Razones para el jazz. Un disco que es una experiencia (jazz+tango): El nuevo tango (Astor Piazzolla & Gary Burton) [470]

Un disco que es una experiencia (jazz+tango). Astor Piazzolla & Gary Burton: El nuevo tango (Atlantic Records, 1986)

Seleccionado por Kuto




JazzFermín 2016 I: Hutsun Txalaparta – Jaso-Escrich Trío – King Solomon Hicks (9 julio de 2016. Pamplona, Navarra) [Concierto]

JazzFermín 2016

Lugar: Plaza Compañía, Pamplona (Navarra)

  • Fecha: 9 de julio de 2016. 21:00
    • Grupo:
      Hutsun Txalaparta – Jaso-Escrich Trío
      Anai Gambra, Mikel Urrutia: txalapartas de madera y piedra
      Javier López Jaso: acordeón
      Marcelo Escrich: contrabajo
      Daniel Lizarraga: batería
  • Fecha: 9 de julio de 2016. 23:59
    • Grupo:
      Blues King Solomon Hicks
      King Solomon Hicks: voz y guitarra
      Russell Carter: batería
      Judson Nielsen: órgano Hammond B3
      Kirk Yano: bajo

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Tras dos años en pleno Paseo de Sarasate, en 2016 JazzFermín ha cambiado de localización volviendo a un escenario por el que ya pasó hace años, la Plaza Compañía. Un espacio que aunque inmerso en medio de ese escenario de las fiestas de San Fermín como lo es el casco viejo de Pamplona, presenta un cierto recogimiento debido a la peculiar topología festiva de la capital de Navarra. Ello hace de este un emplazamiento mucho más apropiado para este ciclo. Ello, unido a una programación que vuelve por donde solía, consigue que en 2016 vuelva a tomar nuevos bríos.

Jazz y txalapartas – txalapartas y jazz

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La primera jornada doble de las cuatro -con conciertos a las 21:00 de grupos de músicos locales en papel de teloneros y a las 00:00 con los cabezas de cartel-, comenzó con un proyecto de creación propia. El encuentro del dúo de txalapartaris Hutsun Txalaparta con el Jaso – Escrich Trío supone poner encima del escenario a músicas pertenecientes a dos tradiciones bien distintas. Por un lado las txalapartas, instrumentos tradicionales del País Vasco que se tocan por dos músicos percutiendo maderas contra maderas; por otro lado el jazz que como es bien sabido es a su vez una música que se nutre tanto de tradiciones extrañas -que termina haciendo suyas-, como de su propia tradición -para lo que no hay nada más que repasar la multitud de estilos de esta música con ya más de un siglo de historia. El resultado permitió poner en valor el potencial de las txalapartas que si bien en su ancestral forma de madera son un instrumento casi únicamente rítmico, en su versión metálica(*) se convierten también en un instrumento melódico. De este modo Anai Gamboa y Mikel Urrutia no sólo se encargaron de marcar el ritmo que complementaba al del baterista Daniel Lizarraga, sino que se permitieron realizar sus correspondientes solos que encajaron magníficamente con la música de Javier López Jaso, Marcelo Escrich y el ya mencionado Daniel Lizarraga.

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El quinteto apenas ha comenzado su andadura, con mes y medio de ensayos previos al concierto. A pesar de tan poco tiempo y de la dificultad de ensamblar propuestas tan distantes inicialmente, en el estreno en Pamplona ya sonó un tema compuesto para este proyecto titulado “Malambo Hutsun”. El resto fueron temas bien conocidos: “So What”, “Caravan”, “Little Sunflower”, el piazzoleño “Libertango” o la pieza de Richard Galliano “New York Tango”. Además de las piezas en quinteto el dúo de txalapartaris interpretó una improvisación en solitario -puro ritmo- con su instrumento de madera, mientras que el Jaso – Escrich Trío interpretó dos temas (“Un paseo con Astor” y “Vals 2016”) ya grabados en el más que recomendable Pagoda (Errabal Jazz), para el que muchos ya esperamos continuación.

Siempre es una buena noticia que los ciclos de jazz apuesten por proyectos de creación propia. Si además, como ocurre en este caso, los músicos de Hutsun Txalaparta – Jaso-Escrich Trío no sólo se quedan en lo superficial, sino que intentan engarzar un proyecto que no mira tanto hacia lo ya conocido, como hacia lo nuevo, hay que felicitarse por que el jazz encuentre en unos instrumentos de raíz ancestral como son las txalapartas, a unos nuevos aliados por los que recorrer nuevos terrenos.

King Solomon Hicks y su fiesta de blues

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El concierto del cabeza del cartel de la primera jornada sirvió para que se estrenase en nuestro país un jovenzuelo que posiblemente dará mucho que hablar en no demasiado tiempo. King Solomon Hicks es, a sus veintiún años un músico que sorprende por su pericia a la guitarra, además de un buen cantante. Magníficamente secundado por Judson Nielsen (fantástico al Hammond B3), Russell Carter (potentísimo a la batería), y Kirk Yano (bajista con una pose más propia de grupos rock), dio un conciertazo de blues que puso en pie y sacó a bailar a las más de 600 personas que abarrotaban la Plaza Compañía. Para ello echó mano de un repertorio de clásicos más que reconocibles. Los planteamientos de este tipo pueden ser -a veces lo son- una buena excusa para cumplir con el expediente, y que el correspondiente concierto sea una muesca más en la chequera que antecede a otras muescas más. Por fortuna King Solomon Hicks dio (a pesar de su juventud) una lección de interpretación a la voz y la guitarra. Temas como “Dust My Broom”, “Boom Boom”, “Key To The Highway”, “Bo Didley”, “Rock Me Baby” o “Johnny B. Goode” se han debido tocar unos cuantos cientos de miles de veces, pero Solomon Hicks y compañía todavía tienen unas cuantas cosas que aportar al legado de Elmore James, John Lee Hooker, Bo Didley, B.B. King o Chuck Berry.  Tal y como reza el título de su última grabación, Carrying on the Torch of Blues, lo suyo es seguir con esa tradición, y tal y como esa gran tradición merece, lo hacen con una propuesta compacta y rocosa, llena de magníficos solos, y con un elenco de músicos de primera que comienza por el guitarrista y que continúa con cada uno de sus tres acompañantes. En definitiva, un festival de blues, boogie y rock’n’roll primigenio.

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El público asistente al concierto no tuvo que ser jaleado en demasía para responder con palmas, bailes, gritos y aplausos ante la música de Blues King Solomon Hicks. El paseo entre el público -fotos incluídas- en pleno solo del guitarrista en “Rock Me Baby” fue la antesala perfecta para un final apoteósico con un potente “Johnny B. Goode” en la que realizó un solo con la guitarra en sus espaldas que terminó de anonadar a un respetable que ya estaba algo más que entusiasmado. El tiempo hablará como juez, pero es posible que en no demasiado este guitarrista pase a un nivel superior en cuanto a reconocimiento popular: ya se verá, pero por si acaso, mejor no olvidar el nombre de King Solomon Hicks.

Texto: © Pachi Tapiz, 2016
Fotografías: © Sera Martín, 2016

Nota: (*) Las txalapartas empleadas por Hutsun Txalaparta eran de madera y de piedras. La confusión de la piedra con el metal es debido a su sonido (por momentos recordaba al de un vibráfono) y a la sorprendente -para quien escribe estas líneas- posibilidad que este material presenta como instrumento melódico. Agradecimientos a Marcelo Escrich por la aclaración post-concierto.




Dayna Septhens: Peace (Sunnyside, 2014) aka En La Casa del Mundo XCIII: “Oblivion”

Dayna Stephens_Peace_Sunnyside_2014Doble acierto el del saxofonista Dayna Stephens en Peace. Por un lado la compañía seleccionada, un póquer de ases que encabezado por el pianista Brad Mehldau se completa con el guitarrista Julian Lage y una rítmica de lujo como es la formada por el contrabajista Larry Grenadier y el baterista Eric Harland. El segundo de los aciertos es el repertorio seleccionado para una grabación que toma el nombre de la composición del gran Horace Silver. Esta versión encabeza un CD lleno de una música que se desarrolla a medio tiempo, llena de espacios, que los cinco músicos desarrollan sin prisas, deleitándose tanto en las melodías como en la compañía. El resultado es una maravillosa mirada hacia los clásicos.

© Pachi Tapiz, 2015

Dayna Septhens: Peace

Dayna Stephens (saxos), Brad Mehldau (piano), Julian Lage (guitarra), Larry Grenadier (contrabajo), Eric Harland (batería)

“Peace” (Horace Silver), “I Left My Heart In San Francisco” (Cory / Cross), “Zingaro” (Antonio Carlos Jobim), “The Good Life” (Distel / Reardon), “The Duke” (Dave Brubeck), “Brothers” (Ennio Morricone), “Deborah’s Theme” (Ennio Morricone), “Oblivion” (Astor Piazzolla), “Body & Soul” (Green / Jeyman / Sour), “Two for the Road” (Henry Mancini), “Moonglow” (Hudson / Mills / DeLange)

Grabado por Chris Allen en The Clubhouse, Rhinebeck, Nueva York. Producido por Matt Pierson. Productor ejecutivo Randi Norman. Publicado por Sunnyside en 2014. SSC 1399

Escuchar “Oblivion” en La Casa del Mundo (programa del 13 de enero de 2015):

p.d. La selección XCII en los espacios de jazz en La Casa del Mundo (programa del 16 de diciembre de 2014) fue el tema de Madeleine Peyroux incluido en el recopilatorio Keep Me In Your Heart For A While titulado “(Getting Some Fun) Out Of Life”:

 




Grand Fatilla: Global Shuffle (Grand Fatilla Records, 2014)

Grand Fatilla_Grand Fatilla_Fatilla Records_2014El cuarteto Gran Fatilla no es un grupo más de los muchos que hay dedicados a difundir la “world music” dentro de la cual caben muchos estilos como el folk y el etno-jazz. La base del grupo, radicado en Boston, es el contrabajista Mike Rivard, el mandolinista eléctrico Matt Glover y el acordeonista Roberto Cassan, que compartían su amor por la música popular del mundo, especialmente de los estilos nacidos de la diáspora gitana. El cuarto elemento es el percusionista y cantante italiano, Fabio Pirozzolo.

Global Shuffle es un enérgico y espiritual viaje a la música de Bulgaria, Italia, la Argentina de Piazzolla, Norte de África y el Brasil de Hermeto Pascoal. El disco está grabado en directo en una vieja iglesia reconvertida en estudio en West Springfield. El guitarrista argentino Claudio Ragazzi tiene una aparición estelar en tres temas, incluyendo la conocida “Bebe” de Hermeto Pascoal, en una espléndida versión del grupo.

El repertorio se nutre de tangos argentinos a tarantelas italianas, de canciones sufís turcas a ritmos irlandeses, trance marroquí, danza búlgara y música brasileña, con unos arreglos en los que se pone un logrado énfasis en la improvisación y espontaneidad interpretativa.

Estamos ante una música brillante, llena de colorido y con un aura de belleza que colma sobradamente sus doce temas.

© Carlos Lara, 2015

Grand Fatilla: Global Shuffle

Músicos: Roberto Cassan (acordeón), Matt Glover (mandolina eléctrica), Claudio Ragazzi (guitarra acústica, guitarra de 12 cuerdas y cuatro puertorriqueño), Mike Rivard (contrabajo y sintir), Fabio Pirozzolo (percusión y voz) y Christian Cassan (percusión).

Composiciones: “Cigansko Oro”, “Five of Swords”, “Domenie”, “Alla Carpinese”, “Bebe”, “Sandansko Oro”, “Milonga para Lucía”, “Kasha”, “Fracanapa”, “Corrente”, “Southern Italian Medley” y “Little Church”.
Temas compuestos por Roberto Cassan, excepto “Bebe” y “Little Church”, por Hermeto Pascoal, “Franacapa”, por Astor Piazzolla, “Five of Swords”, por M. Rivard y “Kasha”, por S. Mossberg.

Temas grabados en 2013 y 2014 en Rotary Records en West Springfield (Massachusetts). Editado en 2014 por Grand Fatilla Records




3ème Festival Musiques Dels Monts (y III): Catalogne D’Or Et De Sang / Feu D’Artifice: Cobla Vila de la Junquera + Quintet (Villelongue-dels-Monts, Francia. 2014-08-10)

Catalogne D’Or Et De Sang

  • Fecha: Domingo, 10 de agosto de 2014
  • Lugar: Grande Scène
  • Componentes:
    Philippe Meunir, selección de textos y lectura
    Boukary Niakaté, coreografía y danza
    Tnoy Houziaux, imágenes
    Reanaud Dejardin, composición musical y dirección
    Nicolas Miribel, violín
    Garth Knox, viola
    Yan Dubost, contrabajo
    Nicolas Nageotte, clarinete bajo
    Florent Pujuila, guitarra eléctrica
    Eric Echampard, batería
    Marc Dumazert, percusión

Feu D’Artifice

Cobla Vila de la Junquera + Quintet

  • Fecha: Domingo, 10 de agosto de 2014
  • Lugar: Stade
  • Componentes:
    Florent Pujuila, saxo tenor, guitarra eléctrica y dirección
    Frédéric Gastard, saxo bajo
    Jacques Di Donato, clarinete
    Nicolas Nageotte, saxo barítono
    Eric Echampard, batería

Comentario:

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A las once de la mañana del domingo 10, último día del festival, otra vuelta de tuerca al eclecticismo que lo caracteriza. Una pequeña charla /debate con el título “¿Qué significa ser catalán ‘del norte’ hoy en día?”. Se habló y se comparó el estado de la lengua catalana a un lado y al otro de la frontera, así como de la consulta (que no referéndum) del famoso 9-N en Cataluña, con sus tres opciones (no, si-no y si-si). La charla/debate se realizó en francés, debido al mínimo, por no decir nulo, dominio del catalán por parte de los asistentes.

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No hace falta decir que si el señor Wert, hubiera estado presente, en relación al uso lingüístico se hubiera frotado gratamente las manos, pensando en su plan de “españolizar a los catalanes”. Cierto, también, que unos meses después el mismo ministro habrá tenido sus oportunas y manifiestas acideces estomacales, y algo más, con la renuncia, bien explícita, al premio Nacional de Música 2014 por parte de Jordi Savall -flamante responsable de la inauguración del festival que nos ocupa-.

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A las 14:00, en el reducido interior de la iglesia de St. Etienne, se presentó un programa de música de cámara, con formaciones y autores diferentes (Vasks, Bottesini, Albéniz, Turina,…), concluyendo la balada con “Contrabajisimo” de Piazzola, a cargo del violinista Nicolas Miribel y el contrabajista Yann Rubost.

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A las 16:00, y apenas a unos cien metros, se presentó, en la Sala Polivante, “Atenttion Tramontana!!!”, una propuesta para quinteto de viento, flauta, clarinete, fagot, trompa y oboe.

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Aprovechamos el tiempo que nos quedaba para el siguiente evento del programa, para acercarnos a los preparativos y pruebas finales del proyecto creado específicamente para el festival.

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Un trabajo titulado Catalogne d’Or et de Sang (Cataluña de oro y de sangre).

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Utilizando como hilo conductor una serie de textos seleccionados de la novela Le Palace (1962), del premio Nobel de literatura de 1985, Claude Simon, un escritor de lectura compleja y con una fuerte componente visual. Escritor englobado dentro de la “nouveau roman” (Alain Robbe-Grillet, Natahalie Serraute o Michel Butor –quien hace tres años, para el sello “Vision Fugitive”, grabó el disco Le long de la plage con el pianista Marc Copland, en un dúo de recitado y piano).

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De regreso a la iglesia de Saint. Etienne, pero en esta ocasión para quedarnos en su exterior, a las 18:30 se presentó la propuesta sinfónica de Musiques dels Monts, con cuarenta músicos dirigidos por el director artístico del festival y clarinetista Florent Pujuila, con un repertorio formado por obras de Rossini, Ravel, Rodrigo y Bizet.

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Después de la cena comunitaria, regresamos al espacio de la “Grande Scène” para el estreno de Catalogne d’Or et de Sang.

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Un trabajo donde se aunaban la danza (hip hop), las imágenes generadas y proyectadas informáticamente, el recitado de los pasajes seleccionados de “El Palace” y la remarcable partitura, exquisitamente contemporánea, de Renaud Dejardin.

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Una interesante propuesta con remarcables mimbres y entretejidos, todavía tierna, con mucho recorrido por delante sino fuera que la última nota del estreno coincidía desgraciadamente con su deceso.

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Por la noche, en el estadio de rugby, como cierre del festival, una triple conjunción.

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La orquesta de sardanas, la cobla Vila de la Junquera, un quinteto de free jazz/rock con Jacques Di Donato (clarinete), Frédéric Gastard (saxo bajo), Eric Echampard (batería), Nicolas Nageotte (saxo barítono) y Florent Pujuila (saxo tenor y guitarra), y fuegos artificiales.

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Una remarcable pasada de rosca, con un final, casi, de Apocalpsis Now, cuando el quinteto recogió el testimonio de la sardana “La Santa Espina”, interpretada por la cobla, para refundirla en un magma de free rock psicodélico desenfrenado en plena consonancia con el crescendo pirotécnico final.

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Una sutil forma de engarzar a Dennis Hopper con Charlie Haden, cabe recordar que “La Santa Espina” sirvió para cerrar el disco, The Ballad of de Fallen, de la orquestra de Haden con Carla Bley.

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Texto y fotografías: © Joan Cortès, 2014

 

 

 




Dino Saluzzi Group: El Valle de la Infancia (ECM, 2014)

 dino-saluzzi-cd-infancyEl título apela a la primera memoria, a un territorio abonado a la nostalgia, algo que el bandoneonista ha frecuentado cuando no entregado directamente al sentir melodramático. Pero pese a su apellido de origen italiano, algo que marca carácter al fundirse cerca de la Pampa, dicen, Saluzzi es un argentino raro, de pocas palabras y nada amigo de la retórica. Y si apuran, un creador cuya obra no está circunscrita ni acotada por el tango ni mucho menos por los fotogramas de Jean-Luc Godard, cineasta fundador de La Nouvelle Vague que ha incorporado la música de Saluzzi en sus imágenes más que de ningún otro artista ECM.

Saluzzi es de Campo Santo, en la región de Salta, “la reserva” de los indígenas argentinos situada en la frontera entre Bolivia, Paraguay y Chile. Allí tuvo una infancia humilde y luminosa, contaba en una entrevista, pese a ser, o quizá por ello mismo, un lugar apartado de la civilización, sin luz eléctrica ni muchos medios técnicos. Salta está en un valle, el de la infancia de nuestro músico. En él creció y en el se han hecho posible, como sucede en el valle de la otra Infancia de Egberto Gismonti, el encuentro entre músicas académicas, jazz y folclore autóctono. Por eso a Saluzzi se le puede ver con Enrico Rava (Volver, 1986) o Charlie Haden (Once Upon  a time, 1985), con el Rosamunde Quartet (Kultrum 1998) o Anja Lechner (El Encuentro, 2010) y con un conjunto típico como intenta serlo aquí y en Mojotoro (1992).

Saluzzi y Gismonti, dos autores latinoamericanos que llevaron su música, como Piazzolla o Villalobos antes, a las alturas de los grandes teatros. Aunque El Valle de la Infancia no pretende llegar ahí, ni mucho menos. Es este un disco dividido en varias suites (también lo era el del brasileño al que siguió Música de Sobrevicênçia)  en las que se intenta narrar una pequeña historia, describir unos instantes, acaso dibujar una paisaje humano y natural que ya no existe. “Pueblo”, “La Fiesta Popular”, “Tiempos Primeros” son como capítulos de una memoria escrita que cobra vida en sonidos.

Estas estampas de felicidad, de sonrisa infantil, de vida que crece en un ambiente humilde y solidario, nos devuelven al mejor Saluzzi, como si conversara en solitario, como en sus discos Kultrum (1983) o Andino (1988), el músico y su grupo (casi toda su familia) nos invita, con la voz amiga y cálida de la guitarra, a un viaje lleno de vitalidad, color y verdad. Lejos del ruido de Buenos Aires, del tango porteño y rioplatense, dentro del folclore y las imágenes perdidas en un valle fértil.

Un trabajo cálido y espotáneo, que huye de la pesadrumbre y se sumerge en una mirada tierna y contemplativa sobre el folclore y la pertenencia a un lugar, a mitad de camino entre Kultrum Mojotoro, en la esencia.

© Jesús Gonzalo, 2014

Dino Saluzzi Group: El Valle de la Infancia

Músicos: Dino Saluzzi (bandoneon), José Maria Saluzzi (guitarras clásica y requinto), Nicolás “Colacho” Brizuela (guitarra clásica), Félix “Cuchara” Saluzzi (saxo tenor, clarinete), Matías Saluzzi (bajo eléctrico, contrabajo), Quintino Cinalli (batería y percusión)

Composiciones: “Sombras”, “La Polvadera”, “Pueblo” (Partes I, II y II), “A mi Padre y a mi Hijo”, “Urkupiña” (Partes I y II), “La Fiesta Popular” (Partes  I, II, II, IV y V), “Tiempos Primeros” (Partes I y II)

Publicado en 2014 por ECM Records




Gary Burton: Learning To Listen. The Jazz Journey Of Gary Burton (Berklee Press, 2013; libro)

Learning To Listen The Jazz Journey Of Gary BurtonLa autobiografía de Gary Burton es justo lo que muchos estaban esperando: un divertido compendio de anécdotas y trapos sucios de los grandes del jazz en tiempos recientes. Sus elogios a Duke Ellington, Keith Jarrett, Pat Metheny, Chick Corea y Astor Piazzolla se ven compensados con ásperas caricaturas de Astrud Gilberto, Anita O’Day y, sobre todo, un Stan Getz maleducado y agresivo. El rifirrafe de Burton con Milt Jackson, la adicción a las drogas de Joe Henderson, la tacañería de Dizzy Gillespie, la lucha de egos entre Charles Mingus y Art Blakey o el revanchismo de Burton contra el Art Ensemble of Chicago por un incidente aeroportuario son solo algunas de las sombras que el vibrafonista no repara en proyectar con todo lujo de detalles. Valiente en todos los sentidos, Burton no duda en profundizar en su sexualidad y en cómo la ha percibido a lo largo de su vida (como la mayoría de los aficionados ya saben, es uno de los pocos músicos de jazz abiertamente gay). El ágil ritmo narrativo de la obra permite un rápido y entretenido disfrute, y la sección de fotografías no tiene desperdicio.

© Arturo Mora Rioja, 2014

Learning To Listen. The Jazz Journey Of Gary Burton. An Autobiography
Autor: Gary Burton, revisado por Neil Tesser
Editorial: Berklee Press (Boston, Massachussetts, Estados Unidos, 2013)
ISBN: 978-0-87639-140-2
Idioma: inglés




Orchestre National de Jazz: Piazzolla! (Jazz Village, 2012)

Bajo la dirección de Daniel Yvinec la Orchestre National de Jazz de Francia (conocida por las siglas ONJ) afronta en su nueva grabación un repertorio en el que Astor Piazzolla es el eje central. El gran autor argentino tuvo a lo largo de su carrera algunos acercamientos al jazz. Desde el jazz también se ha intentado afrontar su repertorio en distintas ocasiones, con distintos resultados. En esta aproximación uno de los grandes logros de la ONJ es evitar la tentación de crear un disco de tango (con composiciones inmortales como “Adios Nonino”, “Libertango”, “Balada para un loco” y “Oblivion” de Piazzolla o “El día que me quieras” de Gardel) recubierto con una capa de improvisación para darle el correspondiente toque “jazzy”. El invitado de la ONJ (una figura habitual en sus grabaciones), en esta ocasión es Gil Goldstein. Él fue el encargado de escribir unos arreglos variados que remiten a distintos estilos y épocas del jazz. Con ellos consigió que el interés del oyente se reparta entre los solos y el trabajo del conjunto.

© Pachi Tapiz, 2013

Orchestre National de Jazz: Piazzolla! (Jazz Village, 2012) *** Harmonia Mundi 

 




Tomajazz recomienda… un tema: “Close Your Eyes And Listen” (Astor Piazzolla, 1974)

20090518_piazzolla-mulligan-reunion-cumbreAunque su nombre está intrínsecamente asociado con el tango, Astor Piazzolla también estuvo relacionado con el jazz. En 1958 (un año antes de Piazzolla interpreta a Piazzolla en el que incluía su eterno “Adiós Nonino”), Piazzolla grabó el decepcionante Take Me Dancing! The Latin Rhythms of Astor Piazzolla (1958), en el que incluía algunas versiones de clásicos del jazz como “Laura” o “Lullaby Of Birdland”.

En 1974 grabó Reunión Cumbre – Summit junto a Gerry Mulligan, a quien había conocido en Nueva York veinte años antes. “Close Your Eyes And Listen” es uno de los momentos álgidos de esta obra. Un tema a tiempo medio, en el que es una delicia escuchar a Gerry Mulligan y su saxo barítono de sonido aterciopelado, entrelazarse improvisaciones mediante con el bandoneón de Piazzolla.

© Adolphus van Tenzing

Astor Piazzolla – Gerry Mulligan: Reunión cumbre – Summit (Orchard)