Joëlle Léandre: Can You Hear Me? – No Comment – Oakland/Lisboa [CD]

La contrabajista Jöelle Léandre cumple 65 años en 2016. Su carrera, que se extiende durante cuatro décadas, continúa desarrollándose, incansable. Año tras año su discografía (que supera las 150 referencias), va aumentando gracias a la incorporación de nuevas grabaciones. 2016 no es una excepción. La puesta en circulación de nuevo del CD a contrabajo solo No Comment (Fou Records), la nueva entrega del MMM Quartet titulada Oakland / Lisboa (Rogue Art), y Can You Hear Me? (Ayler Records) al frente de un tenteto de músicos pertenecientes a una generación anterior a la de Léandre son tres formas magníficas de adentrarse en distintas facetas del universo creativo de esta artista del sonido.

DigisleeveNo Comment (que recoge sendos conciertos en Canada e Italia en 1994 y 1995), ya se había publicado con anterioridad en el sello canadiense Red Toucan. Con distinta portada, pero con el mismo contenido sonoro, ha sido reeditado por el sello francés Fou Records. Léandre a contrabajo solo es habitualmente un ciclón de creatividad: en No Comment  no lo es menos. Sus manos logran que el contrabajo sea una prolongación casi orgánica de la artista. Esta exprime este instrumento extrayendo sonidos y construyendo un discurso de un modo que está al alcance de muy pocos. Cada una de las partes con las que construye sus soliloquios son distintas de las anteriores y de las siguientes, pero todas ellas están fuertemente unidas por el hilo de una personalidad creativa como hay pocas. Y como no pueden faltar en sus conciertos, especialmente a contrabajo solo, se la escucha cantar acompañándose como sólo ella lo sabe hacer.

MMM Quartet_Oakland - Lisboa_Rogue Art_2016Oakland / Lisboa permite escuchar a la contrabajista en muy buena compañía junto al guitarrista Fred Frith, el saxofonista Urs Leimgruber, y el pianista y samplerista Alvin Curran. Grabado en directo en la edición de 2014 del festival lisboeta Jazz Em Agosto, es una muestra magnífica de lo que estos cuatro músicos pueden crear en directo. El grupo articula una historia en la que se suceden pasajes de distinta intensidad; en la que los músicos tienen tanto espacios propios como compartidos en los que priman -no podía ser de otro modo-, la interacción. Esencial para que el cuarteto articule su discurso es la variedad de sonidos que permiten el empleo del piano, teclados y sampler por parte de Alvin Curran; los saxos tenor y soprano de Leimgruber; la guitarra eléctrica de Frith; el empleo del arco, los dedos al pizzicato y los cantos característicos habituales en el discurso de Léandre.

Joelle Leandre 10_Can You Hear Me_Ayler Records_2016Can You Hear Me? (cuyo título es toda una declaración de principios), es una composición que sirve para que el tenteto de músicos (mayoritariamente jóvenes, entendiendo por ello su pertenencia a una generación posterior a la de la contrabajista) Joëlle Léandre 10, trabaje en una obra escrita por Léandre en la que hay espacio para que se vayan aglutinando las distintas músicas que han servido a esta artista para construir su carrera, tanto la música clásica en la que estuvo involucrada en los inicios de su carrera, como la improvisada.

Las tres grabaciones están muy bien, pero… ahora sólo falta que alguien se anime a traerla en directo a España. No sé si es de recibo que en 2015 el único concierto de esta gigante del jazz en España fuese en el Museo Vostell en Cáceres, pero esa es la realidad de la música creativa en directo en nuestro país…

© Pachi Tapiz, 2016

DigisleeveMMM Quartet_Oakland - Lisboa_Rogue Art_2016Joelle Leandre 10_Can You Hear Me_Ayler Records_2016

  • Joëlle LéandreNo Comment (Fou Records, 2016)
  • MMM QuartetOakland / Lisboa (RogueArt, 2016)
    Joëlle Léandre, Fred Frith, Alvin Curran, Urs Leimgruber
  • Joëlle Léandre 10can you hear me? (Ayler Records, 2016)
    Joëlle Léandre, Guillaume Aknine, Florian Satche, Jean-Brice Godet, Théo Ceccaldi, Christiane Bopp, Jean-Luc Capozzo, Séverine Mortin, Alexandra Grimal, Valentin Ceccaldi

Escuchar a Joëlle Léandre y las grabaciones No CommentOakland / Lisboa, y can you hear me? en el podcast HDO:

Escuchar el programa especial en HDO dedicado a la actuación de Jöelle Léandre en el Museo Vostell en Malpartida, Cáceres.




Joëlle Leandre. Forteresse de Salses. 2010-10-16. © Joan Cortès, 2016

HDO 112. Joëlle Léandre: her voice and her music [Podcast] [English]

Joëlle Leandre. Forteresse de Salses. 2010-10-16. © Joan Cortès, 2016

Joëlle Leandre. Forteresse de Salses. 2010-10-16. © Joan Cortès, 2016

The unique voice of Joëlle Léandre makes her one of the most important creative musician in Europe. Pachi Tapiz interviews her in the HDO Tomajazz podcast. In this special release sounds her voice and three of her last recordings: No Comment (bass solo, Fou Records); Oakland / Lisboa (MMM Quartet, Rogue Art); and Can You Hear Me? (Joëlle Léandre 10, Ayler Records).

Text: © Pachi Tapiz, 2016
Photography: © Joan Cortès, 2016

DigisleeveMMM Quartet_Oakland - Lisboa_Rogue Art_2016Joelle Leandre 10_Can You Hear Me_Ayler Records_2016

  • Joëlle LéandreNo Comment (Fou Records, 2016)
  • MMM QuartetOakland / Lisboa (RogueArt, 2016)
    Joëlle Léandre, Fred Frith, Alvin Curran, Urs Leimgruber
  • Joëlle Léandre 10can you hear me? (Ayler Records, 2016)
    Joëlle Léandre, Guillaume Aknine, Florian Satche, Jean-Brice Godet, Théo Ceccaldi, Christiane Bopp, Jean-Luc Capozzo, Séverine Mortin, Alexandra Grimal, Valentin Ceccaldi




Marc Halbheer © Sergio Cabanillas, 2014

Halbheer, Doran, Andersen, por Sergio Cabanillas

Marc Halbheer (batería), Christy Doran (guitarra) y Arild Andersen (contrabajo) han sido testigos de algunos de los momentos más memorables de la historia del jazz europeo, desde la Vienna Art Orchestra hasta el nacimiento y florecimiento del mítico sello ECM. Pudimos tener una agradable charla con ellos en su última (y exitosa) visita a Bogui Jazz en Madrid.

Marc Halbheer, Arild Andersen © Sergio Cabanillas, 2014

Marc Halbheer, Arild Andersen
© Sergio Cabanillas, 2014

Carlos Lara: ¿Cómo empezó este trío?

Marc Halbheer: Pedí a Arild que se incorporara en adelante a mi quinteto mientras buscaba fechas de gira para los cinco, pero solo estábamos disponibles tres de nosotros para esta semana, así que decidimos hacer la gira a trío.

Sergio Cabanillas: ¿Continuará este trío en el futuro como un proyecto independiente?

Marc Halbheer: Bueno, el plan es tocar con el quinteto en otoño, y luego veremos cómo continuará el trío.

Christy Doran: Seguro que hay otros músicos que no estarán disponibles (risas)…

Marc Halbheer: …eso es (risas). La próxima vez que busquemos fechas pasará lo mismo. Siempre es complicado encontrar fechas en las que todos estemos disponibles.

Carlos Lara: ¿En este repertorio son todas composiciones de Marc o todos aportáis temas?

Arild Andersen: No, todos traemos composiciones para esta gira. Creo que tenemos dos o tres temas cada uno. Es un compendio de material de todos nosotros.

Marc Halbheer © Sergio Cabanillas, 2014

Marc Halbheer
© Sergio Cabanillas, 2014

Sergio Cabanillas: ¿Cómo tomaste la decision de crear Textit Music?

Marc Halbheer: Grabé un disco con todos mis amigos de Los Angeles. Era bop de la Costa Oeste, muy directo. No hay ningún sello interesado en sacar este tipo de música, pero yo quería publicarlo, así que creé mi sello, así empezó todo. Hicimos otro disco después. Comencé a escribir mi propia música y editamos el tercero.

Sergio Cabanillas: Parece que la situación del mercado discográfico te indujo a poner en marcha tu sello.

Marc Halbheer: Hoy día, a menos que trabajes con un gran sello como Blue Note o ECM, donde Arild ha grabado muchas veces… los sellos pequeños ya no pueden hacer nada por nosotros, porque no tienen dinero. Tienes que pagarles el diseño…

Sergio Cabanillas: …producción, diseño, incluso la fabricación…

Mark Halbheer: …así que decidí hacerlo yo.

Marc Halbheer © Sergio Cabanillas, 2014

Marc Halbheer
© Sergio Cabanillas, 2014

Enrique Farelo: Christy, en el año 2006 ECM publicó una retrospectiva del grupo OM, del que fuiste integrante, que comprendía desde el año 1976 al 1980: Cerberus (Japo/ECM, 1980) OM with Dom Um Romao (Japo/ECM, 1978), Rautinahaha (Japo/ECM, 1977) y Kirikuki (Japo/ECM, 1976). ¿Participasteis en la selección de los temas de esta retrospectiva los integrantes del grupo -Urs Leimgruber, Bobby Burri, Fredy Studer y tú mismo- o por el contrario fue una decisión unilateral de la compañía?

Christy Doran: No, nosotros pudimos elegir los temas. Cerberus, el último disco, creo que musicalmente era el mejor, así que seleccionamos muchos temas de él.

Enrique Farelo: ¿En qué medida crees que influyó el grupo en otras formaciones como Soft Machine o Wheater Report?

Christy Doran: Creo que fue exactamente al revés. OM estaba influenciado por dos corrientes musicales diferentes del jazz. Siempre tuvimos un saxo, Urs Leimgruber, en el grupo, y él estaba más interesado en el estilo free como Archie Shepp, Albert Ayler… y Coltrane, por supuesto. A mí me interesaba el estilo de McLaughlin, no con la Mahavishnu, más como en Bitches Brew de Miles Davis… y, por supuesto, me gustan los primeros Weather Report con Airto Moreira, Miroslav Vitous… el primer disco. Era más abierto, no tan rockero como cuando, más adelante, Pastorius se unió al grupo. Éstas eran nuestras influencias más profundas.

Christy Doran © Sergio Cabanillas, 2014

Christy Doran
© Sergio Cabanillas, 2014

Enrique Farelo: En el 2008 retomáis la actividad nuevamente con un concierto en el mítico festival suizo de Willisau con los mismos integrantes. ¿Piensas que este disco es continuación de los anteriores o por el contrario es un cambio de filosofía y transformación del cuarteto?

Christy Doran: No habíamos tocado como cuarteto en 25 años. En aquel momento, Urs Leimgruber, el saxofonista, estaba metido de lleno en la música libre improvisada, no hacía nada más. A los demás nos era difícil tocar cualquier otra  cosa con él, así que, o bien parábamos y lo dejábamos o seguíamos por su camino. Es curioso cómo cuando estas cuatro personas nos juntamos suena a OM, aunque sea improvisado. Yo lo siento así. Suena especial, no sé muy bien por qué, pero es así.

Carlos Lara: ¿Te sientes más cercano a Jimi Hendrix o a John Abercrombie?

Christy Doran: Es una pregunta difícil (risas). No tengo una respuesta. No diría que estoy muy influenciado por Abercrombie, mientras que aún toco composiciones de Jimi Hendrix. En noviembre próximo grabaremos un disco nuevo con Erika Stucky, Jamaladeen Tacuma y Fredy Studer. Ya hay dos conciertos contratados, estamos trabajando duro, así que… estoy más cerca de Jimi Hendrix.

Christy Doran © Sergio Cabanillas, 2014

Christy Doran
© Sergio Cabanillas, 2014

Sergio Cabanillas: Escuchando a New Bag, yo diría que sí. Es la primera vez que escucho a alguien haciendo canto armónico en jazz rock, es impactante para mí.

Christy Doran: ¡Sí, pero solo es uno de mis grupos! Bunter Hund, el otro grupo, no suena así. El año pasado salió un disco con Yang Jing, la intérprete china de pipa… y no suena a Jimi Hendrix en absoluto (risas).

Enrique Farelo: Después décadas trabajando bajo el mandato de Manfred Eicher. ¿Cómo ha sido trabajar a su lado?

Arild Andersen: Le conocí muy pronto, al principio de ECM, y nos hicimos buenos amigos, así que llevamos trabajando juntos estos 40 años. No está mal (risas).

Enrique Farelo: ¿Con qué músicos te has sentido musicalmente más identificado de los que forman parte del sello?

Arild Andersen: Todo el mundo ha estado en ECM. Todo empezó con Jan Garbarek, Jon Christensen y Terje Rypdal, ése fue el comienzo de mi época con ECM. A veces toco con Jon Christensen. No veo mucho a Garbarek, y a Terje de vez en cuando. Pat Metheny estuvo allí, Ralph Towner también… es casi una familia.

Sergio Cabanillas: ¿Y Vassilis Tsabropoulos?

Arild Andersen: Hace mucho tiempo que no le veo. Creo que ahora está haciendo más música clásica que jazz. Hace ahora 10 años que tuvimos ese trío. Fue un buen grupo durante dos años, después toqué un par de veces en Atenas. Luego comencé mi trío con con Tommy Smith y Paolo Vinaccia, con el que sigo trabajando. Ha sido mi ocupación principal los últimos 8 años.

Arild Andersen © Sergio Cabanillas, 2014

Arild Andersen
© Sergio Cabanillas, 2014

Carlos Lara: ¿Qué diferencias observas entre componer para cine o teatro o para jazz?

Arild Andersen: No he escrito mucho para teatro, pero sí para un par de películas. Electra, el disco que salió con ECM, se hizo para teatro. Al director le gustaba mucho el jazz, de modo que lo escribí como si fuera para cuarteto o quinteto, pero teníamos un coro griego cantando en griego antiguo. La música debía escribirse de forma que se pudieran oír los diálogos sobre la música. Cuando sacamos el disco, lo mezclé de nuevo para tener trompeta y mucha percusión que, de otro modo, habría estorbado a la voz, que debía sobresalir. En general, cuando compongo, necesito saber quién va a tocar esa música, no escribo por escribir, siempre es para un proyecto concreto y sé quién la va a interpretar. Después, escribo lo mínimo imprescindible para que capten la idea, y se toca según su estilo, utilizando mis esbozos para hacerlos sonar lo más cercano posible a ellos mismos.

Sergio Cabanillas: ¿De modo que escribes para músicos, no por la música en sí misma?

Arild Andersen: Sí, pienso en los músicos cuando escribo. Después, esos mismos temas se pueden usar en distintas formaciones, así que he elegido algunas de mis composiciones para traerlas a este trío. Sé que se pueden utilizar en general, pero cuando me siento a escribir, me gusta saber quién va a tocarlo. Creo que esa es la principal diferencia entre escribir para jazz y hacerlo para cine o teatro.

Enrique Farelo: ¿Qué importancia concedes al folk de tu país en tus composiciones?

Arild Andersen: Empecé a escucharlo con atención a finales de los ’80 y recibí un encargo para combinar música improvisada y folk. Si captas la simplicidad de la música folk de Noruega en tus propias composiciones y la empleas como una herramienta sobre la que improvisar, creo que eso da mucha fuerza a la música.

Arild Andersen © Sergio Cabanillas, 2014

Arild Andersen
© Sergio Cabanillas, 2014

Sergio Cabanillas: Parece una herramienta potente, ¿no?

Arild Andersen: Sí, la simplicidad y creer en los músicos que la van a interpretar, su fuerza y su personalidad, hace que destaque. Eso es lo más importante para mí.

Sergio Cabanillas: Te vi tocar en el Bull’s Head en 2010 con John Etheridge y John Marshall. Hay un CD de esa formación llamado In House. ¿Sigue funcionando ese proyecto?

Arild Andersen: Se grabó en el Pizza Express. No hemos tocado en dos años. Etheridge y Marshall son geniales, pero no es un proyecto activo en este momento.

Carlos Lara: Marc, ¿Qué aprendiste de los bateristas del grupo de Frank Zappa, Ralph Humphrey y Ed Man?

Marc Halbheer: Estudié con ellos las relaciones polirrítmicas y cómo funciona de verdad el ritmo. Son los grandes maestros y a mí me interesaba mucho aprender sobre ello. Escuchaba mucho a Frank Zappa cuando era un adolescente.

Texto y fotografías © Sergio Cabanillas, 2014.

Agradecimientos: Carlos Lara, Enrique Farelo y Bogui.

 

 

 

 




Marc Halbheer, Arild Andersen © Sergio Cabanillas, 2014

Halbheer, Doran, Andersen, by Sergio Cabanillas

Marc Halbheer (drums), Christy Doran (guitar) and Arild Andersen (bass) have witnessed some of the most memorable moments of European jazz history, from Vienna Art Orchestra to OM and the birth and blossom of the iconic label ECM. We could have a pleasant chat with them in their last and successful visit to Bogui jazz club in Madrid.


Marc Halbheer, Arild Andersen © Sergio Cabanillas, 2014

Marc Halbheer, Arild Andersen
© Sergio Cabanillas, 2014


CARLOS LARA: How did this trio begin?

MARC HALBHEER: I have a quintet, and I asked Arild to join us for the future while we were checking tour dates for the five of us, but only the three of us were available for this week. So we decided to make this tour as a trio.

Sergio Cabanillas: Shall this trio continue in the future as a different project?

Marc Halbheer: Well, the plan is to play with the quintet in the fall and then we’ll see how the trio will go on.

Christy Doran: Surely other players won’t be available (laughs)…

Marc Halbheer: …exactly (laughs). The next time we’ll check the dates and the same thing will happen. It’s always difficult to find the dates when everybody is free.

Carlos Lara: The set you’re playing are all Marc’s originals or everybody contributes?

Arild Andersen: No, all of us are bringing some music for this tour. I think we have two or three songs each. It’s a blend of material from all of us.


Marc Halbheer © Sergio Cabanillas, 2014

Marc Halbheer
© Sergio Cabanillas, 2014


Sergio Cabanillas: How did you come to the decision of creating Textit Music?

Marc Halbheer: I recorded a CD with all friends from Los Angeles in 2009. It was really straight ahead West Coast bop style. No record label is really interested in putting out this kind of music, but I wanted this recording to be released, so I just created my label, that’s how it started. Then we did another CD, and then I started writing my own music and published the third CD.

Sergio Cabanillas: It looks like the record market situation invited you to start your label.

Marc Halbheer: Today, unless you work with really a big label like Blue Note or ECM Records, where Arild has recorded many times… small labels can’t really do anything for you anymore, because they have no money. You have to pay them to do the artwork…

Sergio Cabanillas: You have to pay for production, artwork, even manufacturing the CDs…

Mark Halbheer: …so I decided to do it by myself.

Marc Halbheer © Sergio Cabanillas, 2014

Marc Halbheer
© Sergio Cabanillas, 2014

Enrique Farelo: There was an ECM Records compilation about Om in 2006. Did the members of the band make the song selection or was it ECM’s choice?

Christy Doran: No, we were able to choose the tunes. Cerberus, the last record, musically I think it was the best, so it was clear that a lot of music from there was chosen.

Enrique Farelo:  Do you think that OM became an influence for other bands like Soft Machine or Weather Report?

Christy Doran: No, I think it was the other way around. OM was influenced a lot by two different musical jazz directions. We always had a saxophone, Urs Leimgruber, in the band, and he was more interested in the free jazz kind of style like Archie Shepp, Albert Ayler… and Coltrane, of course. I was more interested in the McLaughlin stuff, not the Mahavishnu but more like Miles Davis’ Bitches Brew… and of course I like the first Weather Report with Airto Moreira, Miroslav Vitous… the first album. That was kind of open, it wasn’t so ‘rockish’ like later on, when Pastorius joined the band. We were heavily influenced by that.

Christy Doran © Sergio Cabanillas, 2014

Christy Doran
© Sergio Cabanillas, 2014

Enrique Farelo: In 2009 you get back together in the show at Willisau Festival and you recorded that for Intakt Records. Do you think it was the next natural step or a complete change in the philosophy and a transformation of the band?

Christy Doran: We didn’t play together as a quartet for twenty five years. In that time, Urs Leimgruber, the saxophone player, went totally into free improvised music, he does nothing else. We others found it hard to play something else with him, so at that time we had to either stop, give it up or go a little bit his way. It’s funny how when these four people get together it sounds like OM, even if it’s improvised, that’s my feeling. It has a special sound, I don’t know why exactly, but it’s just like that.

Carlos Lara: Do you feel closer to Jimi Hendrix or John Abercrombie?

Christy Doran: It’s a tough question (laughs), I have no answer to that. I wouldn’t say that I’m very much influenced by Abercrombie, whereas I still play compositions by Jimi Hendrix. We’re going to record with Erika Stucky, Jamaladeen Tacuma and Fredy Studer a new CD next November. There are two gigs already booked, we’re working hard, so… Jimi Hendrix is still closer.


Christy Doran © Sergio Cabanillas, 2014

Christy Doran
© Sergio Cabanillas, 2014

Sergio Cabanillas: Listening to New Bag, I would clearly say so. It’s the first time I’ve heard someone throat singing in jazz rock, it’s shocking to me!

Christy Doran: Yes, but that’s only one group of mine! Bunter Hund, the other band, doesn’t sound like that. Last year came out a CD with Yang Jing (No.9, Leo Records, 2013), the Chinese pipa player… and it doesn’t sound like Hendrix at all (laughs).

Enrique Farelo: After so many decades working for ECM, what’s your experience with Manfred Eicher?

Arild Andersen: I met him very early in ECM, when it started, and we became good friends, so we’ve just been working together all these forty years now. It’s been going OK (laughs).

Enrique Farelo: What ECM musicians do you feel musically closer to?

Arild Andersen: Everybody has been on ECM. It all started with Jan Garbarek, Jon Christensen and Terje Rypdal, that was the start of my time with ECM. I still play some times with Jon Christensen. I don’t see Garbarek too much, and Terje now and then. Pat Metheny was there, Ralph Towner was there… it’s almost like a family.

Sergio Cabanillas: How about Vassilis Tsabropoulos?

Arild Andersen: I haven’t seen him in a long time; I think he’s doing more classical music than jazz these days. It’s about ten years since we had that trio now. That was a nice trio for a couple of years. I played a couple of gigs in Athens after that. Then I started my trio with Tommy Smith and Paolo Vinaccia which I’m working with now. That has been my main issue the last eight years.


Arild Andersen © Sergio Cabanillas, 2014

Arild Andersen
© Sergio Cabanillas, 2014


Carlos Lara: How do you approach composing for theater or performance? What’s the difference with jazz in that process?

Arild Andersen: I didn’t write much for theater, I wrote for a couple of films. The one that came out on ECM called Electra (ECM, 2005); that was made for theater. The director was very much into jazz, and I wrote it as for a jazz quartet or quintet, but we had a Greek choir singing in old Greek. The music had to be distributed sound wise so you could hear the talking on top of the music. When the records came out, I remixed it to have trumpet and a lot of percussion added which otherwise would have gone in the way of the human voice, so they could come out more. In general, when I compose, I have to know who is going to play it, I don’t compose music just to compose music. It’s for a special project and I know who is going to play it. Then I write as little as possible, and I hope they pick up the idea. They will play it in their style and they will use the sketches I make and make them sound as close as possible to themselves.

Sergio Cabanillas: So you write for musicians, not for the music itself?

Arild Andersen: Yes, I think of musicians when I write some music. Afterwards, those same songs can be used in different sets, so I took some of my compositions and brought them to this trio. I know they can be used in general, but when I sit down and write, I like to know who is going to play it. That’s the main difference, I think, in writing for jazz or theater or film.

Enrique Farelo: How important is it Norwegian folk music in your compositions?

Arild Andersen: I started to listen closer to this in the late eighties and I had a commission to put together improvised music and folk music. If you can catch the simplicity of Norwegian folk music in your own compositions and use it as a tool to improvise on, I think that makes the music very strong.


Arild Andersen © Sergio Cabanillas, 2014

Arild Andersen
© Sergio Cabanillas, 2014


Sergio Cabanillas: It’s a powerful tool, isn’t it?

Arild Andersen: Yes. The simplicity and believing in the musicians who will play it, their strength and their personality, it brings it forward. That’s the most important thing for me.

Sergio Cabanillas: I saw you play at the Bull’s Head in 2010 with John Etheridge and John Marshall. There was a CD of that trio called In House. Is that project still going on?

Arild Andersen: It was recorded live at Pizza Express. We didn’t play in two years; Etheridge and Marshall are cool, but it’s not an active working trio.

Carlos Lara: What did you learn from the Zappa band drummers Ralph Humphrey and Ed Man?

Marc Halbheer: I studied with them the polyrhythmic relations and how rhythm really works. They were the grand masters of these and I was really interested in learning about it. I listened a lot to Frank Zappa when I was a teenager.

Text and photographs © Sergio Cabanillas, 2014.

Acknowledgements: Carlos Lara, Enrique Farelo and Bogui.

 

 

 

 




Varios autores: 13 Miniatures for Albert Ayler (Rogue Art, 2012)

13 miniatures for albert ayler
13 Miniatures for Albert Ayler es la grabación del homenaje en espíritu a Albert Ayler que tuvo lugar en la parisina Fondation Cartier en diciembre de 2011. En el CD no aparece ninguno de sus himnos. Salvo los textos declamados por Jacqueline Caux y Steve Dalachinsky, el resto fueron improvisaciones en homenaje al músico fallecido en extrañas circunstancias en noviembre del año 1970. Músicos como Evan Parker, Michel Portal, Joe McPhee, John Tchicai, Barre Phillips, Ramón López, Joëlle Léandre, Urs Leingruber y Jean-Luc Capozzo (entre otros, ya que en total participaron dieciocho artistas), rindieron homenaje de una de las mejores formas que uno pudiera imaginar a uno de los músicos fundamentales del free jazz. La celebración tomó forma de formaciones entre los solos (por parte de Evan Parker, Ramón López y Joe McPhee en la emocionante improvisación que cierra la grabación) y el quinteto (el formado por los saxofonistas Raphael Imbert, Urs Leimgruber, Joe McPhee, Evan Parker y John Tchicai). En cada una de esas doce formaciones, integradas por distintos músicos ya que no había un grupo o grupos base, la música tomó distintos derroteros. Libre en todos los casos, los músicos caminaron por la senda del free jazz en unas ocasiones, mientras que en otras transitaron por los terrenos de la libre improvisación. El resultado final es un gran homenaje a ese gigante del saxo que fue Albert Ayler.

© Pachi Tapiz, 2012

13 Miniatures for Albert Ayler ****

Jean-Jacques Avenel (contrabajo), Jacqueline Caux (voz), Jean-Luc Cappozzo (trompeta, fliscorno), Steve Dalachinsky (voz), Simon Goubert (batería), Raphael Imbert (saxofones), Sylvain Kassap (clarinete), Joëlle Léandre (contrabajo, voz), Urs Leimgruber (saxo soprano), Didier Levallet (contrabajo), Ramón López (batería), Joe McPhee (saxo tenor y fliscorno), Evan Parker (saxofones), Barre Phillips (contrabajo), Michel Portal (clarinete bajo), Lucía Recio (voz), Christian Rollet (batería), John Tchicai (saxo alto)

1.- Jacqueline Caux. 2.- Raphael Imbert, Urs Leimgruber, Joe McPhee, Evan Parker, John Tchicai. 3.- Jean-Luc Cappozzo, Sylvain Kassap, Christian Rollet. 4.- Steve Dalachinsky, Joëlle Léandre, Barre Phillips. 5.- Ramón López. 6.- Ramón López, Barre Phillips, Michel Portal. 7.- Jean-Jacques Avenel, Simon Goubert, Joe McPhee. 8.- Jean-Luc Capozzo, Joe McPhee. 9.- Evan Parker. 10.- Joëlle Léandre, Urs Leimgruber, John Tchicai. 11.- Simon Goubert, Raphael Imbert, Sylvain Kassap, Didier Levallet. 12.- Joëlle Léandre, Urs Leimgruber, Lucia Recio. 13.- Joe McPhee
Toda la música improvisada. Textos por Jacqueline Caux (1) y Steve Dalachinsky (4).

Grabado en Fondation Cartier, Paris, Francia, el 2 de diciembre de 2010. Publicado por Rogue Art en 2012. ROG-0040 www.roguart.com




6IX: almost even further (Leo Records, 2012)

6IX-almost even furtherCasi algo más allá: Intensidad, Lisura, Ruido, Escucha, Separacción, Heterodoxia, Dependencia, Brusquedad, Suavidad, Aleatoriedad, Susurro, Diálogo, Silencio, Grito, Amplitud, Rugosidad, Causalidad, Independencia, Música, Concreción, Acción, Silencio, Estrechura, Orden, Sonido, Unión, Ortodoxia, Caos, Melodía.

© Pachi Tapiz, 2012

6IX: almost even further  *****

Jacques Demierre (piano), Okkyung Lee (chelo), Thomas Lehn (sintetizador analógico), Urs Leimgruber (saxofón), Dorothea Schürch (voz y sierra), Roger Turner (percusión)

“Almost Even Further“, “As Now“, “Faintly White“, “Gorse Blossom”
Música por Jacques Demierre, Okkyung Lee, Thomas Lehn, Urs Leimgruber, Dorothea Schürch, Roger Turner


Grabado el 23 de junio de 2011 en Radio-Studio DRS, Zurich, Suiza. Publicado por Leo Records en 2012. CD LR 644 http://www.leorecords.com




MMM Quartet: Live at the Metz’ Arsenal (Leo Records, 2012)

mmmquartet_liveatthemetzarsenal_gaMMM Quartet, un grupo cuyo nombre a la vez que no significa nada puede significar muchas cosas distintas, es una formación en la que participan cuatro pesos pesados en esto de la improvisación: el saxofonista Urs Leimgruber, el compositor y especialista en el uso de la electrónica Alvin Curran, junto a los enormes Fred Frith (guitarra) y Joëlle Léandre (contrabajo). Live at the Metz’ Arsenal son apenas 50 minutos de música grabados en concierto. Dividido en dos partes, la primera se lleva el 90% de la duración del CD, mientras que la segunda se puede entender como ese bis que debe ser el colofón a toda buena actuación, aunque en esta ocasión los aplausos no aparecen hasta la parte final. La del MMM Quartet es una improvisación libre multi-idiomática en la que a momentos de una aparente libertad total en la que los músicos van lanzando sus ideas a la vez que sus compañeros (cuando estos deciden no permanecer en silencio) y que sirven para establecer diálogos muy interesantes, siguen otros en los que se establecen ritmos muy marcados y todo gira en torno a ello. Alvin Curran es la luz intermintente a la que Frith, Leimgruber y Léandre van siguiendo en la primera parte. Para ello aporta sus sonidos y trabaja con el piano en muy distintos estilos, limitándose por momentos únicamente a las 88 teclas, centrándose en otros en su interior. Estas aportaciones ejercen de atractores que sirven para que la música de sus compañeros converja hacia una cierta realidad. Los siete minutos que dura la pieza final no son suficientes para que Curran aparezca y desaparezca como en la primera. Está presente desde el principio, y tanto Leimgruber, como Frith y Léandre lo siguen desde el principio, mostrando los derroteros por los que irá el discurso del grupo desde su mismo inicio.

© Pachi Tapiz, 2012

MMM Quartet: Live at the Metz’ Arsenal

MMM Quartet: Joëlle Léandre (contrabajo), Fred Frith (guitarra), Alvin Curran (electrónica y piano), Urs Leimgruber (saxos tenor y soprano)

“Part One” 45:15, “Part Two” 6:55
Composiciones por Joëlle Léandre, Fred Frith, Alvin Curran, Urs Leimgruber

Grabado el 20 de noviembre de 2009 en directo en Arsenal, Metz, Francia. Publicado en 2012 por Leo Records. CD LR 631 www.leorecords.com