
Victor Colomer: trombón.
Santi Navalon: piano.
Julio Fuster: contrabajo.
José María Reillo: congas.
Felip Santandreu: batería

Comentario:

 Sedajazz Big Band y Sole Giménez

Si hay algo, entre otros aspectos, en lo que destaca el Festival Internacional de Jazz de San Javier, es en la variedad y en el contraste de sus conciertos en una misma jornada. Así pues, podemos encontrarnos con dos grupos muy diferentes, tanto en estilo como en formato, en una misma sesión musical. Tal es el caso de la formación Sedajazz Big Band, que tocaron a continuación del cuarteto de Freddy Cole. La Sedajazz Big Band llegó acompañada por la cantante Sole Giménez, con un concierto basado en la música de la película “Chico y Rita”, de Fernando Trueba y Javier Mariscal. Un repertorio de música latina en un claro y merecido homenaje al gran pianista y compositor cubano Bebo Valdés, en el que podemos escuchar temas del maestro y de otros grandes músicos como Chano Pozo o Machito,  realizados por la más emblemática big band de jazz de nuestro país.

 Sedajazz Big Band y Sole Giménez

Una de las principales dificultades que se pueden presentar en una banda de este formato y calibre, no está, por supuesto, en el propio sonido de la formación como tal, que puede ser formidable, sino más bien en la necesaria sonorización técnica de cada instrumento para conseguir un resultado harmonioso en conjunto, bueno y equilibrado. Un verdadero esfuerzo y trabajo, que puede convertirse en un quebradero de cabeza para los técnicos de sonido que no estén acostumbrados a sonorizar, con la calidad suficiente, a una formación de estas dimensiones, y no digo que sea fácil. Excepto algún contratiempo con el sonido de los graves y  del contrabajo, en los primeros temas, todo fue mejorando conforme al transcurso de la actuación.

 Sedajazz Big Band y Sole Giménez

La actuación arrancó con una descarga cubana, una composición llamada “Cubauza”, pieza clave del concierto, con arreglos de Mike P. Mossman, en la que trompeta, saxo tenor, trombón y barítono fueron alternando sus respectivas improvisaciones, arropados por los arreglos y backgrounds del resto de la sección de vientos. Tras la presentación de Blanco “Latino”, director de la big band, iniciaron una segunda pieza llamada “La Batanga”, abriendo los solos el saxo tenor de Eladio Reinón y el trompetista Sergio García. El director de la banda anunció un cambio de tercio, aprovechando la presencia del cantante Freddy Cole en el festival, al cual invitó a subir al escenario, junto al guitarrista Randy Napoleon, para compartir con ellos dos piezas cantadas: “I Saw Stars”, a ritmo de swing, y “Jelly, Jelly, Jelly”, un blues lento en el que destacaron los solos de trompeta,  trombón, saxo alto, y la voz poderosa e inconfundible de Cole.

 Sedajazz Big Band y Sole Giménez

Tras la colaboración de Freddy Cole, la banda continuó con sus interpretaciones de temas instrumentales. “Persecución”, supuso todo un despliegue de arreglos y solos de trompetas y trombones, alternados y a veces al unísono. Blanco, anunció otro tema dedicado a Bebo Valdés, “The Big B”, composición de Eladio Reinón, que comenzaron con una introducción del pianista  Santi Navalon. Reinón efectuó aquí una de las improvisaciones más espléndidas y elocuentes del concierto. El trompetista Voro García no se quedó a la zaga, realizando también un expresivo y contundente solo. El soli de la sección de vientos sonó impecable, dejando paso a la descarga de las congas de José Reillo.

 Sedajazz Big Band y Sole Giménez

El momento esperado por la audiencia llegó con la presencia en escena de la cantante Soledad Giménez, que agradeció la invitación a la banda y a la organización del festival.

Sedajazz Big Band y Sole Giménez

Los boleros, “Sabor a mí” de Álvaro Carrillo, y  “Nosotros” del cubano Pedro Junco, dieron rienda a una magnifica orquestación que arropó en todo momento a la cantante, haciendo las delicias del público. La cantante anunció la siguiente canción, “Lily”, incluida en la banda sonora de la película e interpretada por la cantora de flamenco Estrella Morente. Una romántica pieza que Giménez entonó con entrañable dulzura. En “El manisero”, de Moisés Simons, el pianista Santi Navalon lució un largo solo de piano, mostrando su excelente clase y su técnica ágil y magistral. La cantante emprendió otra canción, “Toda una vida”, esta vez en formato de trío, acompañada solamente por el pianista y la trompeta del extraordinario músico David Pastor. La banda realizó dos piezas instrumentales, “Muñequita Linda”, en la que lucieron los solos de barítono, trombón y el contrabajo de Julio Fuster, que tuvo una labor encomiable en la sección rítmica, y “Daiquiri “, en la que destacaron los trombones de Toni Belenguer, Vicente Pérez, Paco Soler y Victor Colomer, antes de que Giménez saliera de nuevo al escenario para interpretar las canciones “Bésame mucho”, “Dos gardenias”, y una última pieza, “Vereda tropical”, como bis y colofón de un extraordinario y generoso concierto. Esperemos que vuelvan pronto.

 Sedajazz Big Band y Sole Giménez

Texto © José Antonio García López, 2014
Fotos © RMellado/ Jazz San Javier, 2014




Sedajazz Big Band: Horn Flakes (Sedajazz Records, 2012)

Sedajazz Big Band Horn FlakesI»Sedajazz es una manera de vivir». De esta manera se expresó el trombonista Toni Belenguer con respecto a la Sedajazz Big Band.

Comentario muy acertado y extensible no sólo a ésta sino a todas las Big Band del país. Vivir de la música y del jazz hoy día se me antoja tarea heroica cuando no milagrosa. Si además nos referimos a un número mayor de componentes en una orquesta la cosa se torna más que negra. No cabe mayor acierto o es una manera de vivir o la Sedajazz Big Band no podría existir salvo en la mente de un soñador.

Todos los músicos de ésta gran orquesta por número y calidad, viven para el proyecto y por él sin mostrar el menor atisbo económico que mine sus deseos de hacer la música que quieren y sienten.

Dicho lo cual, sólo puedo expresar mi más absoluta admiración por ellos y por su entrega incondicional al arte de la música.

Perico Sambeat y Jesús Santandreu y viceversa se reparten en Horn Flakes composiciones y arreglos propios o ajenos como los de Harold Arlen, Billy Strayhorn y John Lewis.

Música de verdad y directa. Composiciones brillantes y arreglos precisos procedentes de tres generaciones de músicos que cohabitan en la orquesta.

Me gustan especialmente “Horn Flakes” y “A Sleepin’ Bee” por la intervención como instrumento solista de la guitarra eléctrica de Miquel Casany que tan inusual es entre las Big Bands.

El aire flamenco al comienzo da paso al swing y a los buenos solos en el resto en “De Camino”.

En “Sesiones de Barbas” es Toni Belenguer quien lleva las riendas con su solo de trombón bien aderezado por los metales de la orquesta. En “Epicuro” (Ziribuye de Perico Sambeat) destacan los solos coloristas de David Pastor, Francisco Angel Blanco «Latino» al Saxo Barítono y Toni Belenguer al trombón al igual que lo hiciera en el disco Ziribuye.

“Dissertation on Love”, carácter latino en forma de bolero en esta composición de Jesús Santandreu que cuenta con el piano de Alberto Palau (que recuerda a McCoy Tyner) y con el swingueante trombón de Carlos Martín. Ritmo de vértigo en “Upper Manhatan Medical Group.Ummg” por medio de la trompeta de Voro García, el piano de Alberto Palau y el saxo de Jesús Santandreu.

Mucho swing en “Fira de Monstres” y “Two Bass Hit” breve pieza que cierra el álbum con un destacado solo de saxo alto a cargo de Perico Sambeat y que sirve de pequeño homenaje al que fuera programa televisivo Jazz entre amigos de J. C. Cifuentes.

Música dinámica, mucho swing y variadas texturas coloristas tocadas con toda la fuerza de la que son capaces que es mucha.

© Enrique Farelo, 2013

Sedajazz Big Band: Horn Flakes

Composiciones: “Horn Flakes” (Jesús Santandreu), “De Camino” (Perico Sambeat), “Sesiones de Barbas” (Jesús Santandreu), “Epicuro” (Perico Sambeat), “Dissertation on Love” (Jesús Santandreu), “A Sleepin’ Bee” (Harold Arlen, arr. Perico Sambeat), “Upper Manhatan Medical Group. UMMG” (Billy Strayhorn, arr. Jesús Santandreu), “Fira de Monstres” (Jesús Santandreu), “Two Bass Hit” (John Lewis, arr. Jesús Santandreu)

Músicos: Perico Sambeat (Saxo Alto y Flauta), Jesús Santandreu (SaxoTenor), Ivan Albuixech (Saxo Alto y Clarinete), Vicente Macian (Saxo Tenor), Fco. Angel Blanco «Latino» (Saxo Barítono), David Pastor , Voro García, Sergio García , Raúl García «Xocolate», David Martínez (Trompeta), Toni Belenguer , Carlos Martín , Paco Soler , Vicente Pérez , Víctor Colomer  (Trombón), Alberto Palau (Piano), Miquel Casany (Guitarra), Aless Cesarini, Julio Fuster (Contrabajo),  Felip Santandreu, Miquel Asensio «Roget» (Batería), Carlos Llidó (Congas y Cajón Flamenco)

Grabado en el estudio Millenia por Vicente. Sedajazz Records 2012