HDO 217. Noveimprovispainando con Irene Aranda, Carlos Costa y la Piccola Orchestra Gagarin [Podcast]

Lo que el año pasado era un 3X3, en 2017 es un repaso -sin etiquetas- a tres novedades discográficas (a tres temas por grabación). En la entrega de HDO del 10 de enero de 207, suena lo siguiente: Irene Aranda: Phonophobia (Vector Sounds, 2016); Carlos Costa: Door Of No Return (Aural Terrains, 2016); Piccola Orchestra Gagarin (integrada por Sasha Agranov, Paolo Angeli y Oriol Roca): Vostok (Whatabaout Music – AnMa Productions – Rer Megacorp, 2016). Tres muestras magníficas de cómo la improvisación está pasando por un muy buen momento en nuestro país, al menos en lo relativo a músicos y producciones discográficas. Otra cosa son las oportunidades de disfrutar de esas músicas en festivales y ciclos como debieran, pero esa es otra cuestión para otro momento.

© Pachi Tapiz, 2017

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.




Marco Mezquida (Auditori de Porreres, Mallorca. 2015-04-04)

  • Lugar: Auditori de Porreres, Mallorca
  • Fecha: Sábado 04 de Abril de 2015. 20:00
  • Formación:
    Marco Mezquida: piano

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En el mes de abril del pasado 2014, el pianista menorquín Marco Mezquida presentó en Palma de Mallorca su debut discográfico a piano solo, La hora fértil (Whatabout Music, 2013). Tal vez por falta de publicidad, tal vez por desconocimiento general, tal vez por… por no sé qué. Al concierto solo asistimos una veintena de personas. Y aunque de aquel concierto ya dejé constancia en una crónica sirve de introducción para explicar qué lejos de la desmotivación o tal vez de la desilusión, Marco Mezquida se inmiscuyó en su piano y de él salió un regalo indescriptible para los afortunados de aquella noche. Pasados los meses y materializados muchísimos proyectos por el camino, hay una segunda oportunidad (de momento) para descubrir que nos ofrece este magnífico músico nuevamente a piano solo. El formato donde el músico se siente más libre y en el que de manera muy íntima comparte con los asistentes lo que pasa por su cabeza de manera instantánea. Para esta ocasión presenta la reciente publicación Live In Terrassa (Underpool Records, 2015) y su nuevo disco a piano solo, todavía sin publicar, Amateur (Autoedición, 2015)

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Aproximadamente a las 20:20 horas y con (lamentable y nuevamente) poca asistencia de público, Marco Mezquida se coloca ante el piano. Breves instantes de silencio absoluto en los que el pianista decide empezar el concierto con una improvisación en la que tienen cabida infinidad de ideas y conceptos. Improvisación dentro de la clásica con citas a temas propios. Entre quince y veinte minutos de deleite en los que el pianista se deja llevar por él mismo. La verdad, ya lo dije hace un año, se me hace muy complicado trasladar a un escrito lo que siento y percibo durante todo el concierto. Hay pocos músicos que transmitan tantas emociones. Lo que pueda escribir no hace justicia a la música que desprende. Durante todo el concierto, el pianista se pasea por (y conjunta) diversos estilos como podrían ser: un delicioso ragtime con la peculiar sonoridad de una pandereta colocada encima de las cuerdas del piano, ofreciendo un sonido metálico e incluso ofreciendo un leve sonido percusivo; jazz, haciendo gala de la tremenda técnica que posee, con una mano derecha frenética en la pulsación de teclas; música clásica, ofreciendo, a base de notas delicadas y expresivas… o bruscas y agresivas… puro sentimiento interior; libre improvisación, en la que el autor experimenta en directo con (o sin) el piano preparado, es decir, introduciendo algunos elementos dentro del mismo cambiando la sonoridad ortodoxa del instrumento así ofreciendo nuevas posibilidades y matices.

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El pianista, dentro de los estilos comentados, introduce temas propios (como “Menguante” y “Campanas”) y versiones de standards (“Fly Me To The Moon” de Bart Howard y “Sweet and lovely” de Charles Daniels) que se amoldan al estilo que él quiere, haciendo la experiencia mucho más que única. Modelando la música para que se convierta en él mismo. El piano solo del autor es (imagino) lo más parecido a lo que podría ser un pase privado entre él y el piano. La búsqueda de interrogantes y de respuestas. La experimentación íntima e ingrávida. Para finalizar, como ya hiciera hace un año en Palma, interpreta el que fuera uno de los primeros temas que aprendió (según explica él mismo) “La Balanguera” (Poema de Joan Alcover i Maspons musicado por Amadeu Vives en 1923) efectivamente, el himno de Mallorca. Y claro, interpretado por Marco Mezquida es absolutamente magistral y libre.

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Volar. Tal vez hacia la luna. Tal vez hacia el propio interior o hacia el interior de Marco Mezquida. Lo que está claro es que hay una salida del cuerpo. Una observación del todo seguida de la reflexión. De la percepción y de la creación de sentimientos propios e incluso ajenos. ¿Se pueden transmitir las emociones recibidas a un tercero? Sucede. Hay, en la música que produce este joven pianista, algo que no pertenece a lo común. Algo que viaja y que estremece. Solo se requiere amor por algo tan evidente e imprescindible para la vida como es la música. Sencillamente escuchar, sentir y volar.

Texto:  © Jesús Mateu Rosselló, 2015
Fotografías: © José Luis Luna Rocafort, 2015




Excelente cosecha de jazz andaluz en 2014 (Parte 1ª). Por Jesús Gonzalo

Ha llevado su tiempo ofrecer este dossier sobre la producción andaluza que se publicó en disco en 2014, posiblemente el primero que se escribe en revistas digitales y puede que también en papel. La razón de que sea esta región la elegida y no otra se debe exclusivamente a que al ir juntando todas estas publicaciones advertimos, mes a mes, título a título, que la calidad y variedad de estos proyectos estaban lo suficientemente contrastadas como para dedicarles este señalado espacio. Debido a su extensión, hemos dividido la entrega en dos partes, llegando la suma total de títulos comentados, uno a uno, hasta doce.

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Descalzos…Los zapatos del grupo Gabacho Maroconnection tras recorrer la geografía española durante todo el año

Para que todos ellos coincidieran en un solo año se han dado ciertas condiciones o situaciones de las que se hace necesario dar unos apuntes. En apenas dos años, desde que salieron los destacados discos del guitarrista Carlos Bermudo en Dreams, Simetrías de Pedro Cortejosa o el último trabajo de Sindicato Ornette han cambiado algunas cosas…

Las asociaciones son la figura jurídica que adoptan la mayoría de las propuestas. Esta forma colectiva, en la que suelen sobresalir una o dos personas, se ha consolidado y prácticamente las ocho provincias andaluzas cuentan con una e incluso dos de ellas. Los objetivos fundamentales de estas asociaciones son ofrecer una programación continua y una plataforma formativa. Algunas llevan ambas iniciativas más allá para constituir una Big Band.

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Ivan González dirige a una orquesta de 40 músicos en un trabajo en forma de “conductions”  que reúne a improvisadores de la escena de Barcelona

Si la escena de Málaga es la que cuenta con mayor repercusión formativa, por nivel de profesorado y número de alumnos, aunque no cuente con una programación al mismo nivel, es la de Clasijazz de Almería, por volumen y variedad de estilos y disciplinas, la que ha conseguido consolidar un cartel único todo el año, moviéndose entre la ópera y la improvisación libre. Del lado de la formación y concierto internacional es el ciclo Jazz en Alahurín de la Torre (Málaga) con XI ediciones la cita más destacada. Mientras se extienden programaciones continuas por el resto de asociaciones, también éstas empezaron a organizar festivales, caso de la de Sevilla o el Jazzfest de Cádiz, que crece uniendo fuerzas entre dos asociaciones locales y ofreciendo un cartel dedicado a músicos españoles y andaluces. Mientras, en el festival de Málaga, se dio la oportunidad de estrenar dos proyectos pertenecientes a jóvenes músicos de la ciudad: José Carra y Ernesto Aurignac.

Ernesto Aurignac en la presentación en el Teatro Cervantes de Málaga de “UNO”, el proyecto más ambicioso del año

Para que se publiquen discos tiene que haber sellos discográficos. La creación en apenas año y medio de Blue Asteroid Records (fomentada desde el Jazz-Café Naima, cuyo cumpleaños aquí celebramos y cuya web estará pronto disponible) y Corleone hacen posible poner a disposición de los aficionados esta producción editorial. Los clubes como el citado Naima siguen siendo sedes de jazz en directo y de contacto con el público. Cierto es que los recursos de los que hablamos – siempre privados- son limitados. Sin estudios de grabación es complicado que las ideas se materialicen. Los hay y han aumentado su actividad. Destacaríamos dos, en el Palmar de Vejer (Cádiz) está el Trafalgar estudio y en Granada el FJR.

 

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Pedro Cortejosa, nombre clave del jazz andaluz, sigue siendo uno de los músicos más activos. El saxofonista  se unió al percusionista David León en el proyecto  cultural y discográfico Corleone

Espejo de una realidad basada en el esfuerzo personal y colectivo, en la autogestión y una ilusión no carente de tropiezos y obstáculos aún mayores en tiempo de crisis, este dossier toma el pulso de una creación en alza. Una realidad que contrasta con tiempos pasados de escenas más desperdigadas y menos nutridas pero que mantienen algo en común con un presente reforzado pero sin ayudas: no aparecen logotipos de organismos públicos alguno en las contraportadas de cada disco.

Seis primeros discos…

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Tomate, Trío y Cebolla: Canta a Bola de Nieve

Javier Galiana (voz y piano), Jose López (contrabajo) Juan Sainz (batería).
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Se dice que el Malecón de la capital cubana fue trasplantado del de Cádiz. Por más agradable sorpresa que sea este proyecto, más necesario es si cabe que aparezca en estos tiempos grises y desesperanzados Tomate Trío y Cebolla… “La Habana es Cádiz con más negritos, Cádiz La Habana con más salero…” Bola de Nieve (Guanabacoa, 1911) resucita en la “Tacita de plata” con todo su caudal expresivo. Se diría que en esta lectura más matizado por la ligereza y la alegría que por el arrebato melodramático de sus letras más apasionadas por el desamor.

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Sopla viento de levante en día soleado. Tomate, trío y Cebolla en Cádiz, con Javier Galiana, Juan Sainz y José López

No ha debido de ser sencillo trasladar a trío de jazz ese particular mundo de un entertainer “chic” de alta sociedad internacional pero de estirpe negra como Bola de Nieve. Ayuda, como nos cuenta Javier Galiana, humorado pianista y cantante que da réplica al personaje y aporta todos los arreglos, tener la impresión de “verle la cara cuando canto”… Y añade “no es cantar la melodía o los acordes, es meterse en la canción. Tiene algo de teatro pero Bola es más músico que actor”… Nos cuenta Javier que cuando era niño, en la ducha, tarareaba alguna de estas letras que ya a su madre le ponía “los pelos de punta”.

Pero esas canciones de “cuando te ha dejado la novia”, como Vete de mí, ¡Ay amor! o Tú nunca comprenderás, no han sido las elegidas en este repertorio del autor cubano. Aquí se celebran, sería el verbo adecuado, clásicos agraciados con la chispa de la picaresca y de la ternura, del chisme y del chiste, como El botellero, Manué, Babalú, Chivo que rompe tambó o Messié Julián y se han incorporado piezas que no han sido muy versionadas. El trío es el andamio para darle forma, todos aportan en esta revisión de jazz que pone especial énfasis en las formas de bolero y rubato.

Juan Sáinz -a la batería- ayudó a construir rítmicamente un legado que teniendo esencia cuban, modos cultos y de bolero se escapa de los patrones rítmicos alrededor del son. José López al contrabajo tiene aquí una labor fundamental para reforzar el lenguaje jazzístico de esta música, y lo hace no sólo rítmicamente sino también desde la melodía, usando el arco en varios momentos. Auqnue bien es cierto que compartir con Galiana una experiencia con el grupo La Canalla hace de este desembarco en el cancionero del músico cubano algo más cercano.

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Colores tropicales, los de Javier Galiana dando réplica  al genio  inimitable  de Bola de Nieve

Empezó a estudiar música porque a su tía abuela había recibido esa indicación de los Orishas. Pianista de altura romántica, entre Chopin y Rachmaninov, cantante y narrador sin igual, negro “social” de corazón y piel… “…Ay que este negro ya no pué viví sin su tambó…”, entre Ava Gadner y los cantos yorubas, mucho arte gaditano, con su ingenio carnavalero, sabor y cimientos musicales amplios, tiene este necesario trabajo que dibuja sonrisas y te hace la vida más sencilla.

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Julián Sánchez New Quartet

Julián Sánchez (trompeta), Marco Mezquida (piano), Bori Albero (contrabajo), Ivo Sans (batería).
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Julián Sáchez es uno de los músicos más completos de su generación, además de tener una mente siempre atenta a nuevos retos y en constante crecimiento. Su carrera, por citar dos polos estéticos entre el flamenco y la creación libre, se extiende de Miguel Poveda a Agustí Fernández… Para este cuarteto de jóvenes talentos, teniendo a Barcelona y la Esmuc como segundo eje (Marco Mezquida, Bori Albero, Ivo Sans), el músico granadino se distingue del resto de sus proyectos más exigentes y avanzados, como la FAE y otras colaboraciones con trompetistas como Ivan González para sumergirse en una dimensión melódica amplia y fluida, que desprende plenitud y sutileza.

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Marco Mezquida, Julián Sánchez, Bori Albero e Ivo Sans en directo en el Puerto de Santa María

Es en este contexto definido por una respiración teñida de nostalgia y de cierto júbilo interior que podrán sugerir el profundo y vibrante lirismo, el gusto por la intensidad melódica sostenida, de Enrico Rava y Tomasz Stanko. Sorprende, pues, descubrir afinidades con el sonido clásico de ECM trasladado a la personalidad del presente y matizada por elementos de folclore hispano-andaluz. Por todo ello, en sus momentos iniciales, nos puede recordar el cuarteto nórdico de Keith Jarrett, al verse unidos folk, blues y modernidad melódica, teniendo como instigador y fuelle al piano de Marco Mezquida.

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Hidden Forces Trio: Crows Are Council
Gustavo Domínguez (clarinete bajo, clarinete y didgeridoo), Marco Serrato (contrabajo), Borja Díaz (batería).
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Tejero / Serrato / Díaz: Sputnik Trío
Ricardo Tejero
(saxos), Marco Serrato (contrabajo), Borja díaz (batería).
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Decía el trompetista Julián Sánchez, nuestro anterior protagonista, en unas declaraciones a prensa que no podía ser lo mismo hacer improvisación libre en Berlín que en Sevilla. Totalmente de acuerdo, pero no es algo imposible, al menos lo desmienten esta alianza de dos jerezanos y un sevillano. Quizá por ello sea éste el grupo más singular que hay en Andalucía, una tierra donde el free jazz y derivados extremos del rock no es algo habitual encontrar. Su propuesta no deja margen a la duda de una expresión abigarrada, tensa y ruidista, con detalles melódicos y atmosféricos que aparecen como accidentes en medio del tórrido camino. Un camino construido desde la improvisación libre y la herencia de Peter Bröztman, impulsada por Ken Vandermark con sonido rock garage en Spaceways Inc. & Zu y que hoy tendría como principal exponente y referencia de este sonido crudo y aguerrido de free-metal, a The Thing (Mats Gustafsson, Ingebrigt Håker Flaten, Paal Nilssen-Love).

Tras Topus, su debut internacional para Bruce`s Fingers en 2013, un disco con una estructura más compositiva, dan el salto al sello Clamshell que se centra en planteamientos evolucionados del free y la música contemporánea través de la libre improvisación. Dos miembros de este conjunto, Marco Serrato y Borja Díaz ( batería también de grupos como Orthodox y Blooming Latigo)  junto con Ricardo Tejero en la posición de Gustavo Domínguez, extienden la creación en el la banda que da nombre al  Spunik Trio, que también publicó trabajo en 2014.

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“Fuerzas ocultas”  y oscuras también, título tras el que se esconden Gustavo Domínguez, Marco Serrato y Borja Díaz

 

Crows Are Council, con títulos en inglés que reflejan su proyección exterior, aborda con más contundencia y sonido agresivo la idea, dando un mayor protagonismo al clarinete bajo e introduciendo didgeridoo, además de hacer un mayor uso del arco en el contrabajo (Ingrebrigt Haker Flaten). Son los espacios sostenidos de respiración más abstractay menos furia, combinando tejidos figurativos de expresividad atonal, los que descubren la solvencia instrumental y tímbrica emanada de la música clásica contemporánea o, dentro del jazz, a Jimmy Giuffre.

Potente y sutil, en línea de vanguardia entre free jazz, rock y música contemporánea, signo de modernidad internacional, este trío sevillano-jerezano es punta de lanza de la creación instantánea y colectiva más interesante.

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José Carra: El Camino

Jose Carra (piano), Beatriz Pessoa (voz), Enrique Oliver (saxofón y clarinete bajo), Romeu Tristao (contrabajo), Joao Lopes Pereira (batería), Carlos López (percusión). Sección de cuerda: Mario Navas, violín I (solista), Javi Gregori, violín I, Lorenzo Triviño, violín I, Sergio Martínez, violín II, Sara Muñoz, violín II, Ana María Navarro, violín II, Francisco José Fernández, viola, Ana González, viola, Alejandro Martínez, violonchelo, César Jiménez, violoncheloAlejandro Escalera, palmas y nudillos.
Producido por Jose Carra y Antonio Romero
Romero Music Spain

El proyecto, que se presentó el pasado noviembre en el Festival de jazz de Málaga, se concibe sobre una estructura en quinteto (jovencísimos músicos portugueses) más set de percusión, con dos elementos centrales que son la voz de Beatriz Pessoa (sin letra, recitando líricamente las notas) y el saxo tenor de uno de los mejores: Enrique Oliver. La música se inicia con una voz en off recitando un poema que sirve de introducción, uso de voz declamada en femenino que nos recuerda al teatro y sobre su mensaje a una conexión directa con el fenómeno romántico. Esta anunciación es el punto de salida a un “Camino” que queda descrito en una narración hecha de distintas paradas o distintos pasajes melódicos. El conjunto de cámara empuja y sostiene, subrayando más si cabe, los planos sentimentales de la música.

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José Carra, el pianista Malagueño, emprende con “El Camino” una búsqueda entre la música académica y el jazz lírico

Carra se entrega a la sensibilidad melancólica del primer Brad Mehldau, al deleite romántico en una narración evocativa que acerca el planteamiento a la música programática, desprendiendo en su recorrido una mezcla de emociones aéreas y motivos repetitivos que sugieren entre ambos cierto matiz pop. Recogimiento poético.

 Jaime Serradilla Trio En El Fondo

Jaime Serradilla Trío: En el fondo
Roger Mas (piano), Jaime Serradilla (contrabajo), Joe Krause (batería). Blue Asteroid Records

Es el único disco de esta lista que se registró en un concierto en directo. Dato que condiciona el resultado registrando y trasmitiendo la cercanía y complicidad del público presencial y del oyente de ahora. Serradilla es uno de los nombres fundamentales de la escena Sevillana. Justo en el centro de esa ciudad, en la Plaza del Duque, frenteal Corte Inglés tuvo lugar este concierto, uno de los tres que dio junto a los catalanes Roger Mas y Jo Krause.

La labor que lleva acabo el contrabajista tiene en la pedagogía musical uno de sus objetivos. En el Club Naima, cuyo cumpleaños aquí celebramos, su actividad en vivo aúna creación y crecimiento musical enfocado desde la lectura o, quizá mejor, indagación sobre standards. Ello viene reafirmado por un esquema de exposición, desarrollo solista y recapitulaciones con puentes y cambios métricos entre bebop, baladas y latin. Terreno abonado en la corriente principal hecho de temas originales que, no obstante, se desenvuelven por un clima que lo conecta con ellos pero dando un paso hacia una modernidad que sugiere a Kenny Barron.

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Roger Mas, Jaime Serradilla y Jo Krause en el directo en Sevilla que dio pie a este trabajo en disco

Con un mensaje veraz y cálido, que tiene también momentos álgidos en los solos de Mas y Krause, es éste un disco que celebra un encuentro fluido en torno al jazz sin más aditivos que el diálogo a tres bandas.

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Gabacho Maroconnection: Bissara
Hamid Moumen (voz, guembri), Jawad Jadli (percusión, canto), Fred Faure (percusión, n’goni), Charley Rose (saxo alto), Antonio Lizana (saxo tenor, voz), Willy Muñoz (teclados), Eric Oxandaburru (bajo), Vincent Thomas (batería). Grabado en Granada en septiembre de 2013.
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Gabacho Maroconnection, grupo con apenas un año y unos meses de existencia, ha sido sin duda alguna el acontecimiento musical del año, por número de conciertos por toda la geografía española y algunos en el extranjero, por el recibimiento de los medios y del público. Proyecto con un pasado previo que también, como nuestro primer disco seleccionado,  echó a andar en Cádiz. Un trabajo colectivo en donde las personalidades ,más acusadas en el instrumentista jazzístico, quedan diluidas en este viaje por las músicas de raíz y las aportaciones de todos sus miembros.

Medido e infalible equilibrio entre estructura, color y ritmo, el formato que reúne GMC, que recoge en todo su potencial este disco, redunda en una expresividad híbrida compaginando sonidos que citan a Joe Zawinul, Avishai Cohen o Gnawa Diffusion, es decir territorios de sofisticación y ritualismo que nutren tanto a la world music como al jazz de sus orígenes. Porque este proyecto, coincidiendo sus miembros en la escuela Musikene de San Sebastián, nació como el quinteto Gabacho Connection antes de rebautizarse de este modo en Jadida (Marruecos). Bautizo con sopa de habas secas, que es lo que significa Bissara, plato popular en todo el Magreb.

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Gabacho Maroconnection y sus alfombras voladoras, las que les han llevado a ser uno de los grupos con más conciertos del año pasado

Grupo interracial franco-hispano-magrebí que entusiasma e invita a bailar, aunando elementos renovados en la fusión musical, coreografías y ritual gnawa a partes iguales. Y, sobre todo ahora, enviando un mensaje de convivencia entre civilizaciones.

© Jesús Gonzalo, 2015




Marcel·lí Bayer: 1680 (Discordian Records, 2014)

Marcel.lí Bayer. 1680Tercer disco como líder del saxofonista y clarinetista Marcel·lí Bayer. En el año 2010 sorprendió con el disco Nonitz (Quadrant Records, 2010) en el que formó un noneto espectacular para interpretar once temas de Lee Konitz. Además, no contento con el proyecto en sí, consiguió que el mismo Konitz participara en algunos de los temas del disco. Tres años más tarde, presentó Les Narracions (Whathabout Music, 2013), proyecto con un cuarteto de lujo: Marco Mezquida al piano, Martin Leiton al contrabajo y Ramon Prats a la batería: ¿se puede pedir más? Finalmente, y a pocos días de que acabe este 2014, presenta un disco muy especial: 1680 (Discordian Records, 2014)

“Escribo la música de mis discos pensando en los músicos que van a participar, en los timbres de sus instrumentos y en sus personalidades. Pero esta vez, al tratarse de un disco en solitario, lo he hecho pensando en la resonancia y en las características sonoras del espacio, un sitio único y mágico”*

1680 son 25 pequeñas composiciones para instrumentos de viento grabadas en la ermita de Sta. Eugènia de Relat de Avinyó (Bages), por lo tanto, estamos hablando de un proyecto personal muy concreto y arriesgado. Y no por estas características es “difícil de escuchar”. Si de momento algo caracteriza a Marcel·lí Bayer es su apuesta clara por la melodía (tanto escrita como improvisada) como bien se puede escuchar en sus proyectos como líder mencionados o por sus participaciones como sideman como el proyecto ISSCJMKMB de Ivo Sans donde sigue explorando el sonido Tristano o su participación en el primer disco de Underpool Records donde podemos escuchar su buen hacer en todos los temas. Las 25 piezas de 1680 son pura melodía (podría hacer tres excepciones, pero incluso en ellas, diría que hay melodía; escuchen si no la penetradora “l’eròtica del poder”). Y esto engrandece más el proyecto, que se podría enfocar de manera más experimental, cosa que hoy en día sería incluso algo más lógico, pero Bayer sigue (muy acertadamente) su instinto.

Escuchar este proyecto evoca algo casi evidente. La espiritualidad. Y no lo digo a modo de creencia ni por asomo. Lo digo en el sentido de percibir cierto “algo” a través de las notas que ejecuta Marcel·lí Bayer y este “algo” se une y se filtra en mí. Recibo hordas de tranquilidad en prácticamente todo el disco. Aunque a veces, esta puede mutar en emoción. O en intensidad.  O en cualquier sensación realmente… La reverberación de la música que sigue sonando milésimas de segundo una vez ejecutada es algo realmente mágico. Nuevamente digo espiritual. Muy a destacar la calidad de sonido (a cargo del mismo Bayer). Hay momentos en los que casi notamos los labios de Bayer junto a nuestros oídos. Se puede escuchar prácticamente como la saliva del músico entra por la boquilla mediante el soplido. Se puede escuchar la respiración y los ligeros sonidos percusivos de los dedos mediante la digitación. Es algo muy cercano. Casi un pase privado en persona. Todos estos pequeños detalles impregnan la música de humanidad… de calidez… de veracidad…

Para acabar, un pequeño apunte en relación a la técnica del autor. Efectivamente es excelente (incluso utiliza la respiración circular), pero quiero destacar que en el caso que nos ocupa, no es importante ni determinante. El autor busca una conexión entre él y el escuchante, y la ubicación de la grabación es una fuente de inspiración evidente. Se funde composición e improvisación. Aspecto complicado que dota de más profundidad a la grabación. Por cierto, los cuarenta y siete minutos se me hacen cortos (entiéndase en el buen sentido)

Todo mi respeto y admiración por llevar a cabo un proyecto tan diferente, tan real, tan arriesgado en estos tiempos de menosprecio musical. 1680 es una grabación que rebosa autenticidad. Uno de los discos del año sin ninguna duda.

 © Jesús Mateu Rosselló, 2014

Marcel·lí Bayer: 1680

Marcel·lí Bayer (saxo soprano, alto, tenor y barítono, clarinete y clarinete bajo)

“Proemi”, “Efectes timbrats”, “La catifeta”, “Le drepeau noir”, “La tete de la course”, “Kiss Me Like You Miss Me”, “I, Mentrestant, en Claudi S’abraçava al seu daguerrotip”, “This Is Our Last Call”, L’Uri i els arbres”, “Els indocumentats”, “Poseu flors a qui duu la destral”, “Avant La Lettre”, “Petit interludi sobre la teulada”, “L’aire de les capsetes”, “Ibon vs. Ivonne”, “L’eròtica del poder”, “El repòs del Krakatau”, “Abecedari serbocroat”, “Casi un tango”, “Babangida samurái”, “L’Olivier contra el món”, “Doves With No Path To Follow”, “Azuwe Namba”, “Señorita Bonita” y “Els enemics de la llibertat”

Todos los temas compuestos y producidos por Marcel·lí Bayer.

Grabado en la ermita de Sta. Eugènia de Relat de Avinyó (Bages) los días 9 y 10 de septiembre del año 2014. Editado en 2014 por Discordian Records.

*Texto original en catalán en la página Web oficial de Marcel·lí Bayer: “Escric la música dels meus discs pensant en els músics que hi participaran, en els timbres dels seus instruments i en les seves personalitats.  Aquesta vegada, però, en tractar-se d’un disc en solitari, ho he fet pensant en la ressonància i en les característiques sonores de l’espai, un lloc únic i màgic”.