Natanael Ramos: Islander´s Dilemma (Free Code 2017) [Grabación]

Por Carlos Lara.

El trompetista canario Natanael Ramos ha grabado su primer disco como líder al frente de un sexteto. Natural de La Orotava este músico de 30 años ya cuenta con una amplia experiencia profesional. Está graduado en el conservatorio de Amsterdam y ha completado su formación en Musikene, nada menos que con Chris Kase como profesor.

Dirige el noneto de jazz latino La Banda del Solar, colabora en el colectivo de salsa Ibakó y es miembro de la Big Band de Canarias. Otro de sus proyectos es el Laboratorio Atlántico de Jazz y Nuevas Músicas en el que es director artístico. Cuenta también con colaboraciones con músicos como Perico Sambeat, Bob Sands, Miguel Blanco, Roger Mas y Joaquin Chacón, entre otros.

Tras este periodo en el que Natael Ramos ha adquirido sus conocimientos, ya era hora de que tuviese un disco propio. Para ello ha reunido un plantel internacional con los gallegos Xan Campos al piano y Virxilio Da Silva en la guitarra, los holandeses Joris Roelofs al clarinete bajo, Mark Schilders a la batería y Esther Van Hees como cantante y el norteamericano Matt Adomeit al contrabajo.

Juntos han formado una buena conexión atlántica, con diez composiciones del propio Natael Ramos, brillante a la trompeta, pero al que no le van a la zaga sus acompañantes.

Desde la bella introducción “Arroró”, una nana canaria llena de lirismo, que da paso al resto de las piezas, como la propia “Islander´s Dilemma”, con una gran orquestación dirigida por la trompeta y el clarinete bajo, de reminiscencias nórdicas. La guitarra de Da Silva imprime personalidad al tema. Una gran balada como “Sadness of The Promised Land”, con el contraste entre el fliscorno y el clarinete bajo, así como las aportaciones de la guitarra, suponen un momento importante en el disco.

A destacar la contribución de la cantante Esther Van Hees en los preciosos temas “In your eyes”, acompañada por una orquestación cuerdas a cargo del grupo Kamerata Oiasso, y en “When you don´t see me”. “Room 3324” es una pieza que denota misterio, el clarinete bajo y la guitarra se encuentran con gran expresividad.

El grupo de cuerdas y la trompeta se dan la mano en un momento evocador y nostálgico en la primera parte de “All the way back”, que da paso a un pasaje más endurecido por las distorsiones de la guitarra, la trompeta, el clarinete y la batería en máxima intensidad. Por último la interpretación orquestada de “Round Midnight”, pone el broche a este disco que es una buena ración de optimismo.

Islander´s Dilemmma puede hacer referencia a la duda del isleño. Abandonar la isla. Quedarse. Vivir en un espacio limitado por el mar condiciona o no la creación artística. Es la pregunta. Los dilemas que seguro han pasado o pasan por la imaginación.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2018

Natanael Ramos: Islander´s Dilemma

Músicos: Natanael Ramos (trompeta y fliscorno), Joris Roelofs (clarinete bajo), Virxilio da Silva (guitarra eléctrica), Xan Campos (piano y fender rhodes), Matt Adomeit (contrabajo), Mark Schilders (batería), Esther Van Hees (voz) y Camerata Oiasso (cuerdas).

Composiciones: “Prelude.Arroró”, “Islander´s Dilemma”, “Sadness of the Promised Land”, “In your eyes”, “Room 3324 partes I,II y III”, “Train from Bydgoszcz”, “When You Don´t See Me”, “All the Way Back parte I: Memories From Tenerife” y parte II Memories from Holland” y “Round About ´Round Midnight”.
Todas las composiciones por Natanael Ramos, excepto “Round About Midnight”, por Thelonius Monk.

Grabado en Mecca Recording Studios. Publicado en 2017 por Free Code Jazz Records




HDO: jazz, jazz, jazz, jazz, jazz, jazz y jazz (0096) [Podcast]

Valdes_J100Variedad en la entrega número 96 de HDO con siete propuestas en las que predominan los guitarristas. El disco de la semana en HDO es PointCounterPoint del trío formado por el guitarrista Harvey Valdes, la violinista Sana Nagano y el baterista Joe Hertenstein. Una mezcla intensa de jazz, rock, metal de la que escuchamos dos temas. Charles Lloyd & The Marvels sirve para que el veterano saxofonista vuelva a rodearse de unos músicos de primer nivel como Bill Frisell, Eric Harland o Reuben Rogers para versionar el tema de Bob Dylan “Masters of War”. El guitarrista Jon Lundbom & Big Five Chord tiene prevista la edición de varios EP a lo largo del año 2016. Jon Lundbom, Jon Irabagon, Balto!, Moppa Elliott, Dan Monahgan dan muestra de la forma de entender el jazz de la factoría Hot Cup Records en “Wrapped”. El guitarrista Pierre Perchaud, el contrabajista Nicolas Moreaux, y el baterista Jorge Rossy plantean una propuesta elegante en FOX, obra de la que suena “Paloma”. El David Regueiro Swingtett realiza en Bird Lives! una magnífica fusión de BeBop y jazz Manouche en temas como “Segment”. Clasicismo el de los Rich Halley 4, una formación que ha publicado seis CD en los últimos cuatro años. De su última grabación Eleven. Finalmente, cambio de tercio con el jazz de corte electrónico del trío GoGo Penguin. “Smarra” puede ser un magnífico punto de enganche con el jazz de público joven no acostumbrado a escuchar jazz.

© Pachi Tapiz, 2016

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.

Charles Lloys_ILongToSeeYou_Blue Note_2016 David Regueiro Swingtet_Bird Lives Valdes_J100 8PAN4T Go Go Penguin_ManMadeObject_Blue Note_2016 Pierre Perchaud - Nicolas Moreaux - Jorge Rossy_Fox_JazzAndPeople_2016 Rich Halley_Eleven_XX_2015
Los temas, las grabaciones, los sellos, los músicos

  • “Coil”, “Blackjack”
    Harvey Valdes: PointCounterPoint (Autoeditado, 2016; CD)
    Harvey Valdes, Sana Nagano, Joe Hertenstein
  • “Masters Of War”
    Charles Lloyd & The Marvels:I Long To See You (Blue Note, 2016)
    Charles Lloyd, Bill Frisell, Reuben Rogers, Eric Harland, Greg Leisz
  • “Wrapped”
    Jon Lundbom & Big Five Chord
    : Bring Their ‘A’ Game (Hot Cup Records, 2016)
    Jon Lundbom, Jon Irababon, Balto!, Moppa Elliott, Dan Monahgan
  • “Paloma”
    Pierre Perchaud – Nicolas Moreaux – Jorge Rossy: FOX (Jazz&People, 2016)
    Pierre Perchaud, Nicolas Moreaux, Jorge Rossy
  • “Segment”
    David Regueiro Swingtet:Bird Lives! (The Charlie Parker Songbook) (Free Code Jazz Records, 2015)
    David Regueiro, Antonio Otero, Javi “Gdjazz” Pereiro, Iago Reinosa, Juyma Estévez
  • “Reification Suite: Retroactive – Radioactive – Remnant”
    Rich Halley 4: Eleven (Pine Eagle, 2015)
    Rich Halley, Michael Vlatkovich, Clyde Reed, Carson Halley
  • “Smarra”
    GoGo Penguin: Man Made Object (Blue Note, 2016)
    Chris Illingworth, Nick Blacka, Rob Turner



Juyma Estévez Trío: Océanos de Porcelana (Free Code Jazzrecords, 2014)

juyma estevez trio oceanos de porceland free code jazzrecords 2014Escasamente un año después de haber finalizado sus estudios en el Conservatorio Superior de Música del País Vasco, el contrabajista Juyma Estévez se lanza a la publicación de su primer álbum como líder. Para esta primera referencia se acompaña de dos músicos muy activos en la escena jazzística de Galicia, el pianista Alberto Vilas (del que hace pocos meses reseñamos su segundo disco como líder Crónica Cromática -Free Code Jazzrecords, 2014) y el baterista Max Gómez (del que reseñamos su participación como sideman del disco Home -Free Code Jazzrecords, 2014- de Felipe Villar)

Hay quien piensa que publicar una referencia discográfica con temas propios poco después de acabar los estudios musicales es algo precipitado. Que se debe girar, coger experiencia, tocar los standards… No lo sé, yo tengo mis dudas. Entiendo a lo que se refieren y es respetable, incluso lógico, pero yo creo mucho en la expresión sin perversión, en la creación real siguiendo los instintos. A lo que me refiero es que si un músico intuye o cree que debe expresar algo, porque no hacerlo. Otra cosa es que sienta de verdad la necesidad. En este disco, el autor tiene muy buena formación, pero lo más importante es que tiene algo que decir y transmitir, para lo que usa la técnica aprendida para dejar que todo fluya sin artificio. No se trata de hacer una obra maestra, se trata de ser uno mismo. Océanos de porcelana (Free Code Jazzrecords, 2014) son entrañas. Historias de una vida. Fluye la armonía y la improvisación. Juyma Estévez, según se puede intuir en las notas del libreto, parece querer dejar atrás un ciclo de su vida para empezar (en caso de encontrarlo) otro. Y los que escuchamos este disco percibimos sentimientos, pero no exactamente los que el autor transmite. Recibimos, transformamos y los hacemos nuestros. Y la música es un perfecto conductor.

Alberto Vilas se desmarca del trabajo que realiza en su quinteto. Si que se le puede reconocer, tiene su propia marca, pero al ser composiciones ajenas, parece como si el músico estuviera descargado de responsabilidad y se le puede escuchar comodísimo. Tiene un alto porcentaje de protagonismo en el disco sin hacer sombra a sus dos compañeros. Juyma Estévez realiza un trabajo poco habitual dentro de un trío de jazz tan clásico en instrumentos, hay algunas introducciones solo al contrabajo, largas improvisaciones y muy buenos acompañamientos. Trabajo excelente. Alguna de sus intervenciones hablan por sí solas, hay casi lágrimas en algunas, alegría contenida en otras. Y en relación a Max Gómez, a destacar su sonido, después de escuchar dos discos en los que participa, descubro que tiene un sonido particular, la batería suena cruda, su estilo se mueve entre el más clásico pero pasado por un filtro moderno, en sus pocas intervenciones como solista realiza un trabajo muy contenido, así como el disco reclama, y las baquetas golpean las notas justas, sin pasarse de rosca. Buen trabajo.

En definitiva, buenas composiciones más bien ortodoxas, cercanas al jazz clásico con algunos ramalazos de música clásica pero sonando actual. Buenas interpretaciones de los tres músicos. Muy disfrutable de principio a fin. Ah, y como dice el autor “Cuando hay magia aparecen los nueves, que haya nueves no implica que exista magia” pues eso.

© Jesús Mateu Rosselló, 2014

Juyma Estévez Trío: Océanos de porcelana

Alberto Vilas (piano) Juyma Estévez (contrabajo), Max Gómez (batería)

“Regreso a Donostia” , “Montañas de holas a Dioses” , “Vaste Queimar” , “Nostalgia” , “O Rhythm dos Monstros” , “Nos ollos de Lílian” , “Primeros pasos” y “La casualidad de mi vida II”
Todos los temas han sido compuestos por Juyma Estévez

Grabado el 16 y 17 de abril del 2014. Editado por Free Code Jazzrecords




Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Tomajazz recupera… Paco Charlín: en su propio camino, por Pachi Tapiz

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

Pachi Tapiz: ¿Qué opinión te merece el llamado jazz europeo?

Paco Charlín: Supongo que cuando se habla de jazz europeo se refiere también a Portugal, España, Inglaterra, Italia, pero tengo la extraña sensación de que no ocurre eso. No estoy muy puesto en estos términos, como cuando hablábamos antes de si el jazz tiene nacionalidad o no pues que te voy a decir… Creo que hay muchas maneras de interpretar jazz y es lógico que cada una de ellas se etiquete de una manera distinta. En mi opinión la palabra jazz define una cultura y una manera de interpretación musical concreta, por lo que a mi respecta. Además, no creo que sea el indicado para hablar de algo que no conozco con exactitud.

Leer: Paco Charlín: en su propio camino, por Pachi Tapiz (publicado originalmente en 2006)




Marcelino Galán: The Gift (Free Code Jazz Records, 2013)

Marcelino Galan The GiftComentario: Nuevo proyecto de Marcelino Galán donde el guitarrista gallego vuelve a rodearse de un elenco de destacados músicos. Entre los que vuelven a repetir Pablo Castaño y Xacobe Martínez Antelo con respecto a su trabajo del año 2008 en éste mismo sello y que llevó por título Zinco. De su ya lejano en el tiempo Rojo (Xingra 2003) Raynald Colom, Marc Ayza y nuevamente Xacobe Martínez Antelo.

La música de Marcelino Galán está concebida desde el prisma de la calidad creativa valiéndose para ello de cuidadas composiciones y delicadas interpretaciones con instrumentistas de altura.

El buen gusto y la elegancia se plasman a lo largo de todas las pistas desde el principio. En “Campeonciño” destacan las intervenciones de un intenso y contundente Raynald Colom a un fino Marcelino Galán que recuerda a Pat Metheny.

“D’Lamuerte” es una pieza lenta de cuidados arreglos y parecidas características que “G”.

Más poderosa e intensa se muestra “El Exzorzista” con destacados solos de Raynald Colom, Marcelino Galán y Pablo Castaño. Con la bella y elegante “Crisun San Song” se podría decir de finaliza la primera de las partes en las que podríamos dividir este trabajo.

La segunda tendría como vértices a “Nameless Intro” y “Nameless Coda”. Siendo el primero de ellos un breve solo de piano de Yago Vázquez tan tranquilo y bucólico como poético. Mientras que el último es la trompeta a capella de Raynald Colom quien pone un broche final sereno y cool que rememora a Kenny Wheeler.

Entre medias están “Nanai” una pieza continuista a la introducción de Yago Vázquez que secunda con maestría y buen gusto Raynald Colom, Pablo Castaño, Marcelino Galán en un ejercicio del mejor hard bop.

Más rocosa es “Bedroom Revolution” además de precisa en las entradas y salidas de los diferentes instrumentos, lo que denota una elaboración rica en matices y donde Marcelino Galán culmina con maestría con un excelente solo de guitarra.

La balada “The Gift” vuelve a destilar esencia y pureza de la mejor catadura. Los solos se suceden como si de acariciar los instrumentos se tratara. Marcelino Galán, Yago Vázquez, Xacobe Martínez Antelo o Raynald Colom bordan la tela de seda y oro con el incontestable apoyo de Pablo Castaño y Marc Ayza.

 ¡Un obra preciosa! ¡Un goce para los sentidos!

© Enrique Farelo, 2013

Marcelino Galán: The Gift

Composiciones: “Campeonciño”, “D’Lamuerte”, “G”, “El Exzorzista”, “Crisun San Song”, “Nameless Intro”, “Nanai”, “Bedroom Revolution”, “The Gift”, “Nameless Coda”.
Todas las composiciones de Marcelino Galán excepto “Bedroom Revolution” de Raynald Colom

Músicos: Marcelino Galán (Guitarra Eléctrica), Raynald Colom (Trompeta), Pablo Castaño (Saxo Alto), Yago Vázquez (Piano), Xacobe Martínez Antelo (Contrabajo) y Marc Ayza (Batería)

Grabado en el estudio Boom (Portugal) el 9 y 10 de agosto de 2011.Mezclado y masterizado en Systems Two Studios (Brooklyn, NY)

Free Code  Jazz Records 2013




Marcos Pin Factor E-Reset: Barbanza (Free Code Jazz Records, 2012)

marcos-pin-barbanzaComposiciones: “Bagueera´s Dilemma”, “Moment´s Notice”, “Bico de Mar”, “San Finx”, “Where Are They?”, “Noite de Sereas”, “Escarabote´s Blues”
Todas las composiciones de Marcos Pin excepto “Moment´s Notice” de John Coltrane.

Músicos: Javier Pereiro “GDJazz”(trompeta y fiscorno), Luis Miranda (trombón y bombardino), Pablo Castaño (saxo alto y flauta), Xose Miguelez (saxo tenor), Toño Otero (saxo tenor y barítono), Tom Risco (vibráfono), Marcos Pin (guitarra eléctrica), Manolo Gutiérrez (piano), Juansy Santomé (contrabajo), Max Gómez (batería)

Grabado el 12 de abril de 2012 en los estudios Boom, Vilanova de Gaia en Oporto (Portugal)
Free Code jazz records 2012

Comentario: La decena de músicos (“Tenteto” según el propio Marcos Pin) que componen el grupo se transforman en una big band swingueante de be-bop de trabajados y precisos arreglos donde la guitarra de Marcos Pin representa la figura principal desde su “ausencia” en la mayoría de las piezas (sólo se hace notar en “San Finx”, “Where Are They?”).

Se trata de hacer y dejar hacer, de democratizar a los músicos, de dejar hablar a la Música sin estridencias y con mucho feeling obtener un disco honesto, auténtico y más que digno.

Barbanza es una obra de pequeños detalles pero importantes.

“Bagueera´s Dilemma” destaca por los arreglos de metales, por el solo de vibráfono de Ton Risco y sobre todo por la atmosférica y sutil batería de Max Gómez que lo llena todo con sus platillos.

“Moment´s Notice” es dinámica, orquestal e incluso bailable, además de reconocible; en  “Bico de Mar” el pianista de Sumrra, Manolo Gutiérrez marca las pautas de esta bella balada desde el principio y da paso al reminiscente solo de Juansy Santomé que nos acerca al “A Love Supreme” de John Coltrane con elegancia, serenidad y suavidad de terciopelo.

“San Finx” contiene aromas de bop clásico de los años 60 que destaca con la aparición de la guitarra eléctrica de Marcos Pin y sus interacciones con Manolo Gutiérrez y el saxo alto de Pablo Castaño.

“Where Are They?” es una elaborada composición donde vuelve a florecer la guitarra de Marcos Pin que con la ayuda del contrabajo de Juansy Santomé y su ritmo pautado da paso a los diferentes instrumentistas como Manolo Gutiérrez, Ton Risco o el trompetista Javier Pereiro “GDJazz”.

En “Noite de Sereas” composición la especial sensibilidad del vibráfono de Ton Risco suena a las mil maravillas compartiendo protagonismo con Pablo Castaño y Manolo Gutiérrez.

Cierra el disco “Escarabote´s Blues” una original, imaginativa y rompedora pieza que se divide por el solo misterioso y cool de piano de Manolo Gutiérrez que roza la disonancia vanguardista y al que no le falta la necesaria dosis de swing.

© Enrique Farelo,  2013




Paco Charlín: en su propio camino, por Pachi Tapiz

A pesar de su juventud, el contrabajista Paco Charlín (Vilanova de Arousa, 1975) es uno de los más activos en la escena nacional en estos momentos. Buena muestra de ello son su labor docente en el Seminario Permanente de Jazz de Pontevedra (que incluye su participación en las grabaciones del seminario y también sus composiciones para estos proyectos) o la decena larga de grabaciones en las que ha participado en 2005. Entre éstas se encuentran Ziribuye de Perico Sambeat, el disco This Is New, a nombre de German Kucich, Juanma Barroso y el propio Charlín, Tras Coltrane del Vicente Espí Quartet o la edición –en el sello recientemente creado Free Code Jazz Records– de dos grabaciones a su nombre: The Ultimate Jazz Earth-tet (en cuarteto con temas originales de Charlín) y Jazz Frequency Group (en trío, versioneando a Coltrane, Bird, Sonny Rollins y Mongo Santamaría). José Francisco Tapiz charló con el contrabajista gallego sobre todo esto.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: En tu último disco, The Ultimate Jazz Earth-tet, todas las composiciones y arreglos son tuyos. ¿De dónde te viene la inspiración a la hora de componer? ¿Qué aportan tus compañeros a los temas?

PACO CHARLÍN: Por mi parte, la inspiración se va creando con la experiencia de tocar temas originales de muchos músicos con los que he compartido y comparto escenario: de ellos aprendes muchas cosas. También de los discos, donde está toda la información necesaria. De ahí saco muchas de las ideas a la hora de componer. Y otras muchas veces la inspiración viene de diferentes maneras y no sólo con la música.
Mis compañeros aportaron justo lo que tenía en mente para los temas y para poder plasmarlos en un disco. El sonido que desprende cada uno de ellos individualmente conectaba en conjunto con las composiciones y en la manera en que tenían que ser interpretadas.
En el caso del batería Donald Edwards, su trabajo fue a mí parecer impecable: acompaña con un drive muy definido y lleno de matices, con un conocimiento del lenguaje, la experiencia y madurez apropiadas para el funcionamiento idóneo del grupo y especialmente de la sección rítmica.
Jonathan Kreisberg tiene un sonido que está intrínsicamente unido al desarrollo climático, que ha sido fundamental a la hora de crear la atmósfera adecuada en cada composición.
El saxofonista Jaleel Shaw es la punta del iceberg que da forma a este proyecto: su sonido y sus solos hacen que toda su energía contagie al resto de la banda.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿De dónde viene el nombre de Ultimate Jazz Earth-tet?

PACO CHARLÍN: Quería que reflejase la importancia de la Tierra, de lo que está sobre ella y también de lo que surge y nace de ella. Agradezco mucho estar viviendo en un lugar rodeado de naturaleza. Es lo que me da energía y tranquilidad, manteniendo el equilibrio que necesito. Del mismo modo que el jazz te puede llevar a lugares a los que solo consigues llegar cuando tocas, para mí la naturaleza hace lo mismo si la aprecias y te dejas llevar. La mezcla de las dos partes hizo que saliese un nombre particular en el que se identificasen por igual el jazz y la Tierra.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Por qué esa formación de guitarra eléctrica, saxo alto, contrabajo y batería? ¿Tenías en mente alguna formación similar de algún músico en concreto?

PACO CHARLÍN: La formación surge a partir del tipo de sonoridades que quería para los temas, que particularmente los “escuchaba” en ese formato. No tenía ninguna formación musical concreta en mente. Está claro que siempre hay influencias de otros discos y formaciones, pero éstas eran distintas a las que yo quería. Además me gustaba la idea de tocar tanto en cuarteto como en trío de guitarra y trío con saxo. El contrabajo y la batería se acoplan perfectamente a una situación de trío que es más libre que la formación de cuarteto, teniendo mayor protagonismo, por supuesto. Por eso en el disco hay un tema en trío de guitarra y otro en trío con saxo. Además, hay también dos temas a solo con el contrabajo, muy diferentes entre sí. Todo esto hace que el disco tenga con un mismo proyecto una mayor variedad de formaciones.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿De donde salió la idea de grabar en el Teatro Principal de Pontevedra? ¿Destacarías algo en particular?

PACO CHARLÍN: La idea surgió por haber tocado y grabado en anteriores ocasiones en este teatro, unas experiencias que siempre han sido muy positivas. Esto me llevó a apostar por volver a grabar de una manera particular este proyecto. La situación para mí es muy distinta a la de un estudio de grabación. El modo en el que grabamos es más similar y más cercano a un directo o a la manera en que se hacían los discos de jazz de toda la vida, todos juntos en el escenario y tan solo separados por paneles. Creo que el estudio es mas frío, estás casi siempre aislado de tus compañeros, a veces ni los ves, y ese calor se va perdiendo. Era la manera más idónea de plasmar esta música: cerrar el teatro para nosotros y grabar.
Destacaría la forma de grabar en sí misma: tener a tus compañeros sin una pared por medio y con un cristal para poder verlos es algo que se agradece mucho cuando grabas. Estamos más habituados a tocar de esa manera, así que cuando llegas a un estudio todo cambia.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Tuvisteis que realizar muchas tomas hasta que lograsteis los temas aparecidos finalmente en el disco?

PACO CHARLÍN: La verdad es que no. Algunos temas se grabaron dos veces y otros en la primera toma. Se decidieron las tomas que se editarían al final de cada una de ellas y por mutuo acuerdo. Grabar los temas cuatro o cinco veces es algo que no me gusta hacer mucho: te puedes volver loco eligiendo la toma que más te gusta. Cuando el tema se va desarrollando de un modo natural, no tienes por qué darle más vueltas, a no ser que quieras hacer algo que no sea verdad.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Cómo afrontas el proceso creativo?

PACO CHARLÍN: La música que intento transmitir y componer se basa en un porcentaje muy alto en el estilo del jazz americano y las nuevas tendencias que pueden salir de ahí. No sé si es bueno o malo, pero es la música con la que más me identifico y con la que mejor me puedo expresar. Sin duda los temas salen de la manera en que uno ve este estilo, aportando nuevas variantes según se crece en términos de experiencia.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: Hablas del jazz americano y de sus tendencias. ¿Tiene el jazz nacionalidad?

PACO CHARLÍN: Ahora mismo no creo que tenga una nacionalidad específica. Sin embargo creo que está muy claro en donde nació, a pesar de que como sucede en todo idioma hay diferentes formas de hablar y cada una con sus peculiaridades. Te pueden gustar unas tendencias o maneras más que otras, pero no creo que eso sea tampoco algo malo.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Qué opinión te merece el llamado jazz europeo?

PACO CHARLÍN: Supongo que cuando se habla de jazz europeo se refiere también a Portugal, España, Inglaterra, Italia, pero tengo la extraña sensación de que no ocurre eso. No estoy muy puesto en estos términos, como cuando hablábamos antes de si el jazz tiene nacionalidad o no pues que te voy a decir… Creo que hay muchas maneras de interpretar jazz y es lógico que cada una de ellas se etiquete de una manera distinta. En mi opinión la palabra jazz define una cultura y una manera de interpretación musical concreta, por lo que a mi respecta. Además, no creo que sea el indicado para hablar de algo que no conozco con exactitud.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: En Galicia, como en cualquier región, hay un folklore propio y particular. ¿No te has sentido tentado a intentar conjugar el jazz con todas esas raíces musicales?

PACO CHARLÍN: La verdad es que no se me ha pasado nunca por la cabeza… ¡qué le voy a hacer!

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿De dónde eliges esos títulos aparentemente tan extraños para tus temas?

PACO CHARLÍN: Lo de los títulos es algo más complicado: primero compongo el tema, después le pongo el título y ahí viene el dilema. Creo que depende mucho de cómo me levante ese día…. Pero la verdad es que espero a escuchar el tema y después veo lo que me sugiere o viceversa. Muchos de ellos están sacados de ideas o conversaciones con compañeros, incluso te inventas palabras o formas diferentes de decir algo que sólo tú conoces.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Cuáles son tus principales influencias como contrabajista dentro de la música actual?

PACO CHARLÍN: Hay un montón de contrabajistas que tocan muy bien hoy en día. Personalmente para mí los principales son Rodney Whitaker, Robert Hurst, Christopher Thomas, Carlos Barreto, Larry Grenadier, Christian McBride, Zé Eduardo, Reginald Veal, Scott Colley y un largo etcétera. De todos se aprende mucho cuando los escuchas… Y de los viejos o ya fallecidos ni te cuento. Llegas a la conclusión de que todos ellos vienen de sitios similares. Con los nuevos escuchas muchísimas cosas de ellos.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: Me extraña mucho que entre esos nombres no aparezca el de Dave Holland…

PACO CHARLÍN: Por supuesto, cómo no, Dave Holland, pedazo músico, Bob Bowen, Ron Carter, Avishai Cohen, y muchos más. Y si te digo los que ya por desgracia han fallecido no acabaríamos hoy. Pero las principales influencias para mí, entre los que están activos, están en la lista que te nombré antes.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Cuáles son tus experiencias musicales previas? ¿Hacia dónde camina Paco Charlín como músico y contrabajista?

PACO CHARLÍN: Bueno, todo surge cuando uno se interesa por el jazz y casi siempre sin darse uno de cuenta, todo sucede a medida que pasa el tiempo. Los conciertos en directo que vas viendo, los discos que se van comprando, las clases de algunos profesores acertados, la necesidad de investigar y conocer esta música y cultura te llevan a entender el jazz de una manera más natural y a involucrarte en ella de una forma más profesional. Algunas de las experiencias musicales previas encima de un escenario hasta hoy han sido con Steve Kuhn, Javier Vercher, Nuno Ferreira, Chris Cheek, Juanma Barroso, Sheila Jordan, Miguel Zenón, Bernardo Sassetti, Mark Turner, Vicente Espí, Jesús Santandreu, Perico Sambeat, Abe Rabade, Raynald Colom, Rodrigo Gonçalves o Alex Frasao… Con todos ellos, y con otros muchos compañeros más, vas intentando entender mejor todo esto para poder hacer tu camino. Hacia donde voy a caminar a partir de aquí no lo sé, y creo que ningún músico lo sabe de sí mismo. Lo que está claro es cómo me gustaría que fuese y lo que uno se va a esforzar para conseguir lo que quiere hacer, aparte de otros muchos factores que van surgiendo en el proceso.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: Como muchos músicos te dedicas a la enseñanza, en tu caso desde el Seminario Permanente de Jazz de Pontevedra (SPJ). Tu labor docente, ¿viene dada por obligación o por devoción?

PACO CHARLÍN: De las dos maneras. Creo que la enseñanza es algo fundamental para cualquier músico. Mi aportación en el SPJ es una más para poder ayudar a aquellos que estén dispuestos a tomarse el jazz en serio. La labor que hace tiempo iniciaron –y en la que siguen– gente como Suso Atanes y Miguel Guerra en Galicia es para respetar y tomar ejemplo. Continuar con ese proceso es la manera de seguir con la tradición y que no se quede todo en un saco roto. Hacer lo contrario no tiene mucho sentido: rascarse los bolsillos y que te cuelguen medallitas a las 4 de la mañana con cinco copas de alcohol en el cuerpo…. Ya me dirás tú a donde iríamos a parar.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Con que objetivo surge el SPJ?

PACO CHARLÍN: El SPJ nace hace ya seis años en Cangas de la mano de Luis Carballo, quien posteriormente trasladó el proyecto a Pontevedra. En este tiempo se ha formado una nueva generación de músicos exclusivamente dedicados al estudio del jazz. Gracias al esfuerzo e impulso del SPJ se puede contar con músicos como Xan Campos, Telmo Fernández, Javier Pereiro, Virxilio da Silva, Max Gómez, Iago Fernández, José Ferro, Alberto Vilas, Toño Otero, Nacho Pérez, José Santomé, Jorge Valero, Martín Brea, Seir Caneda, Iago Vázquez, Roi Adrio, y un largo etcétera en la nueva escena jazzística.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Qué buscáis transmitir a los alumnos tanto tú como el SPJ?

PACO CHARLÍN: Primero las experiencias que uno pueda haber tenido previamente tanto con sus profesores como en el escenario. Todo esto lo vas pasando por un filtro y sacas las mejores conclusiones para que el alumno aprenda de la manera mejor y más eficaz. Eso te lleva a enfocar las clases de un modo más practico y en donde los resultados tienen que ser visibles. Si no fuese de esta manera y no hubiera ningún resultado, algo estaría fallando y tendríamos que resolver el problema para seguir avanzando.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: En 2005-2006 el SPJ cumple su quinta edición. ¿Cuáles son los resultados en estos años y qué esperáis de este proyecto que se podría decir que está ya consolidado tras sus inicios?

PACO CHARLÍN: Los resultados hablan por sí solos. Desde mi punto de vista el SPJ es uno de los puntos importantes e imprescindibles en la educación jazzística de Galicia. El concepto que desarrolla el SPJ es el idóneo para el alumno, poniéndolo siempre en situación real ante cualquier circunstancia que se pueda encontrar en su carrera musical. Al margen de las clases habituales, los alumnos han recibido Master Classes de músicos como Ramón Cardo, Jeff Williams, Perico Sambeat, John O’Gallagher, Carlos Barreto, Miguel Zenón, Joao Moreira y un largo etcétera de músicos que pasan a incrementar el desarrollo adecuado para el alumnado, logrando que quede un poso ideal que antes no había.
Todo esto hace que haya más programación para la nueva generación, que esté mejor preparada y sobre todo que haya más discos de jazz. En este corto periodo se han grabado en Galicia más discos de jazz que en toda su historia y el SPJ tiene una parte importante de culpa en que todo esto esté sucediendo. Por una parte dándole el protagonismo al alumnado en sí en el SPJ y también a otros muchos músicos a los que se les incita a pensar de esta manera y a que traten sus proyectos en serio para grabarlos. No querer ver esta situación es algo absurdo, por que la realidad de lo que está sucediendo salta a la vista. Hablar por hablar y criticar con la lengua sucia es lo más rastrero y cobarde en lo que uno puede caer. Otra cosa es ponerse a trabajar y sacar adelante un proyecto que funcione.

Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Está teniendo reflejo esta existencia de una mayor cantidad de músicos en forma de más conciertos fuera de Galicia y un mayor intercambio entre los músicos de igual a igual (no de profesor a alumno) tanto de Galicia como de otras regiones? ¿O es, por el contrario, un proceso que corre el riesgo de ser puramente endogámico?

PACO CHARLÍN: La situación de profesor a alumno cambia por completo cuando te subes al escenario. Encima del escenario no te avalan ni las colaboraciones que hayas hecho, ni los títulos de papel, ni las master classes. O tocas o te pones en el público a escuchar o criticar, como prefieras. Los grupos y músicos que hay en Galicia están saliendo fuera a tocar con sus formaciones o de manera individual. Esto ya es una realidad que no hace falta repetir más, a no ser que no se quiera ver. El riesgo que puede aportar todo ello va a ser siempre en beneficio de los músicos de Galicia y su formación y nunca al contrario: pensar de otra manera no tiene lógica.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: ¿Cómo ves el panorama actual en España en cuanto a la posibilidad de tocar en vivo?

PACO CHARLÍN: Ese tema está en manos de los programadores. Los músicos españoles hacen lo posible para poder tocar y entrar en los circuitos ya cerrados o exclusivos para otro tipo de músicos. Algunos críticos tampoco ayudan mucho que digamos en esta labor: se pasan de vez en cuando a ver tocar un grupo español y cuando lo hacen te puedes esperar cualquier cosa en sus críticas. A partir de ahí los programadores hacen sus cuentas.
Es una tarea difícil que nunca se acaba. Si la realidad fuese de otro modo esta pregunta pasaría a la historia, pero ten por seguro que se seguirá preguntando. Tampoco entiendo por que no hay mas grupos españoles en los festivales si en muchos casos sus cachés no se acercan ni al 50% del de un grupo de afuera. Pues ni con esas.

JOSÉ FRANCISCO TAPIZ: Insistiendo en lo que comentabas, un tema que surge habitualmente es el relativo al nivel de los músicos españoles. Quizás sería apropiado preguntar a un músico español sobre los periodistas: ¿cómo ves el nivel del periodismo sobre jazz en España?

PACO CHARLÍN: La verdad es que no sé cómo está el nivel de los críticos en España. Lo que veo es que pegan unos hachazos de muerte, sobre todo a los músicos españoles, a los que no se les hace ni caso. Creo que falta muchísima humildad a la hora de escribir y pensar un poco más en positivo. No me cabe en la cabeza que se escriba sobre un disco de Wayne Shorter o de Greg Osby y lo quemen con gasolina. Pero no te voy a contar qué pasa con la gente nueva o de este país. A todo esto, muchos críticos pagan las consecuencias de otros y la fama que les rodea no goza de muy buena salud.

©José Francisco “Pachi” Tapiz, Tomajazz, 2006