Jazz Para Ti (Programa 014. 2018-05-29) [Podcast]

Jazz en vivo, con música perteneciente a cuatro directos grabados en Europa, suena en la entrega número catorce de Jazz Para Ti.

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En primer lugar suenan tres novedades que posiblemente estarán entre lo mejor de 2018: Live In Europe (Fred Hersch Trio; Palmetto Records), e.s.t. Live In London (Esbjörn Svensson Trio; ACT); The Final Tour (Miles Davis & John Coltrane; Columbia – Legacy); a ellos se suma el clásico In Europe (Jack DeJohnette New Directions; ECM), con Eddie Gomez, Lester Bowie y John Abercrombie acompañando al baterista, en esta grabación de 1980 de la que suena el magnífico “Salsa for Eddie G”.

Jazz Para Ti es un programa presentado y dirigido por Pachi Tapiz que se emite los martes, de 20:00 a 21:00 en RCB.

Jazz Para Ti se comenzó a emitir el martes 13 de febrero de 2018, Día Internacional de la Radio.
Mail de contacto de Jazz Para Ti jazzparati@tomajazz.com




Javier Nombela: Alrededor del Jazz [Exposición fotográfica]

Javier Nombela nace en Badajoz (España) en el año 1958. Es en 1983 cuando inicia sus estudios de fotografía en el C.E.I. de Madrid, para el año siguiente iniciar su trabajo como ayudante de fotógrafo de publicidad. En 1985 ingresa como miembre en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, para iniciar una carrera que continúa en la actualidad como fotógrago de publicidad para varias empresas y agencias del ramo.

Sus arte se ha podido disfrutar en revistas (Cuadernos de Jazz, Periplo o FV), grabaciones (Nai de Baldo Martínez, OAM Trio & Mark Turner, San y Waltz for Katty de Joaquín Chacón o Lo que nos gusta es esto y Horas privadas de Santiago de la Muela), en diversos carteles y en su página web http://www.javiernombela.com.

Aparte de varios premios, entre sus exposiciones cuenta en el año 2002 con la del “VII Festival Internacional de Jazz de Ciudad Lineal” y “Alrededor del Jazz” (Galería Báculo, Madrid) de la que el propio autor ha hecho una selección y que Sergio Cabanillas ha hecho llegar a esta página/exposición en todo su detalle y esplendor. Que ustedes lo disfruten.

José Francisco Tapiz [Publicada originalmente en Tomajazz en octubre de 2003]

Lionel Hampton

Tete Montoliu 1997

Al Grey 1992

Lester Bowie 1998

Mark Turner 1999

Paolo Fresu 1999

Sonny Rollins 1992

Nnenna Freelon 1995

Archie Shepp 1998

Roscoe Mitchell 1998

James Carter 1992

Benny Golson 1999

Phil Woods 1997

Russell Malone & Diana Krall 1995

Tom Harrell 1999

Betty Carter 1997

Joseph Bowie 1999

Roy Haynes 1999

Frank Lacy 1997

Gary Bartz 1997

Nota técnica: en la realización de todas las fotos se empleó “Técnica Mixta /Positivado Radiant Selec.”

Tomajazz © Javier Nombela, 2003

Publicado originalmente en Tomajazz en http://www.tomajazz.com/perfiles/nombela.htm




365 razones para amar el jazz: un tema. “Rios Negroes” (Lester Bowie) [27]

Un tema. “Rios Negroes”. Publicado en The Great Pretender (Lester Bowie. ECM, 1981)

Seleccionado por Jorge López de Guereñu.




Malditos Jazztardos… y una de Nirvana (008) [Podcast]

En Malditos Jazztardos #8, la versión que la Josh Roseman Unit realizaba en Cherry (Knitting Factory, 2001), de “Smells Like Teen Spirit” de Nirvana. En este tema participaban Josh Roseman, Lester Bowie, Joey Baron, John Medeski, Dave Fiuczinsky, Bob Stewart Jay Rogrigues.

© Pachi Tapiz, 2017

Malditos Jazztardos es un podcast de jazz… para quienes no saben que les gusta el jazz.

Malditos Jazztardos está editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.




Especial 25 Discos de Jazz: una guía esencial (2005)

Louis Armstrong Hot Fives And SevensEn Tomajazz recuperamos 25 Discos de Jazz: una guía esencial que Jorge López de Guereñu, Nacho Fuentes y Agustín Pérez Gasco, bajo la dirección de Fernando Ortiz de Urbina realizaron en 2005. El resultado, en cinco partes, fue una recopilación de CD de jazz básicos en cualquier colección, que siguen estando de plena actualidad.
El especial está estructurado de la siguiente manera:

Se desarrolló cronológicamente estructurado en cuatro partes:




Wadada Leo Smith: The Great Lake Suites (TUM Records, 2014) / Jack DeJohnette: Made In Chicago (ECM, 2015)

Olvidamos hasta las melodías de los árboles

Gollum. El señor de los Anillos. J. R. R. Tolkien

Recientemente publicamos aquí un artículo crítico sobre la obra de Anthony Braxton y su nada disimulada tendencia por hacer de su obra un compendio entre intelectualidad y abstracción que, ciertamente, le ha reportado más prestigio que influencia (si no contamos a los fieles adeptos a su escuela). El autor formó parte de la AACM de Chicago, que justo este año celebra su 50 aniversario. Estos dos trabajos aparecidos con escasos meses de diferencia, uno en directo y otro en estudio, vienen a subrayar lo noticiable y forzado de estas históricas convocatorias. En resumen, publicar hoy algo reuniendo estos nombres suscita interés informativo y también invita a un balance retrospectivo.

Una primera cuestión confirmaría la determinante influencia y el empuje en el avance del jazz que los fundadores de este colectivo, adoptando vías de expresión diferenciadas, han posibilitado. La segunda, ceñida a la oportunidad de su regreso, viene a poner de relieve que su discurso se ha distanciado de la verosimilitud y energía colectiva respecto de su origen, dando como resultado una decepcionante amalgama, aislada y sin continuidad, en el presente, incluso de la escena de Chicago.

La AACM fue un movimiento que canalizaba memoria y modernidad vinculando al blues con la música contemporánea europea, como señales de identidad de una nueva clase de músicos que reivindicaban su pertenencia a la “Blues people” (LeRoi Jones/Amiri Baraka) pero también a las clases ilustradas de una sociedad que ya no permitiría la segregación en la Universidad y en las escuelas. Para hacerse más fuerte se estructuró como referente colectivo con varias cabezas visibles (las aquí reunidas y citadas,  y también las del cronista y teórico George Lewis ), según una experiencia artística que provenía del free jazz y, claro está, de toda la convulsa era político-social  por la lucha de la igualdad de derechos civiles en esa década de 1960. Su argumento intelectual se resumía en el lema “ancient to the future”, es decir, avance desde la tradición y la modernidad, posicionándose como vanguardia desde su ciudad natal.

“Hecho en Chicago”…

Jack DeJohnette_Made In Chicago_ECM_2015Toparse con el Art Ensemble of Chicago  (AEOC) en el catálogo de ECM, más aún cuando lo editaban y enviaban impreso, nunca dejó de causar extrañeza. Identificada con un sonido más europeo y académico, la personalidad del sello parecía la opuesta a una aguerrida declaración de intenciones basada en la esencia racial del jazz. Algo así como debió suponer el choque visual de encontrarse con los miembros de la AEOC (imaginamos que incluso sin las pinturas de guerra) por el centro de la Alemania más conservadora de Ludwidsburg mientras grababan Nice Guys en 1978…

Lo cierto es que mirando un poco con lupa, esta creación que parte del legado de Ornette Coleman, John Coltrane, Albert Ayler, Don Cherry, la New Thing, el free jazz y la primera improvisación libre, ya había aterrizado o lo haría cuando Jack DeJohnnette publica en los años 80 con su grupo Special Edition, tras participar en New Directions… En esa frontera diferenciada en esta discográfica entre jazz y música contemporánea, tradición negra y blanca, confluyen los títulos puntuales de Marion Brown, Wadada Leo Smith, el cuarteto Circle de Anthony Braxton, Sam Rivers y las más visitadas de Roscoe Mitchell-Lester Bowie, con las de Paul Bley, Jimmy Giuffre, Evan Parker o Joe Maneri.

DeJohnette ha visto como su carrera ha estado bastante condicionada -al menos en lo que a ECM se refiere- por las publicaciones del trío de Keith Jarrett. Al margen de esto, ha entregado caprichos de fusión algo extravagantes. Con Wadada Leo Smith, que lo tenemos más abajo, hizo algunos trabajos incluso a dúo. Pero encontrar aquí Threadgill, acaso el compositor más personal de todos ellos, capaz de construir un lenguaje propio con sus grupos Very Very Circus, Make a move y Zooid, supone la presencia más llamativa de estas dos publicaciones. Por su parte, Roscoe Mitchell también puso una nota muy alta en ECM con su banda Note Factory en su memorable Nine to get ready, donde planteaba un novedoso discurso entre generaciones que ahí quedó.

Made in Chicago es una suerte de “marca de la casa”, un eslogan, una llamada que suena a fiesta de despedida, a un encuentro parcial en la cumbre de unas ideas que han sido desarrolladas por separado. Es un ejercicio en directo que manifiesta un nada disimulado cansancio de ideas, de gestos especulativos rendidos al tópico, de motivos personales intransferibles en un contexto que invita a una escucha parcial antes que orgánica.

La excepción, la pieza “Museum Of Time” firmada por DeJohnette, el menos “músico AACM” de todos, aunque aquí, sin embargo, hace que suene como a Roscoe Mitchell.

TUM Wadada The Great Lakes Suites CoverLa demora de esta reseña no ha podido revelarse como más oportuna. El hecho de unirla al título que comentamos más arriba resulta, como poco, curioso. Una coincidencia en la que pese a darse un elemento compositivo unificador por el sello  que pone Smith, se define de manera igual de frustrante antes las altas expectativas que esta nómina de músicos conlleva. Vayan por delante, al igual sucede en el mencionado trabajo del baterista, que también aquí se ofrece una prolija información que no da más fundamento al encuentro (salvo por las documentadas biografías) que el de avalar el histórico encuentro.

Desde el gran lago Michigan llegan los -fríos- vientos que dan apellido a la ciudad de Chicago. Son pequeños mares en cuyas orillas hay belleza por la exuberancia que dan los bosques de coníferas, y también de polución por las grandes industrias contaminantes asentadas en su extensa periferia. Y son 6 los que forman esa frontera geográfica natural con Canadá. Lagos que son personalidades. El séptimo renombrado está dedicado a otro “gran lago”, Oliver Lake.

Es una cita muy distinta a la anterior, ciertamente. Hay una mayor uniformidad ya que las composiciones llevan una sola firma. No obstante, en esa escritura de amplias lecturas y a la vez concisa en extensión se dan espacios individuales y desarrollos de conjunto sin espíritu común. Smith sigue entregando trabajos de hondo calado, sobre todo tras el celebrado documento memorístico de Ten Freedom Summers. En éste hay otra recreación visual y emocional apoyada en los cuadros del pintor Markus Konttinen.

Dos discos dan para mucho. El problema, pese a ese elemento que implica una inspiración concreta, es el mismo que el anterior disco de DeJohnette: el gesto forzado del encuentro, la idea preconcebida de reproducir algo que ya no forma parte de la modernidad.

Sopla viento frío en Chicago.

© Jesús Gonzalo, 2015

Wadada Leo Smith: The Great Lake Suites
Músicos: Wadada Leo Smith (trompeta), Henry Threadgill (saxo alto, flauta y flauta baja), John Lindberg (contrabajo), Jack DeJohnette (batería)
Composiciones:
CD-1 “Lake Michigan”, “Lake Ontario”, “Lake Superior”
CD-2 “Lake Huron”, “Lake Erie”, “Lake St. Clair”
Todas las composiciones por Wadada Leo Smith
Tum Records. TUM CD 041-2, 2014

Jack DeJohnette: Made In Chicago
Músicos: Henry Threadgill (saxo alto, flauta bajoa), Roscoe Mitchell (saxos alto, soprano y sopranino, flauta barroca), Muhal Richard Abrams (piano), Larry Gray (contrabajo, violonchelo), Jack DeJohnette (batería)
Composiciones:”Chant”, “Jack 5”, “This”, “Museum of time”, “Don`t leave away again”, “Announcement”, “Ten minutes”
ECM, 2015




Anthony Braxton y la cuadratura del círculo. Por Jesús Gonzalo

ANTHONY BRAXTON

 

Anthony_Braxton_by_Peter_Gannushkin-06

© Peter Gannushkin

LA CUADRATURA DEL CÍRCULO

Vuelve la AACM de Chicago en su 50º aniversario.  Wadada Leo Smith se reúne con Henry Threadgill, éste con Jack Dejohnette para ECM, pero él, uno de sus impulsores, sigue a lo suyo, sin mirar atrás. Pasó el 25 de enero por la Casa Encendida de Madrid dentro del certamen de Hurta Cordel. Lo hizo con el cuarteto Diamond Courtain Wall, añadiendo electrónica en tiempo real. Agotó entradas. Y es que a Braxton, que no hace precisamente música de masas pero es consecuente con su causa, le cuadra el círculo.

Y le cuadra por la triangulación del mismo, ya que son las relaciones geométricas entre esas figuras las que configuran el símbolo creativo elegido por el autor.  La última vez que le vi en directo fue en un contexto muy parecido al cuarteto con el que llegó a Madrid, en el festival lisboeta Jazz em Agosto de 2013 (lejos queda la mejor formulación del mismo en el más que interesante que mantuvo con Marilyn Crispell, Mark Dresser y Gerry Hemingway). También llevó allí partituras gráficas que el espectador podía acertar a ver sentado desde el espacio abierto de la Fundación Gulbenkian. Se trataba allí de otro proyecto, el frío e indiferente Falling River Music, para  el que se hizo acompañar de ex-alumnos como Mary Halvorson y Taylor Ho Bynum, ambos presentes en la pasada cita madrileña de Hurta Cordel. No era música de fluir evidente, como el agua del río busca una desembocadura, más bien se movía en círculos, evitando un centro, un eje melódico, un motivo e incluso una salida.

Partitura gráfica para Falling River Music

Partitura gráfica para Falling River Music

Educador, pensador y músico con reconocible y cuidado aspecto de  profesor despistado, que diserta igual sobre filosofía y antropología como de análisis musical, Braxton perteneció al grupo AACM (Association of the Advanced of Creative Musicians) de Chicago desde sus comienzos, colectivo que, en su 50 aniversario, se reivindica como determinante para la modernidad en el jazz. Sus principios fundacionales partían del “primitivismo” al avant-garde, recorrido que nutre el término The Great Black Music y lo conecta con la música contemporánea, teniendo al Art Ensemble of Chicago y a Anthony Braxton dos vértices de creación (dejemos las personalidades de Muhal Richard Abrams, Wadada Smith o Threadgill al margen).

Braxton y su imagen de profesor universitario, nada que ver con Lester Bowie o el Art Ensemble of Chicago

Braxton y su imagen de profesor universitario, nada que ver con Lester Bowie o el Art Ensemble of Chicago

Donde en el grupo de Roscoe Mitchell, con cara pintada, y Lester Bowie, con su bata de médico, la fuerza vital panafrincana se exponía en forma de collage tribal, en Braxton, minucioso organizador  del sonido con  chaquetas de lana, existe una superestructura y una intención indagadora del lenguaje que se materializa en una plasticidad contemporánea abstracta y europea (Stockhausen, música serial, electroacústica), sólo desmentida en sus revisiones sobre standards (recuperen el dúo de “bohemia vienesa” con Ran Blake) la tradición afroamericana (Parker, Monk, Coltrane, Ayler) y la escuela (que impulsa la Tercera Corriente) de Tristano,  autor al que vuelve este año.

Diamond Curtain Wall en configuración de sexteto junto con algunos de sus antiguos alumnos (Halvorson, Ho Bynum...).   Universidad de Alabama. 21 de febrero de 2015. De izquierda a derecha Anthony Braxton, Ingrid Laubrock, Taylor Ho Bynum, Andrew Raffo Dewar, Mary Halvorson y Carl Testa. Fotografía © Christopher White

Diamond Curtain Wall en configuración de sexteto junto con algunos de sus antiguos alumnos (Halvorson, Ho Bynum…).
Universidad de Alabama. 21 de febrero de 2015. De izquierda a derecha: Anthony Braxton, Ingrid Laubrock, Taylor Ho Bynum, Andrew Raffo Dewar, Mary Halvorson y Carl Testa.
Fotografía © Christopher White

Vanguardia y fecundidad a veces van acompañadas, inevitablemente, de especulación. Cuando Braxton recupera a clásicos para sus lecturas, tomando asideros melódicos y una construcción prefijada, es cuando más convence, es como si llegara a puerto, como si tomara tierra, aunque después vuele alto… La dialéctica entre composición e improvisación tiene un tratamiento especial en su acercamiento a standards (el estupendo Charlie Parker Project 1993 sobre todo). Aplica ahí un proceso inductivo/deductivo que le permite entrar y salir, surcando y deconstruyendo los perfiles de la melodía y jugando con figuración y texturas.

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De izquierda a derecha: Falling River Music graphic scores, Carl Testa y Mary Halvorson. Diamond Curtain Wall.
Universidad de Alabama. 21 de febrero de 2015.
Fotografía © Christopher White

La melodía es aquella expresión musical que se sostiene sobre momentos de consciencia, puede remitirnos a algún instante del pasado o facilitarnos la comprensión de la realidad inmediata en distintas épocas de nuestra vida. Es también un recurso de vital importancia en la gramática musical, pues acota la duración del fenómeno en principio y fin con recordatorios.

 For Alto (1970), pieza fundamental para el saxo de la que John Zorn tomaría el relevo en Locus Solus (1983)


For Alto (1970), pieza fundamental para el saxo de la que John Zorn tomaría el relevo en Locus Solus (1983)

La AACM plantea terrenos de creación que han abierto muchas posibilidades a la que es la música afroamericana por excelencia, como también anticiparon individualmente Monk, Cecil Taylor, Coltrane o Mingus. También se suele decir que el jazz es la música clásica del pueblo del blues, como lo llamaría LeRoi Jones-Amiri Baraka. En ese sentido, nombres como Braxton (o George Lewis, que venía haciendo improvisación electroácustica desde su Hommage to Charlie Parker de 1979) hacen prevalecer lenguajes que – salvo los tributos ya señalados- poco o nada tienen que ver con su origen.

Partituras gráficas e improvisación, fría electroacústica que recuerda a sus pioneros europeos, Braxton, que no está bien considerado dentro de la música académica contemporánea a la que tanto se acerca, representa la versión más intelectual y formalista de una herencia – la del blues preconizada por The Great Black Music- que en su idioma ha quedado sepultada. Aunque su figura y su obra, situada entre esos dos mundos creativos como él mismo reconoce, si no existieran habría que inventarlas.

© Jesús Gonzalo, 2015

 

 




Tomajazz recomienda… Especial 25 Discos de Jazz: una guía esencial

Cuatro especialistas y grandes aficionados desarrollan el especial “25 Discos de Jazz: una guía esencial”. El resultado es una guía fantástica para aproximarse a la respuesta de la pregunta (histórica): “¿Qué es el Jazz?”.

Agustín Pérez, Ignacio Fuentes y Jorge López de Guereñu, coordinados por Fernando Ortiz de Urbina han desarrollado el especial 25 Discos de Jazz: una guía esencial. El resultado es una guía fantástica para aproximarse a la respuesta de la pregunta (histórica): “¿Qué es el Jazz?”.

El especial está estructurado de la siguiente manera:
Presentación: http://www.tomajazz.com/web/?p=626 por Fer Urbina (Fernando Ortiz de Urbina), quien actuó como coordinador de este proyecto.
Se desarrolla cronológicamente estructurado en estas cuatro partes:
1917-1942: http://www.tomajazz.com/web/?p=629 por Eke BBB (Agustín Pérez)
1953-1969: http://www.tomajazz.com/web/?p=23973 por Fer Urbina
1960-1979: http://www.tomajazz.com/web/?p=23981 por Natxo (Ignacio Fuentes)
1980-2000: http://www.tomajazz.com/web/?p=23984 por Jorge LG (Jorge López de Guereñu)

Mucho más sobre jazz en Tomajazz




25 discos de jazz: una guía esencial

 

 

PRESENTACIÓN

Lo que sigue a continuación es una selección de CDs de jazz con grabaciones realizadas entre 1917 y 2000, periodo que hemos dividido en cuatro partes de aproximadamente 20 años. Los discos están agrupados en 25 “esenciales” y 40 “complementarios”, siguiendo un criterio resultante de la combinación de factores que abarcan desde los motivos estrictamente musicales hasta la disponibilidad real en el mercado español, pasando por la calidad de sonido de las reediciones y el equilibrio entre la diversidad y la representatividad en cada periodo.

The following article is a list of CDs containing some of the best jazz recorded in the 20th century. Although we are aware that 65 currently available CDs (25 “essentials” plus other 40) are not enough to summarize the history of recorded jazz, we have tried our best to offer a view as balanced and representative as possible of this music’s first eighty years, or at least a taster of what this diverse and ever-changing music has to offer.

El desarrollo del jazz está estrechamente ligado al de la industria discográfica. La improvisación, como composición espontánea, convierte al jazz en la más efímera de las músicas, y su rápida evolución y difusión en menos de un siglo no habrían sido posibles sin la tecnología de grabación de sonidos: gracias a ella, el músico aprendiz puede escuchar un mismo pasaje cuantas veces sea necesario, independientemente de la distancia espacial o temporal que le separe del intérprete emulado, con una riqueza de matices de timbre y ritmo imposible de reflejar en papel pautado.

En cuanto al formato en sí, hemos limitado esta selección a las ediciones en CD por ser el soporte más extendido, a pesar de que aún sobrevive el LP y los nuevos formatos de compresión de sonido cobran más fuerza cada día que pasa. Respecto a la disponibilidad de las ediciones, aunque hemos incluido únicamente discos en catálogo, hay que señalar que el CD es un formato que se presta especialmente al mercado de segunda mano, que merece la pena investigar.

Dado el carácter retrospectivo de esta selección, es necesario un breve apunte sobre las reediciones. En todos los casos hemos procurado escoger las publicadas por los propietarios de las grabaciones originales o por sellos de reputación contrastada. El motivo es simple: las reediciones “oficiales” casi siempre ofrecen la mejor calidad de sonido, una consideración nada desdeñable, particularmente cuando hablamos de la música de entreguerras.

La decisión del número de discos que contiene esta selección, 25 más 40, se tomó pensando en quienes quieren empezar a introducirse en esta música. Aunque hemos tratado de cuajar una colección representativa, el jazz –o “los jazz”, como clama la mancheta de la revista francesa “Jazzman”– es demasiado diverso y rico para lograrlo con 65 discos (como referencia, en su “Jazz On Record” el reputado Brian Priestley afirma que una colección de 300 volúmenes apenas sería representativa).

Ha de tenerse en cuenta, además, lo que Dan Morgenstern apunta en su “Living With Jazz”: comparado con todo el jazz que se ha tocado, la parte que se ha recogido en grabaciones vendría a ser una gota en el océano. Añádase que de esa gota de jazz grabado, en su mayoría publicado en discos de 78 o 33 RPM, sólo se ha reeditado en CD una mínima parte, y que de esta mínima parte publicada en formato CD, nosotros hemos desestimado el material descatalogado. La conclusión es que en ningún caso debería entenderse esta lista como una historia del jazz grabado, ni mucho menos como una historia del jazz. Viendo el vaso medio lleno, todos los discos aquí incluidos han superado la prueba definitiva para toda obra de arte, el paso del tiempo, y son un ejemplo de lo que puede dar de sí esta música.

Finalmente, como editor de los textos que siguen, aunque no soy responsable de las opiniones expresadas por mis tres colegas, sí lo soy de las erratas que hayan podido colarse. Tras casi medio año de conversaciones y 700 e-mails a cuatro bandas, sólo me queda agradecer a Agustín, Natxo y Jorge su dedicación y generosidad, y a Pachi Tapiz la publicación de esta guía, que sólo busca contribuir a abrir puertas a un universo musical que es fuente inagotable de satisfacciones y sorpresas.

Que aproveche.

Fernando Ortiz de Urbina


DISCOS ESENCIALES

1917-1942 por Agustín Pérez

  • Louis Armstrong: Hot Fives And Sevens (JSP, 4 CDs)
  • Jelly Roll Morton: Birth Of The Hot (RCA/BMG)
  • Bix Beiberdecke: Vol.1, Singin’ The Blues (Columbia/Sony)
  • Coleman Hawkins: King Of The Tenor Sax 1929-1943 (Jazz Legends)
  • Billie Holiday: Lady Day, The Best Of Billie Holiday (Columbia/Sony, 2 CDs)
  • Count Basie: The Best Of Early Basie (Decca/Universal)
  • Duke Ellington: Never No Lament, The Blanton-Webster Band (Bluebird/BMG, 3 CDs)

…más diez complementarios: King OliverBessie SmithArt TatumBennie Goodman

1943-1959 por Fernando Ortiz de Urbina

  • Charlie Parker: The Essential Charlie Parker (Union Square Music, 2 CDs)
  • Thelonious Monk: Genius of Modern Music, vols. 1 y 2 (Blue Note/EMI)
  • Lennie Tristano: Intuition (Capitol/EMI)
  • Art Blakey: A Night In Birdland, vols. 1 y 2 (Blue Note/EMI)
  • Miles Davis: Kind Of Blue (Columbia/Sony)
  • Ornette Coleman: The Shape Of Jazz To Come (Atlantic/WEA)

…más diez complementarios: Dizzy GillespieBud PowellSonny RollinsGeorge Russell

1960-1979 por Ignacio Fuentes

  • Bill Evans: Waltz For Debby / Sunday At The Village Vanguard (Riverside/Fantasy)
  • Eric Dolphy: Out To Lunch (Blue Note/EMI)
  • Albert Ayler: Spiritual Unity (ESP)
  • John Coltrane: A Love Supreme (Impulse/Universal)
  • Herbie Hancock: Head Hunters (Columbia/Sony)
  • Charles Mingus: Changes One / Changes Two (Atlantic/WEA)

…más diez complementarios: Gil EvansOliver NelsonAndrew HillLee Morgan

1980-2000 por Jorge LG

  • David Murray: Ming (Black Saint)
  • Lester Bowie: The Great Pretender (ECM)
  • Keith Jarrett: Standards, vols. 1 y 2 (ECM)
  • Wynton Marsalis: Black Codes (From The Underground) (Columbia/Sony)
  • Steve Coleman: Def Trance Beat (Modalities Of Rhythm) (Novus/BMG)
  • John Zorn’s Masada: Sanhedrin (Unreleased & Alternate Takes 1994-1997) (Tzadik)

…más diez complementarios: Anthony BraxtonDave HollandPaul Motian Bill Frisell


LOS CULPABLES

Agustín Pérez (EKE BBB) es economista, ha contribuido a diversos proyectos discográficos y es el autor de ladiscografía de Tete Montoliu más completa jamás publicada.

Lamenta haber dejado fuera a Bunny Berigan, Eubie Blake, Cab Calloway, James P. Johnson, Jimmie Lunceford, New Orleans Rhythm Kings, Bennie Moten, Pee Wee Russell, Jabbo Smith, Fats Waller y un largo etcétera.

Fernando Ortiz de Urbina (Fer Urbina) es traductor. Escribe sobre música desde 1993 y ha colaborado con El Diario Vasco (San Sebastián), Radio Euskadi (Bilbao), Jazzwise (Londres), La Tempestad (México) y Teoría (Puerto Rico). Actualmente es el corresponsal en Londres de Cuadernos de Jazz y prepara una discografía de Eddie Costa.

Lamenta no haber incluido a Louis Armstrong y los All-Stars en directo, Teddy Charles, el trío de Nat King Cole, más Miles Davis, Jimmy Giuffre, Woody Herman (1945-46), el Modern Jazz Quartet, el quinteto de Max Roach y Clifford Brown, Sarah Vaughan y Ben Webster con Oscar Peterson.

Ignacio Fuentes (Natxo) es abogado. Dirigió y presentó el programa Jazzteiz en Hala-Badi Irratia de Vitoria entre 1996 y 2003, y ha colaborado con la revista literaria La Botica.

Se le quedaron fuera Jimmy Giuffre, Wayne Shorter, Horace Silver, Archie Shepp, Jackie McLean, Roland Kirk, Hank Mobley, Wes Montgomery, Woody Shaw y Dexter Gordon.

Jorge LG (López de Guereñu) es artista y profesor. En los ochenta y noventa colaboró en distintas asociaciones con programas educativos mixtos de música y arte en Estados Unidos, Francia y Gran Bretaña y escribió artículos sobre arte, música y cultura urbana en Ear Magazine, Sound Journal y publicaciones académicas. En la actualidad dirige su escuela de Arte y Diseño en Bilbao.

Músicos que lamenta haber dejado fuera: Don Byron, Don Cherry, Ornette Coleman y Prime Time, Joe Henderson, Greg Osby, Dewey Redman, Mal Waldron con Steve Lacy o Marion Brown, y Cassandra Wilson.

© Tomajazz, 2005

 




1980-2000: recapitulación y fusiones de cara a un nuevo siglo. Especial 25 Discos de Jazz: una Guía Esencial. Por Jorge LG

Introducción

Los últimos veinte años parecen los más tranquilos de la agitada historia del Jazz: su música consiste más en recrear que en innovar. No se da en este periodo un desarrollo formal comparable al que representaron en su día el Swing, el Be Bop o el Free. Al mismo tiempo la revisión del pasado es más accesible y está más abierta a la reinterpretación que nunca, de forma que los músicos indagan nuevas formas de tocar esta música que cuenta ya con una rica tradición de diferentes estilos a renovar o redefinir, a menudo combinándolos entre sí.

El cambio de formato en la música grabada, del LP al CD, ocasiona una avalancha de reediciones que facilitan el acceso a todas las etapas previas de una música que ya va a cumplir su primer siglo, lo que a veces parece pesar como una losa a los músicos aparecidos en esta época postmoderna donde innovar parece tan difícil.

A la vez, los clubs dejan paso a los festivales, el contacto entre los músicos en aquellos se convierte en el contacto en asociaciones, muchas descendientes de las formadas en los sesenta (AACM, BAG), o universidades, e incluso instituciones (Lincoln Center), aunque algunos clubs sobreviven… a duras penas.

Los músicos surgidos en los 80 parecen dividirse en dos campos, el de los conservadores y el de los que mantienen viva la llama del Free, pero los años van pasando, y los dos estilos, que en realidad ni eran los únicos en la escena, ni estuvieron claramente separados, se van mezclando, entrecruzando y enriqueciéndose con otras aportaciones que vienen o de los músicos de épocas anteriores todavía en activo, o de otros campos como las músicas étnicas, el Hip Hop, la música improvisada europea, la nueva música electrónica… conformando al final del siglo un panorama tan diversificado y amplio que es imposible separar en estilos, pero en el que aún así se aprecian grandes figuras para afrontar el nuevo siglo en ciernes.

Jorge LG


Discos esenciales

David Murray: Ming
Black Saint 120045
Grabado en julio de 1980
Publicado en 1980
Personal: David Murray (saxo tenor y clarinete bajo), Henry Threadgill (saxo alto), Lawrence Butch Morris(corneta y dirección), Olu Dara (trompeta), George Lewis (trombón), Anthony Davis (piano), Wilber Morris(contrabajo), Steve McCall (batería).

Formaciones como el octeto de Murray o el septeto de Henry Threadgill combinan los arreglos inspirados en la música de Mingus y la AACM de Chicago con el lenguaje solista del Free y los esquemas armónicos más clásicos de las composiciones de Murray. Éste reúne aquí a los principales actores de lo que se desarrolló en los lofts de Nueva York en los setenta, en una formación de mediano tamaño que suena como una pequeña Big Band, haciendo una música más accesible y madura pero sin perder la energía del entorno en el que nació esta nueva especie demainstream en la vanguardia. La música de los lofts se vuelve más reposada, pero no menos interesante.


 

Lester Bowie: The Great Pretender
ECM 829369
Grabado en junio de 1981
Publicado en 1981
Personal: Lester Bowie (trompeta), Donald Smith (piano y órgano), Fred Williams (bajo eléctrico y contrabajo),Philip Wilson (batería), Hamiet Bluiett (saxo barítono), Fontella Bass y David Peaston (voces).

Dos versiones llenas de buen humor de dos standards casi olvidados, un tema épico dando título al disco con dos vocalistas extraordinarios, un contundente “Rios Negroes” con solo ejemplar y coda espectacular del líder –el trompetista más divertido de estos tiempos– y, como colofón, el eco de un fantasma presente en el estudio: la inspiración, en forma de homenaje al vanguardista más arraigado en la música popular, Albert Ayler. Un disco perfecto de uno de los miembros del gran grupo Art Ensemble Of Chicago, cualquiera de cuyos discos podría estar también en la lista de esenciales de esta década, la pasada… o la siguiente. De lo mejor de la AACM, aún muy activa en los ochenta.


 

Keith Jarrett: Standards, vols. 1 y 2
ECM 1255 y 1289 (Universal 811966 y 825015)
Grabados en enero de 1983
Publicados en 1983
Personal: Keith Jarrett (piano), Gary Peacock (contrabajo), Jack DeJohnette (batería).

El trío de piano redefinido a partir del esquema diseñado por Bill Evans, con el minimalismo íntimo de éste extrañamente entrelazado con el romanticismo exacerbado de Jarrett y su afición a las formas folk y a las de la música clásica europea. Estos dos discos inician la historia de un trío que actuará a lo largo de más de veinte años sin síntoma ninguno de agotamiento, como demuestran sus abundantes grabaciones en directo, todas ellas también soberbias. La unidad entre estos tres artistas era perfecta desde el principio, en el que ya se dan esos trances mágicos capaces de reconvertir “God Bless The Child” en un hipnótico himno gospel-folk, ejemplo de los muchos momentos mágicos que irán creando en su obra futura.


 

Wynton Marsalis: Black Codes (From The Underground)
Columbia/Sony CK 40009
Grabado en enero de 1985
Publicado en 1985
Personal: Wynton Marsalis (trompeta), Branford Marsalis (saxos tenor y soprano), Kenny Kirkland (piano),Charnett Moffett (contrabajo), Jeff Tain Watts (batería).

El disco clásico del Neo-Bop: en apariencia su música es muy similar a la del Miles de los sesenta, pero no es una vuelta atrás sin motivo. Éste es un grupo de primeros grandes músicos muy influyentes para las siguientes generaciones, formadas en las décadas del revisionismo de todo un pasado rico en modelos e inspiración. Marsalis y su quinteto combinan el jazz modal de Miles y el Hard Bop cargado del ritmo de la Nueva Orleáns del líder, con los temas sociales e históricos de su comunidad como leitmotiv –a la manera de Max Roach o Archie Shepp veinte años antes– en un disco que suena actual y diferente.


 

Steve Coleman: Def Trance Beat (Modalities Of Rhythm)
Novus-RCA/BMG 63181
Grabado en junio de 1994
Publicado en 1994
Personal: Steve Coleman (saxo alto), Andy Milne (piano y teclados), Reggie Washington y Matthew Garrison(bajo eléctrico), Gene Lake (batería), Ravi Coltrane y Craig Handy (saxos tenores), Michael Wimberly, Jalal Sharriff, Kwe Yao Agyapan y Ronnie Roc (percusión).

Ocho temas que realmente representan lo que busca el colectivo M-Base capitaneado por Coleman: estudios de las modalidades del ritmo –objeto principal de su música– más dos adaptaciones de standards del Be-Boptransformados según este nuevo estilo (“Salt Peanuts” y “Confirmation”), todo ello excelentemente dirigido por el alto ácido e impactante de uno de los grandes solistas y pensadores de las dos últimas décadas. El núcleo duro de sus Five Elements más dos invitados de lujo y varios percusionistas enfatizando en algunos temas ese carácter hipnótico de la música de Coleman que suena siempre tan próxima al Funk, el Hip Hop y a África. Un nuevo tipo de combo… y de ritmo.


John Zorn’s Masada: Sanhedrin (Unreleased & Alternate Takes 1994-1997)
Tzadik 2CD 7346-2 (2 CDs)
Grabado entre 1994 y 1997
Publicado en 2005
Personal: John Zorn (saxo alto), Dave Douglas (trompeta), Greg Cohen (contrabajo), Joey Baron (batería).

En los setenta investigó la relación entre la improvisación y la composición con sus game pieces. En los ochenta creó bandas sonoras ficticias y enloquecidas (“Spillane”) y homenajes inusuales (“News For Lulu”). Al final de esa década dirigió un grupo de jazz tocando hardcore (“Naked City”) y, en los noventa, su propia versión del cuarteto acústico de Ornette tocando música judía: Masada, una fórmula sencilla que en realidad era la disculpa para plasmar éstas y otras obras maestras aquí y en cualquiera de los otros diez volúmenes grabados en estudio o en directo por este líder hiperactivo del downtown de Nueva York, con su grupo más “jazz”. Cualquier excusa es buena para hacer gran música, ésa es la lección de Zorn.


… y 10 complementarios

World Saxophone Quartet: Plays Duke Ellington
Elektra-Nonesuch/WEA 79137
Grabado en abril de 1986
Publicado en 1986 y 1992
Personal: Oliver Lake y Julius Hemphill (saxos altos), David Murray (saxo tenor),Hamiet Bluiett (saxo barítono).
El cuarteto de saxofones que creará escuela, alternando el concepto “de cámara” con la energía de sus cuatro increíbles solistas. Un póker de ases con solos demoledores sobre la música de Ellington llevada por nuevos caminos, perfecta introducción a uno de los grupos más imitados e influyentes de los ochenta. Un disco apabullante.

 


 

Anthony Braxton: Five Compositions (Quartet)
Black Saint 120106
Grabado en julio de 1986
Publicado en 1993
Personal: Anthony Braxton (flauta, clarinete y saxos soprano, alto y tenor), David Rosenboom (piano), Mark Dresser (contrabajo), Gerry Hemingway (batería y percusión).
El cuarteto clásico de Braxton en los ochenta, con Rosenboom sustituyendo a Marilyn Crispell, en este disco arquetípico de su música en ese periodo, uno de los más fértiles del otro gran pensador, fundador y músico de la AACM. Música muy intelectual, pero nada fría, y entroncada con la historia del jazz en una forma poco reconocible, pero muy lógica, que desembocaría después en sorprendentes homenajes. Un genio.

 


 

Dave Holland Quintet: The Razor’s Edge
ECM 1353 (Universal 833048)
Grabado en febrero de 1987
Publicado en 1990 y 2000
Personal: Kenny Wheeler (corneta, trompeta y fliscorno), Robin Eubanks(trombón), Steve Coleman (saxo alto), Dave Holland (contrabajo), Marvin Smitty Smith (batería y percusión).
El primer gran quinteto de un gran músico que comienza a definir con discreción una música nueva y personal abriendo su propia vía para el futuro. La combinación de influencias recibidas a lo largo una carrera apasionante fructifica en una obra llena de solidez y personalidad. Sus grupos más pequeños, su segundo quinteto, y su reciente big band son igual de interesantes que sus múltiples colaboraciones.

 


Paul Motian: On Broadway, Vols. 1 Y 2
Winter & Winter (reedición de originales JMT) 919029 y 919038
Grabados en noviembre de 1988 y septiembre de 1989
Publicados en 2003 y 2004 (reediciones)
Personal: Joe Lovano (saxo tenor), Bill Frisell (guitarra eléctrica), Charlie Haden (contrabajo), Paul Motian(batería).
Standards de los 30 y los 40, temas de Coltrane, Bill Evans, Rollins y Jim Hall, Lester Young… cuatro músicos increíbles paseándose por la historia de las baladas. Música preciosa, íntima y atemporal, de una belleza que jamás cae en lo empalagoso. Dos grabaciones magistrales, al igual que lo son los discos sobre Monk, sobre Bill Evans y todos y cada uno de los grabados, en estudio o en directo, por este trío.

 


The Muhal Richard Abrams Orchestra: Blu Blu Blu
Black Saint 120117
Grabado en noviembre de 1990
Publicado en 1991
Personal: Joel Brandon (silbidos), Jack Walrath (trompeta), Mark Taylor (trompa),Alfred Patterson (trombón), Joseph Dailey (tuba), Robert DeBellis, Eugene GE,Patience Higgins y John Purcell (flautas, clarinetes, saxos), David Fiuczynski(guitarra eléctrica), Muhal Richard Abrams (piano), Lindsey Horner y Brad Jones(contrabajo), Warren Smith (vibráfono y timbales), Thurman Baker (batería).
El Blues como base para renovar el lenguaje de las big bands y de la AACM por su propio líder. Su lema, “Ancient For The Future”, cobra aquí todo su sentido, en una música que recoge toda la tradición y se apoya en ella para impulsarse hacia adelante. Great Black Music hecha por una great big band.

Bill Frisell: Have A Little Faith
Elektra-Nonesuch/WEA 79301
Grabado en marzo de 1992
Publicado en 1992
Personal: Bill Frisell (guitarras), Don Byron (clarinete y clarinete bajo), Guy Klucevsek (acordeón), Kermitt Driscoll (bajo eléctrico y contrabajo), Joey Baron(batería).
Charles Ives, Dylan, Madonna, Muddy Waters, Sousa, Sonny Rollins, Copland y Stephen Foster como repertorio de una nueva América, ecléctica, la de las múltiples influencias que convergen en Frisell, que a su vez sobrepasará el ámbito del jazz. Música distinta e inesperada agrupada en suites en un manifiesto brutal. Otros nos han acostumbrado a repertorios ajenos al jazz, pero entonces hacía falta valor.

 


Tim Berne: Diminutive Mysteries (Mostly Hemphill)
Winter & Winter (reedición de original JMT) 919060
Grabado en septiembre de 1992
Publicado en 2004 (reedición)
Personal: Tim Berne (saxos alto y barítono), David Sanborn (saxos alto y soprano),Herb Robertson (corneta, trompeta y fliscorno), Marc Ducret (guitarras), Hank Roberts (cello), Mark Dresser (contrabajo), Joey Baron (batería).
El futuro del Downtown (Berne) mira al pasado de los lofts (la música de su maestro, Hemphill) para seguir adelante por un camino posible para el jazz del futuro, donde la energía urbana de esta música llena de vida es primordial. Unos intérpretes inspirados, entre ellos un sorprendente David Sanborn fuera de su contexto habitual, que convierten el sonido del movimiento de Nueva York en música. Y de la grande.

 


Steve Lacy Quartet: Revenue
Soul Note 121234
Grabado en febrero de 1993
Publicado en 1995
Personal: Steve Lacy (saxo soprano), Steve Potts (saxo alto), Jean-Jacques Avenel(contrabajo), John Betsch (batería).
La influyente música del músico norteamericano más presente en el Viejo Mundo en estas dos décadas. Aquí no toca temas de Monk, ni es éste uno de sus asombrosos dúos con Mal Waldron, pero su música con este cuarteto o su sexteto –cuando se suman su mujer, Irene Aebi, y el pianista Bobby Few– es igual de importante y preciosa. Uno de los muchos maestros siempre actuales, de una música que no envejece.

 

 


Henry Threadgill: Carry The Day
Columbia/Sony CK 66995
Grabado en 1994
Publicado en 1995
Personal: Henry Threadgill (flauta y saxo alto), Marc Taylor (trompa), Wu Man(pipa), Tony Cedras (acordeón), Jason Hwang (violín), Masujaa y Brandon Ross(guitarras), Edwin Rodríguez y Marcus Rojas (tubas), Gene Lake (batería), Miguel Urbina y Johnny Rudas (percusión y voces), Mossa Bildner (voz).
Desde el trío Air o su falso sexteto –en realidad un septeto– de los ochenta, a esta formación con tubas, guitarras, acordeón, y violín, Threadgill continúa su investigación de extraños e hipnóticos arreglos para las instrumentaciones más inusuales. Un sonido muy contemporáneo, sofisticado y, paradójicamente y en gran parte debido al sonido áspero del saxo alto del líder, muy enraizado en el Blues.

 


 

Uri Caine: Urlicht/Primal Light
Winter & Winter 910004
Grabado en junio de 1996
Publicado en 1997
Personal: Dave Douglas (trompeta), Josh Roseman (trombón), Don Byron(clarinete), Dave Binney (saxo alto), Danny Blume (guitarra), Mark Feldman(violín), Larry Gold (cello), Uri Caine (piano), Michael Formanek (contrabajo), Joey Baron (batería), Aaron Bensoussan (percusión y palmas), Arto Lindsay (voz), DJ Olive (platos).
Muchos experimentos mezclando el jazz y la música clásica han salido mal, pero no en este caso. En vez de volver a intentar la “tercera corriente”, Caine añade el sentido del humor como tercer ingrediente fundamental, y los fantásticos músicos convocados consiguen que el experimento de interpretar Mahler de forma tan original sea un éxito. Irreverente, divertido y ecléctico, signos de su tiempo.

©Jorge LG, Tomajazz, 2005