Especial 25 Discos de Jazz: una guía esencial (2005)

Louis Armstrong Hot Fives And SevensEn Tomajazz recuperamos 25 Discos de Jazz: una guía esencial que Jorge López de Guereñu, Nacho Fuentes y Agustín Pérez Gasco, bajo la dirección de Fernando Ortiz de Urbina realizaron en 2005. El resultado, en cinco partes, fue una recopilación de CD de jazz básicos en cualquier colección, que siguen estando de plena actualidad.
El especial está estructurado de la siguiente manera:

Se desarrolló cronológicamente estructurado en cuatro partes:




Oliver Lake Organ Quartet: What I Heard (Passin’ Thru Records, 2014)

Oliver Lake Organ Quartet_What I HeardTercer disco (segundo con trompeta) del Oliver Lake Organ Quartet, formación que tiene como eje central la especial sonoridad del órgano b3 en una formación de jazz. Oliver Lake al saxo alto y flauta, Jared Gold al órgano Hanmond B3, Freddie Hendrix a la trompeta y Chris Beck a la batería forman el cuarteto que presenta el disco que nos ocupa: What I Heard (Passin’ Thru Records, 2014)

Oliver Lake, miembro fundador del mítico World Saxophone Quartet junto a David Murray, Julius Hemphill y Hamiet Bluiett, confecciona este nuevo trabajo con nueve composiciones de su autoría. Leo en una entrevista* muy reciente que algunas de las melodías de What I Heard estaban compuestas originalmente para acompañar poesía recitada. Precisamente, conviene añadir que aparte de ser músico, Lake también es poeta. (En la misma entrevista Lake comenta que tiene escritos dos libros de poemas). Y es que hay cierta conexión ante ambas formas de arte. Además, si sumamos la pintura que aparece en la portada, podríamos hablar del CD como un elemento polifacético.

Como decía en el inicio, las composiciones de What I Heard tienen como eje central la sonoridad del órgano Hammond B3 de Jared Gold. El trabajo del organista es excepcional durante todo el disco. Hay mucha personalidad en su manera de enfocar las frases y en su manera de afrontar y de llevar buena parte del peso del disco. Su labor en el cuarteto es la de dotar a todo el conjunto de un fuerte lazo de unión. La de aunar toda la música que desprenden, envolverla en su irresistible groove y crear profundidad. No es casual la inclusión de su instrumento en el nombre del grupo. Freddie Hendrix es una grata sorpresa. Junto con el jefe, realiza un trabajo magnífico como soplador. Hay conversaciones. Hay improvisación bien melódica en ocasiones, pero hay, como no podía ser de otra manera tratándose de un proyecto de Lake, grandes momentos cercanos al free jazz pero siempre dentro del concepto del disco. Oliver Lake, como leyenda viva, ejerce de tal. No pierde ni un ápice de su fuerza. De su inmensa capacidad de liderazgo y de motivación. Su manera de atacar el instrumento ofrece autoridad y rotundidad. Hay un aspecto que influye muchísimo en el acabado del disco. Desprende felicidad, se nota que el disco está creado en un ambiente de mutuo aprecio. La intensidad se convierte en diversión frenética. Las incendiarias improvisaciones empujan y emocionan. Finalmente, el baterista Chris Beck dota del ritmo necesario para que toda la maquinaria funcione como es debido. Hay funk en sus baquetas. Su enfoque es preciso. Y aunque casi no realiza intervenciones como solista, su intervención completa es contundente y viva.

En definitiva, Oliver Lake sigue explorando las posibilidades de su Organ Quartet (o Trío) y nuevamente presenta un proyecto excelente. Nueve temas que dan al oyente cincuenta y tres minutos de vida. Puedes sentarte, cerrar los ojos y que la música te posea. Pero también puedes mover tu cuerpo y convulsionarlo según creas conveniente.

© Jesús Mateu Rosselló, 2015

Oliver Lake Organ Quartet: What I Heard

Músicos: Oliver Lake (saxo alto y flauta) Freddie Hendrix (trompeta) Jared Gold (órgano b3) y Chris Beck (batería)

Composiciones: “6&3”, “What I Heard”, “Palma”, “Cyan”, “Root”, “Human Voice”, “Lucky One”, “Etc” y “Thank You”.
Todos los temas compuestos por Oliver Lake

Editado por Passin’ Thru Records

 

 

*Enlace Entrevista: http://revive-music.com/2014/11/20/exclusive-interview-oliver-lake-heard/




Tarbaby with special guests Oliver Lake & Marc Ducret: Fanon (RogueArt, 2013)

Tarbaby_Fanon_Rogue Art_2014Mi imaginación, guiada por la música, ha creado diferentes estados de ánimo, diferentes paisajes descritos con crudeza, con violencia… incluso he percibido destellos de terror… todo ello en diferentes escenarios… he creado incluso escaleras en las que era difícil poder llegar a la cima. Una vez en la cumbre, la satisfacción. Así mismo he transitado por caminos bien marcados, siguiendo la lógica y el sentido para poco a poco ir saliendo y viajar campo a través durante un espacio de tiempo concreto, sintiendo la libertad, sintiendo el aire fresco en la cara. Cuando ha sido conveniente he vuelto al camino imaginado para llegar al final y concluir. Y es que Fanon es un disco que estimula los sentidos, hay que involucrarse para poder percibir y sentir lo que desprende.

El trío compuesto por Orrin Evans al piano, Eric Revis al contrabajo y Nasheet Waits a la batería amplía su formación con dos colaboraciones especiales para la grabación de este trabajo, el gran Oliver Lake al saxo alto (efectivamente, uno de los fundadores del World Saxophone Quartet junto a David Murray, Julius Hemphill y Hamiet Bluiet) y Marc Ducret a la guitarra. Conforman de esta manera este quinteto ocasional y graban este disco para el sello RogueArt publicado en el año 2013 (aunque grabado en 2011)

Hay que mencionar que el título y el concepto del trabajo, está basado en la figura de Frantz Fanon. Revolucionario, psiquiatra, filósofo y escritor cuya obra fue de gran influencia en los movimientos y pensadores revolucionarios de los años 60 y 70 del siglo XX. En el libreto se menciona el libro “Los Condenados De La Tierra” escrito por Fanon que “fue un libro clave para Ernesto Che Guevara, para los Blacks Panters y, en general, para todos cuantos intentaban derrocar a un gobierno por la fuerza de las armas (o bien eran solidarios con ellos). Pero también fue una lectura fundamental para la Internacional de Resistencia a la Guerra y para multitud de grupos no violentos, conscientes de que era un libro fundamental sobre lo que llama la violencia espontánea”*. Pero quiero aclarar que para esta reseña, hice las escuchas del disco sin conocer esta información por lo que las sensaciones del mismo van por otros cauces. Basándome únicamente en la música. Aunque me parece muy enriquecedor enfocar próximas escuchas aplicando la nueva información.

Los músicos realizan un trabajo minucioso y preciso. Y es que estamos hablando de un quinteto de lujo en el que además, nadie quiere destacar por encima de los otros, no hay demostraciones inconmensurables de técnica (que la tienen) pero ojo, hay un trabajo excepcional de cada uno de los músicos, tal vez se podría destacar al baterista Nasheet Waits, que está a un nivelazo en todo el disco haciendo un trabajo llenísimo de matices y siempre buscando diferentes sonoridades. Y por qué no, Oliver Lake, como grandísimo del saxo, está también en estado de gracia. Pero lo dicho, me parece que todos están a un nivel espléndido. Y es que te pones a mirar las discografías de los cinco músicos y te quedas con la boca abierta, absolutamente todos han formado parte de grandes conjuntos. Y en este trabajo no bajan para nada su nivel y conforman esta selección de once temas, y dentro de estos encontramos muy buenas composiciones (las autorías de las cuales están muy repartidas) y excelentes improvisaciones. Y como se puede imaginar, estas rompen los esquemas de lo ortodoxo y como decía anteriormente, te guían y transportan, y te hacen partícipe si estás dispuesto. Sencillamente un disco excelente.

Como dato curioso, el sello RogueArt utiliza el mismo diseño de portada para todas sus publicaciones. Como pueden observar en la carátula, es un diseño muy simple pero muy elegante. Y la verdad es que es un contraste curioso ya que los discos que van publicando son muy libres en el aspecto musical. ¿Tal vez se intenta proteger cualquier tipo de prejuicio aunque solo venga desde la vista? No lo sé, lo que está claro es que hay muy buen criterio eligiendo los músicos.

© Jesús Mateu Rosselló, 2014

Tabarby with special guests Oliver Lake & Marc Ducret: Fanon

Orrin Evans (piano) Eric Revis (contrabajo) Nasheet Waits (bateria) Oliver Lake (saxo alto) y Marc Ducret (guitarra)

“Small Pieces… Tiny Pieces” , “Black Skin White Mask” , “Fanon” , “Between Nothingness And Infinity” , “The Re-Created Man” , “Is It Real” , “O My Body” , “Liberation Blues” , “FLN Stomp” , “…Shall We Not Revege?” y “One Destiny”

Grabado por Katsuhiko Naito en Brooklyn Recording Studio and Systems Two Studio (New York, USA) en el mes de Septiembre de 2011.

*Texto extraído de un artículo de Josep Torrell publicado en la página web www.rebelión.org enlace: http://www.rebelion.org/noticia.php?id=118788 en relación al documental: “Frantz Fanon, memoria de asilo” de Abdenour Zahzah y Bachir Ridouh.




Trio 3 + Vijay Iyer: Wiring (Intakt, 2014)

Trio 3_Vijay Iyer Wiring

Grupo busca pianista. Razón: Trio 3

Salvo su estreno en Intakt, Time Being, las cinco grabaciones posteriores en el sello suizo de Trio 3 (Oliver Lake, Reggie Workman y Andrew Cyrille) han sido con el trío más el acompañamiento de pianistas de primer nivel, a saber: Jason Moran, Iréne Schweizer, Geri Allen (por partida doble); el último invitado a ocuparse de las ochenta y ocho teclas es Vijay Iyer.

Al igual que ocurre con sus grabaciones anteriores (salvo el homenaje con Allen a Mary Lou Williams), Wiring es nuevamente obra democrática tanto a nivel instrumental como compositivo. Todos y cada uno de los músicos participantes aportan un tema como mínimo, siendo el más prolífico de los cuatro Vijay Iyer. Este pianista no sólo compone cuatro temas (Reggie Workman aporta dos, Oliver Lake otros tantos; Andrew Cyrille una composición; los cuatro improvisan en un tema; la pieza restante es obra de Curtis Clark), sino que los tres movimientos de “Suite for Trayvon (and Thousand Mores)”, son tres de  las mejores piezas de todo el CD.

Wiring no sólo muestra el resultado de la trayectoria larga y brillante que los músicos de Trio 3 tienen tras de sí (Reggie Workman llegó a tocar con John Coltrane; Andrew Cyrille tiene una carrera en la que ha acompañado a músicos como Cecil Taylor o Anthony Braxton; detrás de Oliver Lake hay grupos como el World Saxophone Quartet), sino que constata que este grupo es una realidad musical ajena a estilos ya que por encima de los envoltorios formales que definen las composiciones, está la libertad de su desarrollo. Trio 3 está en un momento de forma excepcional. Vijay Iyer se imbrica perfectamente con sus tres compañeros. Juntos realizan una labor magnífica de escucha, apoyo e interacción, con momentos tan brillantes como “Tribute to Bu”. Esta pieza a la vez que cierra Wiring, sirve como una invitación a volver a escuchar el CD de nuevo comenzando por “The Prowl” de Iyer (infecciosa demostración de poderío por parte del cuarteto), y continuando con el resto de temas.

© Pachi Tapiz, 2014

Trio 3 + Vijay Iyer: Wiring (Intakt, 2014)




Ben Goldberg: Unfold Ordinary Mind (BAG Production Records, 2013)

Ben Goldberg_Unfold_Ordinary_Mind_med

Unfold Ordinary Mind, cuarta grabación publicada por el clarinetista Ben Goldberg en su sello BAG Production Records, presenta una formación inusual con nombres muy interesantes. Al suyo se unen los del saxofonista tenor Ellery Eskelin, el guitarrista Nels Cline (que gracias a ser miembro de Wilco está llegando a un público más allá del jazz), y Ches Smith que se está convirtiendo en un baterista imprescindible. El quinto participante en esta grabación es el también saxofonista tenor Rob Sudduth.

Ben Goldberg es el autor de las siete composiciones, que en más de un momento traen a la memoria la música del World Saxophone Quartet y la de su integrante, el gran Julius Hemphill. Sin embargo, y a pesar del buen trabajo compositivo del clarinetista, estas no son lo más destacable de la grabación. Lo más interesante es la fantástica forma en que se encuentran los cinco músicos participantes en esta obra, y entre ellos especialmente Nels Cline. No es por ello extraño que los temas más extensos (“Elliptical”, “Paralelogram”, “Stemwinder”) sean los más logrados, con unos solos y unos duetos memorables. Entre las piezas más cortas, “I Miss The SLA” con su aroma ayleriano y un magnífico solo de Ches Smith, es otro de los puntos álgidos del CD.

© Pachi Tapiz, 2013

Ben Goldberg: Unfold Ordinary Mind (BAG Production Records, 2013) ****




Tomajazz recomienda… un grupo: World Saxophone Quartet

World Saxophone Quartet: Complete Remastered Recordings On Black Saint & Blue Note

World Saxophone Quartet: Complete Remastered Recordings On Black Saint & Blue Note

El World Saxophone Quartet es uno de los mejores cuartetos de saxos de la historia del jazz. Formado en 1976 por Hamiet Bluiett, Julius Hemphill, Oliver Lake y David Murray, todavía sigue en activo tras algún cambio en su formación y la incorporación de músicos invitados. Aunque sus cuatro integrantes tienen unas importantes carreras individuales en las que han participado en proyectos más libres, uno de los factores que destaca en el grupo por encima de los solos (magníficos, por cierto), son los arreglos. Sin el ánimo -ni el valor- de destacar una obra en particular, los 6 CD incluidos en la caja que recopila sus grabaciones en el sello italiano Black Saint (Steppin’ With the World Saxophone Quartet, W.S.Q., Revue, Live In Zurich, Live At Brooklyn Academie of Music, Moving Right Along) son un magnífico muestrario de las bondades del grupo en su formación original.

World Saxophone Quartet. The Complete Remastered Recordings On Black Saint & Blue Note. Cam Jazz. BXS 1015




Tomajazz recomienda… Especial 25 Discos de Jazz: una guía esencial

Cuatro especialistas y grandes aficionados desarrollan el especial “25 Discos de Jazz: una guía esencial”. El resultado es una guía fantástica para aproximarse a la respuesta de la pregunta (histórica): “¿Qué es el Jazz?”.

Agustín Pérez, Ignacio Fuentes y Jorge López de Guereñu, coordinados por Fernando Ortiz de Urbina han desarrollado el especial 25 Discos de Jazz: una guía esencial. El resultado es una guía fantástica para aproximarse a la respuesta de la pregunta (histórica): “¿Qué es el Jazz?”.

El especial está estructurado de la siguiente manera:
Presentación: http://www.tomajazz.com/web/?p=626 por Fer Urbina (Fernando Ortiz de Urbina), quien actuó como coordinador de este proyecto.
Se desarrolla cronológicamente estructurado en estas cuatro partes:
1917-1942: http://www.tomajazz.com/web/?p=629 por Eke BBB (Agustín Pérez)
1953-1969: http://www.tomajazz.com/web/?p=23973 por Fer Urbina
1960-1979: http://www.tomajazz.com/web/?p=23981 por Natxo (Ignacio Fuentes)
1980-2000: http://www.tomajazz.com/web/?p=23984 por Jorge LG (Jorge López de Guereñu)

Mucho más sobre jazz en Tomajazz




25 discos de jazz: una guía esencial

 

 

PRESENTACIÓN

Lo que sigue a continuación es una selección de CDs de jazz con grabaciones realizadas entre 1917 y 2000, periodo que hemos dividido en cuatro partes de aproximadamente 20 años. Los discos están agrupados en 25 “esenciales” y 40 “complementarios”, siguiendo un criterio resultante de la combinación de factores que abarcan desde los motivos estrictamente musicales hasta la disponibilidad real en el mercado español, pasando por la calidad de sonido de las reediciones y el equilibrio entre la diversidad y la representatividad en cada periodo.

The following article is a list of CDs containing some of the best jazz recorded in the 20th century. Although we are aware that 65 currently available CDs (25 “essentials” plus other 40) are not enough to summarize the history of recorded jazz, we have tried our best to offer a view as balanced and representative as possible of this music’s first eighty years, or at least a taster of what this diverse and ever-changing music has to offer.

El desarrollo del jazz está estrechamente ligado al de la industria discográfica. La improvisación, como composición espontánea, convierte al jazz en la más efímera de las músicas, y su rápida evolución y difusión en menos de un siglo no habrían sido posibles sin la tecnología de grabación de sonidos: gracias a ella, el músico aprendiz puede escuchar un mismo pasaje cuantas veces sea necesario, independientemente de la distancia espacial o temporal que le separe del intérprete emulado, con una riqueza de matices de timbre y ritmo imposible de reflejar en papel pautado.

En cuanto al formato en sí, hemos limitado esta selección a las ediciones en CD por ser el soporte más extendido, a pesar de que aún sobrevive el LP y los nuevos formatos de compresión de sonido cobran más fuerza cada día que pasa. Respecto a la disponibilidad de las ediciones, aunque hemos incluido únicamente discos en catálogo, hay que señalar que el CD es un formato que se presta especialmente al mercado de segunda mano, que merece la pena investigar.

Dado el carácter retrospectivo de esta selección, es necesario un breve apunte sobre las reediciones. En todos los casos hemos procurado escoger las publicadas por los propietarios de las grabaciones originales o por sellos de reputación contrastada. El motivo es simple: las reediciones “oficiales” casi siempre ofrecen la mejor calidad de sonido, una consideración nada desdeñable, particularmente cuando hablamos de la música de entreguerras.

La decisión del número de discos que contiene esta selección, 25 más 40, se tomó pensando en quienes quieren empezar a introducirse en esta música. Aunque hemos tratado de cuajar una colección representativa, el jazz –o “los jazz”, como clama la mancheta de la revista francesa “Jazzman”– es demasiado diverso y rico para lograrlo con 65 discos (como referencia, en su “Jazz On Record” el reputado Brian Priestley afirma que una colección de 300 volúmenes apenas sería representativa).

Ha de tenerse en cuenta, además, lo que Dan Morgenstern apunta en su “Living With Jazz”: comparado con todo el jazz que se ha tocado, la parte que se ha recogido en grabaciones vendría a ser una gota en el océano. Añádase que de esa gota de jazz grabado, en su mayoría publicado en discos de 78 o 33 RPM, sólo se ha reeditado en CD una mínima parte, y que de esta mínima parte publicada en formato CD, nosotros hemos desestimado el material descatalogado. La conclusión es que en ningún caso debería entenderse esta lista como una historia del jazz grabado, ni mucho menos como una historia del jazz. Viendo el vaso medio lleno, todos los discos aquí incluidos han superado la prueba definitiva para toda obra de arte, el paso del tiempo, y son un ejemplo de lo que puede dar de sí esta música.

Finalmente, como editor de los textos que siguen, aunque no soy responsable de las opiniones expresadas por mis tres colegas, sí lo soy de las erratas que hayan podido colarse. Tras casi medio año de conversaciones y 700 e-mails a cuatro bandas, sólo me queda agradecer a Agustín, Natxo y Jorge su dedicación y generosidad, y a Pachi Tapiz la publicación de esta guía, que sólo busca contribuir a abrir puertas a un universo musical que es fuente inagotable de satisfacciones y sorpresas.

Que aproveche.

Fernando Ortiz de Urbina


DISCOS ESENCIALES

1917-1942 por Agustín Pérez

  • Louis Armstrong: Hot Fives And Sevens (JSP, 4 CDs)
  • Jelly Roll Morton: Birth Of The Hot (RCA/BMG)
  • Bix Beiberdecke: Vol.1, Singin’ The Blues (Columbia/Sony)
  • Coleman Hawkins: King Of The Tenor Sax 1929-1943 (Jazz Legends)
  • Billie Holiday: Lady Day, The Best Of Billie Holiday (Columbia/Sony, 2 CDs)
  • Count Basie: The Best Of Early Basie (Decca/Universal)
  • Duke Ellington: Never No Lament, The Blanton-Webster Band (Bluebird/BMG, 3 CDs)

…más diez complementarios: King OliverBessie SmithArt TatumBennie Goodman

1943-1959 por Fernando Ortiz de Urbina

  • Charlie Parker: The Essential Charlie Parker (Union Square Music, 2 CDs)
  • Thelonious Monk: Genius of Modern Music, vols. 1 y 2 (Blue Note/EMI)
  • Lennie Tristano: Intuition (Capitol/EMI)
  • Art Blakey: A Night In Birdland, vols. 1 y 2 (Blue Note/EMI)
  • Miles Davis: Kind Of Blue (Columbia/Sony)
  • Ornette Coleman: The Shape Of Jazz To Come (Atlantic/WEA)

…más diez complementarios: Dizzy GillespieBud PowellSonny RollinsGeorge Russell

1960-1979 por Ignacio Fuentes

  • Bill Evans: Waltz For Debby / Sunday At The Village Vanguard (Riverside/Fantasy)
  • Eric Dolphy: Out To Lunch (Blue Note/EMI)
  • Albert Ayler: Spiritual Unity (ESP)
  • John Coltrane: A Love Supreme (Impulse/Universal)
  • Herbie Hancock: Head Hunters (Columbia/Sony)
  • Charles Mingus: Changes One / Changes Two (Atlantic/WEA)

…más diez complementarios: Gil EvansOliver NelsonAndrew HillLee Morgan

1980-2000 por Jorge LG

  • David Murray: Ming (Black Saint)
  • Lester Bowie: The Great Pretender (ECM)
  • Keith Jarrett: Standards, vols. 1 y 2 (ECM)
  • Wynton Marsalis: Black Codes (From The Underground) (Columbia/Sony)
  • Steve Coleman: Def Trance Beat (Modalities Of Rhythm) (Novus/BMG)
  • John Zorn’s Masada: Sanhedrin (Unreleased & Alternate Takes 1994-1997) (Tzadik)

…más diez complementarios: Anthony BraxtonDave HollandPaul Motian Bill Frisell


LOS CULPABLES

Agustín Pérez (EKE BBB) es economista, ha contribuido a diversos proyectos discográficos y es el autor de ladiscografía de Tete Montoliu más completa jamás publicada.

Lamenta haber dejado fuera a Bunny Berigan, Eubie Blake, Cab Calloway, James P. Johnson, Jimmie Lunceford, New Orleans Rhythm Kings, Bennie Moten, Pee Wee Russell, Jabbo Smith, Fats Waller y un largo etcétera.

Fernando Ortiz de Urbina (Fer Urbina) es traductor. Escribe sobre música desde 1993 y ha colaborado con El Diario Vasco (San Sebastián), Radio Euskadi (Bilbao), Jazzwise (Londres), La Tempestad (México) y Teoría (Puerto Rico). Actualmente es el corresponsal en Londres de Cuadernos de Jazz y prepara una discografía de Eddie Costa.

Lamenta no haber incluido a Louis Armstrong y los All-Stars en directo, Teddy Charles, el trío de Nat King Cole, más Miles Davis, Jimmy Giuffre, Woody Herman (1945-46), el Modern Jazz Quartet, el quinteto de Max Roach y Clifford Brown, Sarah Vaughan y Ben Webster con Oscar Peterson.

Ignacio Fuentes (Natxo) es abogado. Dirigió y presentó el programa Jazzteiz en Hala-Badi Irratia de Vitoria entre 1996 y 2003, y ha colaborado con la revista literaria La Botica.

Se le quedaron fuera Jimmy Giuffre, Wayne Shorter, Horace Silver, Archie Shepp, Jackie McLean, Roland Kirk, Hank Mobley, Wes Montgomery, Woody Shaw y Dexter Gordon.

Jorge LG (López de Guereñu) es artista y profesor. En los ochenta y noventa colaboró en distintas asociaciones con programas educativos mixtos de música y arte en Estados Unidos, Francia y Gran Bretaña y escribió artículos sobre arte, música y cultura urbana en Ear Magazine, Sound Journal y publicaciones académicas. En la actualidad dirige su escuela de Arte y Diseño en Bilbao.

Músicos que lamenta haber dejado fuera: Don Byron, Don Cherry, Ornette Coleman y Prime Time, Joe Henderson, Greg Osby, Dewey Redman, Mal Waldron con Steve Lacy o Marion Brown, y Cassandra Wilson.

© Tomajazz, 2005

 




1980-2000: recapitulación y fusiones de cara a un nuevo siglo. Especial 25 Discos de Jazz: una Guía Esencial. Por Jorge LG

Introducción

Los últimos veinte años parecen los más tranquilos de la agitada historia del Jazz: su música consiste más en recrear que en innovar. No se da en este periodo un desarrollo formal comparable al que representaron en su día el Swing, el Be Bop o el Free. Al mismo tiempo la revisión del pasado es más accesible y está más abierta a la reinterpretación que nunca, de forma que los músicos indagan nuevas formas de tocar esta música que cuenta ya con una rica tradición de diferentes estilos a renovar o redefinir, a menudo combinándolos entre sí.

El cambio de formato en la música grabada, del LP al CD, ocasiona una avalancha de reediciones que facilitan el acceso a todas las etapas previas de una música que ya va a cumplir su primer siglo, lo que a veces parece pesar como una losa a los músicos aparecidos en esta época postmoderna donde innovar parece tan difícil.

A la vez, los clubs dejan paso a los festivales, el contacto entre los músicos en aquellos se convierte en el contacto en asociaciones, muchas descendientes de las formadas en los sesenta (AACM, BAG), o universidades, e incluso instituciones (Lincoln Center), aunque algunos clubs sobreviven… a duras penas.

Los músicos surgidos en los 80 parecen dividirse en dos campos, el de los conservadores y el de los que mantienen viva la llama del Free, pero los años van pasando, y los dos estilos, que en realidad ni eran los únicos en la escena, ni estuvieron claramente separados, se van mezclando, entrecruzando y enriqueciéndose con otras aportaciones que vienen o de los músicos de épocas anteriores todavía en activo, o de otros campos como las músicas étnicas, el Hip Hop, la música improvisada europea, la nueva música electrónica… conformando al final del siglo un panorama tan diversificado y amplio que es imposible separar en estilos, pero en el que aún así se aprecian grandes figuras para afrontar el nuevo siglo en ciernes.

Jorge LG


Discos esenciales

David Murray: Ming
Black Saint 120045
Grabado en julio de 1980
Publicado en 1980
Personal: David Murray (saxo tenor y clarinete bajo), Henry Threadgill (saxo alto), Lawrence Butch Morris(corneta y dirección), Olu Dara (trompeta), George Lewis (trombón), Anthony Davis (piano), Wilber Morris(contrabajo), Steve McCall (batería).

Formaciones como el octeto de Murray o el septeto de Henry Threadgill combinan los arreglos inspirados en la música de Mingus y la AACM de Chicago con el lenguaje solista del Free y los esquemas armónicos más clásicos de las composiciones de Murray. Éste reúne aquí a los principales actores de lo que se desarrolló en los lofts de Nueva York en los setenta, en una formación de mediano tamaño que suena como una pequeña Big Band, haciendo una música más accesible y madura pero sin perder la energía del entorno en el que nació esta nueva especie demainstream en la vanguardia. La música de los lofts se vuelve más reposada, pero no menos interesante.


 

Lester Bowie: The Great Pretender
ECM 829369
Grabado en junio de 1981
Publicado en 1981
Personal: Lester Bowie (trompeta), Donald Smith (piano y órgano), Fred Williams (bajo eléctrico y contrabajo),Philip Wilson (batería), Hamiet Bluiett (saxo barítono), Fontella Bass y David Peaston (voces).

Dos versiones llenas de buen humor de dos standards casi olvidados, un tema épico dando título al disco con dos vocalistas extraordinarios, un contundente “Rios Negroes” con solo ejemplar y coda espectacular del líder –el trompetista más divertido de estos tiempos– y, como colofón, el eco de un fantasma presente en el estudio: la inspiración, en forma de homenaje al vanguardista más arraigado en la música popular, Albert Ayler. Un disco perfecto de uno de los miembros del gran grupo Art Ensemble Of Chicago, cualquiera de cuyos discos podría estar también en la lista de esenciales de esta década, la pasada… o la siguiente. De lo mejor de la AACM, aún muy activa en los ochenta.


 

Keith Jarrett: Standards, vols. 1 y 2
ECM 1255 y 1289 (Universal 811966 y 825015)
Grabados en enero de 1983
Publicados en 1983
Personal: Keith Jarrett (piano), Gary Peacock (contrabajo), Jack DeJohnette (batería).

El trío de piano redefinido a partir del esquema diseñado por Bill Evans, con el minimalismo íntimo de éste extrañamente entrelazado con el romanticismo exacerbado de Jarrett y su afición a las formas folk y a las de la música clásica europea. Estos dos discos inician la historia de un trío que actuará a lo largo de más de veinte años sin síntoma ninguno de agotamiento, como demuestran sus abundantes grabaciones en directo, todas ellas también soberbias. La unidad entre estos tres artistas era perfecta desde el principio, en el que ya se dan esos trances mágicos capaces de reconvertir “God Bless The Child” en un hipnótico himno gospel-folk, ejemplo de los muchos momentos mágicos que irán creando en su obra futura.


 

Wynton Marsalis: Black Codes (From The Underground)
Columbia/Sony CK 40009
Grabado en enero de 1985
Publicado en 1985
Personal: Wynton Marsalis (trompeta), Branford Marsalis (saxos tenor y soprano), Kenny Kirkland (piano),Charnett Moffett (contrabajo), Jeff Tain Watts (batería).

El disco clásico del Neo-Bop: en apariencia su música es muy similar a la del Miles de los sesenta, pero no es una vuelta atrás sin motivo. Éste es un grupo de primeros grandes músicos muy influyentes para las siguientes generaciones, formadas en las décadas del revisionismo de todo un pasado rico en modelos e inspiración. Marsalis y su quinteto combinan el jazz modal de Miles y el Hard Bop cargado del ritmo de la Nueva Orleáns del líder, con los temas sociales e históricos de su comunidad como leitmotiv –a la manera de Max Roach o Archie Shepp veinte años antes– en un disco que suena actual y diferente.


 

Steve Coleman: Def Trance Beat (Modalities Of Rhythm)
Novus-RCA/BMG 63181
Grabado en junio de 1994
Publicado en 1994
Personal: Steve Coleman (saxo alto), Andy Milne (piano y teclados), Reggie Washington y Matthew Garrison(bajo eléctrico), Gene Lake (batería), Ravi Coltrane y Craig Handy (saxos tenores), Michael Wimberly, Jalal Sharriff, Kwe Yao Agyapan y Ronnie Roc (percusión).

Ocho temas que realmente representan lo que busca el colectivo M-Base capitaneado por Coleman: estudios de las modalidades del ritmo –objeto principal de su música– más dos adaptaciones de standards del Be-Boptransformados según este nuevo estilo (“Salt Peanuts” y “Confirmation”), todo ello excelentemente dirigido por el alto ácido e impactante de uno de los grandes solistas y pensadores de las dos últimas décadas. El núcleo duro de sus Five Elements más dos invitados de lujo y varios percusionistas enfatizando en algunos temas ese carácter hipnótico de la música de Coleman que suena siempre tan próxima al Funk, el Hip Hop y a África. Un nuevo tipo de combo… y de ritmo.


John Zorn’s Masada: Sanhedrin (Unreleased & Alternate Takes 1994-1997)
Tzadik 2CD 7346-2 (2 CDs)
Grabado entre 1994 y 1997
Publicado en 2005
Personal: John Zorn (saxo alto), Dave Douglas (trompeta), Greg Cohen (contrabajo), Joey Baron (batería).

En los setenta investigó la relación entre la improvisación y la composición con sus game pieces. En los ochenta creó bandas sonoras ficticias y enloquecidas (“Spillane”) y homenajes inusuales (“News For Lulu”). Al final de esa década dirigió un grupo de jazz tocando hardcore (“Naked City”) y, en los noventa, su propia versión del cuarteto acústico de Ornette tocando música judía: Masada, una fórmula sencilla que en realidad era la disculpa para plasmar éstas y otras obras maestras aquí y en cualquiera de los otros diez volúmenes grabados en estudio o en directo por este líder hiperactivo del downtown de Nueva York, con su grupo más “jazz”. Cualquier excusa es buena para hacer gran música, ésa es la lección de Zorn.


… y 10 complementarios

World Saxophone Quartet: Plays Duke Ellington
Elektra-Nonesuch/WEA 79137
Grabado en abril de 1986
Publicado en 1986 y 1992
Personal: Oliver Lake y Julius Hemphill (saxos altos), David Murray (saxo tenor),Hamiet Bluiett (saxo barítono).
El cuarteto de saxofones que creará escuela, alternando el concepto “de cámara” con la energía de sus cuatro increíbles solistas. Un póker de ases con solos demoledores sobre la música de Ellington llevada por nuevos caminos, perfecta introducción a uno de los grupos más imitados e influyentes de los ochenta. Un disco apabullante.

 


 

Anthony Braxton: Five Compositions (Quartet)
Black Saint 120106
Grabado en julio de 1986
Publicado en 1993
Personal: Anthony Braxton (flauta, clarinete y saxos soprano, alto y tenor), David Rosenboom (piano), Mark Dresser (contrabajo), Gerry Hemingway (batería y percusión).
El cuarteto clásico de Braxton en los ochenta, con Rosenboom sustituyendo a Marilyn Crispell, en este disco arquetípico de su música en ese periodo, uno de los más fértiles del otro gran pensador, fundador y músico de la AACM. Música muy intelectual, pero nada fría, y entroncada con la historia del jazz en una forma poco reconocible, pero muy lógica, que desembocaría después en sorprendentes homenajes. Un genio.

 


 

Dave Holland Quintet: The Razor’s Edge
ECM 1353 (Universal 833048)
Grabado en febrero de 1987
Publicado en 1990 y 2000
Personal: Kenny Wheeler (corneta, trompeta y fliscorno), Robin Eubanks(trombón), Steve Coleman (saxo alto), Dave Holland (contrabajo), Marvin Smitty Smith (batería y percusión).
El primer gran quinteto de un gran músico que comienza a definir con discreción una música nueva y personal abriendo su propia vía para el futuro. La combinación de influencias recibidas a lo largo una carrera apasionante fructifica en una obra llena de solidez y personalidad. Sus grupos más pequeños, su segundo quinteto, y su reciente big band son igual de interesantes que sus múltiples colaboraciones.

 


Paul Motian: On Broadway, Vols. 1 Y 2
Winter & Winter (reedición de originales JMT) 919029 y 919038
Grabados en noviembre de 1988 y septiembre de 1989
Publicados en 2003 y 2004 (reediciones)
Personal: Joe Lovano (saxo tenor), Bill Frisell (guitarra eléctrica), Charlie Haden (contrabajo), Paul Motian(batería).
Standards de los 30 y los 40, temas de Coltrane, Bill Evans, Rollins y Jim Hall, Lester Young… cuatro músicos increíbles paseándose por la historia de las baladas. Música preciosa, íntima y atemporal, de una belleza que jamás cae en lo empalagoso. Dos grabaciones magistrales, al igual que lo son los discos sobre Monk, sobre Bill Evans y todos y cada uno de los grabados, en estudio o en directo, por este trío.

 


The Muhal Richard Abrams Orchestra: Blu Blu Blu
Black Saint 120117
Grabado en noviembre de 1990
Publicado en 1991
Personal: Joel Brandon (silbidos), Jack Walrath (trompeta), Mark Taylor (trompa),Alfred Patterson (trombón), Joseph Dailey (tuba), Robert DeBellis, Eugene GE,Patience Higgins y John Purcell (flautas, clarinetes, saxos), David Fiuczynski(guitarra eléctrica), Muhal Richard Abrams (piano), Lindsey Horner y Brad Jones(contrabajo), Warren Smith (vibráfono y timbales), Thurman Baker (batería).
El Blues como base para renovar el lenguaje de las big bands y de la AACM por su propio líder. Su lema, “Ancient For The Future”, cobra aquí todo su sentido, en una música que recoge toda la tradición y se apoya en ella para impulsarse hacia adelante. Great Black Music hecha por una great big band.

Bill Frisell: Have A Little Faith
Elektra-Nonesuch/WEA 79301
Grabado en marzo de 1992
Publicado en 1992
Personal: Bill Frisell (guitarras), Don Byron (clarinete y clarinete bajo), Guy Klucevsek (acordeón), Kermitt Driscoll (bajo eléctrico y contrabajo), Joey Baron(batería).
Charles Ives, Dylan, Madonna, Muddy Waters, Sousa, Sonny Rollins, Copland y Stephen Foster como repertorio de una nueva América, ecléctica, la de las múltiples influencias que convergen en Frisell, que a su vez sobrepasará el ámbito del jazz. Música distinta e inesperada agrupada en suites en un manifiesto brutal. Otros nos han acostumbrado a repertorios ajenos al jazz, pero entonces hacía falta valor.

 


Tim Berne: Diminutive Mysteries (Mostly Hemphill)
Winter & Winter (reedición de original JMT) 919060
Grabado en septiembre de 1992
Publicado en 2004 (reedición)
Personal: Tim Berne (saxos alto y barítono), David Sanborn (saxos alto y soprano),Herb Robertson (corneta, trompeta y fliscorno), Marc Ducret (guitarras), Hank Roberts (cello), Mark Dresser (contrabajo), Joey Baron (batería).
El futuro del Downtown (Berne) mira al pasado de los lofts (la música de su maestro, Hemphill) para seguir adelante por un camino posible para el jazz del futuro, donde la energía urbana de esta música llena de vida es primordial. Unos intérpretes inspirados, entre ellos un sorprendente David Sanborn fuera de su contexto habitual, que convierten el sonido del movimiento de Nueva York en música. Y de la grande.

 


Steve Lacy Quartet: Revenue
Soul Note 121234
Grabado en febrero de 1993
Publicado en 1995
Personal: Steve Lacy (saxo soprano), Steve Potts (saxo alto), Jean-Jacques Avenel(contrabajo), John Betsch (batería).
La influyente música del músico norteamericano más presente en el Viejo Mundo en estas dos décadas. Aquí no toca temas de Monk, ni es éste uno de sus asombrosos dúos con Mal Waldron, pero su música con este cuarteto o su sexteto –cuando se suman su mujer, Irene Aebi, y el pianista Bobby Few– es igual de importante y preciosa. Uno de los muchos maestros siempre actuales, de una música que no envejece.

 

 


Henry Threadgill: Carry The Day
Columbia/Sony CK 66995
Grabado en 1994
Publicado en 1995
Personal: Henry Threadgill (flauta y saxo alto), Marc Taylor (trompa), Wu Man(pipa), Tony Cedras (acordeón), Jason Hwang (violín), Masujaa y Brandon Ross(guitarras), Edwin Rodríguez y Marcus Rojas (tubas), Gene Lake (batería), Miguel Urbina y Johnny Rudas (percusión y voces), Mossa Bildner (voz).
Desde el trío Air o su falso sexteto –en realidad un septeto– de los ochenta, a esta formación con tubas, guitarras, acordeón, y violín, Threadgill continúa su investigación de extraños e hipnóticos arreglos para las instrumentaciones más inusuales. Un sonido muy contemporáneo, sofisticado y, paradójicamente y en gran parte debido al sonido áspero del saxo alto del líder, muy enraizado en el Blues.

 


 

Uri Caine: Urlicht/Primal Light
Winter & Winter 910004
Grabado en junio de 1996
Publicado en 1997
Personal: Dave Douglas (trompeta), Josh Roseman (trombón), Don Byron(clarinete), Dave Binney (saxo alto), Danny Blume (guitarra), Mark Feldman(violín), Larry Gold (cello), Uri Caine (piano), Michael Formanek (contrabajo), Joey Baron (batería), Aaron Bensoussan (percusión y palmas), Arto Lindsay (voz), DJ Olive (platos).
Muchos experimentos mezclando el jazz y la música clásica han salido mal, pero no en este caso. En vez de volver a intentar la “tercera corriente”, Caine añade el sentido del humor como tercer ingrediente fundamental, y los fantásticos músicos convocados consiguen que el experimento de interpretar Mahler de forma tan original sea un éxito. Irreverente, divertido y ecléctico, signos de su tiempo.

©Jorge LG, Tomajazz, 2005