Cool Jazz (IX): Lee Konitz (II). La Odisea de la Música Afroamericana (209) [Podcast]

Por Luis Escalante Ozalla.

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor de los libros Nueva Orleans (1717-1917): Sexo, Raza y Jass y Y se hace música al andar con swing.

El capítulo 209 de La Odisea de la Música Afroamericana de Luis Escalante Ozalla continúa recorriendo la senda del Cool Jazz con uno de sus representantes, el gran Lee Konitz, un músico que a pesar de su avanzada edad (el 13 de octubre de 2019 cumplió 92 años), continúa en activo tanto sobre los escenarios como publicando grabaciones.

En el programa 209 suenan:

  • “Take five” Al Jarreau
  • “Bernie´s tune” Lee Konitz & Gerry Mulligan
  • “Miles ahead” Miles Davis & Lee Konitz
  • “Last night when we were young” Kenny Burrell & Lee Konitz
  • “I hear a rhapsody” Lee Konitz & Michel Petrucciani
  • “Chick came around” Lee Konitz
  • “A foggy day” Lee Konitz & Franco D´Andrea
  • “Lullaby of Birdland” Lee Konitz
  • “The song is you” Lee Konitz
  • “Ezz-thetic” Lee Konitz

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HDO 368. Una hora con… Jimmy Raney (II) [Podcast]

Nueva entrega en HDO de los especiales “Una hora con…”. El segundo programa dedicado al guitarrista Jimmy Raney (el primero fue HDO 365), está dedicado a dos grabaciones de este gigante de las seis cuerdas: Jimmy Raney Visits Paris (1954), y Two Guitars (de 1957, obra coliderada por Raney y Kenny Burrell).

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2018

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.




Lo más escuchado de HDO (VI): Benny Golson, Kenny Burrell y Houston Person: veteranos en la brecha [Podcast]

Comenzamos el año 2018 recuperando algunas de las entregas más escuchadas en Hablando de oídas (HDO): HDO 133 estaba dedicado a los veteranos Benny Golson, Kenny Burrell y Houston Person que acababan de publicar unas más que recomendables nuevas grabaciones.

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2018

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.




HDO 336. Y hoy… un estándar: All Of You (002) [Podcast]

Y hoy… un estándar. Es el turno de “All Of You” de Cole Porter interpretado por Billie Holiday, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Barbara Carroll, Nancy Wilson, The Modern Jazz Quartet, Miles Davis y Kenny Burrell.

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2017

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.

Luis Escalante Ozalla dedicó cuatro programas a la obra de Cole Porter que se pueden escuchar aquí, aquí, aquí y aquí.




HDO 295. Una hora con… Frank Wess [Podcast]

Frank Wess (1922 – 2013) es un flautista y saxofonista bien conocido por su pertenencia durante más de una década a la orquesta de Count Basie, con una larga carrera como sideman y acompañante de otros artistas. En HDO 295 dedicamos una nueva entrega de Una hora con… a sus grabaciones de mediados de los años 50 Jazz For Playboys Steamin’, en las que le acompañan músicos de las categoría de Paul Chambers, Mal Waldron, Kenny Burrell, Thad Jones Art Taylor.

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2017

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.




365 razones para amar el jazz: una portada. Chet (Chet Baker) [164] [A New Perspective 14]

Una portada. Chet (Chet Baker. Riverside, 1959). Fotografía de Melvin Sokolsky.

Seleccionado por José Luis Luna Rocafort. Décimo cuarta entrega de la serie A New Perspective: una selección de portadas de jazz en las que la fotografía es el elemento central.

Con Chet Baker, Pepper Adams, Herbie Mann, Kenny Burrell, Bill Evans, Paul Chambers, Philly Joe Jones, Connie Kay




HDO 133. Benny Golson, Kenny Burrell y Houston Person: veteranos en la brecha [Podcast]

Kenny Burrell_The Road To Love_High Note_2016Benny Golson_Horizon Ahead_High Note_2016Houston Person_Something Personal_High Note_2016

Benny Golson (1929), Kenny Burrell (1931), y Houston Person (1934) son tres veteranos que siguen en la brecha y en plena actividad. En 2016 cada uno de estos tres artistas ha publicado un nuevo CD (Horizon Ahead, The Road to Love y Something Personal respectivamente) que los muestra en plena forma. Desde HDO va un pequeño homenaje a estos tres maestros. Qué mejor manera que hacerlo escuchándolos en acción, y en el caso de mister Golson además de tocando magníficamente el saxo tenor, dando una lección magistral acerca de qué es el jazz.

© Pachi Tapiz, 2016

HDO (Hablando de oídas) es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.


 

Los temas, las grabaciones, los músicos:

  • “Salty Papa”, “Single Petal Of A Rose”, “Crazy He Calls Me”
    Kenny Burrell: The Road To Love (HighNote, 2016)
    Kenny Burrell, Justo Almario, Tom Ranier, Tony Dumas, Clayton Cameron, Barbara Morrison (“Crazy He Calls Me”)
  • “Crazy He Calls Me”, “Teardrop’s From My Eyes”, “I Remember Clifford”
    Houston Person: Something Personal (HighNote, 2016)
    Houston Person, Steve Nelson, John di Martino, James Chirillo, Ray Drummond, Lewis Nash
  • “Domingo”, “Lulu’s Back In Town”, “Out of the Darkness, and into The Light”
    Benny Golson: Horizon Ahead (HighNote, 2016)
    Benny Golson, Mike LeDonne, Buster Williams, Carl Allen



Swiss Movement. Por Juanma Castro Medina

Cover-Lee Friedlander

Hola amigos, teníamos ganas de traer este directo a nuestra web. Se trata de un concierto grabado en 1969 desde el Festival de Jazz de Montreux, Suiza. En él, se reúnen tres magníficos músicos. Un pianista: Les McCann. Un saxo tenor: Eddie Harris. Y un trompetista: Benny Bailey. Los dos primeros coincidieron en el festival de forma independiente. Un festival que incluían nombres como Kenny Burrell, Kenny Clarke, Phil Woods o Tommy Flannagan entre otros (ver cartel del evento). El tercero fue invitado para la ocasión. El resultado es el mejor disco de soul-jazz de la historia y un éxito de ventas sin precedentes en la época.

affiche-festival-jazz-montreux-1969

Todo parece indicar que fue el teclista Les McCann quien se interesó vivamente por tocar con los otros dos artistas. Él, aportó los músicos con los que tocaba por esa fecha: Leroy Vinnegar al contrabajo y Donald Dean a la batería. Todos juntos formaron un quinteto eventual, improvisado y emotivo, como el mismisimo jazz, y que pasaría a la historia de esta música.

Pero pasemos a hablar, someramente, de los tres protagonistas de este álbum. Les McCann es un pianista y vocalista influenciado por Bud Powell que abandonó la senda del bop y el hard bop para dedicarse a realizar música más comercial. El soul-jazz y el funk fueron los estilos que trabajó. Algo parecido le ocurrió al saxo tenor Eddie Harris, que comenzó como un hardboper clásico y poco a poco fue tomando caminos alternativos como los de la fusión y finalmente el soul y el funk. Como curiosidad decir que ambos músicos terminaron por electrificar sus instrumentos. Por último, el trompetista Benny Bailey, uno de los muchos músicos expatriados y una de las debilidades del que escribe. Un trompetista versátil donde los haya, de tradición bopera e influenciado por Clifford Brown y Fats Navarro, Bailey podía lidiar con los más diversos estilos. Es uno de esos músicos de músicos que no fue muy conocido por la gran masa, pero sí entre sus compañeros y entre los verdaderos amantes de esta música.

El título del disco fue Swiss Movement, una expresión usada en el mundo de la relojería para certificar los relojes hechos fuera de Suiza, pero montados a la manera suiza. Es un certificado de calidad que le viene como anillo al dedo al álbum. Comenzamos con el tema “Compared to what?”, compuesto por Gene McDanields con una letra de protesta contra el presidente Nixon y la labor de los EE.UU en la Guerra de Vietnam, con frases como: “La posesión es la motivación” ; “El presidente tiene su guerra”; “La gente no sabe exactamente la razón”, entre otras muchas frases reivindicativas. Como curiosidad, este tema aparece en la película Casino de Scorsese cuando la voz en off va narrando cómo funciona el submundo del juego en Las Vegas. Si cuando estás escuchando esto, logras mantener los pies inmóviles, es que estás muerto. Sin más. He escuchado pocas cosas con más swing. Me rio de los hits discotequeros de hoy en día y de los pelotazos musicales de los hijos de folclóricas.

Sin solución de continuidad el disco progresa con “Cold Duck Time”, un tema escrito por el Eddie Harris que sigue la línea de “Compared To What?” Aunque con menos intensidad. Si escuchamos atentamente, y como anécdota, podemos escuchar la gran ovación que el público regala a Ella Fitzgerald, que participó en el festival, cuando esta se sienta a disfrutar de la música de sus amigos. El titulo tiene detrás una historia llamativa. Cold Duck es el nombre que se le da a un vino espumoso norteamericano realizado con una ancestral receta alemana. La leyenda cuenta que el príncipe de Sajonia Wenceslao Clemens, ordenó mezclar todos los posos de las botellas de vino sin terminar, con champagne. Al “vino” resultante le llamaron Kaltes Ende, que en Alemán significa muy frio o extremadamente frío. El nombre en inglés Cold Duck, deriva fonéticamente de este Kaltes Ende.

Con “Kathleen´s Theme”, compuesta por Les McCann, vamos echando el freno a tanto desenfreno. Es tiempo para que el saxo tenor de Eddie Harris investigue y experimente con la melodía de la composición, llegando a niveles casi de vanguardia en su intervención. Un gran corte donde encontramos una progresión de acordes brillante y en la que el trompetista Benny Bailey no interviene.

Y volvemos a la senda del soul y el funk con “You Got It In Your Soulness”. Muy buena intervención del trío maravilla: McCann, Harris y Bailey, aunque, si tengo que destacar a alguno, es al pianista. Soberbio tema, reconocido por el público con una sonora ovación al final del corte.

Como no hay quinto malo, cerramos el álbum tal y como se editó en el 69, ya que posteriormente salió un bonus track que degustaremos más tarde. Pero no adelantemos acontecimientos y centrémonos en la composición “The Generation Gap”, de Les McCann. El tema más sosegado, contemplativo y modal del concierto, que sigue la línea de todo el disco: mucho ritmo y solos exquisitos de los músicos.

Acabamos con “Kaftan”, que son esas prendas largas que las mujeres visten en los países árabes. Este tema fue descartado en 1969 por cuestiones de tiempo/espacio y se perdió en el olvido entre las miles de cintas del archivo de Atlantic Records. En 1996 fue descubierto y pasó a formar parte de todas las sucesivas reediciones del disco. Es una composición del contrabajista Leroy Vinnegar con un toque oriental en algunas ocasiones y latino en otras. Como curiosidad, podemos escuchar a Les McCann hablar en un rudimentario francés al inicio del corte. Es una pena que este tema haya dormido el sueño de los justos durante tanto tiempo. A destacar al contrabajista y al batería que hacen verdaderas diabluras con sus instrumentos.

Pero como la cosa va de ternas, y hemos hablado de un trío de músicos, de justicia sería hablar también de otro trío, pero esta vez de gestores. Nos referimos por una parte a los dos productores, Nesuhi Ertegun y Joel Dorn, y por otra, al fundador, director y verdadera alma del Festival, hasta su muerte en 2013, Claude Nobs. Sabido es que Nesuhi ayudó a su hermano Ahmet Ertegun a fundar la compañía Atlantic Records, sin olvidarnos de Herb Abramson, allá por 1947, convirtiéndola en una de las mas importantes del mundo. Pero no es tan sabido que el padre de los Ertegun, Mehmet Munir Ertegun, fue embajador turco en Suiza (y después en Norteamerica) donde conoció al bueno de Nobs. Esta “amistad” fue la excusa perfecta para que años después Nobs se presentara en Estados Unidos para intentar influir en los hermanos Ertegun y que así accedieran a llevar músicos a su querido festival. Claude Nobs, de madre enfermera y de padre panadero estaba destinado a volcar su constancia entre pucheros y fogones. La cocina fue la rama laboral que primero probó. Después trabajó en la oficina de turismo de su localidad natal, Montreux, desde donde comenzó a mover los hilos pertinentes para que un pueblecito del cantón suizo de Vaud se convirtiera en una de las capitales mundiales del jazz. Por último, Joel Dorn, un productor musical que pudo hacer realidad su sueño de adolescente y trabajar para el sello Atlantic, ganando dos premios Grammy con la producción del disco de Roberta Flack: The First Time Ever I Saw You Face, de 1972, y por la canción “Killing My Softly With His Song” de 1974. Dorn trabajó con la flor y nata del jazz, verbigracia, Max Roach, Herbie Mann, Mose Allison, etc… Pero también con lo más granado del soul, del pop y del rock, siendo uno de sus puntos fuertes dulcificar sus productos enfocados hacia el jazz, con algo de música pop, y viceversa. En 2007 Joel Dorn muere de un ataque al corazón, pero su legado no se extingue, ya que su hijo Adam Dorn continua en el mundo de la farándula, esta vez enfocado a la música disco, con el sobrenombre Mocean Worker. Por último y para completar el círculo y ser testigos de las alineaciones cósmicas de nuestro universo, Mocean Worker y el guitarrista Charlie Hunter crearon en 2014 un podcast titulado Compared To What?, como el título principal del concierto con más ventas que su padre produjo y que aquí estamos revisando. En este programa enlatado, los presentadores charlan con algunos personajes del mundo de la música, del cine y del arte en general. Acta est fabula.

Pino

Pero todavía hay más, amigos. A todo ello hay que sumarle las magnificas instantáneas que el fotógrafo Giuseppe Pino, uno de esos fotógrafos llamados retratista debido a que saben captar la personalidad del fotografiado en un instante, realiza e incluye en el LP. Pino bien merece un artículo propio que quizá sea abordado por el que escribe, ya que suyas son algunas de las fotografías más famosas del mundo del jazz. Por poner un ejemplo, de su autoría es la sobresaliente foto de Miles Davis vestido con abrigo y sombrero sosteniendo una trompeta e introduciendo la punta de su afilada lengua dentro de la boquilla del instrumento (es difícil hablar sobre fotos sin poder visionarlas debido a los derechos de autor). Además, Giuseppe Pino es aficionado al jazz en primer lugar y después, fotógrafo de jazz, un matiz muy importante, aunque evidentemente ha cultivado otros campos de la fotografía. Es más, el gran Pino se hizo fotógrafo después de ver y escuchar a Louis Arsmtrong en concierto, ahí es nada. Pero como digo, esto se tratará en trabajos venideros. En otras fotos de Pino, que se incluyen en el LP, aparecen Mccann y Harris charlando de manera distendida, pero sobre todo hay una que me llamó la atención, en ella encontramos al pianista dándose un baño en lo que parece la piscina del hotel donde se alojaba.

Pino

Por último, hay que mencionar al diseñador de la portada: Lee Friedlander, del que me duele hablar, ya que considero que el cover es lo peor de este álbum de lejos. Y digo que me duele, porque en mi opinión ha sido uno de los mejores diseñadores y fotógrafos del jazz de todos los tiempos y verdadero modernizador del diseño de la casa Atlantic. Pero hagamos un poco de historia para articular esta opinión. Cuando Ahmet Ertegun y Herb Abramson fundaron la compañía Atlantic Records en el año 47, su catálogo se enfocó sobre todo al Rythm & Blues, dedicando una minúscula parte al jazz. Fue en 1955, cuando se unió Nesuhi Ertegun a la compañía, el momento en que el despegue de la música jazz en el sello se hizo patente. Por tanto, habría que diferenciar dos épocas en cuanto a diseños de portadas se refiere. El primero, que iría desde la fundación de la disquera hasta el año 55, e incluso yo iría más allá, hasta finales de los 50, que está caracterizada por unas cubiertas con un diseño muy fino, expresivo y sobre todo ingeniosas, sin apenas fotos en la portada o si las había eran en blanco y negro. Destacaría a varios diseñadores de esta primera etapa: Robert Guidi (vikingo) y Burt Goldblatt (cebras). En cuanto a la segunda época, que se inicia a finales de los 50 y termina en época difusa, diría que está marcada por la asunción de Marvin Israel de la dirección artística del sello, que desarrolló una política más acorde con los tiempos que corrían, usando colores más impactantes, fuentes de letra más modernas y sobre todo dio cabida a las fotos, realizadas por varios fotógrafos, entre ellos el fotógrafo de cabecera (y como hemos visto también diseñador): Lee Friedlander. En fin, juzguen ustedes. A mi, particularmente no me gusta la portada que realizó para Swiss Movement.

Robert Guidi

Burt Goldblatt

Resumiendo, y para terminar con una reflexión, un disco que crea aficionados por sí sólo. Un álbum de isla desierta. Un concierto que vale su peso en oro. Un sonido seminal que imitarían multitud de músicos. Se me acaban los calificativos. En 1971 y al socaire del éxito del Swiss Movement, McCann y Harris grabaron juntos un álbum de estudio, titulado Second Movement, un buen disco, pero sin la chispa y la intensidad del primero. Tan sólo nos queda congratularnos a todos los que no teníamos edad para estar en el Festival de Montreux del 69, porque es lo más cerca que se puede estar de vivir tan grandioso acontecimiento. Espero que haya gustado y si no tenéis el disco, corred a comprarlo, está a un precio de unos 5 €. Sería un crimen no tenerlo en casa. Tirez le rideau, la farce est joueé.

Second Movement

© Juanma Castro Medina, 2015

 Les McCann & Eddie Harris: Swiss Movement

 Les McCann (piano), Eddie Harris (saxo tenor), Benny Bailey (trompeta), Leroy Vinnegar (contrabajo), Donald Dean (batería)

Temas: “Compared To What?”; “Cold Duck Time”; “Kathleen´s Theme”; “You Got It In Your Soulness”; “The Generation Gap”; “Kaftan”.

Publicado por Atlantic Records. Grabado en 1969. Festival de Montreaux




Telmo Fernández Organ Trio: The Soul Jazz Beat Vol. 1 (Freecode Jazz Records, 2015; CD)

souljazzLa publicación del primer trabajo del guitarrista lucense Telmo Fernàndez, The Soul Jazz Beat Vol. 1 supone un fuerte impulso de aire fresco al jazz nacional. Recuperar el órgano Hammond B3 nos hace retrotraernos a gloriosas épocas del jazz y acordarnos de personajes no menos significativos del mencionado instrumento como W.B. Davis, Brother Jac McDuff, Jimmy Smith o Larry Young sin olvidar al actual Joey DeFrancesco. En España Ximo Tébar también se hizo acompañar por otro de los grandes especialistas como Dr. Lonnie Smith.

Telmo Fernández sabía bien qué se traía entre manos, y en un acto de conciencia histórica se ha dejado llevar por el devenir de su impulso para regalarnos con un trío en el que vuelven a confluir la guitarra eléctrica y el órgano Hammond B3, tal y como ya hicieran en el pasado guitarristas como Kenny Burrell, Grant Green, Wes Montgomery o George Benson.

Telmo Fernández con la colaboración de músicos como Phil Wilkinson (colaborador de Larry Coryell, Will Bernard, o del grupo Fast 3 originario de Inglaterra y formado por Dave y Phil Wilkinson, Caspar St. Charles) y por José Luis Gómez (compañero de Perico Sambeat, Alan Skidmore, Enrique Oliver, Francis Posé o Jorge Pardo) se ha acercado al sonido de Wes Montgomery o George Benson en diferentes fases del disco.

The Soul Jazz Beat Vol. 1 tiene el sabor de lo añejo del jazz clásico donde el groove y el swing marcan el paso a seguir para apoyarse en el soul, funk, rhythm n’blues o be-bop y que se plasma en diez composiciones. De estas siete (la mayoría) son ajenas, incluyendo sólo tres propias ( “Tooty Booty”, “Lennis” y “Blues Someone”).

The Soul Jazz Beat Vol. 1 es inspiración, virtuosismo y elegancia donde resulta difícil la elección de un tema sobre otro ya que cada pieza es una perla que forma parte de un collar y que tiene como broche el exquisito feeling con que lo impregna todo en la hermosa balada final, “Laura”.

El guitarrista gallego lo ha clavado dando a luz un hijo de otro tiempo que se desenvolverá con soltura en el presente y que ningún aficionado al trío con Hammond B3 debería ignorar a riesgo de cometer un grave pecado.

© Enrique Farelo, 2015

Telmo Fernández Organ Trio: The Soul Jazz Beat Vol. 1

Composiciones: “The Kid” (H.Dusley), “Tooty Booty” (Phil Wilkinson, Telmo Fernández), “Snake Bone” (L. Donaldson), “High Heeled sneakers” (T.Tucker), “Brown Sugar” (F.Roach), “Cool Eyes” (H. Silver), “Lennis” (Telmo Fernández), “Blues Someone” (Phil Wilkinson), “A Smooth One” (B. Goodman) y “Laura” (D. Raksin)

Músicos: Phil Wilkinson (órgano hammond b3), Telmo Fernández (guitarra eléctrica) y José Luis Gómez (batería)

Grabado en el Club Clavicémbalo en Lugo (España) en agosto de 2014. Freecode Jazz Records 2015




Coleman Hawkins: Mister Bean (Le Chant Du Monde; Rec.2015; 3CD)

Coleman Hawkins_Mister Bean_Jazz Characters New Series

Coleman Hawkins. Mister Bean (Le Chant Du Monde; 2015; 3CD)

El saxofonista Coleman Hawkins (1904-1969) vuelve a ser protagonista en una colección de recopilatorios publicada por Le Chant Du Monde. Si en 2005 lo era con Bouncing with Bean, un doble CD publicado en la serie Jazz Characters por el sello francés, en 2015 es el turno del triple CD Mister Bean que aparece en la colección Jazz Characters New Series. No es la primera vez que se comenta por esta web el enorme tino de Le Chant Du Monde en la publicación de sus recopilatorios, algo que hay que volver a resaltar en esta ocasión.

La  colección de temas de 2015 no recurre a algo tan natural como pudiera ser añadir a lo ya publicado en 2005 un tercer CD con temas que se hayan liberado de los correspondientes derechos en los diez años transcurridos entre una y otra colección. Todo lo contrario. El doble CD de 2005 finalizaba en el año 1949, mientras que el triple CD de 2015 finaliza en el primero de esos CD en ese año, centrando el grueso de la obra en las grabaciones a partir de 1950. También hay que resaltar que si bien hay obras que resultan ineludibles en una recopilación que se precie de Coleman Hawkins como son el histórico tema en solitario “Picasso” de 1948, o su magistral versión de “Body And Soul” de 1938 (un tema que vendió miles y miles de copias, y que es una obra maestra absoluta), no hay muchos más temas que coindican en ambas grabaciones. Por tanto, estamos ante dos obras complementarias que permiten disfrutar de uno de los grandes del saxofón, un músico imprescindible en la historia del jazz y que sirvió de fuente de inspiración a gigantes de la talla de Sonny Rollins y Archie Shepp.

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Coleman Hawkins. Bouncing With Bean (Le Chant Du Monde; 2005; 2CD)

Músico inquieto, si bien fue fiel a su reconocible estilo a partir de la década de los 40, también supo estar al tanto de lo que ocurría a su alrededor. De ese modo en esa década no tuvo problemas en grabar con algunas de las grandes figuras del be-bop en los inicios de este estilo (a Fats Navarro se le puede escuchar junto a los All Stars de Hawkins en 1947); tampoco tuvo ningún probleme en participar en un disco rabiosamente reivindicativo como Freedom Now Suite de Max Roach en 1960, o de abrir su música a la influencia de la música cubana a principio de la década de los 40 (tal y como hicieron unos jóvenes be-boppers como eran Charlie Parker y Dizzy Gillespie). El gran reconocimiento del que disfrutó a lo largo de su carrera le permitió participar en grabaciones con lo que se podrían calificar como super-grupos del jazz clásico en compañía de gigantes como Ben Webster, Teddy Wilson o Earl Hines, así como con músicos de generaciones posteriores como Oscar Peterson, Kenny Burrell, Hank Jones o Milt Jackson.

En lo relativo al estilo de The Bean, es habitual resaltar la calidez de su sonido cuando el repertorio transitaba por el territorio de las baladas, aunque en esta grabación hay buenos ejemplos de tiempos medios y rápidos en los que deja plasmada la enorme clase de sus solos, la claridad de su discurso musical y un sonido incomparable.

La edición vuelve a ser un acierto, ya que a lo puramente musical se une un didáctico libreto de 40 páginas en francés e inglés en el que además de detallar las fechas, grupos y músicos participantes en cada tema, se realiza un recorrido por su carrera que sirve para profundizar en la figura de este músico, pero que especialmente pone al lector en la pista de nuevas músicas en el caso de que se desee seguir indagando en las andanzas musicales de este gigante. Si a todo ello se une que esta grabación está disponible a un precio medio más que asequible, la inmersión en el universo de Coleman Hawkins para quien no lo conozca no puede ser más satisfactoria.

© Pachi Tapiz, 2015