HDO 207. Novedades (Steps Ahead, Ken Schaphorst Big Band, Frank Kimbrough, Ronny Graupe) y un adiós a Pirouet [Podcast]

Cuatro novedades discográficas y un adiós al sello Pirouet Records, que cesa su actividad dejando tras de sí 98 referencias. Solstice del pianista Frank Kimbrough tiene el honor de ser la última referencia del sello alemán dirigido por Ralph Bürklin. Unas semanas antes de esta obra, se publicaba The White Belt del guitarrista Ronny Graupe. Las otras dos novedades son How To Say Goodbye de la Ken Schaphorst Big Band, y Steppin’ Out del grupo Steps Ahead acompañado por la WDR Big Band Cologne.

Presentación y HDO 207: © Pachi Tapiz, 2016

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.

En HDO 207 suena:

  • Steps AheadSteppin’ Out (JazzLine, 2016)
    Steps Ahead: Mike Mainieri, Bill Evans, Chuck Loeb, Tom Kennedy, Steve Smith, WDR Big Band Cologne, dir. Michael Albene
  • Ken Schaphorst Big BandHow To Say Goodbye (JCA Recordings, 2016)
    Ken Schaphorst Big Band, Ken Schaphorst, Michael Thomas, Jeramy Udden, Donny McCaslin, Chris Cheek, Brian Landrus, Tom Kadleck, Dave Ballou, John Carlson, Ralph Alessi, Luis Bonilla, Jason Jackson, Curtis Hasselbring, Jennifer Wharton, Uri Caine, Brad Shepik, Jay Anderson, Matt Wilson, Jerry Leake
  • Ronny GraupeThe White Belt (Pirouet, 2016)
    Ronny Graupe, Jonas Westergaard, Christian Lillinger
  • Frank KimbroughSolstice (Pirouet, 2016)
    Frank Kimbrough, Jay Anderson, Jeff Hirshfield

 




III San Miguel Jamboree Jazz Club Festival, Jamboree, Barcelona (I)

III San Miguell Jamboree Jazz Club Festival

David Murray & Free Art Ensemble

  • Fecha: Martes, 20 de octubre de 2015
  • Componentes:
    David Murray & Free Art Ensemble
    David Murray, saxo tenor y clarinete bajo
    Tom Chant, saxo tenor y soprano
    Albert Cirera, saxo tenor, soprano y conducción
    Oriol Fontclara, saxo barítono y alto
    Pol Padrós, trompeta, caracolas y percusión
    Velentín Murillo, flauta
    Julián Sánchez, trompeta y percusión
    Iván González, conducción, trompeta y percusión
    Marc Cuevas, contrabajo y percusión
    Àlex Reviriego, contrabajo
    Ramon Prats, batería
    Arnau Obiols, batería

Jeff Ballard Trio

  • Fecha: Miércoles, 21 de octubre de 2015
  • Componentes:
    Jeff Ballard Trio
    Chris Cheek, saxo tenor y pedales
    Lionel Loueke, guitarra y pedales
    Jeff Ballard, batería

Ramon Prats Quartet (Pandora)

  • Fecha: Viernes, 23 de octubre de 2015
  • Componentes:
    Ramon Prats Quartet (Pandora)
    Ramon Prats, batería y composición
    Julián Sánchez, trompeta
    Sandrine Robilliard, violonchelo
    Martín Léiton, contrabajo

Jef Neve “Solo Tour”

  • Fecha: Sábado, 24 de octubre de 2015
  • Componentes:
    Jef Neve, piano

Marc Miralta Flamenco Reunion

  • Fecha: Domingo, 23 de octubre de 2015
  • Componentes:
    Marc Miralta Flamenco Reunion
    Marc Miralta, batería
    Perico Sambeat, flauta, saxos alto y soprano
    Javier Colina, contrabajo
    Blas Cordóba “El Kejío”, cante
    Marco Mezquida, piano
    David Dominguez, percusión

 

Hará unos tres años que los responsables de la cava de la plaza Real de la capital catalana tuvieron la buena y acertada idea de gestar su Jazz Club Festival, en el que todas las actuaciones se realizarían en su escenario abovedado con suelo de madera. El mismo escenario que a lo largo de los 365 días anuales acoge actuaciones musicales, prácticamente jazzísticas en su totalidad -en sus diversas concepciones y cercanías-

Un festival para ser disfrutado en la distancia corta, bien próximo al escenario, para tocar a los músicos. La superficie del Jamboree es menor que la de otros escenarios barceloneses que acogen grandes eventos.

Las fechas, desde su inicio, coinciden con las de otro festival de jazz, el que lleva el nombre de la ciudad, que este año ha llegado a su 47 edición.

Comentaremos algunas de las actuaciones que hemos vivido. Evidentemente no serán todas las programadas, por lo tanto nuestra visión no dejará de ser sesgada, parcial y conscientemente subjetiva.

El martes 20 de octubre, el Free Art Ensemble, que venía de su mini gira por tierras andaluzas, compartió escenario, con una propuesta totalmente inédita hasta la fecha, con el saxofonista, clarinetista y compositor David Murray (presente también en la edición anterior, pero en aquella ocasión, remarcable, al frente de su Infinity Quartet).

Dos pases mega energéticos, estimulantes con sus gamberrismos oportunos y pertinentes, pero sin llegar a la osmosis deseable entre los once jóvenes FAE-istas y el veterano estadounidense.

Entre las partituras y los rótulos explícitos para las conducciones de Iván González los nombres de “Cap de Toro”, “Bocimarx” o “Little Eril” por parte de la FAE y “Flowers for Albert” y “Red Car” por parte de Murray.

Esperamos y deseamos un nuevo encuentro.

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Al día siguiente, Jeff Ballard se presentaba en formato de trío, medio año después, de su excelente actuación, especialmente la desarrollada en la primera parte, en la última edición del festival de jazz de la vecina localidad de Terrassa, en aquella ocasión en cuarteto, ambas con la complicidad de la guitarra de Lionel Louke, y en esta ocasión con el saxo tenor y pedales de Chris Cheek.

En su conjunto nos pareció una propuesta todavía tierna, dispersa y bastante alejada de la vivida en la cava egarense.

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El viernes 23, una de las joyas de este festival, el cuarteto del baterista Ramon Prats nos volvió a dejar embelesados con su personal y singular versión de Pandora. Hechizante por su dinámica, sonoridad,  gama de texturas y timbres, con un  impecable encaje entre los cuatro músicos, el violonchelo de Sandrine Robillard, la trompeta de Julián Sánchez, el contrabajo de Martín Léiton y los platos y cueros, de Ramon Prats, con un bombo pequeño escogido especialmente  para el acompañamiento del instrumento de cuerda.

Una propuesta que ha ido creciendo de forma exponencial desde su estreno, la carta blanca de la primera edición del Estival de Igualada (junio de 2013). Directo que quedó materializado en el recomendable disco homónimo.

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En la jornada siguiente, Jef Neve, a piano solo, presentó su último trabajo, One (2014),  dejando perfecta muestra de su peculiar concepción jazzística pasada por el tamiz de la sonoridad y dinámicas de la música clásica, así como su atracción por las componentes melódicas, más una pequeña e interesante aproximación al mundo sonoro de Joni Mitchell “A case of you”, después  de su derivada inicial por “Lush Life” de Strayhorn  y antes de su propio “Solitude”.

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Veintitrés horas después, le correspondió el turno al Flamenco Reunion de Marc Miralta, con un Marc en pleno estado de gracia, tirando firmemente de las riendas y jaleando de valiente a sus acompañantes, con dos de sus máximos conspiradores afines, Javier Colina y Perico Sambeat, y el contrapunto de la voz penetrante, gitano flamenca, de Blas de Córdoba “El Kejío”, pura delicia fueron sus interpretaciones vocales, entre otras,  de “Retrato en blanco y negro” o “Bésame mucho”.

También destacaríamos el parkeriano “Chi Chi” o el monkiano “Hornin’in”, por los senderos flamencos de las bulerías el primero y por el de los tangos el segundo, sin olvidar tres composiciones de Miralta “Entre dos”, “25 Jaleos” o “Juntos a las estrellas”. Temas que conforman parte del disco con el mismo nombre del grupo, publicado en el 2013, con la excepción del bolero de Consuelito Velázquez, que estaba incluido en el disco New York Flamenco Reunión (Nuevos Medios, 2000)

Para la ocasión contaron con el remarcable saber hacer del joven, versátil y camaleónico, Marco Mezquida. Nos ofrecieron dos pases plenamente dinámicos, musculados y ultra vigorizantes. Una noche de altos vuelos jamboreenianos.

Cambiando de tercio y con el permiso de Miralta, ¿para cuándo un dueto de boleros Colina-Mezquida?

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Texto y fotografías: © Joan Cortès, 2016

 

 




INSTANTZZ: Jeff Ballard Trio (III Jamboree Jazz Club Festival, Jamboree, Barcelona. 2015-10-21)

  • Fecha: Miércoles, 21 de octubre de 2015
  • Lugar: Jamboree (Barcelona)
  • Componentes: Jeff Ballard Trio
    Chris Cheek, saxo tenor y pedales
    Lionel Loueke, guitarra y pedales
    Jeff Ballard, batería

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© Joan Cortès, 2015




Vernau Mier Quintet: Nebuloses D’Azimut (PSM Music, 2014)

Vernau Mier Quintet_Nebuloses d azimut_2015En febrero del año 2014 estuve en el local Jazzsí de Barcelona viendo una jam session a cargo de varios jóvenes músicos de Barcelona (y puede que de otros lares). Precisamente escribí una crónica de mis vivencias jazzísticas en la Ciutat Condal que posteriormente se publicaron en la web de El Club de Jazz*. En relación a mis impresiones de la jam, decía que no podía incluir los nombres de los músicos ya que no los pude obtener (aunque los pedí expresamente). Digo todo esto porque Vernau Mier, era uno de los saxofonistas de aquella noche. Buscando información en su página web oficial lo reconozco por la fotografía y posteriormente lo confirmo con el propio músico. Unos meses después de aquella sesión y financiado a través de una campaña de micro mecenazgo, Nebuloses D’Azimut (PSM Music, 2014) supone el debut discográfico del Vernau Mier Quintet

“El disco pretende ser un reflejo de las experiencias musicales que he vivido en los últimos años, al mismo momento que marca el camino que quiero seguir. De aquí viene el título del disco, ya que Azimut es el ángulo que se forma entre una posición de origen y una estrella, siendo el disco un retrato de quién soy y a donde quiero ir”

Palabras del joven saxofonista que con tan solo veinte años confecciona un disco con nueve composiciones de su autoría excepto “Galactic Pepper” de Manel Fortià. El mismo autor se declara ídolo de los grandes clásicos: Charlie Parker, John Coltrane, Cannonball Aderley, Miles Davis… pero también de autores actuales como: Chris Cheek, Perico Sambeat, Esbjörn Svensson, Gorka Benítez… y efectivamente, la música de Nebuloses D’Azimut se mueve entre un clasicismo evidente pero con un ojo puesto en el presente y futuro, es decir, las composiciones asimilan y se alimentan de los clásicos pero el sonido global del disco se acerca a un sonido más contemporáneo. Más actual pero con una base bien consolidada. Música talentosa, vibrante, potente y sincera. Temas de entre seis y nueve minutos que son desarrollados con buena soltura y notable coherencia. Los cuatro jóvenes músicos que acompañan a Vernau Mier se contagian (o comparten) la pasión del líder y corresponden con creces. Me gustaría destacar al pianista Toni Saigi que en cada improvisación sorprende por sus planteamientos dentro de la lógica del álbum (una buena muestra es su magnífica improvisación en “A les closques”). Hay clasicismo en sus pulsaciones pero se desmarca con ideas renovadas y sorpresivas. En la jam que comentaba al principio, había un pianista que me sorprendió y que tenía una forma de tocar parecida (o igual). Me comenta Vernau Mier que probablemente era el mismo Saigi.

Nebuloses D’Azimut es una ópera prima de altura que debe tener continuidad. Vernau Mier se la juega desde un inicio con sus propias composiciones. Sin acudir a standards. Y la cosa funciona. Y además se acompaña de músicos bien jóvenes con mucho talento y que transmiten porque realmente sienten lo que tocan. Atentos a la evolución de este joven quinteto. Quedamos a la espera de futuros proyectos.

© Jesús Mateu Rosselló, 2015

Vernau Mier Quintet: Nebuloses D’Azimut

Músicos: Vernau Mier (saxo alto), Lucas Marínez (saxo tenor), Toni Saigi (piano), Manel Fortià (contrabajo), Marc Bódalo (batería)

Composiciones: “Martilla”, “A les closques”, “Watkins”, “Sicari”, “Azimut”, “Sunshi”, “Menudo cuento”, “Rossiwall” y “Galactic Pepper”
Todos los temas compuestos por Vernau Mier excepto “Galactic Pepper” de Manel Fortià.

Autoproducido por Vernau Mier. Editado y distribuido por PSM Music

 

*Enlace crónica Barcelona en El Club de Jazz: http://www.elclubdejazz.com/roundjazz/articulos_jazz/cronica_viaje_barcelona_jesus_mateu.html




Fèlix Rossy: Cuando cojo la trompeta siento que vuelo. Entrevista por Jesús Mateu Rossello

Fèlix Rossy, con tan solo veinte años cumplidos, puede presumir de haber compartido escenario con músicos como Chris Cheek, Mark Turner, Brad Mehldau, Rj Miller, Marco Mezquida, Albert Sanz, Mike Kanan, Jordi Rossy (que como sabréis es su padre)… a parte de liderar proyectos desde hace bastantes años y de formar parte de conjuntos como The Wild Bunch o The North Atlantic Jazz Connection.

La madurez al instrumento de Fèlix Rossy es algo más que evidente cuando asistes a uno de sus conciertos. Te olvidas de que es “el hijo de” a los dos segundos: el dato se convierte en anécdota y en evidencia al mismo tiempo. Fèlix es un apasionado de su instrumento, de la música, del arte… y es algo que desprende a raudales tanto en una conversación como en una actuación. Con muchísimo tiempo por delante para formalizar muchos proyectos que seguramente tenga en mente, está en un momento dulce donde enlaza múltiples actuaciones en diferentes formaciones y todas ellas de evidente calidad.

Junto con el pianista Albert Sanz, acaba de publicar el disco Dolphin’s Blues (Autoedición, 2014) editado únicamente (de momento) en vinilo y formato digital, por lo que es la excusa perfecta para hablar con el trompetista.

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Jesús Mateu: Coges la trompeta, colocas los labios en la boquilla y ¿qué sucede?

Fèlix Rossy: Cuando cojo la trompeta siento que vuelo, que puedo imaginar cualquier cosa. Todo es posible en la no materia. Me refiero a la imaginación… o al viento… Esto es un alivio en las limitaciones de vivir en un cuerpo físico. Digamos que me alimenta el alma y no existen barreras cuando estoy tocando.

Jesús Mateu: Dolphin’s Blues, disco grabado en directo a dúo con el pianista Albert Sanz, se ha financiado a través de una campaña de micro mecenazgo. Aunque es una pregunta demasiado evidente, creo que es importante saber la opinión de los artistas en relación a esta forma de financiación.

Albert Sanz-Felix Rossy_Dolphin's_Blues_autoedidion_2014Fèlix Rossy: Creo que es una opción correcta ya que los artistas en general, en este país, se les trata muy degeneradamente. Sin respeto. Necesitamos el apoyo de nuestros amigos y seguidores para financiar nuestros proyectos, y si por internet, se puede hacer, ¿porqué no probarlo?, además hemos vendido bastantes vinilos de esta manera…

Jesús Mateu: Es evidente que vosotros, los músicos de jazz o músicas improvisadas, cuando acabáis un concierto, sois conscientes de que lo que ha podido escuchar el público no se va a repetir en la vida. ¿Puede que la grabación de este disco sea consecuencia de querer inmortalizar al menos uno de estos momentos?

Fèlix Rossy: Sí, intentamos captar los momentos que son irrepetibles o mágicos, que no pertenezcan a nuestro repertorio de ideas preestablecidas, que sea algo que podamos escuchar repetidas veces sin cansarnos y descubrir diferentes emociones al profundizar en estas improvisaciones…

Jesús Mateu: Entonces podríamos decir que eres uno de los que escuchan sus propias grabaciones. No son pocos los músicos que una vez publicados sus proyectos no los vuelven a escuchar centrándose únicamente en el presente y por consiguiente, en el futuro. ¿Es necesario escucharse a uno mismo? ¿Qué lectura se puede extraer?

Fèlix Rossy: Cuando estoy escuchándome, me doy cuenta de cosas tanto personales como de grupo que me llaman la atención y que son muy interesantes. Son aspectos tanto a mejorar como formidables que uno no percibe mientras desata la acción, y poderlo escuchar es un gran aprendizaje, me gusta escucharme, especialmente cuando hace tiempo que no lo hago y encuentro un momento de soledad.

Jesús Mateu: En una entrevista el baterista vasco Hasier Oleaga decía “el día que deje de estudiar y cultivarme, habré caducado como músico”. Imagino que en este caso, se refería a la formación académica, o puede que no. De todas formas esto me sirve a modo de introducción para preguntarte. ¿Qué opinión tienes en relación al estudio académico de un instrumento? ¿Hay esta necesidad vital de seguir estudiándolo hasta el retiro musical?

Fèlix Rossy: Creo que la academia en general está bien, pero yo nunca he estudiado en una por varias razones: Se toca poco en grupo, muchos de los alumnos salen graduados sin dirección o ambición, otros tocando igual que sus profesores, con falta de seguridad en ellos. También depende mucho del profesor claro… si es un buen profesor, no importa tanto si es una clase particular o académica, de todas maneras, siempre me decanto por la práctica y el aprendizaje por uno mismo que recibiendo clases. Lo ideal es combinar las dos pero que las clases sean divertidas y se descubran nuevas posibilidades para reforzar la creatividad del alumno.

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Jesús Mateu: Pudimos disfrutar en Mallorca de una actuación a dúo con el pianista Toni Vaquer. Al menos yo percibí una energía especial entre vosotros. En Tomajazz hicimos una crónica del concierto con mis sensaciones. ¿Cuáles fueron tus sensaciones?

Fèlix Rossy: Se parecen bastante a las tuyas, de hecho me vi muy identificado con tu crónica. Había mucho compañerismo entre nosotros dos. Toni Vaquer es un pianista excepcional, súper curioso, siempre intentando salir de la zona de confort pero también con gran relajación en muchos momentos, con trepidante ritmo en otros. Es muy ameno tocar a su lado, siempre da lo mejor de sí mismo, como yo, o al menos eso intentamos, y muchas veces lo conseguimos, además, utilizamos el sonido para hablar. Con el sonido podemos saber lo que siente el otro. Incluso con palabras escondidas en las notas, podría decirse comunicación emocional, o incluso visual a través del sonido.

Jesús Mateu: Precisamente en aquella crónica explicaba que imaginaba la educación musical que recibiste en tu infancia. Seguidamente hacía una reflexión en relación a lo importante (o no) de tener desde pequeños una buena educación cultural (y por lo tanto musical). ¿Cómo influyó la educación que recibiste en tu manera de entender y de vivir la música actualmente?

Fèlix Rossy: Mi educación musical fue a través, sobre todo, de la receptividad. Escuchar mucha música, educar el oído, memorizar muchas canciones populares, infantiles, incluso de otros estilos como clásico, rock o funk. Aprender de otras ramas del arte como la pintura y aprender a tocar con emoción. Transmitiendo un mensaje oculto o visible según como… más directo o más escondido, una educación muy intuitiva, con clases particulares y de tocar en grupo que es lo que más me gusta hoy en día y lo sigo haciendo, además de componer y tocar otros instrumentos…

Jesús Mateu: Por lo que me puedo imaginar, después de hablar contigo hace unos meses y de alguna respuesta en esta entrevista, eres un devorador incansable de música. ¿Le dedicas mucho tiempo al arte (cada vez más olvidado) de escuchar música? ¿En qué medida, toda esta música, influye en tus composiciones originales y en tu manera de tocar?

Fèlix Rossy: Escuchar música es esencial, o al menos escucharla en tu cabeza, pero me gusta mucho escuchar diversas influencias y también de otros instrumentos o estilos, es como probar diferentes comidas si eres cocinero, ¡es básico!

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Jesús Mateu: ¿Qué conjuntos, grupos o solistas, sean de jazz o de otros estilos musicales, se encuentran en tus referentes? Es decir, me refiero a aquellos que han podido influir en tu música aunque no tengan nada que ver con ella. Aquellos que cuando escuchas, crean un escalofrío especial.

Fèlix Rossy: Stevie Wonder, Bach, Jaco Pastorius, Wayne Shorter, McCoy Tyner, Jimmy Hendrix, John Lennon, Joni Mitchell…

Jesús Mateu: En relación a los standards de jazz, en tu visita a Mallorca me explicabas que aunque te encanta interpretarlos, puede que de manera muy libre o puede que de manera más “leída” (disfrutando por igual según el momento), también te interesa dar tu visión personal de temas que no tienen nada que ver con el jazz.

Fèlix Rossy: Claro, yo busco un viaje a lo desconocido… lleno de intriga… sorpresas… y para eso necesito espacio para crear melodías nuevas y que mi compañero esté listo para despegar, pero también me gusta tocar cosas simples pero con profundidad y precisión.

Jesús Mateu: Cualquier persona que haya podido disfrutar de uno de tus conciertos, habrá podido ver que una de tus marcas de la casa es la colocación de la trompeta hacia abajo, dependiendo la inclinación según el momento y aunque ya me lo explicaste personalmente en una ocasión, creo que es interesante para la gente el porqué de esta decisión.

Fèlix Rossy: Empecé a tocar la trompeta con siete años y como me pesaba, tocaba hacia abajo. Entonces me habitué, y tiene sus ventajas, el sonido es más cálido y te rebota, así te escuchas mejor si no llevas micro. Pero es importante poder tocar en más de una posición, estoy trabajando para poder estar cómodo tocando hacia abajo o mirando recto.

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Jesús Mateu: Mirando en youtube, he encontrado un video el que improvisas con un saxofón. Dos preguntas. La primera ya la tenía en mente antes de ver el video ¿La trompeta fue tu primera elección? Y la segunda es evidente ¿Estás tocando algún otro instrumento con algún proyecto a la vista?

Fèlix Rossy: Sí, la trompeta fue mi primera elección, mi padre tenía una que tocaba cuando era más joven así que yo la resucite de alguna manera.

Actualmente estoy estudiando piano, bajo eléctrico y saxo, también canto un poco pero todo está poniéndose en marcha… espero poder tocar a buen nivel estos instrumentos en poco tiempo…

Jesús Mateu: Han pasado cuatro años desde aquel “Introducing Fèlix Rossy” ¿Qué ha cambiado en Fèlix Rossy durante este periodo?

Fèlix Rossy: Han cambiado muchas cosas, para empezar mi musicalidad se ha ampliado así como mi control del instrumento, creatividad, ritmo, expresividad. Personalmente he crecido mucho desde entonces. Todas las experiencias de mi vida se plasman en mi música de alguna manera, algo que es inexplicable con palabras. Me gusta que el oyente lo pueda descubrir por sí mismo sin necesidad de explicarle lo que ha pasado…

Jesús Mateu: ¿En qué formaciones te mueves actualmente y que proyectos de futuro tienes entre manos?

Fèlix Rossy: Ahora he organizado una gira en febrero con mi quinteto. Será en España y el grupo es asombroso, tengo muchísimas ganas, once conciertos sin pausa. Los miembros del grupo son Ofri Nehemya (batería) Ben Solomon (saxofón) Pedro Campos (contrabajo) y Davis Whitfield (piano), todos ellos muy jóvenes, alrededor de los veinte años. También tengo el proyecto de dúo con Albert Sanz y también con Marco Mezquida, que son dos pianistas de lujo, de lo mejorcito del país sin duda. Lo demás son colaboraciones con gran variedad de grupos entre ellos Iago Fernández sexteto o Ofri Nehemya cuarteto…

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Jesús Mateu: A parte de estos proyectos y de la gira que nos comentas, ¿Tienes alguna grabación prevista de manera inminente?

Fèlix Rossy: Quiero grabar un disco a mi nombre para el próximo año y trabajare para que se pueda concretar pronto.

Jesús Mateu: Da la impresión de que en Barcelona hay una escena de música jazz muy potente. Con muchísimos nombres y con infinidad de conciertos todos los días del año. Yo mismo lo pude experimentar en un viaje hace unos meses. Pero mi pregunta es sobre las condiciones en que vosotros, los músicos, estáis realizando estos conciertos. ¿Se puede vivir del jazz en Barcelona? ¿Existen las condiciones laborales idóneas para trabajar de músico, así como existen en según qué gremios?

Fèlix Rossy: Hoy en día vivir de conciertos en Barcelona no se puede a no ser que seas súper conocido y viajes a otros países. En mi caso, en diciembre me voy a París a tocar tres conciertos y estoy pensando en la posibilidad de ir a vivir allí el año que viene… Barcelona es dura porque no hay ayudas del gobierno ni a los jóvenes ni a los clubs, así que seguramente iré el año que viene a otro sitio donde se valore más la cultura.

Jesús Mateu: Ya que hablas de las inexistentes ayudas del gobierno y viendo como está el panorama político actual, con esperanzas de romper de una vez por todas el bipartidismo. ¿Hay esperanza para que haya un cambio radical en el tratamiento y valoración del arte y de la cultura en este país?

Fèlix Rossy: La esperanza no se tiene que perder, seguro que mejorará algún día la situación y espero que sea pronto, sino todos los artistas se irán a fuera para poder ser dignamente valorados y vivir como se merecen…

Creo que en un par de años el país estará mejor. Espero que haya algún relevo político que ayude al cambio y la gente se haga más activa en este aspecto, que haya más unidad y compromiso individual y colectivo…

Jesús Mateu: Muchas gracias por conceder esta entrevista a Tomajazz. Deseamos que tengas una buena gira tanto en París como en España. Quedamos a la espera del disco que nos comentas. Si quieres añadir algo espacio en blanco para ti

Fèlix Rossy: Pues quiero agradecerte el trabajo ¡espero que nos veamos pronto en algún concierto!

 

Texto  © Jesús Mateu Rosselló, 2014
Fotos © José Luis Luna Rocafort, 2014




INSTANTZZ: The Swallow Quintet (46 Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona, Sala Oriol Martorell, L’Auditori. 2014-11-25)

46 Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona

The Swallow Quintet

  • Fecha: Martes, 25 de noviembre de 2014
  • Lugar: L’Auditori (Sala Oriol Martorell)
  • Componentes:
    Carla Bley, órgano
    Steve Swallow, bajo
    Chris Cheek, saxo tenor
    Steve Cardenas, guitarra
    Jorge Rossy, batería

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Fotografías: © Joan Cortès, 2014




Chris Cheek & Jimmy Weinstein Group (Sa Pobla, Mallorca. 2014-11-09)

  • Lugar: Centre Cultural Sa Congregació. Sa Pobla, Mallorca
  • Fecha: Domingo 09 de Noviembre de 2014. 19:30
  • Formación:
    Chris Cheek: saxo tenor
    Jimmy Weinstein: batería
    Toni Miranda: guitarra
    Marko Lohikari: contrabajo
    Lilli Santon: voz

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Cuando José Luis Luna me informa que viene Chris Cheek a Mallorca no me queda más remedio que decir la frase temida “pues no lo conozco”, a lo que rápidamente me contesta que es algo que debo remediar. Busco información y descubro una discografía repleta de excelentes formaciones con músicos como: Paul Motian, Ethan Iverson, Albert Sanz, Charlie Haden… Rápidamente me hago con unos discos del saxofonista, pero por falta de tiempo no puedo escuchar más que unos cuantos temas (que me dejan un espléndido sabor de boca) y a dos días del evento, Pachi Tapiz me comenta “igual es mejor ir sin más información y que te sorprenda”, y así lo hago. Tampoco es algo nuevo para mí, lo hice recientemente con Samuel Blaser al que tampoco conocía (los que conocéis su trabajo os podéis imaginar). Es algo que la gente debería hacer más a menudo. Dejar cualquier perversión foránea y desarrollar una opinión desnuda. Pero bueno, prosigo. En relación al resto de la formación, el baterista Jimmy Weinstein hace unos años que viene realizando el seminario Traveling School dentro de la programación del Festival Mallorca Jazz Sa Pobla, además, desde Tomajazz lo queremos reivindicar ya que creemos que no está lo suficientemente reconocido. Marko Lohikari, si, efectivamente, es el flamante contrabajista del trío de Marco Mezquida, y por cierto, hace unos años que vive en Mallorca por lo que es un lujo para la isla. Toni Miranda, es un magnífico guitarrista mallorquín. Una verdadera pena la insuficiente y casi nula escena jazzística como para que pueda desarrollar según qué proyectos. ¡Otra reivindicación! Si tenéis ocasión de verle, no lo dudéis. y Lilli Santon, que también forma parte de la Traveling School, integra su voz al conjunto como si fuera cualquier otro instrumento.

Jimmy Weinstein

Organiza el concierto el Centre Cultural Sa Congregació que también están detrás de la organización del Festival Mallorca Jazz Sa Pobla. Totalmente imprescindible cada verano. También hay que comentar que justo el día anterior, esta misma formación ofreció un concierto en Sa Societat de Calvià, que según me comentan, pretenden incorporarse al circuito de jazz en Mallorca. Esperemos que nos depare buenos conciertos en un futuro inmediato. Quedamos a la espera.

Lilli Santon

A las 19:45 empieza el concierto y lo que se escucha en el escenario es jazz sin aspavientos ni atropellos. Algo así como hacer honor a la palabra relax. Claro que hay momentos de más intensidad, pero entiendo el global del concierto como una expresión en calma. Los músicos se entienden a la perfección aunque no hayan trabajado antes con Chris Cheek (aparte de Jimmy Weinstein) y este, en plena concentración, entra en un trance profundo desgranando notas relajadas. Sus ojos cerrados miran al techo (atravesándolo) dejando entrever el color blanco. El quinteto interpreta versiones como “Mob Job” de Ornette Coleman, “Lawns” de Carla Bley o “Song For Che” de Charlie Haden. Y estas suenan perfectamente filtradas y con personalidad. Con amor incluso. “Her Melancholy Piano” es un tema que escribió Jimmy Weinstein dedicado a la pianista Mercedes Rossy. En una pausa explica que la conoció en sus años de estudio en la Berklee de Boston y que fue precisamente ella la que le presentó su futura esposa, también presente hoy en el grupo, Lilli Santon. Precioso tema. El concierto también sirve de plataforma para presentar ante el público algunos de los nuevos temas que Weinstein ha compuesto para su próximo álbum precisamente con Chris Cheek y Lilli Santon. Suenan “Pat and Danny Rhumba”, “Margherita” y “Mariana” (suite en dos movimientos) entre otros. Quedamos a la espera.

Toni Miranda

En relación a los músicos, el protagonismo más evidente recae en Toni Miranda y Chris Cheek, que realizan un trabajo pulcro y efectivo, gran sonido de guitarra de Miranda que tiene mucho que decir (y lo dice) y Chris Cheek, que dentro de una aparente timidez, toca lo que hay que tocar pero lo hace desde su interior, sus relajados soplidos llegan y se hacen notar. Se pueden sentir aquellas vibraciones que te confirman que tienes delante de tus ojos a uno de los grandes.

Marko Lohikari

El trabajo que realiza Jimmy Weinstein es de mención especial. Su manera de percutir la batería es muy inteligente, nunca cayendo en la evidencia ni tampoco en la pretenciosidad. Sus dos intervenciones en solitario demuestran su gran originalidad ante el instrumento. Igual que lo demuestra Lilli Santon con su voz. Se podría decir que es una extensión del sonido de saxo de Cheek, como si el sonido se transformara, o bien, como si los dos sonidos, voz y saxo, se conjuntaran en el aire. A parte de exponer las melodías, canta en dos temas y realiza algunas breves improvisaciones.

Chris Cheek 2

Finalmente Marko Lohikari realiza un trabajo contundente. Me gustaría poder ver o escuchar nuevamente el concierto para poder involucrar más mis sentidos en sus ideas y sus originales planteamientos a la hora de acompañar. También, que recuerde, realiza un único solo con un silencio absoluto en la sala. Precioso y elegante.

Cheek Weinstein

El aspecto negativo de la noche viene por la escasa gente que congrega este magnífico evento. Y si, nos podemos excusar en que justo el día anterior estuvieron en Calviá, y que según me confirman hubo una excelente entrada de público (unas ciento cuarenta personas) pero no me conformo. ¿De verdad a nadie más le interesa? Algo falla… Una oportunidad perdida para cualquier persona con un mínimo interés musical.

Texto  © Jesús Mateu Rosselló, 2014
Fotos © José Luis Luna Rocafort, 2014




Alberto Arteta Group: Bat (Murajazz 2014 I)

Alberto Arteta Group_BAT_Moskito Records_2014Murajazz-2014El saxofonista Alberto Arteta va a ser el encargado de abrir el ciclo Murajazz de 2014 presentando BAT (Moskito Rekords). Grabado como premio para el ganador del premio Impulso BBK del año 2013, en el concierto de Baluarte participarán el propio Arteta (saxo tenor), Satxa Soriazu (piano), Jorge Abadías (guitarra), Kike Arza (contrabajo) y Juanma Urriza (batería). Pachi Tapiz habló con al saxofonista entre otros temas, acerca del estreno del Alberto Arteta Group, el concierto en Murajazz, la enseñanza del jazz y del jazz como profesión.

Pachi Tapiz: ¿Cómo surge el Alberto Arteta Group?

Alberto Arteta: El grupo surge de la necesidad de crear algo propio y personal. Llevo bastantes años en activo y he formado parte de muchos proyectos, grabaciones, actuaciones… poco a poco vas cogiendo experiencia y teniendo claro qué es lo que realmente te gustaría crear. El grupo surge de esa necesidad, de la necesidad de hacer algo propio. Es como si tuvieses algo que te quema dentro y no desaparece hasta que te sientas en el piano y lo plasmas en un papel. Así nació el grupo.

Pachi Tapiz: BAT es un disco que suena muy tranquilo. ¿Fue algo buscado a la hora de componer el repertorio?

Alberto Arteta: Al componer los temas intenté hacer una música que suscitase interés en los músicos, es decir, música que fuese rica armónica y rítmicamente, y compleja conceptualmente para que fuese una especie de reto para nosotros los músicos el llevarla a buen puerto. Creo que es importante para un músico, y más aún para un músico de jazz, el sentir que la música que estás tocando te hace dar el 100% de lo que puedes dar, eso hace que la música tenga un punto de frescura que no lo tendría de otra manera.

Por otra parte, intenté que fuese un disco “fácil de escuchar” para todo el público, que la complejidad que puedan tener las canciones no fuese algo evidente y sonase fácil.

En resumidas cuentas, intenté equilibrar la balanza entre ser interesante para los músicos y agradable para el oyente.

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Pachi Tapiz: ¿Cuáles son los últimos CD/DVD que has visto/escuchado?

Alberto Arteta: Escucho todo tipo de música, pero los discos que me compro, que son los que realmente me queman, son discos de jazz. Éste último mes, por citar alguno:

Mark Turner: Lathe of Heaven
Seamus Blake / Chris Cheek: Reeds Ramble
Brad Mehldau & Mark Guiliana: Mehliana
Dave Douglas: Time Travel
Melissa Aldana & Crash trio
Mark Turner & Baptiste Trotignon: Dusk is a quiet place

Pachi Tapiz: ¿Cómo va a ser la presentación del CD en la segunda edición de Abre la Murajazz?

Alberto Arteta: La verdad es que es un sitio muy bonito para presentar un disco. Conozco el ciclo Murajazz, ya que el año pasado tocamos presentando el disco de Kike Arza, y me parece un sitio perfecto para hacer un buen concierto.

En los conciertos que hemos hecho hasta ahora la música ha tenido mucha aceptación, esperemos que en la presentación del disco también la tenga.

Pachi Tapiz: ¿Cuál es la importancia para la gente que de algún modo estáis comenzando con vuestra carrera como músicos de jazz tanto de galardones como los Premios BBK Jazz -gracias al que grabaste BAT al ganar el premio Impulso- como de ciclos como Abre la Murajazz?

Alberto Arteta: Personalmente, el ganar el premio Impulso BBK fue de gran ayuda para facilitar todo lo referente a la creación del disco: Grabación, mezcla, master, diseño, copias, etc. Son cosas que se aprenden al hacerlas, sobre la marcha, y tener a personas detrás de ti ayudándote continuamente facilita mucho las cosas. En cuanto a ciclos como el Murajazz, es de agradecer que en tu ciudad haya todavía facilidades para poder presentar tu trabajo, tu proyecto. Es importante para un músico sentirse reconocido en su tierra, y ciclos como éste ayudan a dar el primer paso, que es siempre el más difícil.

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Pachi Tapiz: ¿Por qué el homenaje a Kafka en Gregor Samsa?

Alberto Arteta: Un pequeño homenaje y recordatorio a todas las situaciones Kafkianas que todo el mundo y especialmente los músicos vivimos en la vida real.

Pachi Tapiz: ¿Hubo alguna indicación a Juanma Urriza especial en “Garazi gauak”?

Alberto Arteta: Hubo indicaciones para todos y cada uno de los músicos. “Garazi gauak” es un tema creado en capas. Cada instrumento es una capa musical diferente, el contrabajo con su línea que va y viene, el piano doblando ésa línea con la mano izquierda y con un acorde que se repite continuamente en forma de leitmotiv en su mano derecha, la guitarra creando otra capa de corcheas y finalmente la batería rompiendo rítmicamente el groove a cinco por cuatro. Todo eso crea una sensación rítmica y melódica compleja sobre la cual se asienta la melodía de saxo y trompeta.

Pachi Tapiz: ¿De dónde viene “Garazi Gauak”?

Alberto Arteta: Otro pequeño homenaje al bar Garazi, de Pamplona, en el cual tantas veces hemos tocado.

Pachi Tapiz: Aparte del homenaje genérico al Garazi, local que no cesa en eso de programar jazz en Pamplona durante los últimos años, ¿el título hace referencia a alguna noche en especial? Si no me equivoco el título se podría traducir como algo así como “Noche en el Garazi” o similar.

Alberto Arteta: El título “Ggarazi gauak” significa algo así como “las noches del Garazi”, y hace referencia a todas las veces que después de trabajar-estudiar-tocar durante todo el día hemos terminado en el Garazi escuchando conciertos o tocando hasta las tantas, con una sensación de cansancio extremo… ¡y sabiendo que al día siguiente a primera hora hay que volver a rendir!

Pachi Tapiz: Me llama la atención en el final del CD el tema “O Grobe Lieb”. ¿Por qué ese asomarse a la música clásica?

Alberto Arteta: La sonoridad de los Corales de Bach es algo que siempre me ha impresionado. La armonía utilizada, la sonoridad y la forma de conducir las voces es algo que me ha hecho estremecer muchísimas veces.

Hemos intentado llevar todo eso a nuestro terreno, y de ese modo el coral “O Grobe Lieb” es una parte de una pequeña suite.

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Pachi Tapiz: Ahora mismo en Navarra estáis presente músicos de varias generaciones con un gran nivel. Gente joven como tú mismo, Juanma Urriza, Kike Arza, Iñaki Rodríguez, Luisa Brito, Jorge Abadías, Max Canalda… Otros como Marcelo Escrich, Tommy Caggiani, Luis Giménez, Terela Gradín… luego están otros como los Mikel Andueza, Josetxo Goia-Aribe… a los que echamos en falta como Mauro Urriza… Se me olvidan muchos, seguro. La pregunta es, ¿qué es lo que necesitáis los músicos, que es lo que echáis en falta para que se os reconozca tal y como merecéis? No citaré nombres, pero hay muy buenas grabaciones, proyectos muy interesantes a los que es muy difícil ver en directo, por ejemplo.

Alberto Arteta: Sí, es cierto, hoy en día hay una gran cantidad de buenos músicos de gran nivel, y muchos proyectos realmente buenos que no tienen salida y que no se pueden ver en directo. Es difícil mover un proyecto, buscar buenos sitios para tocar, sitios en los que las condiciones, y no hablo solamente de condiciones económicas, sean las que tú, como músico, creas convenientes para poder realizar tu trabajo realmente bien y de manera profesional.

No creo que los músicos busquemos un reconocimiento, simplemente lo que buscamos es que nos respeten como músicos que somos, al igual que se respeta a otros gremios, ya que por desgracia hay muchísima gente (y peor aún, muchísimos programadores, concejales de cultura, etc) que no entienden que la música es nuestra forma de vida, que vivimos de crear proyectos y de tocar conciertos. No pedimos reconocimiento, solo respeto hacia algo de hacemos de corazón y con toda la ilusión del mundo. Por suerte hay ciclos como el Murajazz, un pequeño rayo de luz en el túnel.

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Pachi Tapiz: ¿Qué es lo que intentas transmitir a tus alumnos? Como docente ahora y alumno inicialmente -aunque supongo que ahora también-, ¿qué es lo que en tu opinión es propio del jazz y que no está presente en otras músicas?

Alberto Arteta: Intento transmitir lo que yo sentí cuando empecé a estudiar, y sigo sintiendo hoy en día, esa chispa que te hace estar horas y horas escuchando un disco, transcribiendo solos y tocando sin parar. Si se consigue tener eso, todo lo demás va sobre ruedas…

Respondiendo a la segunda pregunta, definitivamente lo que me encanta del jazz es la sensación que crea. Es como caminar sobre una cuerda cruzando un acantilado, tienes que dar lo mejor de ti para no caerte, apoyarte en los demás músicos y llegar al otro lado. Al hilo de eso, cada concierto, ensayo, etc. es diferente. Todo cuenta, el estado anímico, el lugar, el repertorio… cada día van a surgir cosas nuevas, y definitivamente esa frescura no la encuentro en otro tipo de música.

Texto: © Pachi Tapiz, 2014
Fotografías: © Sera Martín, 2014




Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Tomajazz recupera… Paco Charlín: en su propio camino, por Pachi Tapiz

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

Pachi Tapiz: ¿Qué opinión te merece el llamado jazz europeo?

Paco Charlín: Supongo que cuando se habla de jazz europeo se refiere también a Portugal, España, Inglaterra, Italia, pero tengo la extraña sensación de que no ocurre eso. No estoy muy puesto en estos términos, como cuando hablábamos antes de si el jazz tiene nacionalidad o no pues que te voy a decir… Creo que hay muchas maneras de interpretar jazz y es lógico que cada una de ellas se etiquete de una manera distinta. En mi opinión la palabra jazz define una cultura y una manera de interpretación musical concreta, por lo que a mi respecta. Además, no creo que sea el indicado para hablar de algo que no conozco con exactitud.

Leer: Paco Charlín: en su propio camino, por Pachi Tapiz (publicado originalmente en 2006)




Bridges & Chris Cheek: South Lamar Boulevard (Petit Indie, 2014)

bridges-chris-cheek-south-lamar-boulevardEl grupo Brigdes ha grabado su tercer álbum para el que ha contado con la colaboración de lujo del saxofonista Chris Cheek. En South Lamar Boulevard se conjugan varios elementos como la elegancia, la sobriedad y un tono general melancólico que envuelve cada una de las piezas. No exenta de un alto grado de emotividad, la música de Bridges hace gala de un cierto eclecticismo lanzando puentes entre músicas e influencias de lo más diversas, como el country, el folk y el jazz. La incorporación del guitarrista David Soler aporta con el pedal steel un continuo toque estilo medio oeste americano que añade densidad a este trabajo muy bien interpretado.

Sus trece composiciones se reparten entre los componentes del trío, Guillem Callejón, Dimas Corbera y Alfons Bertran, más una del propio Chris Cheek. La interacción entre los cinco componentes del grupo funciona a las mil maravillas, sin que se pueda decir que haya un cierto protagonismo de alguno sobre otro.

Las aportaciones de Chris Cheek son casi siempre a medio tono, en esbozos de baladas líricas, complementadas con sutiles punteos de guitarra y tenues aportaciones de la batería. El disco está trufado de cautivadores diálogos protagonizados por el saxo y la guitarra. En general las piezas están dotadas de un tono cálido en los que se destila gran serenidad. El desarrollo de guitarra, saxo y batería está siempre marcado por esa sutileza en las interpretaciones.

South Lamar Boulevard es de una elegancia que cautiva. Todos los temas están exquisitamente resueltos. En ocasiones parece que estemos asistiendo a pinceladas sonoras, muy evocadoras desde el punto de vista plástico. Un disco para paladearlo lentamente.

© Carlos Lara, 2014

Bridges & Chris Cheek: South Lamar Boulevard

Chris Cheek (saxo tenor), Guillem Callejón (guitarra), David Soler (guitarra y pedal steel), Dimas Corbera (contrabajo) y Alfons Bertran (batería).

“Smoked Eggplant Ravioli”, “Furn Esh Shebbak”, “Banter”, “Free Improvisation”, “Anedònia”, “January 11 th”, “Serendipia”, “Loser´s Cafe”, “Snails”, “Pau”, “Artlessness”, “The Album” y “South Lamar Boulevard”.
Temas compuestos por Guillem Callejón, Dimas Corbera, Alfons Bertran y Chris Cheek.

Grabado del 6 al 8 de mayo de 2013 en La Caseta de la Coma de Burg en Pallars Sobirà. Editado en 2014 por Petit Indie