Soft Machine: Live at the Baked Potato (MoonJune Records, 2020) [Grabación de jazz]

Por Enrique Farelo.

Grabado en directo en The Baked Potato, el 1 de febrero de 2020 durante la gira mundial del 50 aniversario de Soft Machine, doce piezas conforman este álbum en directo de la renacida banda, con una mayoría pertenecientes a su último trabajo Hidden Details (Moonjune Records ‎ 2018), integran una colección de temas en el que incluían además “Out-Bloody-Intro”  y “Out-Bloody-Rageous, Part 1”(ambos originales de Third 1970) “Sideburn”, (British Tour ’75) “Hazard Profile, Part 1” y “The Man Who Waved At Trains” (ambos originalmente en Bundles 1975) “Kings And Queens”, (tema original del álbum Fourth 1971) y “The Tale Of Taliesin” (tema original del álbum Softs 1976).

En cuanto a la formación del grupo, resulta difícil definir donde empieza Soft Machine Legacy  o donde lo hace Soft Machine: John Etheridge, Theo Travis, Roy Babbington y John Marshall son sus miembros integrantes y lo fueron igualmente en Soft Machine Legacy en Live Adventures 2010 y en Burden Of Proof 2013.

De la nada y a modo de obertura aparece el Fender Rhodes electric piano en “Out-Bloody-Intro” de Theo Travis, con un sonido cristalino y minimalista que da paso a “Out-Bloody-Rageous, Part 1” donde nuevamente, pero esta vez al saxo soprano, Theo Travis conduce el cuarteto. El concierto continua con “Sideburn”, una pieza aparecida en el disco British Tour del 1975 que sirve de lucimiento a John Marshall con un solo de batería que desemboca en la enérgica e inteligente “Hazard Profile, Part 1”por medio de la flamígera guitarra de John Etheridge, (composición de Karl Jenkins para el grupo Nucleus e integrado en el disco We’ll Talk About It Later 1971 bajo el diferente título de “Song For The Bearded Lady”) e incluido por Soft Machine en su trabajo del año 1975, Bundles.

“Kings And Queens” es una declaración de intenciones de marcada belleza Canterbury donde la flauta de Theo Travis nos lleva a rememorar el sonido de Andy Latimer de Camel, y donde “The Tale Of Taliesin” sigue por derroteros similares y cuya voz es protagonizada por la corrosiva y granítica guitarra de John Etheridge.

“Heart Off Guard” es una breve balada donde John Etheridge y Theo Travis dibujan poesía en el aire alcanzando en “Broken Hill” una cálida textura de profundo sentimiento focalizado en la guitarra de John Etheridge.

“Fourteen Hour Dream” es una pieza delicada y elegante protagonizada por la flauta de Theo Travis y cuyo relevo lo toma John Etheridge en otro guiño al rock Canterbury  que tiene su continuidad en  “The Man Who Waved At Trains”.

Los dos últimos cortes “Life On Bridges” y “Hidden Details” son extraídos de álbum Hidden Details (MoonJune Records, 2018); el primero de ellos viene caracterizado por un sonido ácido-progresivo que combina la potencia con el desvanecimiento y el segundo presenta credenciales de fusión, improvisación, rock progresivo e incluso funk bien compactado.

© Enrique Farelo, 2020

Soft Machine: Live At The Baked Potato (MoonJune Records, 2020)

 

John Scofield – Steve Swallow – Bill Stewart: Swallow Tales (ECM Records 2020)




Rubén Reinaldo – Kely García Guitarra Jazz Dúo: Acuarel (Free Code Jazz Records, 2020) [Grabación de jazz]

Por Carlos Lara y Enrique Farelo.

Una recomendación personal antes de entrar en materia. Este disco conviene escucharlo entero más de una vez para poder empaparse en toda su amplitud de los matices y tonalidades que atesora. Los ocho temas que lo componen requieren de una escucha atenta para no perderse los itinerarios y vericuetos sonoros de estos dos guitarristas que han unido su talento y esfuerzo en Acuarel. Con Rubén Reinaldo y Kely García también se cumple aquello de que en música uno más uno suma tres. Dos músicos y un resultado elaborado con delicadeza y virtuosismo.

El formato de dos guitarristas en jazz no suele ser muy habitual hoy en día. Para empezar los músicos deben estar en igualdad de condiciones. Ambos deben ser los protagonistas sin que ninguno de ellos cumpla un papel menor. Por otro lado, también suele ser una apuesta arriesgada, y han asumido un reto que el sello gallego Free Code se ha encargado de materializar. Según los créditos del disco es el primer trabajo discográfico conceptual de un dúo de guitarras publicado en Galicia. Otra de las virtudes de Acuarel, es que la totalidad de los temas son composiciones originales de ambos músicos.

Desde que se inicia con “Manchica” hasta que termina con la pieza “Beiramar Blues” asistimos a un viaje lleno de propuestas que se desarrollan con mucha tranquilidad, donde los músicos entablan diferentes conversaciones llenas de sensibilidad y ricas improvisaciones. Los acordes y las armonías de las dos Gibson son siempre muy expresivos. Las cuerdas suenan muy naturales porque el disco fue grabado con tomas directas, sin remezclas posteriores. Algo muy de agradecer porque se nota que en las ejecuciones de los músicos no hay presión temporal para culminar los temas, que fueron grabados en 6 meses en los que gozaron de libertad total. Los temas son de una limpieza cristalina, los diálogos y fraseos dan tal sensación de serenidad que en seguida nos viene a la cabeza el discurrir del agua por un riachuelo o el de un río al atardecer en verano.

Rubén Reinaldo y Kely García nos dejan una auténtica delicatessen sonora, muy apropiada para estos tiempos en los que nada mejor que alejarse del mundanal ruido que nos rodea.

© Carlos Lara, 2020

No siempre tenemos la posibilidad de encontrarnos cara a cara con lo auténtico. En Acuarel lo hacemos con tanta naturalidad como el fluir del agua en las fuentes, como el correr de ese mismo agua en ríos y mares o como dejar que la lluvia nos empape de frescura espiritual.

Sin perder la perspectiva musical tampoco debemos obviar que Acuarel ha sido publicado en un CD digipack deluxe, que incluye una tarjeta exclusiva con el código de descarga de los diferentes tipos de audio, además de las partituras en formato pdf.

Rubén Reinaldo y Kely García afrontan todo un reto a la manera retro, una idea común que enlaza y ensalza todos los temas del álbum como se hiciera en los años setenta del siglo XX y donde ambos son solistas y ambos son grupo. Sus interactuaciones son un flujo constante de elegancia natural, frescura y espontaneidad donde paradójicamente todo esta milimetrado.

Una obra de caprichosa orfebrería, sencilla y compleja, clásica y moderna, escrita y pensada con el cerebro, tocada con el alma y dirigida al corazón. De quietudes, serenidades y reflexiones poéticas e impresionistas.

Ocho piezas lo componen, ocho capítulos de una obra líquida que echa a andar con “Manchica”, donde un juego de notas se da cita con las gotas de lluvia que danzan en tranquila caída y se elevan en colisión con el suelo formando figuras angulosas y efímeras.

Es en “Dovela Clave” donde Rubén Reinaldo y Kely García caminan unidos de las manos dialogando y abrazando el swing hasta apagar sus ecos; armoniosa danza de sonidos profundos y final elocuente en “Coscovals”.

Aceleraciones, deceleraciones y avances observando lo que en un imaginario lienzo está pintado en “Acuarel”; bossa nova insinuante, chisporroteante y cantábile, aroma de armónica frescura que impregna el aire en “A.M.”. ¿Y en “Naturaleza Par”? Maridaje feliz, dinámico camino por recorrer, armonía para dos de principio a fin.

Si, en “Jacobo” encontramos la mirada interior, la poesía oculta, las reverberaciones y el susurro ágil e intenso del agua imaginaria que desemboca en reflexiva nostalgia.

Casi acaba este viaje del agua (habrá mas capítulos, seguro) con “Beiramar Blues”, el titulo delata y el sonido es sutil y cristalino.

© Enrique Farelo, 2020

Tomajazz. Reseñas por: © Carlos Lara y Enrique Farelo, 2020

Rubén Reinaldo & Kely García Guitarra Jazz Dúo: Acuarel
Músicos: Rubén Reinaldo (guitarra) y Kely García (guitarra).
Composiciones: “Manchica”, “Dovela Clave”, “Coscovals”, “Acuarel”, “A.M.”, “Naturaleza Par”, “Jacobo” y “Beiramar Blues”.
Música compuesta por Rubén Reinaldo, Kely García y Rául Lorenzo (en “Manchica”)
Grabado en directo en los estudios Galicia Música de Vigo
Editado por Free Code Jazz Records 2020




Rudresh Mahanthappa: Hero Trio (Whirlwind Recordings, 2020) [Grabación de jazz]

Por Juan F. Trillo.

El nombre de Rudresh Mahanthappa es, actualmente, sinónimo de jazz de vanguardia, pues este saxofonista de origen indio, aunque nacido en Italia y criado en Boulder, Colorado (USA), lleva años empujando las fronteras musicales del género para ir siempre un poco más allá. Mahanthappa (1971), empezó a tocar el saxo con apenas diez años y entró en la escena jazzística de Nueva York a los veintiséis. Hoy en día, compagina la enseñanza del jazz en la Universidad de Princeton con los escenarios y los estudios de grabación.

Acumula, a estas alturas, quince álbumes como líder de sus propias formaciones y otros tantos en los que ha tocado en bandas ajenas, lo que por sí solo habla con claridad de la intensa actividad musical que ha desarrollado durante su vida profesional. Con un estilo que suele etiquetarse como post-bop, free jazz, o, incluso, electric fusión, Mahanthappa ha experimentado también con la mezcla de sonidos provenientes de la tradición musical india con otros claramente occidentales. Buen ejemplo de ello es su anterior grabación Agrima (2017), que fue recibido por la crítica con excelentes reseñas.

En esta ocasión, en cambio, Hero Trio (2020) supone un homenaje a aquellos músicos que le sirvieron de inspiración en sus comienzos: Charlie Parker, Sonny Rollins, John Coltrane… Para ello se hace acompañar de dos intérpretes tan experimentados como él y con quienes lleva trabajando con regularidad desde hace más de veinte años: Françoise Moutin (bajo) y Rudy Royston (percusión).

A pesar de que Mahanthappa está acostumbrado a formaciones un poco más numerosas, asegura que en esta ocasión quería experimentar con las posibilidades de un grupo reducido casi a su mínima expresión, de tal manera que se potencie el sonido del saxo, como ya hiciesen en su día Sonny Rollins, Lee Konitz y Ornette Coleman. Se trata de una grabación en la que el acercamiento a las obras originales, va acompañada de una considerable dosis de creatividad y aportación propia, como era de esperar de una personalidad tan innovadora como la suya. De hecho, Mahanthappa extiende este reconocimiento musical a nombres que van más allá del jazz, como Stevie Wonder (en “Overjoyed”) y Johnny Cash (en “Ring of Fire”).

Un álbum homenaje, por tanto, pero que no abandona la marca avant-garde por la que se ha hecho conocido entre los aficionados a quienes gusta estar a la última. En estos momentos, Mahanthappa aguarda con impaciencia el momento de volver a los escenarios y al directo, donde espera dar a conocer su más reciente proyecto: “Fly Higher: Charlie Parker at 100”. Su primera actuación post-confinamiento ya está programada para el mes de septiembre en Harper Woods, Michigan (USA). Entre tanto, seguiremos escuchando este excelente Hero Trio.

© Juan F. Trillo, 2020 / https://jantilkut.wordpress.com/https://www.facebook.com/jan.tilkut

Álbum: Hero Trio
Músicos: Rudresh Mahanthappa, saxo alto; François Moutin, bajo acústico; Rudy Royston, percusión.
Fecha de grabación: 24 y 25 de enero. 2020.
Estudios de grabación: Sound Studios, Montclair, NJ. USA.
Producción: Rudresh Mahanthappa, Michael Janish
Sello: Whirlwind Recordings
Publicado el 19 de junio de 2020

 




Kurt Rosenwinkel Trio: Angels Around (Heartcore Records, 2020) [Grabación de jazz]

Por Carlos Lara.

El guitarrista Kurt Rosenwinkel cuenta con una merecida reputación en el orbe jazzístico. A lo largo de su trayectoria, este músico de Filadelfia afincado en Berlín, ha ido puliendo y asentando su personalidad desde que a finales de los años 90 empezó a destacar como uno de los jóvenes leones del jazz estadounidense. Hasta ahora catorce discos firmados con su nombre y una cantidad ingente de colaboraciones avalan su talento como un músico ya consagrado. Además, su especial estilo va acompañado por un gran trabajo como compositor, lo que le ha permitido utilizar muchos registros: desde proyectos más experimentales a otros más rockeros y tradicionales. En sus 24 años en primera línea, Rosenwinkel ha sabido ocupar su espacio y mostrar su rica personalidad, siempre a través de un estilo versátil.

Muchos músicos destacados han contado con su presencia, aunque para quien suscribe destaca sobremanera su contribución en la Paul Motian’s Electric Bebop Band, un grupo en el que se conjugaban elementos de experimentalismo con aportes clásicos. Dominador de la guitarra libre, los efectos y pedales, de los cuales hace un amplio uso en constantes investigaciones sonoras.

Angels Around, su último trabajo, reactualiza cinco temas compuestos por históricos del jazz junto con con dos temas propios. Le acompañan el bajista Dario Deidda, con gran nivel, y el batería Gregory Hutchinson, que demuestra mucha pegada y precisión en cada pieza. En los cortes prima en general el fraseo melódico y un gran trabajo armónico de los tres músicos.

Se inaugura el álbum con “Ugly Beauty” de comienzo reposado y apacible con Rosenwinkel punteando la melodía del tema de Monk. El trío navega por aguas tranquilas en una pieza con gran desarrollo. Buena ejecución de un trio muy bien conjuntado. Se respira tranquilidad y sosiego en este tema.

“Ease it”, del histórico contrabajista Paul Chambers, tiene un tempo más intenso. Entra rápido en el camino de la improvisación con punteos agudos y precisos. “Self Portrait in Three Colors”, es una pieza de Charles Mingus, apacible, casi balanceante y placentera que nos sirve de sedante. En “Simple #2,” el propio guitarrista navega por varios campos más rockeros con ciertos toques de blues, enfatizados por el buen hacer del batería Hutchinson. El gran saxofonista Joe Henderson, en cuyo grupo participó Rosenwinkel, está presente con “Punjab”, donde brilla el swing en general y las aportaciones de Deidda. “Time Remembered” de Bill Evans aparece en una versión con mayor energía que la original, pero aun así conlleva un punto melancólico. A golpe de bajo de Deidda se abre “Angels Around”, donde los efectos tonales de la guitarra de Rosenwinkel caracterizan una pieza con máxima energía. El batería mantiene el tono general del disco con sus ritmos y florituras.

El álbum contiene un regalo en forma de bonus track con el tema “Passarim” del músico brasileño Antonio Carlos Jobim, un tema relajado que supone un buen broche a un disco que deja muy buen sabor de boca tras su escucha.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2020

Kurt Rosenwinkel Trio: Angels Around
Músicos: Kurt Rosenwinkel (guitarra), Dario Deidda (bajo eléctrico) y Greg Hutchinson (batería).
Composiciones: “Ugly Beauty”, “Ease it”, “Self Portrait in Three Colors”, “Simple #2”, “Punjab”, “Time Remembered”, “Angels Around” y “Pasarim (bonus track)”.
Música compuesta por Kurt Rosenwinkel (Simple #2) y Dario Deidda (Angels Around). Resto de temas a cargo de Thelonius Monk, Paul Chambers, Charles Mingus, Joe Henderson y Bill Evans.

Editado por Heartcore Records 2020




Freddy Cole In Memoriam

George W. Harris: What’s the biggest difference between singers from your generation as compared to today?
Freddy Cole: There’s a big difference, but it’s difficult to explain what people hear. I’ll just leave it like it is and hope they sound good! (laughs)

Freddy Cole (1931 – 2020)

Entrevista a Freddy Cole por George W. Harris en Jazz Weekly: https://www.jazzweekly.com/2019/07/freddy-cole-and-100-years-of-nat/

Fotografía de Freddy Cole en Jamboree (Barcelona), tomada el 6 de agosto de 2014. © Joan Cortès, 2020




Life Goes On, de Carla Bley Trio. Cuando menos es más (ECM, 2020) [Grabación]

Por Juan F. Trillo.

Y la vida sigue, sin detenerse, no importa lo que suceda. Supongo que es una de esas lecciones que se aprenden con la experiencia. Y experiencia es algo de lo que Carla Bley no anda escasa, a sus ochenta y un años y tras prácticamente toda una vida en los escenarios, detrás del teclado de su piano.

La californiana Bley comenzó tocando en piano-bares y componiendo a principios de los sesenta del siglo pasado y a lo largo de estas seis décadas – ¡se dice pronto! – ha pasado por concepciones jazzísticas muy diferentes. En esta ocasión, la compositora presenta un álbum lleno de temas que destilan esa calma que proporciona la seguridad en lo que uno hace. Las influencias de músicos como Monk o Coltrane, están a la vista, pero tal vez sean incluso más evidentes otras más clásicas y minimalistas, como Eric Satie. Acompañan a Bley, Andy Sheppard al saxo y Steve Swallow al bajo, con quienes lleva tocando más de veinte años y juntos interpretan tres suites, en las que, a la manera clásica, desarrollan tres propuestas diferentes.

La larga relación entre quienes componen este trío liderado por Bley, se traduce en una casi perfecta compenetración a la hora de establecer diálogos interpretativos, como sucede en el caso de la tercera de las suites mencionadas, “Copycat”. En ella, Bley, Sheppard y Swallow se responden unos a otros, creando suaves simetrías melódicas.

En la segunda de las suites, “Beautiful Thelephones”, estructurada a su vez en tres partes, Bley introduce referencias musicales a los teléfonos que reposan sobre el escritorio del Despacho Oval, así como a piezas y tonadas “patrióticas” norteamericanas. Se trata de apenas algunos acordes, sin llegar a constituir medleys, pero que sin duda los oyentes estadounidenses identificarán sin demasiados problemas, y atraparán con mayor seguridad las ácidas referencias a la política de Donald Trump.

Y con respecto a la primera de estas suites, la he dejado para el final, porque si hubiese que elegir, yo me decantaría por la melancolía de las cuatro piezas que componen el tema inicial, que son también las que le dan título al disco: “Life Goes On” (“…On”, “…And On”). Una buena declaración de principios, para este cuarto álbum del trío, lleno de música en las antípodas de cualquier estridencia y que invita a la calma reflexiva.

Texto: © Juan F. Trillo, 2020 / https://jantilkut.wordpress.com/https://www.facebook.com/jan.tilkut

Fotografías © Caterina di Perri.

Carla Bley Trio: Life Goes On
Carla Bley: Piano y composición
Andy Sheppard: Saxo
Steve Swallow: Bajo
Productor: Manfred Eicher
Sello discográfico: ECM
Auditorio Stelio Molo Studio, Lugano.
Fecha de grabación: Mayo de 2019.
Fecha publicación: Febrero de 2020.

 




John Scofield – Steve Swallow – Bill Stewart: Swallow Tales (ECM Records, 2020)

Por Enrique Farelo.

El disco fue grabado el pasado mes de marzo de 2019 en la ciudad de New York.

John Scofield, Steve Swallow y Bill Stewart forman un trío de poderosas personalidades cuya instrumentación es de sobra conocida por todo aficionado al jazz moderno: guitarra eléctrica, bajo eléctrico y batería.

Pero es John Scofield quien rinde homenaje a su admirado amigo y compositor  Steve Swallow en este Swallow Tales donde la totalidad de temas llevan la firma del bajista.

No resulta ni claro y ni siquiera justo decir que el disco es obra de John Scofield cuando Steve Swallow compone la totalidad de los temas y la participación de Bill Stewart es igualmente decisiva. Para mí Swallow Tales lo firman tres grandes del jazz de hoy día, tres músicos que basamentan su música en el pasado para mirar al futuro.

Nueve piezas forman parte de este proyecto sólido y swingueante salpicado por momentos de feeling jazz de turbadora belleza.

Con “She Was Young” comenzamos a disfrutar del swing y del feeling, de lo intenso y de lo calmado con un John Scofield elegante y preciso que recuerda a George Benson o Wes Montgomery y con un Steve Swallow que toma el relevo con una intervención oscura y apacible al que las escobillas de Bill Stewart parece marcar los pasos a seguir.

En “Falling Grace” al inicio, la voz principal es de John Scofield que interactúa con Steve Swallow en la alternancia de los solos.

De mayor intensidad y pasión se muestra la rápida y moderna “Portsmouth Figurations” donde John Scofield se acerca al rock con un guitarreo de notas alargadas, saltarinas y distorsionadas.

“Awful Coffee” es la canción de mayor duración tras la inicial “She Was Young”. En ella se ofrece un sonido compacto, persuasivo y constante de un trío que fluye y hace fluir la música con soltura y entendimiento absoluto de las partes como si fuera uno.

El siguiente tema, “Eiderdown”, pasa por ser otro de los de mayor extensión. Casi como una continuación de la anterior composición muestra sus mejores cualidades con un desarrollo sonoro que corre paralelo y donde Bill Stewart demuestra sus cualidades con los parches complementándose a la perfección con Scofield y Swallow.

“Hullo Bolinas” se decanta por el be bop clásico con John Scofield y Steve Swallow alternado en sus intervenciones que dan paso a uno de los pasajes de mayor belleza del disco en la relajante “Away”.

No se pierde la perspectiva del swing en “In F” con un sonido controlado y comedido al que asisten las intervenciones de Scofield, Swallow y Stewart; sigue por derroteros parecidos el corte final, “Radio”, aunque algo más intensa.

© Enrique Farelo, 2020

 

John Scofield – Steve Swallow – Bill Stewart: Swallow Tales (ECM Records 2020)




Naoko Sakata: Inner Planets (Footprint Records, 2020) [Grabación]

Por Julián Ruesga Bono.

Footprint Records acaba de publicar un nuevo álbum de la pianista japonesa afincada en Suecia, Naoko Sakata. Después del magnífico Dreaming Tree (Footprint Records, 2016), grabado con su trío, vuelve con este sugestivo y, por momentos, turbador álbum en solitario. Inner Planets muestra la música de Naoko Sakata sola al piano, a través de cinco cortes titulados cada uno “Improvisación” y numerado según el orden en el disco.

Sakata, vuelve a proponernos un nuevo recorrido sonoro, sorprendente y de gran belleza unas veces, áspero y abrupto otras –todo depende del momento y el pasaje por donde transites en los cincuenta y cinco minutos que dura el disco. Este paseo, al que nos conduce con su piano, es una experiencia sonora por fantásticos paisajes, que unas veces son inhóspitos y agrestes y otras majestuosamente armoniosos y equilibrados, de una belleza clásica. Parece que los recorremos en un vagón de montaña rusa, donde pasas de una situación a otra sin pausa, caes en picado para colocarte en horizontal y deslizarte con suavidad de brisa o subes y bajas sin saber que vendrá después o cuando vas a parar. También es un viaje erudito al interior de la música. Su música es muchas músicas, todas juntas, sonando al unísono o sucesivamente. Reconocibles y distintas, evocadoras y diferentes.

Entre el blanco y el negro hay infinitas gradaciones de grises, eso ocurre con la música de Naoko Sakata, percibes toda la gama de gradaciones posibles entre dos emociones opuestas, contrarias, y la experiencia es extraordinaria –no cabe la indiferencia, estás dentro de un oxímoron. Ella hace su trabajo, tu tienes que hacer el tuyo, no vale la escucha pasiva. El resultado vale la pena.

Las cinco improvisaciones que componen el álbum no han sido editadas y están seleccionadas de entre los registros hechos durante varias sesiones de grabación en el estudio Epidemin de Gotemburgo, Suecia, en febrero de 2019. Pior Sjösten hizo la grabación y Naoko Sakata tocó directamente sin composiciones previas en un piano de cola Fazioli.

Tomajazz: © Julián Ruesga Bono, 2020

Naoko Sakata: Inner Planets
Naoko Sakata (piano)
Publicado en 2020 por Footprint Records.




K Quintet: Something Else; donde jazz y danza se fusionan. Por Juan F. Trillo [Entrevista]

Por Juan F. Trillo.

K Quintet, el grupo liderado por la pareja formada por Ksenia Parkhatskaya y David Duffy, lanza su primer disco, Something Else, un primer disco muy prometedor y que es de esperar les haga llegar a una audiencia cada vez más amplia. Parkhatskaya y Duffy ofrecen una música capaz de satisfacer a un amplio espectro de oyentes, compuesta por melodías clásicas que nos retrotraen a mediados del siglo pasado. Por otro lado, el grupo saca partido de toda la tecnología moderna a su disposición para conseguir “un sonido único y definido”, que evoca ese ambiente clásico del que hablábamos antes. Las sesiones de grabación se han realizado en Barcelona, en los estudios Vértigo, y resulta evidente que en ellas han puesto tanta energía como les ha sido posible.

K Quintet se formó en el verano pasado y el hecho de que ya tengan su primer álbum editado indica que van quemando etapas con rapidez, aunque sin duda a ello contribuye el que tanto Parkhatskaya como Duffy cuentan con una larga experiencia profesional. Es preciso mencionar, igualmente, que el grupo ofrece algo más que buena música jazz, algo inusual y que resulta ser una agradable sorpresa: la cantante es una excelente bailarina de danza moderna (profesional de la danza, en realidad) y el vídeo promocional deja constancia de ello. Para su producción Parkhatskaya ha recurrido al fotógrafo Marc Costa, quien ha elaborado una filmación minimalista en la que todo el protagonismo recae sobre las tres bailarinas (Aina Lanas, Marina Pravkina y la propia Parkhatskaya). No necesita más.

En la entrevista de Tomajazz, los líderes del grupo nos hablan sobre su trabajo y sobre su proceso de creación.

Tomajazz: Something Else, es un álbum que evidencia un trabajo meticuloso. Háblanos, por favor, del proceso de grabación.

Ksenia Parkhatskaya: Grabar la parte vocal fue una sorpresa emocionante para mí, porque era la primera vez que trabajaba en un estudio de grabación con músicos profesionales. Sé que para una cantante profesional no es nada especial, pero para mí fue algo muy emocionante, había mucha energía fluyendo y, por supuesto, una cierta presión sobre mí, pero me lo tomé como un juego, como una experiencia maravillosa.

La mayoría de los temas instrumentales fueron compuestos por David y algún otro los compusimos entre David y yo, en los que yo creaba algunos scats, frases y melodías que luego pudiera bailar. Es algo que hago a menudo. Cuando bailo, cuando estoy improvisando o cuando estoy dando clase puedo inventar en el momento líneas, riffs, frases… me encanta crearlas. Es algo que está muy relacionado con mi vida, con mi carrera de bailarina.

Así que, cuando grabábamos las partes instrumentales, era David quien realmente dirigía el proceso. Yo estaba en la cabina de grabación probando a bailar lo que escuchaba, porque en realidad la idea original al grabar este álbum era disponer de música para mis cursos de baile on-line. Una buena parte de mi enseñanza de baile y coreografía es a través de grabaciones de vídeo, pero hoy en día hay muchos problemas para hacerlo así debido a las restricciones de los derechos de autor. Si, por ejemplo, bailas algo con música de Oscar Peterson, van a bloquear tu vídeo en todas partes. Así que, ¿cómo se supone que una bailarina va a tener la oportunidad de crear coreografías?

Por eso me dije que ya era suficiente. Imparto muchas clases on-line de danza swing y de jazz y necesito una música con la cual me identifique, con que me sienta confortable, música que no sea bloqueada cuando la subo a internet. Ese fue el propósito inicial de estas grabaciones. David se ocupó de la composición, de dirigir a los músicos y del proceso de grabación. Yo me preocupaba de si funcionaba a la hora de bailarla y sugería cambios a partir de lo que sentía con mi propio cuerpo. De alguna manera estaba probando cómo respondía mi cuerpo a esta música.

Por supuesto, a los músicos les dimos indicaciones por adelantado, establecimos el ambiente que queríamos crear, les propusimos como referencias la música que habían hecho Ben Webster, Lester Young, Scott Peterson, Red Garland… Una playlist para que se hiciesen una idea de lo que estábamos buscando.

En cuanto a mí, por el momento, la danza es mi principal ocupación, pero mi actitud tanto hacia la danza como hacia la canción es de exploración y de experimentación. Yo diría que soy como una niña, con los ojos muy abiertos, que está descubriendo cosas y quiere probarlo todo.

Tomajazz: Resulta interesante que logre repartir sus energías creativas entre la canción y la danza, con tan buenos resultados en ambas, algo que desde luego no es frecuente. ¿Algún problema al cambiar de una a la otra?

Ksenia Parkhatskaya: Es una pregunta interesante y es cierto que es difícil dedicarse al cien por cien a dos actividades tan distintas como son bailar y cantar. Pero afortunadamente para mí, hago danza jazz y eso hace que no sean en realidad tan diferentes. Es cierto que paso la mayor parte del tiempo bailando, pero para ello tengo que aprenderme las canciones a base de repetirlas una y otra vez. Para coreografiar tengo que conocer a la perfección esas canciones y a menudo termino cantándolas, porque necesito conocer las frases y entender todo el proceso musical, de manera que pueda transformar todo eso en movimiento. Necesito atrapar los ritmos y las melodías y las estructuras y sentirlas con mi cuerpo, por eso cuando estoy bailando, suelo cantar, especialmente cuando estoy improvisando.

Así que, bueno, estoy dedicándome a estas dos actividades, a cantar y a bailar, y aunque todavía no tengo una agenda de conciertos, sí que participo cantando ocasionalmente en alguna jam session o tal vez en un festival de danza swing. A veces incluso combino canción y danza en un mismo tema, podría concluir que ambas disciplinas forman parte de mi vida y de mí misma, que juntas constituyen un todo.

© Nuria Aguade

Tomajazz: El vídeo “Something Else” destaca estéticamente y damos por supuesto que usted ha preparado la coreografía, ¿ha sido así? ¿Cómo fue la filmación?

Ksenia Parkhatskaya: Sí, soy la coreógrafa y es algo de lo que me siento muy orgullosa, me hace sonreír de felicidad, porque, como ya he dicho este es un álbum que grabamos para tener una música propia con la que poder bailar. Sin embargo, hay algo interesante y es que no toda la música que incluye me hace desear bailar simplemente; una parte de ella me estimula a crear coreografías. Y es curioso porque en algunos casos, no soy capaz de ver los movimientos en un primer momento y tengo que escuchar la canción una y otra vez, me lleva algún tiempo crear la acción, por así decirlo. Necesito escuchar repetidamente un tema e imaginar lo que sentía cada músico, meterme en su piel y sentir lo que ellos sentían.

Para este vídeo invité a dos fenomenales bailarinas, Aina Lanas, de Barcelona, que es realmente épica. Es especialista en danza contemporánea y urban dance. Luego está Marina Pravkina, una bailarina de origen ruso que se ha especializado en danza jazz y bebop. Las dos incluyen el jazz en su repertorio y eso hace que el resultado sea tan eficaz, en conjunto, somos tres personalidades muy fuertes sobre un escenario al mismo tiempo, dependiendo unas de otras. Todo el proceso de coreografiado me llevó algún tiempo, porque quería dejar espacio para que cada una de ellas pudiese improvisar un poco. Pero luego todo fue muy rápido y contábamos con el fantástico fotógrafo Marc Costa encargándose de la filmación. También tuvimos que combinar cuidadosamente la iluminación y el cambio de vestuario.

En conjunto, fueron momentos maravillosos, como un movimiento circular en el que la música y la danza se inspiraban mutuamente. Filmamos toda la coreografía en unas ocho horas ininterrumpidas, con casi setenta tomas, un trabajo realmente intenso y muy exigente físicamente. ¡Cuando terminamos, necesitamos dos días para recuperarnos! Es algo muy intenso emocionalmente, porque tienes que darlo todo ante la cámara, así que estoy muy orgullosa de este trabajo.

Quisiera añadir, que, de los temas incluidos en el álbum, la mitad son composiciones propias y la otra mitad arreglos de temas clásicos.

Tomajazz: ¿Cuáles son sus planes para el futuro? ¿Es K-Quintet un proyecto a largo plazo?

Ksenia Parkhatskaya: Puedo decir que el futuro de K Quintet está asegurado al cien por cien y que vamos a seguir creando. Mi intención es formar un dúo estable con mi esposo David y ofrecer actuaciones regularmente, aunque es posible que no siempre haya cinco músicos en el grupo. Los dos estamos enamorados del jazz y el jazz forma parte de nuestras vidas. Hemos querido que la “K” figure en el nombre del grupo, ya que es la inicial de mi propio nombre, y nos gustaría que el sonido de esta letra se asocie de manera inmediata a la música jazz, igual que cuando mencionas la palabra “café”, realmente puedes olerlo. David y yo somos almas creativas, es algo que nos viene espontáneamente y, de hecho, ya estamos trabajando en nuestra próxima grabación, que se publicará en unos dos o tres meses. Será un EP y llevará por nombre Colors. Será un poco diferente de Something Else, porque se alejará del jazz clásico. Los temas estarán compuestos por David y por mí y en él participarán algunos artistas audiovisuales, como animadores y dibujantes 3D. Será un álbum arriesgado, en que experimentaremos con la intención de crear algo nuevo y fresco, algo así como una explosión de colores.

Tomajazz: Háblenos del proceso de composición de los temas de este disco y de las influencias que consideras más relevantes.

David Duffy: Para mí, el proceso de composición es una exploración en la cual me siento al piano y empiezo a buscar, es siempre una búsqueda. Es cierto que en este proyecto había ciertos parámetros que estaban definidos previamente, pues queríamos hacer una música que se ajustase a las necesidades de los bailarines, lo que significa introducir unos tempos determinados. En cuanto al estilo destacaría la música de Oscar Peterson, Ben Webster o Duke Ellington. Todos ellos tienen excelentes secciones rítmicas y es una música de jazz estupenda para ser bailada.

Así que, yo sabía que las melodías y los arreglos tenían que servir para esta función, es decir, para bailar. Esto suponía una limitación considerable, pero me pareció estupendo, porque es algo que ayuda a un compositor, ya que, si tienes todas las opciones disponibles, a veces no sabes muy bien qué escribir.

Al mismo tiempo, he estado preparando una pieza para una película, así que ha sido un período en el que he estado bastante ocupado. Reservamos el estudio de grabación en agosto y en unos diez o doce días tenía listas la mayoría de las melodías. Solo hizo falta llevarlas al estudio y materializarlas con el resto de los músicos.

Tomajazz: A menudo se ha etiquetado la música de K Quintet como “bebop”, pero tal vez se aproxime más hacia el “cool”. ¿Cuál es su opinión?

David Duffy: No sé muy bien de dónde procede esa idea de que nuestra música es bebop o quién lo mencionó por primera vez. Yo no diría que es particularmente bebop y me parece que sí es cierto lo que mencionas, en términos de cool jazz. Ciertamente, buscábamos un sonido suave, especialmente en los que interviene la trompeta y aquí mencionaría a Harry Sweets Edison como referencia musical. Queríamos evitar sonidos estridentes y desgarrados y buscábamos algo más dulce en su lugar; ciertamente no bebop.

Dicho esto, por lo general no le doy mucha importancia a los estilos o géneros, aunque si a la gente le gusta hacerlo, no hay problema. Sin embargo, en cuanto a mí, como he dicho, me siento al piano y escribo melodías con las que disfruto, que me estimulan. Si luego las etiquetan de esta o aquella manera, por mí está bien.

© Miki Barlok

Tomajazz: Los temas vocales interpretados por Ksenia Parkhatskaya se ajustan muy bien a su voz. ¿Tienen pensado desarrollar su carrera como cantante o va a ser algo ocasional?

David Duffy: Estamos decididos a desarrollar su carrera como cantante. Cuando la conocí, su actividad principal era obviamente la danza y pensé que eso era todo, pero luego, en cierto momento, descubrí la voz tan maravillosa que tiene para el jazz y fue una auténtica sorpresa. Es algo que Ksenia lleva dentro y que siempre he querido que hiciésemos juntos, porque nos resulta muy fácil trabajar en equipo. Trabajar con tu pareja es muy agradable y hace que las cosas resulten más fáciles.

En un principio no teníamos pensado colaborar en la composición de los nuevos temas e iba a ser yo quien escribiese una música que se ajustase a los movimientos de la danza. Pero entonces llegó ella y empezó a improvisar a partir de lo que yo iba componiendo, a desarrollar su propia voz y ha sido maravilloso explorar más en esta línea. Es algo que vamos a seguir haciendo en el futuro, sin duda.

Tomajazz: ¿Cómo ve el futuro de K Quintet, a largo plazo?

David Duffy: Realmente tenemos intención de continuar haciendo música. Estamos preparando nuestro segundo álbum, que está casi terminado y que publicaremos hacia octubre, después de sacar algunos sencillos durante el verano. Estamos trabajando en la animación para el vídeo de uno de los temas, que debería estar listo para el mes de junio y, además, hay otra idea bastante importante para una canción llamada “Fear”, que tendrá una gran producción de vídeo. Esperamos poder materializar estos proyectos cuando la cuarentena termine y si todo va bien, estarán listos hacia septiembre u octubre, como he dicho.

Con todo esto en la mente, también miramos hacia la preparación de los directos, de los conciertos, que nos gustaría que fuesen una experiencia audiovisual, algo en lo que ya tengo una cierta experiencia. A medio plazo, nuestra intención es continuar produciendo música en la línea de Something Else, un jazz del tipo straight ahead, porque es algo que nos gusta. Pero, por otro lado, también haremos algo más expansivo, enfocado hacia el pop. Ksenia y yo esperamos seguir creando música juntos durante muchos años.

Texto: © Juan F. Trillo, 2020 / https://jantilkut.wordpress.com/https://www.facebook.com/jan.tilkut
Fotografías promocionales, salvo las indicadas en cada fotografía

Grupo: K Quintet
Título: Something Else.
Fecha de publición: 2020.
Grabado en: Vértigo Studios, Barcelona.
Voces: Ksenia Parkhatskaya.
Músicos: David Duffy, bajo; Gabriel Armagant, saxo tenor, Juna Mar Saque, trompeta, Carlos Sarduy Dimet, trompeta (1, 4, 7), Marc Martín Torrent, piano; Xavi Hinojosa, batería, Jake Klamburg, batería (1, 4, 7).
Bailarinas: Ksenia Parkhatskaya, Aina Lanas y Marina Pravkina.
Cámara y producción: Marc Costa.

 




Juan Vinuesa Quartet: Blue Shots from Chicago (NoBusiness Records, 2019) [Grabación]

Por Carlos Lara.

El saxofonista albaceteño Juan Vinuesa nos ha dejado el resultado de su aventura americana en forma de un gran disco como Blue Shots from Chicago. Lo grabó hace dos años en la capital de Illinois junto a un trio de excelentes músicos de aquellas latitudes, y ha sido editado por un sello de Lituania.

Su nuevo trabajo, cuarto como líder, supone un punto de evolución en la carrera de Juan Vinuesa, por cuanto el conjunto de la obra pone de manifiesto en cada uno de sus temas muchas dosis de espontaneidad y creatividad derivadas de su grabación en directo. Es también digna de resaltar la gran labor que ha hecho Vinuesa en las composiciones.

Acompañado por Josh Berman, Jason Roebke y Mikel Patrick Avery, tres experimentados e innovadores músicos de Chicago, Blue Shots from Chicago, es un disco que, poco a poco, se va dejando saborear, como el trago de un vino, en el que tras un periodo de asimilación vamos diferenciando las partes que lo componen hasta llegar a una conclusion definitoria.

Los ocho temas que componen el disco dejan la sensación de haber escuchado un conjunto de fragmentos sonoros diferenciados que encajan muy bien y que se aprecian como si fueran pequeñas narraciones musicales que dan sentido a un conjunto. De tal manera, que el disco se enriquece aún más. Cada uno de los fragmentos parece tener vida propia y ofrece siempre la posibilidad de expandirse. Un blues con un primer solo de Vinuesa a trío con contrabajo y percusión, con fraseos intensos y precisos, da comienzo a “Ghot Town Studios”. La participación del cornetista es el complemento ideal para Vinuesa. El contrabajo siempre mantiene su protagonismo. Los instrumentos ocupan cada uno su espacio de manera decidida. Hay una gran libertad en la participación de cada músico y equilibrio en el reparto de los tiempos.

Vinuesa demuestra madurez interpretativa llena de expresividad en la balada “Red Line Ballad”, con un cristalino acompañamiento del contrabajo y la batería. Ambos dibujan a la perfección sobre las notas de Vinuesa. Una feliz composición que mezcla sabor añejo con modernidad, y una gran aportación a solo del contrabajista. Buen trabajo con los arreglos y las armonías.

Los fraseos de Vinuesa se desencadenan con mucha creatividad en “The Alibi”, y la corneta se suelta con mucha libertad aportando un colorido que sirve de punto de equilibrio entre los cuatro músicos. Buenos intercambios de solos. El contrabajo ataca acompañado por la batería a dúo. Los metales se unen para crear contrastes fabulosos.

El saxo y la trompeta se montan uno encima del otro en las melodías primeras que se suceden en “La Lola”. Una gran composición de Vinuesa, donde deja ver sus dotes de gran improvisador y dominador de su instrumento. El cornetista sabe sacar los sonidos que quiere de su chistera, tal mago.

Saxo y corneta se van alternando en el desarrollo del tema “Afro Asiatic Beat Poem”. Hay fraseos más melódicos de Vinuesa y de Josh Berman. El contrabajista hace un trabajo grande como hilo conductor de los tres músicos. De nuevo Vinuesa retoma el protagonismo  con batería y contrabajo. Mientras, la corneta reinicia sus aportaciones con mucho sentido de la oportunidad y claridad.

En  “In Paul´s Mirror”, batería y contrabajo comienzan al unísono en una pieza llena de riqueza y expresividad. Un tema tiene más fuerza que los anteriores. Hay diálogos entre los músicos con mucha finura. Otro solo de Vinuesa va evolucionando y contagiando al resto. La corneta aporta una frescura y un perfecto complemento al saxo. Sus solos son contagiosos y llenos de originalidad. Hay que subrayar que la batería siempre aporta su sentido de la oportunidad.

“Luther´s Mood” es un blues a medio gas con otro solo de Vinuesa, que da entrada a modo de balada al resto, hasta que la pieza va evolucionando poco a poco con los metales acompasándose en paralelo. Con decidida intensidad en la batería y los metales al comienzo de “I Borneteater”, Vinuesa recoge el testigo con fraseos llenos de improvisación, que se complementan con acentos de la corneta. La pieza mantiene la dinámica del comienzo con el batería poniendo ganas y el contrabajo marcando su territorio y haciéndose notar. La pieza se encamina al final de manera brillante.

Blue Shots from Chicago es un disco diferente, muy en la onda de los grupos que en estos momentos están destacando en la escena del jazz de Chicago. Contemporáneos y amantes de la vanguardia, pero con ese gen de la tradición que se mantiene en los músicos que se expresan en una de las ciudades que fue cuna de la historia del jazz. Siempre es motivo de alegría que los músicos de jazz españoles tengan una proyección internacional y puedan contrastar su valía con otros de otras latitudes. Y el nuevo trabajo de Juan Vinuesa es una buena muestra de ello.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2020

Juan Vinuesa Quartet: Blue Shots from Chicago

Músicos: Juan Vinuesa (saxo tenor), Josh Berman (corneta), Jason Roebke (contrabajo) y Mikel Patrick Avery (batería y percusión).

Composiciones: “Ghot Town Studios”, “Red Line Ballad”, “The Alibi”, “La Lola”, “Afro Asiatic Beat Poem”, “In Paul´s Mirror”, “Luther´s Mood” y “I Borneteater”.
Todas las composiciones y arreglos de Juan Vinuesa.

Grabado el 30 de mayo de 2018 en Jamdek Recording Studio, Chicago. Editado por NoBusiness Records en 2019. NBCD 122