Natanael Ramos: Islander´s Dilemma (Free Code 2017) [Grabación]

Por Carlos Lara.

El trompetista canario Natanael Ramos ha grabado su primer disco como líder al frente de un sexteto. Natural de La Orotava este músico de 30 años ya cuenta con una amplia experiencia profesional. Está graduado en el conservatorio de Amsterdam y ha completado su formación en Musikene, nada menos que con Chris Kase como profesor.

Dirige el noneto de jazz latino La Banda del Solar, colabora en el colectivo de salsa Ibakó y es miembro de la Big Band de Canarias. Otro de sus proyectos es el Laboratorio Atlántico de Jazz y Nuevas Músicas en el que es director artístico. Cuenta también con colaboraciones con músicos como Perico Sambeat, Bob Sands, Miguel Blanco, Roger Mas y Joaquin Chacón, entre otros.

Tras este periodo en el que Natael Ramos ha adquirido sus conocimientos, ya era hora de que tuviese un disco propio. Para ello ha reunido un plantel internacional con los gallegos Xan Campos al piano y Virxilio Da Silva en la guitarra, los holandeses Joris Roelofs al clarinete bajo, Mark Schilders a la batería y Esther Van Hees como cantante y el norteamericano Matt Adomeit al contrabajo.

Juntos han formado una buena conexión atlántica, con diez composiciones del propio Natael Ramos, brillante a la trompeta, pero al que no le van a la zaga sus acompañantes.

Desde la bella introducción “Arroró”, una nana canaria llena de lirismo, que da paso al resto de las piezas, como la propia “Islander´s Dilemma”, con una gran orquestación dirigida por la trompeta y el clarinete bajo, de reminiscencias nórdicas. La guitarra de Da Silva imprime personalidad al tema. Una gran balada como “Sadness of The Promised Land”, con el contraste entre el fliscorno y el clarinete bajo, así como las aportaciones de la guitarra, suponen un momento importante en el disco.

A destacar la contribución de la cantante Esther Van Hees en los preciosos temas “In your eyes”, acompañada por una orquestación cuerdas a cargo del grupo Kamerata Oiasso, y en “When you don´t see me”. “Room 3324” es una pieza que denota misterio, el clarinete bajo y la guitarra se encuentran con gran expresividad.

El grupo de cuerdas y la trompeta se dan la mano en un momento evocador y nostálgico en la primera parte de “All the way back”, que da paso a un pasaje más endurecido por las distorsiones de la guitarra, la trompeta, el clarinete y la batería en máxima intensidad. Por último la interpretación orquestada de “Round Midnight”, pone el broche a este disco que es una buena ración de optimismo.

Islander´s Dilemmma puede hacer referencia a la duda del isleño. Abandonar la isla. Quedarse. Vivir en un espacio limitado por el mar condiciona o no la creación artística. Es la pregunta. Los dilemas que seguro han pasado o pasan por la imaginación.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2018

Natanael Ramos: Islander´s Dilemma

Músicos: Natanael Ramos (trompeta y fliscorno), Joris Roelofs (clarinete bajo), Virxilio da Silva (guitarra eléctrica), Xan Campos (piano y fender rhodes), Matt Adomeit (contrabajo), Mark Schilders (batería), Esther Van Hees (voz) y Camerata Oiasso (cuerdas).

Composiciones: “Prelude.Arroró”, “Islander´s Dilemma”, “Sadness of the Promised Land”, “In your eyes”, “Room 3324 partes I,II y III”, “Train from Bydgoszcz”, “When You Don´t See Me”, “All the Way Back parte I: Memories From Tenerife” y parte II Memories from Holland” y “Round About ´Round Midnight”.
Todas las composiciones por Natanael Ramos, excepto “Round About Midnight”, por Thelonius Monk.

Grabado en Mecca Recording Studios. Publicado en 2017 por Free Code Jazz Records




HDO 400. Al habla con… Marcos Pin “Triangle & Square” [Podcast]

El viernes 27 de abril el guitarrista (y colaborador de Tomajazz) Marcos Pin publica su nueva grabación titulada Triangle & Square, disponible en formato digital con precio abierto. Esta es una grabación compuesta por originales del músico gallego estructurados en torno a dos suites, y desarrollada en un inusual formato de cuarteto de guitarras, para el que contó con la colaboración de Jens Larsen, Virxilio da Silva y Alfonso Pais.

Con motivo del lanzamiento, Marcos Pin charló con Pachi Tapiz acerca de esta grabación y otras cuantas cuestiones. Como no podría ser de otra manera, en el programa, intercaladas entre la conversación, suenan varios temas de Triangle & Square: “On A Bop Night”, “San Marcos”, “Soledad” y “Lugo’s Cold”.  También suena el tema “I Love You Too” (el motivo se explica en la propia entrevista), de su anterior obra, el magnífico Broken Artist.

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2018

HDO es un podcast de jazz e improvisación (libre en mayor o menor grado) que está editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.

“Con la entrevista a Marcos Pin HDO llega a su entrega número 400… está claro que los caminos largos empiezan con unos pasos cortos… aún recuerdo cuando poco antes de unas vacaciones de verano de hace tres años el podcast comenzó tímidamente… ¡Y ya el programa número 400!”
Pachi Tapiz




INSTANTZZ: Ralph Moore Quintet (Centro Cultural María Victoria Atencia, Málaga. 2018-03-02) [Galería fotográfica]

  • Fecha: Viernes, 02 de marzo de 2018. 21:00h.
  • Lugar: Centro Cultural María Victoria Atencia. Málaga.
  • Grupo:
    Ralph Moore Quintet
    Ralph Moore: saxo tenor
    Juan Galiardo: piano
    Virxilio Da Silva: guitarra eléctrica
    Romeu Tristão: contrabajo
    João Lopes Pereira: batería

Tomajazz© José Luis Luna Rocafort, 2018




INSTANTZZ: Xan Campos ESD (2º Alternatilla Jazz in Mallorca. 2017-11-29) [Galería fotográfica]

2º Alternatilla Jazz in Mallorca

  • Fecha: Miércoles, 29 de noviembre de 2017. 20:30h.
  • Lugar: Fàbrica Ramis Centre Cultural. Inca. Mallorca
  • Grupo:
    Xan Campos ESD
    Xan Campos: teclados
    Virxilio Da Silva: guitarra eléctrica
    Wilfried Wilde: guitarra eléctrica, bajo eléctrico
    Iago Fernández: batería

Tomajazz© José Luis Luna Rocafort, 2017




Eivissa Jazz 2016 (II): Gorka Benítez Trío – Eivissa Jazz Experience ’16 (2016-09-08)

XXVIII Eivissa Jazz

  • Fecha: 8 de septiembre de 2016
  • Lugar: Baluard de Sta. Llúcia (Eivissa / Ibiza)
  • Grupos:
    Gorka Benítez Trío
    Gorka Benítez: saxo tenor, flauta
    David Xirgu: batería
    Dani Pérez: guitarra
    Eivissa Jazz Experience ’16
    Abe Rábade: piano y dirección musical
    Virxilio da Silva: guitarra
    Gonzalo Tejada: contrabajo
    David Xirgu: batería
    Vicente Macián: saxo tenor
    Pere Navarro: trompeta


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Para un festival que siempre ha dado gran importancia al jazz nacional, era imperdonable que nunca hubiera actuado Gorka Benítez. Pues bien, en esta edición ha podido por fin pisar ese escenario con la Catedral a un lado y el Puerto al otro, acompañado por David Xirgu -presentaban su disco a dúo Quiero volver a Marte otra vez-, con el refuerzo de Dani Pérez y su psicodélica guitarra -creo que una Klein- que supo ser mordiente o sereno dependiendo de cada momento. Comenzaron con “A Marte otra vez”, “Stache” y “Una y mil veces”, con un torrente de sonidos surgiendo del saxo de un Gorka lleno de energía, un Gorka que en los momentos en los que no tocaba sostenía el saxo como una imaginaria guitarra y con su pulgar simulaba algún punteo; a continuación un tema de Dani Pérez, “Gorka”, una balada con gran profundidad de sonido al saxo y un solo de guitarra afilada tras el que se oyeron los primeros ¡bravos! del público. ¿Y David Xirgu? A lo suyo; según nos contó Gorka acabado el concierto y yo no habría sabido expresarlo mejor “parece que no está pero nunca se ha ido, siempre está ahí” y “es el que está a los mandos de la nave”. En “Sal al agua”, dedicado “a la gente que se busca la vida en pateras o barcazas, niños, madres, que no llegan a tierra”, llegó el momento de escuchar a Gorka a la flauta en un tema en el que la emoción invadió el escenario, terminando con un suave tarareo ante el micro. Siguieron con “Goazen” (Vamos), o “Idoia”, otro emotivo tema, pero siempre con un denominador común, ese sonido potente de Gorka pero siempre buscando la belleza en la melodía sin caer en un excesivo preciosismo, como ese pura sangre a punto siempre de desbocarse pero que transforma todo su músculo en un plástico ejercicio de movimiento. Para terminar, “Algo parecido a una ranchera”, y un bis dedicado “a Julián y a Inma”. Acabado el concierto, era el momento de bromear con un eufórico Gorka: “como ya has tocado aquí, ya puede llamarte Abe Rábade para su Experience”.

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Cosas de la vida, la siguiente actuación era precisamente la Eivissa Jazz Experience ’16, proyecto que lleva realizando Abe Rábade desde 2008. El genial pianista gallego elige en cada edición un grupo de músicos que hayan actuado previamente en el festival, cada uno de ellos aporta algún tema y solamente se encuentran para ensayar la víspera del concierto. Este año teníamos dos alicientes para esperar el concierto con ganas, tanto dentro como fuera del escenario; por un lado, tocaba uno de los jóvenes músicos ibicencos con más proyección en esto del jazz, el trompetista Pere Navarro -su disco Peremne está a punto de publicarse en Fresh Sound Records; por otro lado, el punto culminante de la grabación del documental de Marco Torres Walker Ibiza Jazz the Experience, que se ha estado rodando durante todo el año.

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El grupo sonó muy cohesionado y con un sonido muy homogéneo a pesar de las diferentes autorías de los temas. Comenzaron con “Babel de sons”, de Abe Rábade, con un percusivo piano y contundente réplica de David Xirgu -hacía doblete después de tocar con Gorka Benítez, y con un cambio total de registro-. De Gonzalo Tejada es el segundo tema que interpretaron, “Ziklo 2”, comenzando suavemente piano y guitarra para, después de desarrollar el tema, terminar Virxilio da Silva haciendo susurrar a su guitarra. Precisamente da Silva aportó lo siguiente que tocaron, “7/4”, con un toque de guitarra más ortodoxo, más ‘clásico’ que la que habíamos escuchado anteriormente con Dani Pérez; La aportación de Vicente Macián aún no tenía nombre, “algo positivo, motivador”, pero también “algo bélico”, “La horda”, o “Las hordas”, en cualquier caso algo poderoso, como potente fue el sonido que el valenciano supo sacar a su saxo durante todo el concierto, concretamente en este tema sin nombre -Rábade lo bautizó como “Rubato espiritual”- , nos ofreció un buen solo, al igual que en el comienzo de “Ugrix”, (David Xirgu), siendo relevado después por el explosivo Pere Navarro que quizás notó un poco la responsabilidad. Justo después llegó una de las sorpresas de la noche: la interpretación en directo de la sintonía del festival, compuesta por Abe Rábade y basada en una canción ibicenca, “De jo et vas despediguent” (“De mí te vas despidiendo”); el grupo bajó de revoluciones y nos regaló un momento de calma con este lírico tema y un interesante diálogo entre piano y contrabajo; calma momentánea porque casi sin pausa volvió la energía al grupo con el que sería el útimo tema de la noche, “Experience Experiment” (Pere Navarro), donde volvió a lucirse Virxilio da Silva, nos dio tiempo a intuir ecos del comienzo de “A Love Supreme” en el contrabajo y otro volcánico momento para Navarro, que demostró haber aprovechado bien las enseñanzas de David Pastor en el Taller de Músics.

Era hora de terminar, este año no se permitía tocar mucho más allá de medianoche; faltaba la sorpresa final, una tarta para felicitar a Abe Rábade por su cumpleaños mientras el resto tocaba el “Cumpleaños feliz”. El público marchó contento y sin demorarse mucho, que al otro día era laborable.

En cuanto al documental de Marco Torres, la previsión es que el montaje esté acabado a finales de año o comienzos de 2017.

Fotografías: © José Luis Luna Rocafort, 2016
Texto: © Juan Antonio Serrano Cervantes, 2016




HDO 117: Pindio, Marco Mezquida Trio + Bill McHenry, Los cronopios, Paco Weht, Alberto Vilas Quartet, Miguel Fernández, Carlos López, Ernesto Aurignac Quintet

Pindio_H.C._Leo Records_2016Alberto Vilas Quartet_Ubuntu_2015Carlos Lopez_Mandala_Jazz Activism_2015Ernesto Aurignac Quintet_Anunnakis_Fresh Sound New Talent_2015Los cronopios_relatos breves_underpool_2016marco mezquida trio + bill mchenry_cantabile_fresh sound new talent_2015Miguel Fernández_Ocean Blood_Fresh Sound New Talent_2015Paco Weht_Simple_Underpool_2016

Se podría haber titulado Novejazzspain (NOVEdades de JAZZ en SPAIN), pero el palabro resultante era algo así como infumable. Así que mejor indicamos que en la entrega 117 de HDO escuchamos temas pertenecientes a las últimas grabaciones de Pindio, Marco Mezquida Trio + Bill McHenry, Los cronopios, Paco Weht, Alberto Vilas Quartet, Miguel Fernández, Carlos López, y el Ernesto Aurignac Quintet.

© Pachi Tapiz, 2016

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.

 

Las grabaciones, los sellos, los músicos:

  • Pindio: C. (Leo Records, 2016)
    Juan Saiz, Marco Mezquida, Álex Reviriego, Genís Bagés
  • Marco Mezquida Trio + Bill McHenry: Cantabile (Fresh Sound New Talent, 2015)
    Bill McHenry, Marco Mezquida, Marko Lohikari, Carlos Falanga
  • Paco Weht: Simple (Underpool, 2016)
    Paco Weht, Marco Mezquida, Carlos Falanga
  • Los cronopios: Relatos breves (Underpool, 2016)
    Jordi Solé, Ramiro Rosa, Alexander Molas, Juanjo Fernández, Amaiur González, Jordi Santanach, Luca Tondena, Natsuko Sugao, Sergi Felipe
  • Alberto Vilas Quartet: Ubuntu (Autoeditado, 2015)
    Alberto Vilas, Rosolino Marinello, Juansy Santomé, Javier Barral
  • Miguel Fernández: Ocean Blood (Fresh Sound New Talent, 2015)
    Miguel Fernández, Jason Palmer, Marco Mezquida, Masatoshi Kamaguchi, David Xirgu
  • Carlos López: Mandala (Jazz Activist, 2016)
    Carlos López, Sanne Huijbregts, Regis “KinRe” Molina, Sampo Kasurinen, Alistair Duncan, Yuriy Seredin, Matt Adomeit, Virxilio da Silva, Gernando Sánchez, Xan Campos, Xavi Torres, Marco Zenini
  • Ernesto Aurignac Quintet: Anunnakis (Fresh Sound New Talent, 2015)
    Ernesto Aurignac, Jaume Llombart, Roger Mas, Dee Jay Foster, Joao Lopes Pereira



Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Tomajazz recupera… Paco Charlín: en su propio camino, por Pachi Tapiz

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

Pachi Tapiz: ¿Qué opinión te merece el llamado jazz europeo?

Paco Charlín: Supongo que cuando se habla de jazz europeo se refiere también a Portugal, España, Inglaterra, Italia, pero tengo la extraña sensación de que no ocurre eso. No estoy muy puesto en estos términos, como cuando hablábamos antes de si el jazz tiene nacionalidad o no pues que te voy a decir… Creo que hay muchas maneras de interpretar jazz y es lógico que cada una de ellas se etiquete de una manera distinta. En mi opinión la palabra jazz define una cultura y una manera de interpretación musical concreta, por lo que a mi respecta. Además, no creo que sea el indicado para hablar de algo que no conozco con exactitud.

Leer: Paco Charlín: en su propio camino, por Pachi Tapiz (publicado originalmente en 2006)




Paco Charlín: en su propio camino, por Pachi Tapiz

A pesar de su juventud, el contrabajista Paco Charlín (Vilanova de Arousa, 1975) es uno de los más activos en la escena nacional en estos momentos. Buena muestra de ello son su labor docente en el Seminario Permanente de Jazz de Pontevedra (que incluye su participación en las grabaciones del seminario y también sus composiciones para estos proyectos) o la decena larga de grabaciones en las que ha participado en 2005. Entre éstas se encuentran Ziribuye de Perico Sambeat, el disco This Is New, a nombre de German Kucich, Juanma Barroso y el propio Charlín, Tras Coltrane del Vicente Espí Quartet o la edición –en el sello recientemente creado Free Code Jazz Records– de dos grabaciones a su nombre: The Ultimate Jazz Earth-tet (en cuarteto con temas originales de Charlín) y Jazz Frequency Group (en trío, versioneando a Coltrane, Bird, Sonny Rollins y Mongo Santamaría). José Francisco Tapiz charló con el contrabajista gallego sobre todo esto.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: En tu último disco, The Ultimate Jazz Earth-tet, todas las composiciones y arreglos son tuyos. ¿De dónde te viene la inspiración a la hora de componer? ¿Qué aportan tus compañeros a los temas?

PACO CHARLÍN: Por mi parte, la inspiración se va creando con la experiencia de tocar temas originales de muchos músicos con los que he compartido y comparto escenario: de ellos aprendes muchas cosas. También de los discos, donde está toda la información necesaria. De ahí saco muchas de las ideas a la hora de componer. Y otras muchas veces la inspiración viene de diferentes maneras y no sólo con la música.
Mis compañeros aportaron justo lo que tenía en mente para los temas y para poder plasmarlos en un disco. El sonido que desprende cada uno de ellos individualmente conectaba en conjunto con las composiciones y en la manera en que tenían que ser interpretadas.
En el caso del batería Donald Edwards, su trabajo fue a mí parecer impecable: acompaña con un drive muy definido y lleno de matices, con un conocimiento del lenguaje, la experiencia y madurez apropiadas para el funcionamiento idóneo del grupo y especialmente de la sección rítmica.
Jonathan Kreisberg tiene un sonido que está intrínsicamente unido al desarrollo climático, que ha sido fundamental a la hora de crear la atmósfera adecuada en cada composición.
El saxofonista Jaleel Shaw es la punta del iceberg que da forma a este proyecto: su sonido y sus solos hacen que toda su energía contagie al resto de la banda.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿De dónde viene el nombre de Ultimate Jazz Earth-tet?

PACO CHARLÍN: Quería que reflejase la importancia de la Tierra, de lo que está sobre ella y también de lo que surge y nace de ella. Agradezco mucho estar viviendo en un lugar rodeado de naturaleza. Es lo que me da energía y tranquilidad, manteniendo el equilibrio que necesito. Del mismo modo que el jazz te puede llevar a lugares a los que solo consigues llegar cuando tocas, para mí la naturaleza hace lo mismo si la aprecias y te dejas llevar. La mezcla de las dos partes hizo que saliese un nombre particular en el que se identificasen por igual el jazz y la Tierra.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Por qué esa formación de guitarra eléctrica, saxo alto, contrabajo y batería? ¿Tenías en mente alguna formación similar de algún músico en concreto?

PACO CHARLÍN: La formación surge a partir del tipo de sonoridades que quería para los temas, que particularmente los “escuchaba” en ese formato. No tenía ninguna formación musical concreta en mente. Está claro que siempre hay influencias de otros discos y formaciones, pero éstas eran distintas a las que yo quería. Además me gustaba la idea de tocar tanto en cuarteto como en trío de guitarra y trío con saxo. El contrabajo y la batería se acoplan perfectamente a una situación de trío que es más libre que la formación de cuarteto, teniendo mayor protagonismo, por supuesto. Por eso en el disco hay un tema en trío de guitarra y otro en trío con saxo. Además, hay también dos temas a solo con el contrabajo, muy diferentes entre sí. Todo esto hace que el disco tenga con un mismo proyecto una mayor variedad de formaciones.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿De donde salió la idea de grabar en el Teatro Principal de Pontevedra? ¿Destacarías algo en particular?

PACO CHARLÍN: La idea surgió por haber tocado y grabado en anteriores ocasiones en este teatro, unas experiencias que siempre han sido muy positivas. Esto me llevó a apostar por volver a grabar de una manera particular este proyecto. La situación para mí es muy distinta a la de un estudio de grabación. El modo en el que grabamos es más similar y más cercano a un directo o a la manera en que se hacían los discos de jazz de toda la vida, todos juntos en el escenario y tan solo separados por paneles. Creo que el estudio es mas frío, estás casi siempre aislado de tus compañeros, a veces ni los ves, y ese calor se va perdiendo. Era la manera más idónea de plasmar esta música: cerrar el teatro para nosotros y grabar.
Destacaría la forma de grabar en sí misma: tener a tus compañeros sin una pared por medio y con un cristal para poder verlos es algo que se agradece mucho cuando grabas. Estamos más habituados a tocar de esa manera, así que cuando llegas a un estudio todo cambia.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Tuvisteis que realizar muchas tomas hasta que lograsteis los temas aparecidos finalmente en el disco?

PACO CHARLÍN: La verdad es que no. Algunos temas se grabaron dos veces y otros en la primera toma. Se decidieron las tomas que se editarían al final de cada una de ellas y por mutuo acuerdo. Grabar los temas cuatro o cinco veces es algo que no me gusta hacer mucho: te puedes volver loco eligiendo la toma que más te gusta. Cuando el tema se va desarrollando de un modo natural, no tienes por qué darle más vueltas, a no ser que quieras hacer algo que no sea verdad.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Cómo afrontas el proceso creativo?

PACO CHARLÍN: La música que intento transmitir y componer se basa en un porcentaje muy alto en el estilo del jazz americano y las nuevas tendencias que pueden salir de ahí. No sé si es bueno o malo, pero es la música con la que más me identifico y con la que mejor me puedo expresar. Sin duda los temas salen de la manera en que uno ve este estilo, aportando nuevas variantes según se crece en términos de experiencia.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: Hablas del jazz americano y de sus tendencias. ¿Tiene el jazz nacionalidad?

PACO CHARLÍN: Ahora mismo no creo que tenga una nacionalidad específica. Sin embargo creo que está muy claro en donde nació, a pesar de que como sucede en todo idioma hay diferentes formas de hablar y cada una con sus peculiaridades. Te pueden gustar unas tendencias o maneras más que otras, pero no creo que eso sea tampoco algo malo.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Qué opinión te merece el llamado jazz europeo?

PACO CHARLÍN: Supongo que cuando se habla de jazz europeo se refiere también a Portugal, España, Inglaterra, Italia, pero tengo la extraña sensación de que no ocurre eso. No estoy muy puesto en estos términos, como cuando hablábamos antes de si el jazz tiene nacionalidad o no pues que te voy a decir… Creo que hay muchas maneras de interpretar jazz y es lógico que cada una de ellas se etiquete de una manera distinta. En mi opinión la palabra jazz define una cultura y una manera de interpretación musical concreta, por lo que a mi respecta. Además, no creo que sea el indicado para hablar de algo que no conozco con exactitud.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: En Galicia, como en cualquier región, hay un folklore propio y particular. ¿No te has sentido tentado a intentar conjugar el jazz con todas esas raíces musicales?

PACO CHARLÍN: La verdad es que no se me ha pasado nunca por la cabeza… ¡qué le voy a hacer!

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿De dónde eliges esos títulos aparentemente tan extraños para tus temas?

PACO CHARLÍN: Lo de los títulos es algo más complicado: primero compongo el tema, después le pongo el título y ahí viene el dilema. Creo que depende mucho de cómo me levante ese día…. Pero la verdad es que espero a escuchar el tema y después veo lo que me sugiere o viceversa. Muchos de ellos están sacados de ideas o conversaciones con compañeros, incluso te inventas palabras o formas diferentes de decir algo que sólo tú conoces.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Cuáles son tus principales influencias como contrabajista dentro de la música actual?

PACO CHARLÍN: Hay un montón de contrabajistas que tocan muy bien hoy en día. Personalmente para mí los principales son Rodney Whitaker, Robert Hurst, Christopher Thomas, Carlos Barreto, Larry Grenadier, Christian McBride, Zé Eduardo, Reginald Veal, Scott Colley y un largo etcétera. De todos se aprende mucho cuando los escuchas… Y de los viejos o ya fallecidos ni te cuento. Llegas a la conclusión de que todos ellos vienen de sitios similares. Con los nuevos escuchas muchísimas cosas de ellos.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: Me extraña mucho que entre esos nombres no aparezca el de Dave Holland…

PACO CHARLÍN: Por supuesto, cómo no, Dave Holland, pedazo músico, Bob Bowen, Ron Carter, Avishai Cohen, y muchos más. Y si te digo los que ya por desgracia han fallecido no acabaríamos hoy. Pero las principales influencias para mí, entre los que están activos, están en la lista que te nombré antes.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Cuáles son tus experiencias musicales previas? ¿Hacia dónde camina Paco Charlín como músico y contrabajista?

PACO CHARLÍN: Bueno, todo surge cuando uno se interesa por el jazz y casi siempre sin darse uno de cuenta, todo sucede a medida que pasa el tiempo. Los conciertos en directo que vas viendo, los discos que se van comprando, las clases de algunos profesores acertados, la necesidad de investigar y conocer esta música y cultura te llevan a entender el jazz de una manera más natural y a involucrarte en ella de una forma más profesional. Algunas de las experiencias musicales previas encima de un escenario hasta hoy han sido con Steve Kuhn, Javier Vercher, Nuno Ferreira, Chris Cheek, Juanma Barroso, Sheila Jordan, Miguel Zenón, Bernardo Sassetti, Mark Turner, Vicente Espí, Jesús Santandreu, Perico Sambeat, Abe Rabade, Raynald Colom, Rodrigo Gonçalves o Alex Frasao… Con todos ellos, y con otros muchos compañeros más, vas intentando entender mejor todo esto para poder hacer tu camino. Hacia donde voy a caminar a partir de aquí no lo sé, y creo que ningún músico lo sabe de sí mismo. Lo que está claro es cómo me gustaría que fuese y lo que uno se va a esforzar para conseguir lo que quiere hacer, aparte de otros muchos factores que van surgiendo en el proceso.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: Como muchos músicos te dedicas a la enseñanza, en tu caso desde el Seminario Permanente de Jazz de Pontevedra (SPJ). Tu labor docente, ¿viene dada por obligación o por devoción?

PACO CHARLÍN: De las dos maneras. Creo que la enseñanza es algo fundamental para cualquier músico. Mi aportación en el SPJ es una más para poder ayudar a aquellos que estén dispuestos a tomarse el jazz en serio. La labor que hace tiempo iniciaron –y en la que siguen– gente como Suso Atanes y Miguel Guerra en Galicia es para respetar y tomar ejemplo. Continuar con ese proceso es la manera de seguir con la tradición y que no se quede todo en un saco roto. Hacer lo contrario no tiene mucho sentido: rascarse los bolsillos y que te cuelguen medallitas a las 4 de la mañana con cinco copas de alcohol en el cuerpo…. Ya me dirás tú a donde iríamos a parar.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Con que objetivo surge el SPJ?

PACO CHARLÍN: El SPJ nace hace ya seis años en Cangas de la mano de Luis Carballo, quien posteriormente trasladó el proyecto a Pontevedra. En este tiempo se ha formado una nueva generación de músicos exclusivamente dedicados al estudio del jazz. Gracias al esfuerzo e impulso del SPJ se puede contar con músicos como Xan Campos, Telmo Fernández, Javier Pereiro, Virxilio da Silva, Max Gómez, Iago Fernández, José Ferro, Alberto Vilas, Toño Otero, Nacho Pérez, José Santomé, Jorge Valero, Martín Brea, Seir Caneda, Iago Vázquez, Roi Adrio, y un largo etcétera en la nueva escena jazzística.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Qué buscáis transmitir a los alumnos tanto tú como el SPJ?

PACO CHARLÍN: Primero las experiencias que uno pueda haber tenido previamente tanto con sus profesores como en el escenario. Todo esto lo vas pasando por un filtro y sacas las mejores conclusiones para que el alumno aprenda de la manera mejor y más eficaz. Eso te lleva a enfocar las clases de un modo más practico y en donde los resultados tienen que ser visibles. Si no fuese de esta manera y no hubiera ningún resultado, algo estaría fallando y tendríamos que resolver el problema para seguir avanzando.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: En 2005-2006 el SPJ cumple su quinta edición. ¿Cuáles son los resultados en estos años y qué esperáis de este proyecto que se podría decir que está ya consolidado tras sus inicios?

PACO CHARLÍN: Los resultados hablan por sí solos. Desde mi punto de vista el SPJ es uno de los puntos importantes e imprescindibles en la educación jazzística de Galicia. El concepto que desarrolla el SPJ es el idóneo para el alumno, poniéndolo siempre en situación real ante cualquier circunstancia que se pueda encontrar en su carrera musical. Al margen de las clases habituales, los alumnos han recibido Master Classes de músicos como Ramón Cardo, Jeff Williams, Perico Sambeat, John O’Gallagher, Carlos Barreto, Miguel Zenón, Joao Moreira y un largo etcétera de músicos que pasan a incrementar el desarrollo adecuado para el alumnado, logrando que quede un poso ideal que antes no había.
Todo esto hace que haya más programación para la nueva generación, que esté mejor preparada y sobre todo que haya más discos de jazz. En este corto periodo se han grabado en Galicia más discos de jazz que en toda su historia y el SPJ tiene una parte importante de culpa en que todo esto esté sucediendo. Por una parte dándole el protagonismo al alumnado en sí en el SPJ y también a otros muchos músicos a los que se les incita a pensar de esta manera y a que traten sus proyectos en serio para grabarlos. No querer ver esta situación es algo absurdo, por que la realidad de lo que está sucediendo salta a la vista. Hablar por hablar y criticar con la lengua sucia es lo más rastrero y cobarde en lo que uno puede caer. Otra cosa es ponerse a trabajar y sacar adelante un proyecto que funcione.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Está teniendo reflejo esta existencia de una mayor cantidad de músicos en forma de más conciertos fuera de Galicia y un mayor intercambio entre los músicos de igual a igual (no de profesor a alumno) tanto de Galicia como de otras regiones? ¿O es, por el contrario, un proceso que corre el riesgo de ser puramente endogámico?

PACO CHARLÍN: La situación de profesor a alumno cambia por completo cuando te subes al escenario. Encima del escenario no te avalan ni las colaboraciones que hayas hecho, ni los títulos de papel, ni las master classes. O tocas o te pones en el público a escuchar o criticar, como prefieras. Los grupos y músicos que hay en Galicia están saliendo fuera a tocar con sus formaciones o de manera individual. Esto ya es una realidad que no hace falta repetir más, a no ser que no se quiera ver. El riesgo que puede aportar todo ello va a ser siempre en beneficio de los músicos de Galicia y su formación y nunca al contrario: pensar de otra manera no tiene lógica.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Cómo ves el panorama actual en España en cuanto a la posibilidad de tocar en vivo?

PACO CHARLÍN: Ese tema está en manos de los programadores. Los músicos españoles hacen lo posible para poder tocar y entrar en los circuitos ya cerrados o exclusivos para otro tipo de músicos. Algunos críticos tampoco ayudan mucho que digamos en esta labor: se pasan de vez en cuando a ver tocar un grupo español y cuando lo hacen te puedes esperar cualquier cosa en sus críticas. A partir de ahí los programadores hacen sus cuentas.
Es una tarea difícil que nunca se acaba. Si la realidad fuese de otro modo esta pregunta pasaría a la historia, pero ten por seguro que se seguirá preguntando. Tampoco entiendo por que no hay mas grupos españoles en los festivales si en muchos casos sus cachés no se acercan ni al 50% del de un grupo de afuera. Pues ni con esas.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: Insistiendo en lo que comentabas, un tema que surge habitualmente es el relativo al nivel de los músicos españoles. Quizás sería apropiado preguntar a un músico español sobre los periodistas: ¿cómo ves el nivel del periodismo sobre jazz en España?

PACO CHARLÍN: La verdad es que no sé cómo está el nivel de los críticos en España. Lo que veo es que pegan unos hachazos de muerte, sobre todo a los músicos españoles, a los que no se les hace ni caso. Creo que falta muchísima humildad a la hora de escribir y pensar un poco más en positivo. No me cabe en la cabeza que se escriba sobre un disco de Wayne Shorter o de Greg Osby y lo quemen con gasolina. Pero no te voy a contar qué pasa con la gente nueva o de este país. A todo esto, muchos críticos pagan las consecuencias de otros y la fama que les rodea no goza de muy buena salud.

©José Francisco “Pachi” Tapiz, Tomajazz, 2006