Bill Frisell, Ran Blake y David Krakauer: ¡jazz de cine! HDO 0069 [Audioblog]

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Tres propuestas basadas en música de cine en una nueva entrega de HDO. El guitarrista Bill Frisell con Whe You Wish Upon A Star (Okeh, 2016); el pianista Ran Blake en solitario (salvo unos momentos puntuales) con Chabrol Noir (Impulse!, 2016); y el clarinetista David Krakauer con The Big Picture (Label Bleu, 2015). ¡Jazz de cine en los tres casos!

© Pachi Tapiz, 2016

HDO (Hablando de oídas) es un audioblog, editado, producido y presentado desde Tomajazz por Pachi Tapiz.

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Los temas, las grabaciones, los músicos

  • “Psycho Pt. 1”, “You Only Live Twice”, “The Shadow Of Your Smile”, “Tales From The Far Side”, “Happy Trails”
    Bill Frisell: When You Wish Upon A Star (Okeh, 2016)
    Bill Frisell, Eyvind Kang, Petra Haden, Thomas Morgan, Rudy Royston
  • “Cemetery”, “Wedding Singer”, “The Nights Of Tremolat”, “Garvey’s Song”, “I’m Going To See My Son”
    Ran Blake: Chabrol Noir (Impulse!, 2016)
    Ran Blake, Ricky Ford, Dominique Eade
  • “Willkommen”, “La vita e bella”, “Si tu vois ma mère”, “Tradition”
    The Big Picture: The Big Picture (Label Bleu, 2015)
    The Big Picture: David Krakauer, Jenny Scheimann, Adam Rogers, Rob Burger, Greg Cohen, Nicki Parrott, Sheryl Bailey, Keepalive, Jim Black



Chris Potter © Sergio Cabanillas, 2007

Tomajazz recupera… Chris Potter: el buscador de retos, por Arturo Mora

 

Chris Potter © Sergio Cabanillas, 2007

Chris Potter
© Sergio Cabanillas, 2007

ARTURO MORA: Supongo que improvisar sobre estas métricas extrañas también debe ser un reto.

CHRIS POTTER: Sí, creo que es una buena forma de retarnos a nosotros mismos, porque no puedes tocar las cosas que ya conoces, tienes que encontrar algo nuevo que funcione bien en este entorno, así que de algún modo es un buen reto, sí.

Leer: Chris Potter: el buscador de retos, por Arturo Mora Publicado originalmente en octubre de 2007.




Chris Potter © Sergio Cabanillas, 2006

Tomajazz recupera… Chris Potter: the challenge seeker, by Arturo Mora

Chris Potter © Sergio Cabanillas, 2006

Chris Potter
© Sergio Cabanillas, 2006

ARTURO MORA: Does the use of odd meters influence you when composing for the band?

CHRIS POTTER: Yes, that was an area that I was beginning to explore before I joined the band. I think it’s a sort of a process from where we’re evolving, growing. Someone would bring in a tune in a certain meter, it feels uncomfortable for a while, and then we figure out we can get more and more comfortable with it, more free, and that adds to our vocabulary for the next song. I think it’s grown over the years.

Leer: Chris Potter: the challenge seeker, by Arturo Mora Publicado originalmente en octubre de 20017.




Regina Carter: Southern Comfort (Sony Masterworks, 2014) A.K.A. En La Casa del Mundo (LXXVI): “Miner’s Child”

Regina-Carter_Southern-ComfortSouthern Comfort es un recorrido de la violinista Regina Carter por una colección de grandes temas, tomando como excusa realizar un viaje musical por la música favorita de sus padres. En ese recorrido aparecen, cómo no, una mayoría de temas tradicionales  (“See See Rider”, “Miner’s Child”, “Tranpin'”, “Shoo-Rye”, “I’m Going Home”, “, Cornbread Crumbled In Gravy”, “I Moaned and I Moaned”) que profundizan en el blues pero que también miran hacia Nueva Orleans, al bluegrass o al country; junto a ellos aparecen algunas agradables sorpresas: “Honky Tonkin'” del gran Hank Williams, y la preciosa “Hickory Wind”, una de las mejores composiciones de Gram Parsons.

Los músicos y los arreglistas prácticamente varían (aunque sea levemente) de tema en tema. De ese modo el trabajo como productora de Regina Carter proporciona a cada tema un tratamiento distinto con aproximaciones al funk, al rock, al blues, incluso en algún momento al jazz.

El acordeonista Will Holshouser aparece a lo largo de todo el CD, al igual que el baterista Alvester Garnett. Los contrabajistas Chris Lightcap y Jesse Murphy se van alternando, tal y como hacen los guitarristas Martin Sewell y Adam Rogers. Esto hace que si bien el CD no aguanta como concepto unitario, en contraposición se muestra como una lograda colección de buenos momentos individuales.

Southern Comfort sin duda no es el mejor trabajo de Regina Carter, pero posiblemente sea el que logre esté enfocado a una mayor audiencia dado que encaja dentro de un entendimento de una manera amplia y laxa del concepto de americana en cuanto a música de los EE.UU. con raíz tradicional de los EE. UU.

© Pachi Tapiz, 2014

Regina Carter: Southern Comfort (Sony Masterworks, 2014)

Escuchar “Miner’s Child” en La Casa del Mundo:




Adam Rogers © Sergio Cabanillas, 2007

Tomajazz recupera… Adam Rogers: Las guitarras y el infinito, por Arturo Mora.

 

Adam Rogers © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers
© Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers ostenta una posición de privilegio en el difícil campo de la guitarra de jazz. El pasado 16 de noviembre de 2007 visitó Madrid con motivo de su actuación en el Festival de Jazz de Ciudad Lineal con Chris Potter Underground. Entre la prueba de sonido y el concierto Arturo Mora tuvo ocasión de hablar con él sobre su música, su último disco y sus guitarras, entre otras cosas.

Leer… Adam Rogers: Las guitarras y el infinito, por Arturo Mora




Adam Rogers / Arturo Mora © Sergio Cabanillas, 2007

Tomajazz recupera… Adam Rogers: Guitars And The Infinite, by Arturo Mora

 

Adam Rogers / Arturo Mora © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers / Arturo Mora
© Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers holds a privileged position in the difficult field of jazz guitar. On November 16th 2007 he visited Madrid to perform at the Festival de Jazz de Ciudad Lineal with Chris Potter Underground. Between the soundcheck and the concert Arturo Mora had the chance to talk to him about his music, his last record and his guitars, among other things.

Read… Adam Rogers: Guitars And The Infinite, by Arturo Mora




Román Filiú – Musae (Danifson, 2012)

rf_mComentario: Madrid fue durante unos años la casa de Román Filiú, formidable saxofonista cubano ex de Irakere y colaborador de Steve Coleman, David Murray, Roy Hargrove o Chucho Valdés, entre otros. Hace unos meses dejó la Villa y Corte por los rascacielos de Manhattan, y en su reciente Musae presenta una formación compuesta por músicos de este y del otro lado del océano: tres cubanos y dos estadounidenses (Marcus Gilmore y Adam Rogers, ni más ni menos).

En Musae Filiú concibe la composición como un arte complejo que arroja un resultado emocional, hecho este último reforzado por las evoluciones de los músicos. Sin resultar obtusos, los temas requieren esfuerzo por parte del oyente. Cierto componente oscuro y una elegante inclusión de detalles rítmicos caribeños rodea la música del CD. Filiú siempre ha destacado por utilizar elementos de su folclore con gusto y mesura, sin convertir su discurso jazzístico en una descarga latina. En este caso se alcanzan altísimos niveles de intensidad, pero la música ofrecida se podría considerar hasta cierto punto jazz de cámara.

Como se ha comentado parte del éxito radica en las composiciones. Por otro lado el grupo respira, ofreciendo a todos sus componentes espacio para el lucimiento. Las texturas destacan en la ejecución de las melodías (escúchese “Ojos”, con Rogers a la guitarra acústica), y los solos discurren en un amplio rango dinámico, de la languidez a la explosión sónica. David Virelles ejerce de fiel escudero del líder, sirviendo de punto de apoyo entre la sección rítmica y los solistas. Adam Rogers hace gala de su excelencia guitarrística sin excesos, fundiéndose en el conjunto como se requiere. Su timbre guitarrístico contrasta con el de Filiú.

Un elemento curioso en el viaje sonoro es la inclusión de tres extractos (aparecen como “episodios” en la carpetilla del disco) de breve duración a modo de interludio entre temas. Su función no es la de permitir que la música repose, sino que no decaiga durante toda la duración del compacto.

Sobra decir que este es un disco maduro. Román Filiú lleva tiempo demostrándolo. En Musae ofrece un discurso elaborado, anguloso e inquieto. Explora con calma, pero cuestionando cada una de sus notas, ya sea dialogando con Rogers (“Guerilla”) o evocando ligeramente a Eric Dolphy al soprano (“Episode II”, “El Ñanga”).

Esperamos que esta aventura neoyorquina persista y otorgue a Román Filiú el reconocimiento que merece. De momento este Musae es una excelente tarjeta de presentación con músicos de nivel entregados a una música cuidadosamente creada. Ah, y grabado en un solo día.

Pat Nichols

Composiciones: “Summer Song”, “Dark Room”, “Episode I: Riding Waves”, “Ojos”, “Episode II: Rebellion”, “Guerilla”, “Episode III: The Fall”, “Ocho de mayo”, “El Ñanga”, “La montaña”, “Venus”, “La montaña (excerpt)”

Todas las composiciones por Román Filiú.

Músicos: Román Filiú (saxos alto y soprano), David Virelles (piano), Adam Rogers (guitarras), Reinier Elizarde “El negrón” (contrabajo), Dafnis Prieto y Marcus Gilmore (batería).

Grabado en Bennet Studios, Englewood (Nueva Jersey, Estados Unidos) el 12 de enero de 2012.
Dafnison Music 004.




Marcus Miller – Renaissance (3 Deuces Records, 2012)

Comentario: Lo mismo de siempre, pero qué bien hecho. Marcus Miller repasa sus fórmulas habituales en este Renaissance lleno de funk y melodías silbables. Lo hace en torno a un grupo estable con alguna colaboración salteada, creando un producto que rebosa unidad y coherencia.

Así, Miller se apoya con confianza en la que ha sido su banda en directo en los últimos años (Sean Jones a la trompeta, Alex Han al saxo alto, Federico González Peña a los teclados y Louis Cato en los tambores). A partir de ahí otros músicos van completando cada uno de los temas, con un Adam Rogers desaprovechadísimo y Rubén Blades y Gretchen Parlato abordando una buena interpretación de un arreglo discutible: el del “Setembro” de Ivan Lins (escúchese, para comparar, la versión original, o bien la de Quincy Jones en su Back On The Block). Parece que en este nuevo CD el bajista ha conseguido que nadie brille por encima de él, pero consigue no aburrir, y eso tiene su mérito en un disco de más de 70 minutos.

El sonido del Fender de Marcus Miller es excepcional; ya lo hemos comentado otras veces en estas páginas. En Renaissance no abusa del slap ni de los solos. Su punto fuerte son las composiciones. Lejos de la búsqueda de texturas complejas, formas intrincadas o armonías impredecibles, Miller se preocupa de la melodía por encima de todo. “Detroit”, “February” y “Revelation” son buena muestra de ello. También aprovecha para aportar su visión personal a temas de otros como el “Slippin’ Into Darkness” de War o el “Mr. Clean” de Weldon Irvine. Cierra el disco con una bellísima versión a bajo solo del “I’ll Be There” que popularizaran los Jackson 5.

Calidad, calidad y calidad. Técnica y madurez al servicio de una producción excelente. Mientras sea a este nivel, que se repita cuanto quiera.

Arturo Mora

Composiciones: “Detroit”, “Redemption”, “February”, “Slippin’ Into Darkness” (Sylvester Allen, Harold Ray Brown, Morris DeWayne Dickerson, LeRoy L. Jordan, Charles Miller, Lee Oskar & Howard E. Scott), “Setembro (Brazilian Wedding Song)” (Ivan Lins & Gilson Peranzzetta), “Jekyll & Hyde”, “Interlude: Nocturnal Mist” (Luther “Mano” Hanes), “Revelation”, “Mr. Clean” (Weldon Irvine, Jr.), “Gorée (Go-Ray)”, “CEE-TEE-EYE”, “Tightrope” (Nathaniel Irvin III, Charles Delbert Joseph II, Antwan Patton & Janelle Monáe Robinson), “I’ll Be There” (Berry Gordy, Jr., Bob West, Hal Davis, Willie Hutchison & Freddy Wexler)

Todas las composiciones por Marcus Miller, excepto donde se indica.

Músicos: Marcus Miller (bajo eléctrico y sin trastes, contrabajo, clarinete bajo), Sean Jones y Maurice Brown (trompeta), Alex Han (saxo alto), Federico González Peña, Bobby Sparks y Kris Bowers (piano, teclados, Fender Rhodes), Adam Rogers, Adam Agati y Paul Jackson Jr. (guitarra), Louis Cato (batería) y Ramón Yslas (percusión), con Rubén Blades y Gretchen Parlato (voz).

Grabado en Sear Sound (Nueva York, Estados Unidos).
3 Deuces Records. FDM 46050 36982 2




Adam Rogers © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers: Guitars And The Infinite, by Arturo Mora.

Adam Rogers holds a privileged position in the difficult field of jazz guitar. On November 16th 2007 he visited Madrid to perform at the Festival de Jazz de Ciudad Lineal with Chris Potter Underground. Between the soundcheck and the concert Arturo Mora had the chance to talk to him about his music, his last record and his guitars, among other things.

Adam Rogers © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers
© Sergio Cabanillas, 2007

ARTURO MORA: Your new CD, Time And The Infinite, is your first trio record. Why a trio record now?

ADAM ROGERS: I like playing trio, I’ve played trio for many years performing live, and it’s a different kind of setting for the guitar than with a saxophone or a piano, or with saxophone and piano. It gives you a lot of space in which to create music and in a different way because it’s just the guitar, you know, you play all the melodies, you have a lot of room to create the texture, given that you’re the main melodic instrument, and there’s a lot of space for you to work.

    And it’s something that I wanted to do in a way that it’s a little bit more of a challenge for me because in a guitar trio as the guitarist you have to play a lot more than if you’re playing with a saxophonist or a pianist or both. I get bored of textures very quickly, if I hear myself playing all the time I wanna change the texture, give it to the saxophone, or give it to the piano, so it’s a challenge for me to hear myself on the entire record and go: “OK, what can I do here to make this more interesting?” I have to change, even if it’s just for me. Maybe a listener might be fine listening to a whole record of me playing the guitar but I wanna change things, so it’s a challenge for me to sort of change the texture.

ARTURO MORA: So, that may help you structure the solos, as they are longer in this kind of setting.

ADAM ROGERS: You know, I don’t think about it while I’m playing, but it sort of gets in there, and when I’m thinking in the whole program of a record I’ll think about that, maybe after it’s done if I have fifteen songs that I recorded and I need to pick ten I’ll choose things so that the architechture of the record is interesting to me, or I’ll play acoustic on one song, or….

But also I think there’s a history of great guitar trio recordings that as a guitarist I feel like I want to make a trio record.

ARTURO MORA: Which guitar trio records have influenced you the most?

ADAM ROGERS: Well, there are Wes [Montgomery] organ trio records. The more influential trio records for me have been piano trio records, Bill Evans, Bud Powell, Wynton Kelly, Herbie [Hancock], even just Herbie playing inside the Miles Davis Quintet as a trio, that was very very influential… 70’s Keith Jarrett. Guitar trio, well there was Wes as a huge influence, although as they mostly were organ trios they were just like a quartet.

Adam Rogers / Arturo Mora © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers / Arturo Mora
© Sergio Cabanillas, 2007

ARTURO MORA: In your first three CD’s you only played one standard, “Long Ago And Far Away”. Five out of nine tunes in your new record are standards, why that choice?

ADAM ROGERS: I had thought of this trio record as possibly being all standards initially, just because I’ve played standards my whole life, it’s a very important part of my history as a musician and a guitarist, and then when I got closer to doing the record I realised there were a couple of songs of mine that I wanted to play and I wrote two songs right before we played the record. But I tried to make my songs not similar to the standards that we were playing, but not something so different than the standards. A couple of them are sort of old songs of mine, there’s a song called “Esteban” that I wrote in the early 90’s, so it’s like a standard of mine.

ARTURO MORA: In a straight ahead melody-solos-melody context, what do you look for when writing a tune?

ADAM ROGERS: Material from which to draw in an improvisation, and in the solo sections chords that are not easy to play, but that make sense and you want to play over. Sometimes people work very hard changes that they don’t make sense. They may be conducive to improvisation. “Giant Steps” is a very hard tune but you want to play over these changes. Sometimes if somebody writes hard changes that don’t really make any sense it’s very hard for no reason to play over them.

    But in two of the tunes in this record, “Elegy” and “Ides of March”, the solo sections are completely free, so what I look for in writing a song not only for soloistic reasons is that is has some strong material, so that even if you’re playing completely free, that you can pull things from the melody when improvising.

ARTURO MORA: …some kind of motivic development…

ADAM ROGERS: Yeah, but not even specifically, just even in terms of like a smell of that particular song. You don’t have to quote the melody, but you may be put in a vibe, in a mood that you can play from, even if you’re not particularly using motifs from the melody itself.

ARTURO MORA: What do you look for in a rhythm section?

ADAM ROGERS: A lot of different things: people who have a great sense of sound, whoever it is on their instrument. From a bassist, great sound, somebody who is always listening, who’s a very strong soloist, a great accompanist, somebody who does not mind playing very simple ideas behind what you’re playing, somebody who has nothing to proof, like Scott Colley: he’s the perfect example of a great great bassist in many ways.

Adam Rogers © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers
© Sergio Cabanillas, 2007

ARTURO MORA: I was going to ask you about him.

ADAM ROGERS: He plays in this record, and he plays whole notes, and he plays whole notes as hard as when he’s playing the most involved solo, because no matter what you’re playing in music everything is important.

Also I look for someone who’s a great virtuoso but who doesn’t have to play virtuosically all the time, and whose concept of sound is fully developed. And also in this context somebody who can really really swing. You can play simply but swing incredibly hard, like Bill Stewart or Clarence Penn. These guys are kind of very different drummers, but when they’re swinging it could hold up a train, great feeling of rhythm.

ARTURO MORA: You’ve played in many different styles, you’ve played with John Zorn and with Randy Brecker, with Norah Jones and Walter Becker. Is it hard for you to switch styles?

ADAM ROGERS: No, I don’t think so. Whatever musical situation I’m in I try to be in that musical situation, I think because I listen to many different styles intensely. You know I started out just listening to Hendrix, I’m a student of funk and r&b, and I studied classical music really seriously for four years. I think maybe partially from studying classical music, when you play baroque music you play very differently than when you play romantic music, or 20th Century music, so I think maybe the study of classical guitar taught me to really listen to the music around you when you’re playing, and on guitar that frequently involves using different guitars, and different sounds, and to me that’s really interesting, I love that challenge to bring my personality out in a context that’s ever shifting, because I think if you have a strong identity that will come through no matter what you’re doing. If it doesn’t then there’s a problem.

ARTURO MORA: Although you play different styles, you chose jazz to present yourself as a leader. Do you consider yourself a jazz musician?

ADAM ROGERS: I consider myself an improvising musician most of all. I like to play music in which I can improvise most of all. If I play the same thing too many times I start to get a little bored, so I like to change and react to the situations around me. But I also like to play a song the same way and play a part that really feels great. So given that most of the music I play is jazz I guess I’m a jazz musician, but I’m just a musician, I like to think of myself that way, but it doesn’t really matter what I think of myself [laughs].

Adam Rogers © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers
© Sergio Cabanillas, 2007

ARTURO MORA: Let’s talk a little bit about your equipment. How many amps do you have?

ADAM ROGERS: I have a lot of amps.

ARTURO MORA: We know [laughs].

ADAM ROGERS: [Pointing at the interviewer’s notes] I see you entered my website [laughs]. It’s twenty-something amps. I have a lot of guitars too, I like different sounds and different instruments, and because I’ve also played in a lot of different kinds of records I can use these different sounds, even when I play not necessarily on my own, but when I play on various records I try different amplifiers, sometimes even an amp that I haven’t played that much I use it because I like what it brings out from me as a musician if I hear a slightly different sound. One of the things that I like about trying different instruments and different amplifiers is that you can never relax, you can never fall back on something you’re very comfortable with, I think part of me keeps myself in challenging situations, even if it’s by sound.

    But regarding my records back to the question you said before, I like to make a record that from beginning to end is one thing. I like records like that, especially from my own records. When I make my records I don’t want to say: “Oh, this is a funk tune, this is a classical tune, …”. I would make another kind of record, that’s all electric, or all funk, or all soundscapes or all something else. So I like to have a record that has a concept. And I didn’t think about this so much in the four records that I’ve recorded, it just happens naturally. When I’m writing for a record I’m thinking of all songs that fall under the same sort of category, and if I want to do another record I’ll do that.

    And back to sound, I have twenty-something amps, twenty-something guitars…

ARTURO MORA: …and most of them are vintage.

ADAM ROGERS: Yeah, in the last ten years I’ve got kind of a vintage collection, I like the sound of old instruments, the resonance that guitars and amplifiers have after years of being played, even old instruments that haven’t been played that much have the sound, especially old American guitars have a kind of lacquer and finish that they don’t use now, that kind of natural lacquer that makes the wood breathe through the lacquer as time goes along, like a bass or a violin, the sound of the instrument changes. New guitars have urethane over them and they can’t breathe with the urethane. Some of them sound good, but… You know, in the old days in Fender and Gibson there were few people in the factory, everybody’s looking at the thing, … Although the guitar that I play on my records is a 1999 Gibson ES-335, a new guitar. Gibson gave it to me because I have an endorsement with them, and it just happens to be a good guitar and perfect for my uses. This Telecaster [the one he played that night in the Underground concert] is from ’67, the other one that I play is from ’56, …

    But, you know, there’s stuff to be said about really beautiful new guitars too, they’re very even. Old guitars sometimes… you know, some part of the neck is like this [he bends his arm in one direction], the other part is like [he bends his arm in the opposite direction], they’ve got issues, like with an old chair, it’s not totally even. Some of these guitars have been re-fretted and really taken care of very well and they feel like a new guitar, but… My ’56 Telecaster has a very very interesting sound, but it’s not easy to play.

Adam Rogers © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers
© Sergio Cabanillas, 2007

ARTURO MORA: Many guitar players like the typical Fender sound or the typical Gibson sound, but never both of them, as you do.

ADAM ROGERS: I play different kinds of music, or even within my own thing between different songs, … Gibson’s for jazz, I like Gibsons because they are hollow body guitars, Fender doesn’t make hollow bodies – I mean they made a couple, but not a lot – and Fenders have a particular sound so I love both ot them. I started out playing Fenders, because I was a Hendrix fanatic.

ARTURO MORA: I just heard it at the sound check.

ADAM ROGERS: Oh yeah [laughs]. So it just depends on the music. For funk and r&b maybe most of the time I think of Fenders but I have and old [Gibson] SG that I play on record dates.

ARTURO MORA: Regarding your picking position, your guitar neck is almost completely horizontal and you don’t hold the pick like most guitarists, but like George Benson. Why did you choose that technique?

ADAM ROGERS: I have no idea, I don’t remember where that happened, how I came up with it. I think keeping my hand there allows a lot of precision as opposed to playing like this [he mimics the tradicional picking position], in which I cannot get very into little details, because I don’t play from the arm, I play from around here [he shows his thumb and first finger moving as if he was playing the guitar], but again I really don’t remember how that happened. I was a huge fan of Benson when I was a kid but I’m not sure it was from that.

    It’s just something that I had an idea of the way that I wanted to play, because I’ve always emulated saxophonists like [John] Coltrane and Sonny Rollins and I wanted to be able to play quickly in the way a saxophonist does without so much effort and I just figured out that playing like this allowed sort of an economy of motion, so I don’t get around a lot to get a result. But I never thought about it.

ARTURO MORA: You’ve played in many contexts with a piano, another harmonic instrument, like here with Craig Taborn or in your previous records with Edward Simon. How do you trade harmony with a pianist?

ADAM ROGERS: Just listening. This [Underground] is an unusual band because there’s not bass in it so we just play together and listen, and in my groups Edward and I are more conscious like if he’s playing I’ll let him accompany a soloist and then we’ll switch or for both playing at the same time we just listen, so if he’s playing rhythmic things I’ll play more textural if it’s possible. It’s all about listening.

Adam Rogers © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers
© Sergio Cabanillas, 2007

ARTURO MORA: What can you tell me about the experience of playing with the late Michael Brecker? What did you learn from him?

ADAM ROGERS: Oh God, that’s another interview [laughs]. Just a lot of things. Maybe primarily that when you play music that you play 250,000 % every time that you pick up your instrument. Mike played with such intensity and such dedication that I felt every time he picked up the saxophone it was a huge huge lesson for me. And playing with him on and off for the five or six years that I did, every night that he played, I learned, you know, to… God, I mean… a lot of other little things I think, but probably primarily this because he adds such force and power as an improviser, as a saxophonist, his sound, you know, every time he played it was like bam! you know it was so strong. And of course in that there were 200,000 little lessons, but it was like when you play it’s not like: [in a childish voice] “Oh, I’ll play something”, but playing with the full force of your whole being and humanity every time you play a solo, and I can’t think of a more valuable lesson. Not that you are successful doing it every time that you try, but that it’s a great aspiration, I think.

    And a lot of other things, he was a truly fantastic human being, and I learned a lot about being a better human being being around Michael.

ARTURO MORA: Just to finish, which are your future projects?

ADAM ROGERS: I’m doing another record, I’m working on the idea of doing a live record with a similar group to the group that was on Allegory and Apparitions, but that’s being planned right now, so it will be next spring or… And then I would like to do another maybe more sort of textural electric record also. I’m not clear about if I’ll release this myself or do it with the label. I had a band called Lost Tribe for many years, and it was kind of a very electric project. Doing these four records that were more of acoustic jazz was very important for me, and I’ll continue to do that, because that’s a great part of who I am, and put out other things that I want to record. So I’m figuring all that out.

Text © 2007-2008 Arturo Mora Rioja
Photographs © 2007 Sergio Cabanillas

 




Adam Rogers © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers: Las guitarras y el infinito, por Arturo Mora.

Adam Rogers ostenta una posición de privilegio en el difícil campo de la guitarra de jazz. El pasado 16 de noviembre de 2007 visitó Madrid con motivo de su actuación en el Festival de Jazz de Ciudad Lineal con Chris Potter Underground. Entre la prueba de sonido y el concierto Arturo Mora tuvo ocasión de hablar con él sobre su música, su último disco y sus guitarras, entre otras cosas.

Adam Rogers © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers
© Sergio Cabanillas, 2007

ARTURO MORA: Tu nuevo CD, Time And The Infinite, es tu primer disco en trío. ¿Por qué un disco en trío?

ADAM ROGERS: Me gusta tocar en trío, he tocado muchos años en trío en directo, y es una formación distinta para la guitarra que con saxo o piano, o con saxo y piano. Te da mucho espacio para crear música y también de otra forma, porque tan sólo está la guitarra, sabes, tocas todas las melodías, tienes mucho espacio para crear la textura, ya que eres el principal instrumento melódico, y tienes mucho espacio para trabajar.

    Y hay algo que quería hacer en la medida en que era un reto para mí, porque como guitarrista en un trío de guitarra tienes que tocar más que si estás tocando con saxo, piano o ambos. Yo me aburro muy rápidamente de las texturas, si me escucho tocando todo el rato quiero cambiar la textura, dar paso al saxo, o al piano, así que para mí es un reto escucharme durante todo el disco y decir: “Vale, ¿qué puedo hacer para que esto resulte más interesante?”. Tengo que cambiar, aunque sólo sea para mí. A lo mejor a un oyente le parece bien escuchar un disco mío tocando la guitarra, pero yo quiero cambiar cosas, así que para mí es un reto variar las texturas.

ARTURO MORA: Eso te ayudará a estructurar los solos, al ser más largos en este tipo de formación.

ADAM ROGERS: Sabes, no pienso en eso cuando estoy tocando, pero de algún modo ocurre, y cuando estoy viendo cómo va a ser el disco en su totalidad pienso en eso. A lo mejor cuando ya esté acabado y tengo quince temas de los que necesito extraer diez, elijo cosas que hagan la arquitectura del disco más interesante para mí, o quizás toque la guitarra acústica en un tema, o…

    Pero también creo que la historia de grandes grabaciones de trío de guitarra me ha hecho sentir que quería hacer un disco a trío.

ARTURO MORA: ¿Qué discos de trío de guitarra te han influenciado más?

ADAM ROGERS: Bueno, están los discos de trío con órgano de Wes [Montgomery], pero para mí los más influyentes han sido los de trío de piano, Bill Evans, Bud Powell, Wynton Kelly, Herbie [Hancock], incluso Herbie tocando como trío dentro del Miles Davis Quintet, eso me influyó mucho… los tríos de Keith Jarrett en los 70. En cuanto a guitarra, la gran influencia fue Wes, aunque como la mayoría eran tríos con órgano eran casi como un cuarteto.

Adam Rogers y Arturo Mora © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers y Arturo Mora
© Sergio Cabanillas, 2007

ARTURO MORA: Sólo hay un standard en tus tres primeros discos, “Long Ago And Far Away”, pero cinco de los nueve temas en tu nuevo CD son standards. ¿Por qué hiciste esa elección?

ADAM ROGERS: Inicialmente había pensado que todo fueran standards en este disco en trío, porque he tocado standards toda mi vida, y es una parte muy importante de mi historia como músico y como guitarrista, y cuando fue llegando el momento de hacer el disco me dí cuenta de que había un par de temas míos que quería tocar y escribí otros dos temas justo antes de grabar. Intenté que mis canciones no fueran similares a los standards que estábamos tocando, pero tampoco que fueran muy distintos. Un par de mis temas son antiguas canciones, hay una llamada “Esteban” que escribí a principios de los 90, así que es como un standard mío.

ARTURO MORA: En un contexto tradicional melodía-solos-melodía, ¿qué buscas cuando escribes un tema?

ADAM ROGERS: Material desde el que trazar una improvisación, y en la sección de solos, acordes que no sean fáciles de tocar, pero que tengan sentido y sobre los que apetezca tocar. A veces la gente trabaja en cambios de acordes muy duros y que no tienen sentido. Deben ser propicios a la improvisación. “Giant Steps” es un tema muy duro, pero te incita a tocar sobre esos acordes. A veces si alguien escribe armonías complejas que no tienen sentido, tocar sobre ellas es dificultad sin razón.

    Pero en dos de los temas de este disco, “Elegy” y “Ides Of March”, las secciones de solo son completamente libres, así que lo que busco cuando escribo un tema, no sólo por razones del solo, es que tenga material fuerte, de modo que aunque estés tocando de forma completamente libre, puedas extraer cosas de la melodía cuando improvisas.

ARTURO MORA: …algún tipo de desarrollo motívico…

ADAM ROGERS: Sí, pero incluso no específicamente, tan sólo en términos de una especie de aroma de esa canción particular. No tienes que citar la melodía, pero puedes sumirte en una onda, en un humor en el que tocar, incluso si no estás usando motivos concretos de la melodía.

ARTURO MORA: ¿Qué buscas en una sección rítmica?

ADAM ROGERS: Muchas cosas distintas: gente que tenga un gran sentido del sonido, quienquiera que sea en cada instrumento. De un bajista espero un gran sonido, alguien que siempre esté escuchando, que sea un solista muy fuerte, un gran acompañante, alguien a quien no importe tocar ideas muy simples de apoyo a lo que tú estés tocando, alguien que no tenga nada que demostrar, como Scott Colley: él es en muchos sentidos el ejemplo perfecto de gran bajista.

Adam Rogers © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers
© Sergio Cabanillas, 2007

ARTURO MORA: Te iba a preguntar sobre él.

ADAM ROGERS: Toca en este disco, y toca redondas, y toca redondas con tanto peso como cuando está tocando el solo más concentrado, porque independientemente de lo que estés tocando, en música todo es importante.

    También busco a alguien que sea un gran virtuoso pero que no tenga que tocar siempre como un virtuoso, y cuyo concepto del sonido esté plenamente desarrollado. Y también en este contexto alguien que realmente tenga swing. Puedes tocar con simple pero con muchísimo swing, como Bill Stewart o Clarence Penn. Esos tipos son baterías muy distintos, pero cuando tocan con swing podrían parar un tren, tienen un gran sentido del ritmo.

ARTURO MORA: Has tocado en muchos estilos distintos, has tocado con John Zorn y con Randy Brecker, con Norah Jones y con Walter Becker. ¿Te es complejo cambiar de estilo?

ADAM ROGERS: No, no lo creo. En cualquier situación musical en la que esté intetno encontrarme dentro de ella, creo que porque escucho muchos estilos distintos intensamente. Sabes que empecé escuchando a Hendrix, soy un estudioso del funk y rhythm&blues, y estudié música clásica muy a fondo durante cuatro años. Creo que quizás en parte por haber estudiado música clásica, la música barroca la tocas distinto que la música del Romanticismo o que la música del siglo XX, así que creo que quizás el estudio de la guitarra clásica me ha enseñado a escuchar la música que me rodea cuando toco, y con mi instrumento eso supone utilizar distintas guitarras y distintos sonidos. Para mí eso es realmente interesante, me encanta ese reto de sacar mi personalidad en un contexto que siempre está cambiando, porque creo que si tienes una identidad fuerte, se hará notar sin importar lo que estés haciendo. Si no lo hace, entonces hay un problema.

ARTURO MORA: Aunque tocas estilos diferentes, para presentarte como líder escogiste el jazz. ¿Te consideras un músico de jazz?

ADAM ROGERS: Sobre todo me considero un músico improvisador. Me gusta tocar música en la que, sobre todo, pueda improvisar. Si toco lo mismo demasiadas veces empieza a cansarme, así que me gusta cambiar y reaccionar a las situaciones que me rodean. Pero también me gusta tocar un tema de la misma forma y tocar una parte de él que realmente me guste. Así que dado que la mayoría de la música que toco es jazz, creo que soy un músico de jazz, pero tan sólo soy un músico, me gusta pensar sobre mí de esa forma, aunque realmente no importa lo que piense sobre mí mismo [risas].

Adam Rogers © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers
© Sergio Cabanillas, 2007

ARTURO MORA: Hablemos un poco sobre tu equipo. ¿Cuántos amplificadores tienes?

ADAM ROGERS: Tengo un montón de amplis.

ARTURO MORA: Lo sabemos [risas].

ADAM ROGERS: [Señalando las notas del entrevistador] Veo que has entrado en mi página web [risas]. Son veintitantos amplis. También tengo un montón de guitarras, me gustan sonidos distintos e instrumentos distintos, y también puedo usar todos esos sonidos porque he tocado en un montón de discos distintos, incluso cuando no toco necesariamente en lo mío, sino en otros discos intento usar distintos amplificadores, a veces incluso usaré un ampli que no haya tocado mucho, porque me gusta lo que hace que salga de mí como músico si escucho un sonido ligeramente distinto. Una de las cosas que me gusta sobre intentar usar instrumentos distintos y amplificadores distintos es que nunca te puedes relajar, no puedes llegar a una situación en la que estás cómodo, creo que una parte de mí intenta llevarme a situaciones exigentes, aunque sea por el sonido.

    Pero en cuanto a mis discos, volviendo a la pregunta que me hiciste antes, me gusta hacer discos que sean una unidad de principio a fin. Me gustan los discos así, especialmente los míos. Cuando hago mis discos no me gusta ir en plan: “ah, éste es un tema funk, éste es de clásica, …”. Haría otro tipo de disco que fuera todo eléctrico, o todo funk, o todo paisajes sonoros, o todo otra cosa. Me gustan los discos que tienen un concepto. Y no pensé mucho en esto en los cuatro discos que he grabado, es algo que ocurre de forma natural. Cuando estoy escribiendo para un disco pienso en el tipo de canciones que pueden entrar en un mismo tipo de categoría, y si quiero hacer otro disco lo hago.

    Y, volviendo al sonido, tengo veintitantos amplis, veintitantas guitarras…

ARTURO MORA: …y la mayoría de ellos son antiguos.

ADAM ROGERS: Sí, en los últimos diez años me he montado una colección de instrumentos antiguos, me gusta el sonido de esos instrumentos, la resonancia que tienen las guitarras y amplificadores tras años de haber sido tocados, incluso los instrumentos antiguos que no se han tocado tanto tienen ese sonido, especialmente las guitarras antiguas de Estados Unidos, que tienen una laca y un acabado con el que no las hacen ahora, esa especie de laca natural que hace que la madera respire a través de la laca con los años, como un contrabajo o un violín, de modo que el sonido del instrumento cambia. Las guitarras nuevas llevan poliuretano y no pueden respirar. Algunas de ellas suenan bien, pero… Sabes, antiguamente en Fender y Gibson había poca gente en la fábrica, todo el mundo estaba pendiente, … Aunque la guitarra que toco en mis discos es una Gibson ES-335 de 1999, una guitarra nueva. Gibson me la dio porque tengo un contrato publicitario, y resulta que es una buena guitarra y perfecta para lo que la uso. Esta Telecaster [la que tocó esa noche en el concierto de Underground] es del 67, la otra que toco es del 56, …

    Pero, sabes, también hay buenas cosas en las guitarras nuevas, están muy bien niveladas. Las guitarras antiguas a veces… sabes, parte del mástil está así [dobla su brazo en un sentido], la otra parte está así [dobla su brazo en el sentido contrario], tienen sus cosas, como una silla vieja, no están totalmente niveladas. Algunas de esas guitarras han sido retrasteadas y se ha tenido cuidado con ellas y parecen nuevas y… Mi Telecaster del 56 tiene un sonido muy interesante, pero no es fácil de tocar.

Adam Rogers © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers
© Sergio Cabanillas, 2007

ARTURO MORA: A muchos guitarristas les gusta el típico sonido Fender o el típico sonido Gibson, pero nunca ambos, como a ti.

ADAM ROGERS: Toco distintos tipos de música, o incluso en mi propia historia distintas canciones, … Gibson es para jazz, me gustan las Gibson porque son guitarras de cuerpo hueco, Fender no hace guitarras de cuerpo hueco –quiero decir, hicieron un par, pero no más– y las Fender tienen un sonido particular así que me gustan ambas. Empecé tocando Fender, porque era fanático de Hendrix.

ARTURO MORA: Ya lo he oído en la prueba de sonido.

ADAM ROGERS: Ah, sí [risas]. Así que depende de la música. Para funk y rhythm&blues a lo mejor la mayor parte del tiempo pienso en Fender, pero tengo una antigua [Gibson] SG que toco en sesiones de grabación.

ARTURO MORA: Sobre tu postura, el mástil de tu guitarra está casi completamente horizontal y no sujetas la púa como la mayoría de los guitarristas, sino más como George Benson. ¿Por qué escogiste esta técnica?

ADAM ROGERS: No tengo ni idea, no recuerdo dónde ocurrió eso, cómo surgió. Creo que colocar mi mano así me permite más precisión comparado con tocar así [imita la postura tradicional de sujetar la púa], que no me permite llegar a los detalles pequeños, porque yo no toco con el brazo, sino con esta zona [muestra su pulgar y dedo índice moviéndose como si estuviera tocando], pero aun así realmente no recuerdo cómo ocurrió. Era muy aficionado a Benson cuando era pequeño pero no estoy seguro de que fuera por eso.

    Tan solo es algo que viene de la idea que yo tenía de cómo quería tocar, porque siempre he emulado a saxofonistas como [John] Coltrane y Sonny Rollins y quería ser capaz de tocar rápido como lo hace un saxofonista sin mucho esfuerzo, e imaginé que tocar así me permitía una cierta economía de movimientos, así que no me muevo mucho para conseguir el resultado. Pero nunca he pensado en ello.

ARTURO MORA: Has tocado en muchos contextos con piano, otro instrumento harmónico, como aquí con Craig Taborn o en tus discos anteriores con Edward Simon. ¿Cómo intercambias la armonía con un pianista?

ADAM ROGERS: Tan solo escuchando. Éste [Underground] es un grupo inusual porque no tiene bajo así que tan solo tocamos juntos y escuchamos, y en mis grupos Edward y yo estamos más pendientes de si él está tocando yo le dejo acompañar al solista y luego cambiamos, o si ambos tocamos a la vez nos escuchamos, así que si él está tocando cosas rítmicas yo tocaré más textura si es posible. Todo está en escuchar.

Adam Rogers © Sergio Cabanillas, 2007

Adam Rogers
© Sergio Cabanillas, 2007

ARTURO MORA: ¿Qué nos puedes contar sobre la experiencia de tocar con el recientemente fallecido Michael Brecker? ¿Qué aprendiste de él?

ADAM ROGERS: Cielos, eso daría para otra entrevista [risas]. Un montón de cosas. Quizás en principio que cuando tocas tienes que dar el 250 000 % cada vez que coges tu instrumento. Mike tocaba con tanta intensidad y dedicación que me hacía sentir que estaba recibiendo una gran lección cada vez que cogía el saxo. Y durante los cinco o seis años que estuve con él ocasionalmente, cada noche que tocaba, aprendí, sabes, a… Dios, quiero decir… un montón de pequeñas cosas, pero probablemente sobre todo esto, porque tenía tanta fuerza y tanto vigor como improvisador, como saxofonista, su sonido, sabes, cada vez que tocaba era como ¡bam! sabes, era tan fuerte. Y por supuesto en eso había 200 000 pequeñas lecciones, pero era como que cuando tocas no debe ser: [con voz de niño] “Bueno, voy a tocar algo”, sino tocar con toda la fuerza de tu ser y tu humanidad cada vez que haces un solo, y no puedo pensar en una lección más valiosa. No es que tengas éxito haciendo esto cada vez que lo intentas, pero es una gran aspiración, creo.

    Y muchas otras cosas, era realmente un ser humano fantástico, y aprendí mucho sobre ser mejor persona estando cerca de Michael.

ARTURO MORA: Para acabar, ¿cuáles son tus próximos proyectos?

ADAM ROGERS: Estoy haciendo otro disco, estoy trabajando en la idea de hacer un disco en directo con un grupo similar al que hizo Allegory y Apparitions, pero eso se está planificando ahora mismo, así que será para la próxima primavera o… Y luego me gustaría hacer algo quizás más relacionado con texturas eléctricas. No tengo claro si lo sacaré yo mismo o si lo haré con el sello. Tuve una banda llamada Lost Tribe durante muchos años, y era un proyecto muy eléctrico. Hacer estos cuatro discos de jazz acústico ha sido algo muy importante para mí, y seguiré haciéndo ese tipo de cosas, porque es una gran parte de lo que soy, y sacaré otras cosas que quiero grabar. Así que estoy pensando en todo esto.

Texto © 2007-2008 Arturo Mora Rioja
Fotografías © 2007 Sergio Cabanillas