Razones para el jazz: La modernidad elusiva (Iván Iglesias) [489].

Por Julián Ruesga Bono.

El jazz en España durante la Guerra Civil y el franquismo. Un libro destacado por lo que es y representa: la investigación más exhaustiva y detallada, realizada hasta ahora, sobre un periodo de la historia del jazz en España, de 1936 a 1968, pero también sobresaliente por lo que aporta y supone para la historiografía del jazz en el país. Un trabajo sólo equiparable en magnitud y dimensiones a Del fox-trot al jazz flamenco, de José María García Martínez (Alianza, 1996). Una investigación académica de lectura recomendable para cualquier aficionado al jazz, también para cualquier persona que quiera conocer las vicisitudes y cambiante vida pública de una parte de la música popular en España durante el transcurso de la dictadura franquista.

Tomajazz: Julián Ruesga Bono, 2019

La modernidad elusiva: jazz, baile y política en la Guerra Civil española y el franquismo (1936-1968)
Autor: Iván Iglesias.
Editorial: Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), Madrid.
Año: 2017
Número de páginas: 381
ISBN: 978-84-00-10283-8

https://editorial.csic.es/publicaciones/libros/12920/0/la-modernidad-elusiva-jazz-baile-y-politica-en-la-.html




The Gödel Codex: Oak (Off Records – Moonjune Records. 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Michel Delville y Antoine Guenet parecen mantener un maridaje de fuertes convicciones que se ha ido manifestando a través de diferentes proyectos como The Wrong Object o Machine Mass. En The Gödel Codex su apuesta es por sonidos intimistas y oscuros basados en estructuras de jazz, post-rock, Canterbury o el ambient-minimalista, cuyas influencias van desde Robert Wyatt, Robert Fripp- Brian Eno, David Sylvian e incluso Klaus Schulze.

El proyecto aporta un buen puñado de ideas propias, estructuras ideadas al milímetro y gusto por la elegancia y la belleza underground mostrándose libre y dispuesto a ser descubierto y explorado como un mundo incognito alejado de convencionalismos.

Oak solo se entiende como obra conceptual que raya a gran altura con piezas que brillan con luz propia como la pop-electrónica “Granules”, las Canterbury, “The Needle’s Eye”, “Bells”, “Can It Be” y “One Last Sound”, la frippertronica “Matisse”, la free-jazz “Stand Or Fall” donde destaca el piano de Antoine Guenet y la lejana guitarra de Michel Delville o la ecléctica “Oak Live Reprise” que funde la electrónica-minimalista con el jazz y el Canterbury y que invita al viaje cósmico a lo Klaus Schulze en la pieza final “Lux 4”.

© Enrique Farelo, 2019

The Gödel Codex: Oak

Músicos: Michel Delville (Guitarra, Guitarra Sintetizador, Loops y Electronics y vocales), Antoine Guenet (Teclados, Sintetizador, Piano, Electronics y vocales), Etienne Plumer (Batería, Percusión, Glockenspiel, Trompeta, Electronics, Sampler) y Christophe Bailleau (Electronics, Sampler en 3, 5, 9,10)

Composiciones: “Oak” (Etienne Plumer), “The Needle’s Eye” (Michel Delville), “Granules” (Antoine Guenet, Christophe Bailleau, Etienne Plumer, Michel Delville), “One Last Sound” (Michel Delville), “Matisse” (Antoine Guenet, Christophe Bailleau, Etienne Plumer, Michel Delville), “Stand Or Fall” (Michel Delville), “Bells” (Michel Delville), “Can It Be” (Antoine Guenet), “Oak – Live Reprise” (Etienne Plumer) y “Lux 4” (Christophe Bailleau)

Grabado en Estudios Sacha y en directo en CC Amay.

Publicado en 2019 por Off Records con permiso de Moonjune Records.




Chris Kase Quartet (Bogui Jazz, Madrid. 2019-03-08) [Concierto]

 

Por Carlos Lara y Enrique Farelo.

  • Fecha: 8 de marzo de 2019
  • Lugar: Bogui Jazz. Madrid
  • Grupo:
    Chris Kase Quartet
    Chris Kase: trompeta, fliscorno y EWI
    Marcos Collado: guitarra
    Ander García: contrabajo
    Miguel Benito: batería

Ya hace más de 20 años que Chris Kase llegó a España y decidió instalarse entre nosotros. Su trayectoria musical entonces ya era impresionante. Desde su elección para participar en el Concurso Internacional de Trompeta de Jazz Thelonious Monk, celebrado en Washington, DC en 1997, hasta su paso por la Mingus Big Band, colaboraciones o grabaciones con Adam Nussbaum, Kenny Wheeler, Steve Coleman, Chick Corea, Grant Stewart, Bruce Barth y los españoles Abe Rábade, Perico Sambeat, Iñaki Salvador, Mikel Andueza, Llibert Fortuny, por citar a algunos, son los rasgos que conforman su arquitectura sonora. Cuenta con ocho discos como líder, así como incontables colaboraciones. Su primer disco, editado en Estados Unidos, fue Starting Now (1994). Desde su llegada a España se suceden siete discos, desde Te espero aquí de 1999 hasta el último Let Go de 2018 (Errabal Jazz). Son muchas las formaciones en las que ha participado, y en 2014 creó en Madrid el Chris Kase Quartet.

En 2019 Chris Kase prosigue su trayectoria como uno de los más importantes del jazz español. Son muchas las virtudes que destacan en las grabaciones y actuaciones en directo de Chris Kase: unas buenas composiciones, unos magníficos arreglos y una elección minuciosa de los músicos que le acompañan. No hay duda de que sabe rodearse de músicos talentosos. Por algo es profesor de trompeta de jazz en Musikene, el Conservatorio Superior del País Vasco. Ander García (contrabajo), Marcos Collado (guitarra) y Miguel Benito (batería), constituyen un sólido trío con una contrastada carrera a sus espaldas, que responde perfectamente a las expectativas y deseos del trompetista.

En el Bogui, Chris Kase volvió a mostrar las cualidades que atesora el que sin duda es el mejor trompetista, sin desmerecer al resto de los del panorama nacional. Sin renunciar a los aspectos más característicos del hard bop, el grupo transitó por grandes espacios en los que cada componente gozó de sustanciosos márgenes para expresarse.

El concierto se abrió con la pieza “Teaser” de su último disco Let Go. Inspirado en el clásico “Star Eyes” que popularizó Charlie Parker, comienza con una perfecta introducción llena de sonoridad a cargo de Chris Kase, en donde Marcos Collado acomete su primer solo. Trompeta y guitarra avanzan sin prisas. Un dueto de guitarra y contrabajo da lugar a un elegante solo de Chris Kase.

Como recuerdo a su disco Ode (2008), siguió la pieza “Mediant Motion” interpretada con fliscorno, del que salen sonidos acariciantes a modo de balada. El tema se desarrolla con la elegancia característica en Kase y con un buen acompañamiento rítmico. Con una técnica exquisita, Chris Kase encadena con brillantez sus fraseos que se complementan con los solos de guitarra de Marcos Collado. Enlazando notas al unísono, guitarra y trompeta crean sonidos sugerentes.

En un homenaje al gran guitarrista Ralph Towner, “Out of Towner”, se vuelve a lucir Marcos Collado con un desarrollo intenso con fliscorno. El tema pasa a un acompañamiento potente de batería y contrabajo, con un tremendo solo del guitarrista.

Otra de las piezas, “Roweena”, como la anterior en el disco Let Go, comienza con trompeta con digitaciones monkianas y una gran aportación de Ander García al contrabajo en un largo solo. La trompeta retoma el tema principal y sus improvisaciones van ganando intensidad y una altura cada vez más sólida. Las aportaciones del guitarrista ponen un gran broche a este tema.

“Bookmark” es una pieza sugerente, con un gran reparto de papeles de los cuatro músicos, pero con muchos momentos para el guitarrista. Espléndido tema tocado por Chris Kase con un EWI (electronic wind instrument), y con el guitarrista perfectamente entonado.

El punto final lo puso una versión de “Song for Bilbao” de Pat Metheny, interpretada por Chris Kase de nuevo con el EWI. Un tema de mucha intensidad, en el que el guitarrista vuelve a tomar el protagonismo con un espléndido solo.

Chris Kase toca con honestidad, además de brillantez; su música es reflexiva. Su cadencia y fraseos están llenos de calidez. No necesita realizar florituras para dominar su instrumento. Su discurso transmite siempre mucha belleza. A ello se suma que el cuarteto demuestra en cada momento contar con un sólido ensamblaje de unos músicos que se conocen a fondo y así lo saben transmitir en su actuación.

 

Carlos Lara




El comité [Cuban Groove]: Y que!?, (So What) (Le J´go, 2019) [CD]

Por Julián Ruesga Bono.

El Comité reúne a un grupo de siete músicos cubanos: Harold López-Nussa (Teclados y Piano), Rolando Luna (Teclados y Piano), Carlos Sarduy (fliscorno y Trompeta), Irving Acao (Saxofón Tenor), Gastón Joya (Bajo y Contrabajo), Yaroldy Abreu (percusiones) y Rodney Barreto (Batería). Se puede decir que todos ellos pertenecen a una misma generación, sus edades oscilan entre los treinta y cinco y cuarenta y pocos años y todos cuentan con un considerable recorrido profesional por el mundo de la música y el jazz internacional. Son una parte importante del nuevo y pujante jazz cubano.

En octubre de 2017 tocaron juntos en dos conciertos en la ciudad francesa de Toulouse y ante la experiencia resolvieron que debían continuar y reunirse para grabar. El resultado es éste álbum, Y que!? (So what), grabado en el Studio Elixir de Toulouse durante cuatro intensos días de trabajo en Julio de 2018. Afrobeat, funk, jazz latino, baladas, montuno, bolero, …, el arco estilístico que el grupo abarca en los nueve temas que componen el álbum es amplio y variado. Jazz cubano para todos los gustos, desarrollando una compleja sonoridad con enérgicos y fluidos solos, a la altura del nivel que cabe esperar de la calidad y experiencia de estos excelentes instrumentistas.

La autoría de siete temas, de los nueve que componen el álbum, está repartida entre algunos de los integrantes de la banda. López-Nussa firma dos, igual que Carlos Sarduy, mientras que Gastón Joya, Irving Acao y Rolando Luna firman uno cada uno de ellos. A estos temas hay que añadir el clásico moderno “So what”, de Miles Davis, y “Son a Emiliano”, un homenaje al pianista cubano Emiliano Salvador del también pianista cubano Gabriel Hernández, con arreglos de Rolando Luna. Homenajes al jazz norteamericano y al jazz cubano de la mano de tres antecedentes ilustres: Miles Davis, Emiliano Salvador e Irakere.

En la mayoría de los cortes los músicos desarrollan una música de energía desbordante y contagiosa, rítmicamente intensa, en el ámbito de lo que se espera de la tradición afrocubana de jazz. La base percusiva que aportan Yaroldy Abreu y Rodney Barreto es excelente en todo el álbum. Esta es una música pensada para el directo, para escuchar y disfrutar frente al escenario. Cuando relajan el ímpetu rítmico, la música se hace más calmada, pero no pierde complejidad y emoción. Tampoco intensidad y belleza, por ejemplo deténganse en “La Gitana” y “Nada Más”.

Tomajazz: © Julián Ruesga Bono, 2019

El comité [Cuban Groove]: Y que!?, (So What)

Temas: Gran Vía (Harold López-Nussa), 2. E’Cha (Harold López-Nussa), 3. La Gitana, (Gastón Joya) 4. Transiciones (Rolando Luna), 5. Carlito’s Swing (Carlos Sarduy), 6. Alamar 23 (Carlos Sarduy), 7. Nada Más (Irving Acao), 8. Son a Emiliano (Gabriel Henández) y 9. So What (Miles Davis).

Producción: Phillipe Monsan para Le J´go, 2019.

 

Una muestra:

https://www.youtube.com/watch?v=78Fmt_5oigU




Dayna Stephens Group (Bogui Jazz. 2019-02-27) [Concierto]

  • Fecha: 27 de febrero de 2019.
  • Lugar: Bogui Jazz. Madrid.
  • Grupo:
    Dayna Stephens Group
    Dayna Stephens: saxo tenor, EWI y sintetizador.
    Aaron Parks: piano.
    Ben Street: contrabajo.
    Jeff Ballard: batería.

Acompañado por un trío de auténtico lujo, el saxofonista Dayna Stephens inició su gira europea en el Bogui Jazz de Madrid. A pesar de ser inicio de semana, la sala presentó un lleno a rebosar de aficionados que no quisieron perderse una actuación de jazz de primer nivel. Efectivamente así fue. Jazz con mayúsculas donde hubo oportunidad para disfrutar de un amplio recorrido por los aspectos más cromáticos de esta música.

Si no estoy mal informado se trataba de la primera visita a Madrid de este músico de San Francisco, compositor y arreglista, que ha sabido ganarse el favor de la crítica gracias a sus grabaciones y sus actuaciones en los clubes más afamados del mundo. A su lado, tres grandes músicos que prácticamente no necesitaban presentación para los aficionados. Ya solamente la actuación de Aaron Parks, Ben Street y Jeff Ballard a trío sería como para no perdérsela.

Su nombre se  puede ver en innumerables discos de los mejores músicos de jazz del momento como  Brad Mehldau, Fred Hersch, Ambrose Akinmusire, Tom Harrell, Larry Grenadier, Peter Bernstein o John Scofield, entre otros. Stephens cuenta con ocho discos en el mercado como líder. En 2017 Stephens reunió a Brad Mehldau, Larry Grenadier, y Eric Harland en Gratitude, su último trabajo hasta la fecha.

 Dayna Stephens es un claro continuador de la tradición del bop. Su estilo con el saxo tenor así lo atestigua. Tanto en sus composiciones como en las versiones que interpretó, en su saxofón se aprecian aromas de los mejores músicos de la historia.

Si a ello se le añade la calidad de los músicos que le seguían, la actuación llegó a rondar por momentos un altísimo  nivel. Aaron Parks es un pianista especial dotado de una calidad en sus dedos, que es capaz de aportar como acompañante sin sobresalir  y como solista es de una expresividad apabullante. Ben Street es un joven valor que  también ha alcanzado un alto nivel y una presencia en los grupos que acompaña, y por supuesto, el veterano Jeff Ballard, con sus toques elegantes, sus sutilezas e intensidades, que encandilan, es capaz de encender cualquier escenario.

El concierto guardó un perfecto equilibrio entre los dos pases, aunque en los tres últimos temas fueron un auténtico prodigio, con los cuatro músicos intensos y llenos de improvisaciones, cada cual más bella.

Una actuación llena de calidad, digna del Bogui Jazz, con una sección rítmica brillante y un saxofonista que se mostró como el  auténtico profesional que es: un nombre muy a tener en cuenta.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2019
Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




Stephan Thelen: Fractal Guitar (Moonjune Records, 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

El guitarrista y compositor suizo, miembro del grupo Sonar, Stephan Thelen lanza su primer trabajo Fractal Guitar rodeado de importantes guitarristas eléctricos, entre los que figuran David Torn, Jon Durant o Henry Kaiser y sobre todo Markus Reuter cuya participación es total a lo largo del disco.

Fractal Guitar se impregna de esencia gris hipnótica que se expande creando atmósferas minimalistas, obsesivas y frippertronicas que reposan en paisajes sonoros de oscura quietud.

Sonoridad científica del siglo XXI que converge y diverge en mil posibilidades cromático-cuánticas; enérgica, convulsa e intensa en busca del océano cósmico.

Música escrita en el cielo que se improvisa en las estrellas, que nace de un sueño ingrávido y se desarrolla en los sueños, que propone pero tú dispones, imaginas, vuelas, te inspiras y compones interactuando cuando escuchas.

Ante tanta oscuridad destaca la luz invicta ante un incesante cruce de láminas sónicas tangenciales que rayan el universo con ecos profundos.

Fractal Guitar música transpersonal que altera la conciencia, que busca, indaga y halla.

Viaja entre sus cinco galaxias, (“Briefing for a Descent Into Hell”, “Road Movie”, “Fractal Guitar”, “Radiant Day” y “Urban Nightscape”) visita, disfruta y reposa en cada una de ellas.

 

Tomajazz: © Enrique Farelo, 2019

Stephan Thelen: Fractal Guitar

Composiciones y Músicos:

“Briefing for a Descent Into Hell”
David Torn (guitarra eléctrica y live looping), Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Jon Durant (guitarra eléctrica), Matt Tate (Bajo y guitarra eléctrica), Manuel Pasquinelli (Batería) y Stephan Thelen (guitarra eléctrica fractal).

“Road Movie”
Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Bill Walker (guitarra eléctrica y live looping), Henry Kaiser (guitarra eléctrica), Matt Tate (Bajo y guitarra eléctrica), Manuel Pasquinelli (Batería) y Stephan Thelen (guitarra eléctrica fractal).

“Fractal Guitar”
Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Barry Cleveland (guitarra eléctrica y atmósferas), Matt Tate (Bajo y guitarra eléctrica), Andi Pupato (percusiones), Benno Kaiser (batería) y Stephan Thelen (guitarra fractal, bucles granulares).

“Radiant Day”
Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Barry Cleveland (guitarra eléctrica y atmósferas), Matt Tate (Bajo y guitarra eléctrica), Manuel Pasquinelli (Batería) y Stephan Thelen (guitarra eléctrica fractal).

“Urban Nightscape”
David Torn (guitarra eléctrica y live looping), Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Matt Tate (guitarra tàctil U8, bajo), Benno Kaiser (batería) y Stephan Thelen (guitarra fractal, órgano y muestreo).

Todas los temas compuestos por Stephan Thelen excepto “Briefing for a Descent into Hell” de Stephan Thelen y David Torn (título tomado del libro de Doris Lessing), “Radiant Day” de Stephan Thelen y Markus Reuter, y “Urban Nightscape” de Stephan Thelen, David Torn y Markus Reuter.

Grabado en varios lugares de Europa y América del Norte entre agosto de 2015 y abril de 2018.

Publicado por Moonjune Records en 2019.




Chicuelo – Marco Mezquida: Conexión / Mezquida – Bodilsen – Andersen: Pieris [Grabación]

Por Julián Ruesga Bono.

Marco Mezquida es un músico suficientemente conocido en la escena jazz española como para saltarse su biografía en la presentación de una reseña discográfica. Su talento, aúna sensibilidad y virtuosismo, además de una incuestionable audacia creativa. Así lo ha demostrado en la diversidad de proyectos musicales en los que ha estado involucrado en estos últimos años. Estas cualidades, unidas a su juventud, han favorecido que sea uno de los músicos de jazz más estimado y mejor considerado del país. Inteligencia, sensibilidad, saber hacer y audacia son herramientas imprescindibles, tanto para la música improvisada y el jazz como para enfrentar cualquier aspecto de la vida misma.

Basta escuchar dos de los últimos discos publicados por Mezquida para constatar su innegable talento y maestría: Pieris, –grabado en Copenhague con dos músicos daneses, el bajista Jesper Bodilsen y el baterista Martin Maretti Andersen-, y Conexión, –junto al guitarrista flamenco Juan Gómez “Chicuelo” y el percusionista Paco De Mode-. Dos álbumes que se pueden situar entre lo más relevante y atractivo de lo publicado en el jazz español de estos últimos años y que se disfrutan a la primera escucha. En ambos álbumes los músicos desarrollan una música epidérmica y sensible, de las que te tocan y emocionan y, si te dejas llevar, te hacen planear por parajes sorprendentes.

Sobre todo en Conexión, un álbum alucinante, de música exuberante, que nota a nota, rasgueo a rasgueo, arpegio a arpegio, remueve las bases del jazz-flamenco para situarlo en una dimensión diferente, –alejada del piano cubano que tanto ha marcado los repetidos encuentros entre músicos de flamenco y jazz. Un mérito que no es sólo de Mezquida. Chicuelo y Paco de Mode son las otras partes que suenan con voz propia y hacen posible esta maravilla de tensión sonora y creatividad.

Siempre se escribe sobre la conjunción y buen entendimiento entre jazz y flamenco, pero en este disco se intuye más: todo el recorrido y la experiencia acumulada por el oficio de músico desde la segunda mitad del siglo XIX, en la interacción de la música académica y la música popular. Pocas veces la guitarra y el piano han sonado de una forma tan orgánica y natural, sin fisuras ni alardes virtuosistas. Escúchense, “Al sol”, “A solas”, “Velas”, o “Engaño”. O por ejemplo, “Chicuelina”, el tema que abre el disco. El primer pensamiento al escucharla fue: “Satie flamenco”; pero poco a poco la música fue tomando cuerpo y sonando distinta. Satie va y viene, aparece y desaparece, transmutándose. A veces es piano, otras guitarra y otras un espacio sonoro que envuelve al escucha. En este álbum hay mucho de todo. Ya digo, una música alucinante y exuberante. Toda ella compuesta y arreglada por Marcos Mezquida y Juan Gómez “Chicuelo”. No hay más que dejarse llevar. Más que Conexión, el álbum debería titularse Conjunción.

Pieris se estructura igual, sin llegar a ser lo mismo. La sonoridad cambia. Trío clásico de jazz moderno. Aquí, Mezquida destaca más. Su piano pierde exuberancia en el conjunto para ganar locuacidad y protagonismo, construye unas hermosas melodías y espacios sonoros arropado por el contrabajo y la batería. Delicadeza, sutileza y, a veces, solemnidad en las pulsaciones. Música sorprendente, aún dentro de su elegante clasicismo, donde Mezquida recorre con su piano parajes ya conocidos que escudriña con audacia y soltura, obteniendo unos sugestivos registros. Al álbum le dan forma tres composiciones del contrabajista Jesper Bodilsen y tres de Marcos Mezquida, a las que se agregan tres clásicos, dos de la música latina: “Nostalgias”, de Juan Carlos Cobián y Enrique Cadícamo, y “Piensa en mi”, de Agustín y María Teresa Lara, y otro del jazz: “Peace” de Horace Silver. Resumiendo para finalizar: otro buen momento de música y alegría de vivir.

© Julián Ruesga Bono, 2019

Chicuelo & Marco Mezquida: Conexión Taller de Músics – 2017

Músicos: Juan Gómez “Chicuelo” (guitarra), Marco Mezquida (piano), Paco De Mode (percusión).

Temas: 1. “Chicuelina”, 2. “Al sol”, 3. “A solas”, 4. “Velas”, 5. “Engaño”, 6. “Lenta, andante, trepidante”, 7. “Conexión”.
Música compuesta y arreglada por Marcos Mezquida y Juan Gómez “Chicuelo”.

Marco Mezquida/Jesper Bodilsen/Martin Maretti Andersen: Pieris Stunt – 2018.

Músicos: Marco Mezquida (piano), Jesper Bodilsen (contrabajo), Martin Andersen (batería).

Grabado en el Village Recordings, Copenhagen, July 17, 2017.

Temas: 1. “Hidden Beauty”, 2. “Nostalgias”, 3. “Florencia”, 4. “Joy”, 5. “Piensa en Mi”, 6. “A Special One”, 7. “Min Sommerfugl / La Mia Farfalla”, 8. “Peace”, 9. “Coral de la Flor D´estiu”.




Reunion Big Band: Unexpected Paths (Errabal Jazz, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Reunión Band ha sido desde que se creó en 2010 el punto de encuentro de los músicos que han tenido la suerte de haber pasado por las aulas del Centro Superior de Música del País Vasco (Musikene). Según se señala en el cuadernillo del disco, esta `macrobanda´, “siempre ha sabido mantener la buena música, el buen rollo y la profesionalidad, además de ser un lugar donde compartir un espacio en el que aprender y poder crecer musicalmente”. Impecable. A pesar de que a lo largo de su historia han estado en “Reunión Band” más de 80 músicos, con muchos conciertos a sus espaldas, Unexpected Paths, es el primer disco que graba.

El disco se registró en dos sesiones. En la primera, dirigida por Perico Sambeat en 2015, se grabaron los 9 primeros temas; en la segunda, casi un año después, el disco se terminó con la grabación de “Afroeclipse” y “Mambo Djambo”, bajo la dirección de Miguel Blanco. El trabajo de ambos directores se nota, ya que han sabido dotarle al grupo de una homogeneidad y una estructura compacta que así se manifiesta en esta decena de temas.

Se aprecia por tanto un gran trabajo en los arreglos, en la distribución de los solos, en los apoyos, muy importante en cada uno de ellos, aportando así su sello personal de una big band que es de las mejores que tenemos actualmente. El repertorio puede considerarse como un tanto ecléctico, haciendo un repaso a temas clásicos y originales.

“Unexpected Paths” abre el disco con un largo solo de saxo alto a cargo de Laurent Robino a mitad del tema. La pieza tiene mucho ritmo y colorido. Con gran trabajo de armonización y ensamblaje de la orquesta. Con “Speak no Evil” de Wayne Shorter los músicos hacen gala de cierto virtuosismo con el desarrollo de los metales. Jorge Castañeda hace un solo al piano extenso y con buen fraseo, y Mikel Urretagoyena a la batería acompaña con mucho sentido.

Cuatro de las piezas incluyen voz femenina, como el bolero “El día que me quieras”, el clásico de Carlos Gardel, que ofrece también otra manera de enfocar una big band con la voz de Lara Vizuete y el solo de trompeta de Diego Aragón. Una composición del trompetista Chris Kase, “Mistery Waltz”, con Natael Ramos a la trompeta y los solos de Pedro Núñez en la trompeta y Mikel Núñez al piano, y la voz de acompañamiento de Lara Vizuete. El estándar de Kurt Weill “Speak Low” con la voz de Kassandra Charalampi emotiva y el saxo tenor de Daniel Juárez, que sirve de contrapunto, con la sección rítmica empujando al resto de la banda. Noomi Higuchi canta en “Samba de una nota só” una pieza clásica del cancionero brasileño, con Milton Rodríguez a la guitarra, Roberto Nieva en el saxo alto y Daniel Juárez al saxo tenor.

Dos homenajes, uno a John Coltrane y otro a Dizzy Gillespie. El primero “Lonnie´s Lament”, donde el propio Perico Sambeat toca la flauta, junto a los solos de Antonio Tercero al trombón y Victor Vega a la trompeta que imponen un sello de calidad al tema El legendario “Con Alma” de Dizzy Gillespie, sirve para que se luzcan en bellos solos Perico Sambeat al saxo alto y Mikel Urretagoyena a la batería.

Los dos temas finales han sido compuestos y dirigidos por Miguel Blanco, ambos con referencia africanas. “Afroeclipse”, con solos de Daniel del Valle en la guitarra y Noel Sacristán al saxo tenor. Una pieza que se despega un poco de lo que hasta el momento hemos oído, más propio de los sonidos tradicionales de las big bands, acentuando más los sonidos africanos a través de la percusión. Por último, “Mambo Djambo” con los solos de Laurent Robino al saxo alto e Imanol Iribarren al trombón. Un tema de música pegadiza y hasta por momentos danzable.

El trabajo que se realiza en los conservatorios o en las escuelas de música que enseñan jazz no está suficientemente valorado a nivel nacional. Por ello, es siempre de agradecer que se produzcan proyectos de este tipo.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

 Reunion Big Band: Unexpected Paths

Músicos: Kassandra Charalampi (voz), Lara Vizuete (voz), Naomi Higuchi (voz), Laurent Robino (saxo alto), Pau Torres (saxo alto), Daniel Juárez (saxo tenor), Noel Sacristán (saxo tenor), Víctor Moreno (saxo barítono), Bruno Valle (trombón), Antonio Tercero (trombón), Jordi Arcusa (trombón), Imanol Iribarren (trombón bajo), Diego Aragón (trompeta), Santiago Fernández (trompeta) , Víctor Vega(trompeta), Pedro Núñez (trompeta), Milton Rodríguez (guitarra), Mikel Núñez (piano), Arturo Valero (contrabajo), Daniel Pozo (bajo eléctrico), César de Frías (batería) y Nerea Quincoces (congas, percusión).
Músicos invitados: Perico Sambeat (saxo alto, flauta), Natanael Ramos (trompeta), Luis Soler (trompeta), Roberto Nieva (saxo alto), Xalvat de Zaldua (guitarra), Jorge Castañeda (piano), Dario Guibert (contrabajo), Mikel Urretagoyena (batería), Asier Ardáiz (trompeta), Joan Gonga (trompeta), Alejandra Artiel (trompeta), Santiago Fernández(trompeta), Antonio Tercero (trombón), Imanol Iribarren (trombón), Jordi Arcusa (trombón), Nacho Soto (trombón bajo), Laurent Robino (saxo alto), Xabier Oruesagasti (saxo alto), Noel Sacristán (saxo tenor), Jon Zufiaurre (saxo tenor), Víctor Moreno (saxo barítono), Erik Niemietz (piano), Daniel del Valle (guitarra), Daniel García (bajo eléctrico), Nerea Quincoces (congas, percusión), Unai Olabarri (batería), Miguel Blanco (dirección) y Ana Fernández (flauta travesera, flauta alto).

Composiciones: “Unexpected Paths” (Miguel López)”,”Speak no Evil”(Wayne Shorter), “El día que me quieras”(Carlos Gardel y A. Le Pera), “Lonnie´s Lament”(John Coltrane), “Mistery Waltz”(Chris Kase), “Speak low” (Kurt Weil), “El abogado del diablo” (Carlos Sagi), “Con Alma” (Dizzy Gillepies), “Samba de uma nota só”(Tom Jobim y N. Mendoza), “Afroeclipse (Miguel Blanco)” y “Mambo Djambo (Miguel Blanco)”.

Grabado en dos sesiones. La primera los días 13 y 14 de junio de 2015 en los Estudios Tío Pepe de Urduliz (Vizcaya). La segunda el 22 de abril de 2016 en el auditorio del Centro Cultural de Lugaritz (San Sebastián).

Editado por Errabal Jazz en 2018




Rafa Redondo & Antonio del Caño [R.A.ZZ]: Miscelínea (Omix Records, 2019) [Grabación]

Por Julián Ruesga Bono.

Rafa Redondo, piano, y Antonio del Caño, contrabajo, son dos músicos cordobeses que acaban de publicar su primer y estimulante álbum, Miscelínea. Una nueva muestra de la energía y vitalidad que vive y genera la escena andaluza de jazz.

La escucha de Miscelínea, es una vivificante inmersión en la sonoridad mediterránea y sureña de ecos latinos, confluencia y mezcla de diferentes músicas que se cruzan o engarzan según el momento que los músicos transiten en el álbum: música clásica proveniente de su educación académica, el rock que han vivido como música generacional, el flamenco y la canción andaluza como entorno local próximo, y el jazz, la matriz sonora y contexto musical donde inscriben su música.

La colaboración y amistad entre los dos músicos viene de lejos, desde los años 90, cuando coincidieron en varios proyectos relacionados con el rock y el pop. A partir de 2012 se adentraron en el mundo del jazz y, desde ese momento, la colaboración entre ambos se ha ido haciendo más estrecha. Primero formando el trío Drumbassiano, junto al batería Alberto Serrano, más adelante dando vida al trío Flex a Tune, con el también batería José Luis León, y por último creando R.A.ZZ, acompañados del percusionista Javier Rabadán, un proyecto mucho más personal que les ha permitido trabajar y desarrollar sus propias composiciones y presentarlas en este álbum, Miscelínea. Además, Rafa Redondo y Antonio del Caño, están implicados desde hace varios años en la organización y gestión del Festival Nacional Jazzándaluz, de Priego de Córdoba, ciudad donde viven, que en el mes de agosto, durante un largo e intenso fin de semana de conciertos y actividades en torno al jazz, reúne a músicos de toda España en esta población de la sierra cordobesa.

El álbum no defrauda: composiciones imaginativas, sensibilidad, buenas ideas y saber hacer de ambos instrumentistas que se hacen acompañar de un grupo de músicos invitados que engarzan perfectamente con el tándem base. La maestría instrumental y compositiva de Rafa Redondo y Antonio del Caño, se crece y amplía en las intervenciones de estos músicos, que embellecen y densifican la sonoridad resultante, añadiendo nuevos timbres y texturas. La trompeta de David Pastor suena en tres temas, uno de ellos, “Los tilos”, es una energética composición de Rafa Redondo que abre el álbum –donde también intervienen David León, en la batería, y Matías López “El Mati”, al cante. “El Mati” aporta, en otros dos cortes más, una profunda y emocionante voz aflamencada, a caballo entre la saeta y la llamada del muecín, en “Floema” y en “El Naranjo de San Marcos”, dos composiciones en las que también sobresale la flauta de Sergio de Lope. Reseñar, además, el afilado saxo de Pedro Cortejosa en “Soleá serena”, en una atinada simbiosis con la batería de David León, el contrabajo de Antonio del Caño y el piano de Rafa Redondo –un tema tranquilo y reposado que permite a los músicos desplegar creatividad y belleza en sus solos. Otra intervención sobresaliente es la refulgente y electrizante guitarra solista de Isi Ruíz en “Sinergia”, el tema más fuerte y dinámico del álbum.

Todos los temas son composiciones de Rafa Redondo excepto dos firmados por Antonio del Caño, “Soleá serena”, y el cierre del álbum, “La Sonrisa de Sandra”, R.A.ZZ a solas: piano, contrabajo y la batería de Rafael Rabadán, un delicado y bello tema, perfecto final para un álbum rebosante de buenas ideas y mejor desarrollo. Flamenco, clásica, rock y resonancias latinas desde el ámbito del jazz, consiguiendo un resultado que está muy por encima de la suma de las partes que referencia. Otra magnífica muestra del jazz actual en Andalucía. Insisto: jazz de aquí, ahora.

Tomajazz: © Julián Ruesga Bono, 2019

Rafa Redondo & Antonio del Caño [R.A.ZZ]: Miscelínea 

Músicos: Rafa Redondo, piano; Antonio del Caño, contrabajo; Javier Rabadán, percusión; David Pastor, trompeta; Matías López “El Mati”, cante; Pedro Cortejosa, saxo; Isi Ruiz, guitarra; David León, batería y Sergio de Lope, flauta.

Temas: 1. “Los Tilos”, 2. “Calahonda”, 3. “Sinergia”, 4. “Soleá Serena”, 5. “El Naranjo de San Marcos”, 6. “Floema”, 7. “La Sonrisa de Sandra”.

Producción: Ximo Tébar & Razz. Grabado en Estudio Hanare de Córdoba. Ingeniero sonido: Lauren Serrano. Diseño Gráfico y Fotos: Rafa Calvo. Publicado el 6 de enero de 2019.




Antonio Lizana (Café Berlín, Madrid. 2019-02-08) [Concierto]

Por Cool Cat.

  • Fecha: viernes, 8 de febrero de 2019
  • Lugar: Café Berlín, Madrid
  • Grupo:
    Antonio Lizana

Antonio Lizana y la bahía de Madrid

El ritual de la gira cuenta con varios puntos álgidos para el músico. Suelen coincidir con su primera y última fecha. El artista necesita la aprobación del público. Se trata del primer juicio a las posibles nuevas canciones. La primera puesta en escena. Los nervios afloran de forma constante. Lo cual es normal y evitable con mayor o menor maestría. En estos momentos se aprecia la grandeza de las bandas. Ayuda que el respetable responda con una buena taquilla. Del mismo modo, contribuye de forma favorable una buena localización.

Todos los factores se dan en esta interesante velada. Antonio Lizana se presenta en el Café Berlín. Dos pases a las 21 y 23 horas. Llenos y con cálida aceptación ambos. El artista gaditano sale a escena en formato de quinteto. Piano, bajo eléctrico, batería y saxofón alto en lo instrumental. En lo vocal la presencia de acompañante y bailaor. Mawi de Cádiz, para más señas. Aúna lo mejor de los factores de esta ecuación musical. Bien podría apostar más por el flamenco con cajón o guitarra. Bien por el jazz.

Comienza el espectáculo con reseñable puntualidad. Antonio Lizana agradece la asistencia. Esta es una noche especial y así lo anuncia. Suena “La semilla”, tema presente en el disco Oriente. El saxofonista muestra su potencial desde las primeras notas. Una mezcla de flamenco y jazz orientada al accesible sonido pop. Su ejecución es correcta. Recuerda a cálidos intérpretes de alto como Oliver Nelson. Por otro lado, las claras alusiones al Jorge Pardo de Dolores o a Manolo Morales. Una rendición notable a las cadencias flamencas tan místicas y deliciosas.

Sigue “Tú déjalo estar”, del trabajo De viento. Antonio Lizana recoge los aplausos del público. Mawi deleita con vivaces taconeos. Los neófitos ríen y comentan ante lo exótico del baile flamenco. Enriquece y aporta al conjunto más allá de lo musical. Lo cual no es baladí. Referencias a Carles Benavent por parte del bajista. Momentos rítmicos y solistas a partes iguales con buen rumbo. El piano embriaga con aromas latinos. Todo ello comandado por un ritmo de metrónomo por parte del noble batería iraní. Mención especial al palmeo. Más ligadas estas al cachondeo del directo.

Lizana advierte de la publicación de un próximo trabajo de estudio. Más noticias a finales de año. Mientras tanto, toca una pieza presente en este. Se trata de la conocida copla “El garrotín”. Un clásico con abolengo de Manuel Torre o La Niña de los Peines. También del grupo Smash. Quizá la versión más tarareada. La fiesta flamenca se apodera del Café Berlín. Se suceden las palmas y las armonías de Mawi y el saxofonista. Demuestran un conocimiento del arte flamenco adaptado al siglo XXI. Poco purista, pero con gancho para los menos aficionados al sonido de la Bahía de Cádiz.

“Déjate sentir”, del debut Quimeras en el mar, es un buen ejemplo de sensibilidad pop. La rasgada voz de Antonio Lizana casa con creces en este contexto. Hay momentos de brillo por parte del pianista. El público sigue los estribillos y se muestra presto a la interacción con el saxofonista. El pop vuelve en el tema “Volar”, último del recital. Las influencias parecen proceder de los grupos noventeros que abanderaron el Nuevo flamenco. En cualquier caso, de agradable escucha.

Antonio Lizana se despide de Madrid. El ensayo general con este primer concierto está aprobado con nota. No será un adiós, por supuesto. El saxofonista recoge el testigo de leyendas que aunaron el flamenco y la fusión de estilos. Una carrera prometedora para anunciar la buena noticia. Para llevar el aroma del Malecón de la Tacita de Plata a cualquier parte. La Bahía de Madrid aguarda expectante el nuevo disco y posteriores conciertos.

Tomajazz: © Cool Cat, 2019




The Wrong Object: Into the Herd (An Off Records – Moonjune Records, 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Into the Herd es el último trabajo publicado por el grupo belga The Wrong Object. Atrás quedaron cuatro trabajos de envidiable calidad y personalidad estilística.

Compuesto por nueve piezas cuya autoría son mayoritariamente de su líder y guitarrista Michel Delville que a su vez es integrante de combos como Doubt y Machine Mass.

La pista de inicio “Into the Herd” nos envuelve con el mágico sonido del rock en oposición del legendario grupo Henry Cow y lo funde con naturalidad con “A Mercy” donde el recuerdo ahora es para Frank Zappa a través de la guitarra de Michel Delville que Antoine Guenet prolonga al piano eléctrico.

“Rumble Buzz” se ordena a la manera jazzy con sucesivos solos de Michel Delville, François Lourtie y Antoine Guenet obteniendo un sonido duro y enérgico pero sutil e inteligente.

“Another Thing” comienza con una sonoridad característica del RIO (Rock in Opposition) para adentrarse en el rock Canterbury personalizado en la figura de Antoine Guenet y compartida con la guitarra corrosiva de Michel Delville que da lugar a un juego entre los saxos interactivos e intensos de François Lourtie y Marti Melia.

De sonido menos cerebral pero a la manera de Hatfield And The North, National Health o incluso Gong es “Filmic” para lucimiento de François Lourtie o Pierre Mottet y sobre todo de Antoine Guenet. “Mango Juice” se prolonga lejano en el espacio gracias al sintetizador de Antoine Guenet, Michel Delville toma el relevo con acidez lisérgica y Marti Melia y François Lourtie pujan fuerte por el control final.

“Many Lives” tiene un comienzo tranquilo marcado por el piano acústico de Antoine Guenet pero se hace denso y reiterativo con los vientos de François Lourtie y Marti Melia con final sosegado; esa misma densidad se vuelve a manifestar en “Ship of Fools” con un mayor delirio enérgico y constantes cambios de ritmo que hacen de esta composición una de las más variadas y mejor estructuradas.

La importancia de Marti Melia y François Lourtie es decisiva para el devenir del álbum y se vuelve a manifestar en el cierre de Into the Herd,  con “Psithurism” una pieza “desquiciante” de sonido seco, duro y compacto.

Tomajazz: © Enrique Farelo, 2019

The Wrong Object: Into the Herd

Músicos: Michel Delville (Guitarra, Roland gr-09), Pierre Mottet (bajo), Marti Melia (saxos bajo y tenor, clarinete), François Lourtie (saxos tenor y soprano), Laurent Delchambre (Batería y percusión, Samples), Antoine Guenet (Teclados)

Composiciones: “Into the Herd”, “A Mercy”, “Rumble Buzz”, “Another Thing”, “Filmic”, “Mango Juice”, “Many Lives”, “Ship of Fools” y “Psithurism”.
Todas las composiciones de Michel Delville excepto “Rumble Buzz”, “Mango Juice” y “Psithurism” de Laurent Delchambre y “Many Lives” de Antoine Guenet

Grabado en el estudio 5 de Maxime Wathieu de Lieja.

Publicado por An Off Records – Moonjune Records, 2019




Albert Sanz & Javier Colina: Sampa (Youkali Music, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

El pianista Albert Sanz y el contrabajista Javier Colina, dos de los mejores músicos del jazz nacional, muestran su particular homenaje a la música brasileña con ocho temas del universo sonoro carioca extraído de composiciones de Chico Buarque, Caetano Veloso, Antonio Carlos Jobim o Vinicius de Moraes, entre otros.

De principio a fin el disco es una auténtica fiesta de sonidos y colores que pueden levantar cualquier decaimiento. Es muy difícil destacar algún tema porque, los amantes de la buena música quedarán plenamente satisfechos. En las interpretaciones están cuidados todos los detalles, desde los más intensos hasta los más sutiles.

Los sucesivos diálogos de Sanz y Colina demuestran una gran precisión y una compenetración digna de los mejores músicos. Desde el ambiente festivo que se respira en “Na carreira”, el lirismo de “Damais”, el acordeón que interpreta Colina en “No assento do onibus”, la belleza de “Valsa Brasileira”, la samba de “Luz negra” y por supuesto “Medo de amar”.

Sobresale la interpretación de Silvia Pérez Cruz en el tema que da título al disco, “Sampa” de Caetano Veloso, donde la voz de la cantante suena realmente especial en la pieza.

Un disco redondo a cargo de dos auténticos pesos pesados que han vuelto a demostrar, como ya lo hicieran antes, que no importa lo que se toque si se pone la calidad interpretativa y el sentimiento de complicidad que brilla a lo largo de todo el disco.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

 Albert Sanz & Javier Colina: Sampa (Youkali Music, 2018)

Músicos: Albert Sanz (piano) y Javier Colina (contrabajo y acordeón), con la colaboración de Silvia Pérez Cruz (voz).

Composiciones: “O velho Francisco (Chico Buarque)”, “Sampa (Caetano Veloso)”, “Na carreira (Edu Lobo/Chico Buarque)”, “Demais (Antonio Carlos Jobim/Aloysio de Oliveira)”, “No assento do onibus (Alessandro Penezzi)”, “Valsa Brasileira (Edu Lobo/Chico Buarque)”, “Luz negra (Nelson Cavaquinho/Amancio Cardoso)” y “Medo de amar (Vinicius de Moraes)”

Grabado el 5 y 6 de septiembre de 2017 en Oidale Estudio (Valencia).

Editado por Youkali Music en 2018




Urtarrijazz. Un enero de jazz local 2019 (Civivox San Jorge, Pamplona. 11 a 29 de enero de 2019) [Conciertos]

Por Pachi Tapiz.

Segunda edición de Urtarrijazz. Un enero de jazz local / Hemengo Jazzazz Beteriko Urtarrila

  • Lugar: Civivox San Jorge, Pamplona.
  • Fechas: Del 11 al 31 de enero de 2019.
  • Actividades:
    Conciertos
    Actuaciones a las 19:30. Entrada gratuita con invitación.
    11 de enero. J.E.L. Trío + Federico Lechner
    18 de enero. Txuma Flamarique Band
    25 de enero. Alberto Arteta: Laurok
    31 de enero. The Slang Trío + Darío Arciniega: Meets
    Charlas
    16 de enero. 19:30. Round Cifu. Por Antoni Juan Pastor
    21 de enero. 19:30. La vuelta al jazz en 80 nombres. Por Pachi Tapiz
    Otras actividades
    21 de enero. 18:30. Jazz y poesía (y gominolas y perretes) con diyeipetea

En 2018 los aficionados al jazz de Pamplona nos llevamos una gran alegría con la organización en Civivox San Jorge de la primera edición de “Urtarrijazz. Un enero de jazz local. En 2019 la alegría de que el ciclo continúe ha aumentado con su segunda edición. Además de la buena nueva que supone la continuidad de un ciclo de jazz en la capital del Viejo Reyno, en la edición de 2019 ha habido un concierto y una charla más, además de una nueva actividad. No hay que olvidar que a lo largo de los últimos años ha habido tres ciclos (Universijazz, Murajazz, Jazz en la Calle), que han desaparecido de la programación a pesar de llevar un buen número de años en activo, y de sus buenos resultados artísticos, de público o de ambos. A ello se une que la programación de Urtarrijazz continúa centrada exclusivamente en propuestas locales, con lo que es un magnífico escaparate para mostrar el buen estado actual del jazz en Navarra.

El cuarteto J.E.L. Trío + Federico Lechner fue el encargado de abrir esta edición de 2019. Una formación integrada por el trío formado por Javier López Jaso, Marcelo Escrich (ambos compañeros desde hace años en múltiples aventuras), y Daniel Lizarraga, a quienes se unió el pianista Federico Lechner. El cuarteto se estrenaba en directo con sendos conciertos en Logroño y Pamplona, algo que no se notó sobre el escenario, sino todo lo contrario.

Sin hacer concesiones a montar uno de esos bolos “aquí te pillo – aquí te mato” en base a unos cuantos standards, el grupo trenzó un repertorio compuesto por composiciones de Lechner (“Para Simón”, “Beboponga”, “Tangonk”, “Gringo”), y de la dupla López Jaso – Escrich (“Aporía”, “Aldrán”), a los que añadió un par de temas ajenos muy bien conocidos (el eterno “Libertango” de Astor Piazzolla con el que finalizaron el concierto, y el clásico “Que nadie sepa mi sufrir” popularizado en todo el mundo por la gran Edith Piaf, y en España por la dama de la canción que era María Dolores Pradera). La propuesta se movió (¡y muy bien!), por la fusión del jazz con el tango. Sin concesiones, el cuarteto transitó con naturalidad por un repertorio nada sencillo, en el que el piano de Lechner, el acordeón de Jaso, el contrabajo de Escrich y la batería de Lizarraga tuvieron espacio para explayarse en unos muy buenos solos, especialmente este último, que fue quien arrancó los aplausos más encendidos del público gracias a una espectacularidad que situó dentro de un comedimiento muy bien entendido.

 

La primera de las charlas, titulada Round Cifu, estuvo protagonizada por Antoni Juan Pastor, autor de la biografía Juan Claudio Cifuentes. Una vida de jazz, una vida con swing. En apenas una hora desgranó la vida del gran Cifu, que devino en animada conversación con el público asistente a la charla: a Cifu se le quiere, se le añora, y a nada que se rasque un poco en la superficie, es fácil que los aficionados compartamos vivencias relacionadas con una de las figuras esenciales dentro de la historia del jazz en nuestro país.

El segundo de los conciertos estuvo protagonizado por la banda liderada por el guitarrista Txuma Flamarique. La propuesta de este músico (a pesar de los problemas con uno de sus pedales que resolvió sobre el escenario y sin solución de continuidad), estuvo bordeando los terrenos del jazz rock, el jazz fusion, el rock, el rock progresivo y el blues en base a un repertorio propio que entusiasmó al público asistente al concierto con la segunda mayor afluencia del ciclo.

Fotografía por Nieves Tapiz

La actividad Jazz y poesía (y gominolas y perretes) con Diyeipetea, previa a la charla La vuelta al jazz en 80 nombres, se planteó (inicialmente y en teoría), como una mezcla de audición de jazz y poesía en forma de una conducción inversa en la que el público tenía que ser el encargado de ir dirigiendo con sus tarjetas a diyeipetea en la selección de los poemas y las músicas. A los asistentes le costó entrar en ese juego interactivo, aunque una buena señal de la aceptación de la propuesta fue que la gente permaneció en su sitio a lo largo de la hora que duró la actividad, y de que fueron unas cuantas las peticiones musicales que se quedaron sin atender.

La charla La vuelta al jazz en 80 mundos ha sido un gran reto para quien escribe estas líneas. Tras la idea de escoger un título con referencias literarias (la obvia a Julio Verne, y la menos conocida a Julio Cortázar, autor La vuelta al día en 80 mundos), la selección y organización de la charla ha sido un pequeño quebradero de cabeza: elegir 80 nombres, y para cada uno de ellos realizar un pequeño repaso a lo más importante de su figura, así como elegir un tema emblemático para exponerlo todo ello en menos de un minuto, es una tarea que me ha llevado un buen número de horas de preparación. En los ensayos en la intimidad del hogar, conseguí que la charla no superase los 90 minutos. Sin embargo, en vivo y en directo, la charla se extendió algo más de dos horas gracias a la inclusión de anotaciones no incluidas en el guión inicial. No obstante, una importante parte del público permaneció atenta hasta el final a ese repaso visual, oral y musical a la historia del jazz. Desde aquí mi agradecimiento tanto al público como especialmente a los empleados de gestionar Civivox San Jorge, que aguantaron estoicamente que terminase la charla.

El saxofonista Alberto Arteta presentó su nueva grabación Behar Bizia (Errabal Jazz), en el tercero de los conciertos de Urtarrijazz: tal y como comentó en el concierto, el día anterior había recibido el disco de fábrica. Sobre el escenario contó con Alejandro Mingot (guitarra), Kike Arza (contrabajo) y Daniel Lizarraga (batería), para dar forma a los temas incluidos en esa magnífica obra. A pesar de no contar con la presencia de Chris Kase, quinto músico participante en Behar Bizia, el cuarteto no tuvo problema alguno en hacer que composiciones de Arteta como “Aritz”, “Elur Bustia”, “Behar Bizia” o “Zortzikoa” brillaran como merecen en el concierto con mayor asistencia.

El último de los conciertos lo protagonizó el cuarteto formado por Slang Trío (Iñaki Rodríguez -saxos alto, tenor y barítono-, Luisa Brito -contrabajo- e Hilario Rodeiro -batería), y el saxofonista tenor Darío Arciniega. El repertorio fue una mezcla inusual de temas que incluyó composiciones propias de Iñaki Rodríguez, y clásicos de Donald Byrd, Jackie McLean, Gery Mulligan, y las duplas Warne Marsh – Lee Konitz y Al Cohn – Zoot Sims. Iñaki Rodríguez, que comenzó con el tenor, fue cambiando de saxos conforme lo requerían los saxofonistas homenajeados. La interacción de Arciniega y Rodríguez, que alcanzó puntos de gran intensidad, más que en la lucha de egos se basó en la concordia que supone disfrutar de un buen repertorio y una mejor compañía, ya que ambos estuvieron magníficamente apoyados por Luisa Brito e Hilario Rodeiro. La participación de un simpático espontáneo entusiasta al pie del escenario arengando al resto del público acerca de las múltiples bondades de la música en directo en general, y del jazz en particular, más un bis pedido con insistencia, pusieron punto final a la edición de 2019 de Urtarrijazz, un ciclo que en apenas un par de ediciones se ha convertido en una cita imprescindible del jazz en Pamplona.

Tomajazz: Texto y fotografías (salvo la indicada) por © Pachi Tapiz, 2019




Razones para el jazz. Ramón López [488]

Por Joan Cortès.

Un collage, incompleto, de la promiscuidad musical del baterista, percusionista, compositor instantáneo y pintor.

Tomajazz: texto y fotografía © Joan Cortès, 2019




Charlie Haden & Brad Mehldau: Long Ago and Far Away (Impulse!, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Charlie Haden, del que se cumplirán cinco años de su fallecimiento en el mes de julio, consideraba “My Love And I” de David Raskin uno de sus temas favoritos de todos los tiempos. Por eso lo eligió para incluirlo en el repertorio de una actuación en directo que tuvo lugar, junto al pianista Brad Mehldau, en noviembre de 2007 en la ciudad alemana de Mannheim.

Después de 11 años, la grabación de dicho concierto fue recuperada y editada en disco el año pasado. Para el contrabajista de Shenandoah (Iowa) se trata de un homenaje póstumo bien merecido por todo lo que ha significado para la historia del jazz.

La relación de Charlie Haden con Brad Mehldau se fraguó en 1997 cuando ambos y el saxofonista Lee Konitz, después de una actuación en directo, grabaron a trío para Blue Note el legendario disco Alone Together. La posterior grabación del trío con el batería Paul Motian en Live at Birland para ECM en 2009, terminó de asentar la conexión entre el contrabajista y el pianista.

Entre medias, en 2007, ambos músicos fueron invitados a participar en el Enjoy Jazz Festival de Heidelberg-Mannheim. Era la primera vez que iban a tocar a dúo y el concierto se celebró en una catedral de Mannheim. La actuación fue grabada y posteriormente escuchada por Charlie Haden, que era un gran amante de las interpretaciones a dúo (recordemos Beyond The Missoury Sky con Pat Metheny). Le gustó tanto el resultado que quería sacarla en algún momento, pero se fue posponiendo en el tiempo y ha visto la luz recientemente como Long Ago and Far Away.

Para el joven Melhdau contar con un mentor como Charlie Haden fue crucial en su carrera. Hasta el punto que Haden consideraba a Mehldau uno de los más importantes músicos de su generación debido a su voz única, su sabiduría musical y por tener muy claro hacia donde quería llevar el lenguaje del jazz.

En el disco se puede disfrutar plenamente de la interacción entre dos genios que plenamente se ponen  al servicio uno  del otro, sacando a la luz momentos de una gran belleza. Hay en la interpretación de los seis estandards que componen la grabación un preciso trabajo con las armonías, las improvisaciones  y los tempos.  Como si el tiempo no existiera y por tanto sin ninguna prisa, las notas van llenando los espacios a través de las diferentes conversaciones a dúo que se van sucediendo. Mehldau, con el tema de apertura “Au Privave”, se recrea en las formas parkerianas, prosigue con  un amplio uso de las pausas y un complejo discurso armónico y con diálogos en “My Old Flame” y “What’ll I Do”. El pianista deja espacios abiertos a Haden para acometer una versión a medio tempo de “Long Ago And Far Away” y en una atormentada y audaz “My Love And I”, que sin duda es el mejor tema del disco.

Con “Everything Happens To Me” culmina este encuentro de dos espíritus libres verdaderos, dispuestos a expresar su sabiduría musical con toda sinceridad.

Tal y como dice Ruth Cameron, que fue la mujer de Charlie Haden, “Charlie ya no está y esta grabación fue hecha hace mucho tiempo y muy lejos. Sin embargo, la música sigue siendo inmediata. La música es ahora.”

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

Charlie Haden & Brad Mehldau: Long Ago and Far Away (Impulse!, 2018)

Músicos: Brad Mehldau (piano) y Charlie Haden (contrabajo).

Composiciones: “Au Privave (Charlie Parker)”, “My Old Flame (Arthur Johnston)”, “What’ll I Do (Irving Berlin)”, “Long Ago And Far Away (Jerome Kern)”, “My Love And I (David Raksin)” y “Everything Happens To Me (Matt Dennis)”.

Grabado en directo el 5 de noviembre de 2007 en el Enjoy Jazz Festival, en la iglesia Christuskirche de Mannheim (Alemania).

Editado por Impulse Records en 2018.




Yagull: Yuna (Zozemusic, distribuido por Moonjune Records 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Haciendo un poco de historia a modo de resumen de la carrera de Yagull nos encontramos con el tercer trabajo del grupo. El primero llevó por título Films con Sasha Markovic e invitados; el segundo fue Kai con Sasha Markovic a las guitarras, bajo y percusión, y su esposa Kana Kamitsubo al piano más algunas colaboraciones; el tercero es éste Yuna en el que Sasha Markovic y Kana Kamitsubo se enfrentan a su egos más intimistas y delicados capaces de trasformar una pieza de rock duro como “Sabbath Bloody Sabbath” del grupo setentero Black Sabbath, en una pieza de sonido poético y suave como la brisa. Y donde “Searching for the Moon” es el basamento perfecto que marca estilo y define un trabajo de exquisita sensibilidad y belleza, alimento sonoro para recién nacidos.

“Dawn” es el aleteo de una mariposa que vuela de flor en flor; en “Muse” disfrutamos de la serenidad y la paz de la música tranquila para espíritus inquietos; “101” se debate entre una pieza para ballet y la pasión por la riqueza de matices que van desde el blues y la insinuación tanguera.

En “Fall Winter” nos topamos con la solemnidad y la elegancia que da paso a las pasionales e intensas aguas turbulentas de “Riverwas” que nos conducen a la feliz y encantadora “Mori (Forest Song)”.

La única pieza vocal viene de la voz de Ayumi Ueda en la composición que da título al álbum, “Yuna”; armonías vocales etéreas tan tiernas que podríamos estar escuchando una canción de cuna sin ser conscientes de ello. “Yuna” es la calma que precede a la “tormentosa” “Kiri”, con la que aparentemente se cierra el disco, (a tenor de lo reflejado en la carátula) sin embargo “Searching for the Moon” es el breve broche final de la versión inicial que se diluye tras el silencio.

Yuna es emoción, es encanto, es el lirismo a corazón abierto, es el enamoramiento que te hace vibrar, es la espiritualidad hecha verbo.

© Enrique Farelo, 2019

Yagull: Yuna (Zozemusic, distribuido por Moonjune Records 2019)

Músicos: Kana Kamitsubo (piano), Sasha Markovic (guitarra y mandolina), Ayumi Ueda (voz en “Yuna”).

Composiciones: “Searching for the Moon”, “Dawn”, “Sabbath Bloody Sabbath”, “Muse”, “101”, “Fall Winter”, “Riverwas”, “Mori (Forest Song)” ,“Yuna” y “Kiri”
Todas las composiciones de Sasha Markovic y Kana Kamitsubo excepto “Fall Winter” de Kana Kamitsubo y “Sabbath Bloody Sabbath” de Black Sabbath.

Grabado en Brooklin, N.Y. en el estudio Peter Karl y Douglass, Estudio Kostadin Kamchev y Mozart, Little Falls, NJ, A. Goto y A. Ongaku Do, Kobe (Japón) y Sasha Markovic Z estudios de N.Y.
Publicado por Zozemusic y distribuido por Moonjune Records.




Albert Cirera: Lisboa´s Work (Multikulti Project, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

El saxofonista catalán Albert Cirera es uno de los jóvenes valores de la música improvisada. A caballo entre Lisboa y Barcelona, Cirera es un músico siempre en ebullición para conseguir esos sonidos que satisfagan su mente inquieta. A través de los diferentes proyectos de los que forma parte, The Liquid Trio/Quintet junto a Ramon Prats y Agustí Fernández; Free Art Ensemble, Duot con Ramón Prats y Tres Tambors, el saxofonista catalán mantiene vivas sus inquietudes dando rienda suelta a sus ambiciones musicales.

Entre la vasta discografía que ya acumula, Albert Cirera ha grabado un nuevo disco Lisboa´s Work editado por el sello polaco Multikulti Project, dentro de su apartado “Spontaneus Music Tribune Series” que está dedicada íntegramente a la música improvisada.

La razón de por qué ha grabado en un sello polaco la explica Albert Cirera cuando, a raíz del disco Cròniques 2, que editó en el 2015 a dúo con el violonchelista polaco Ulrich Mitzlaff, un crítico polaco, Andrezj Novak, que consideró el disco como uno de los mejores del año, se puso en contacto con él. Desde ese momento se interesó cada vez más por la música improvisada en la península ibérica y le propuso grabar un disco en solitario para una nueva serie dedicada a la música improvisada.

Durante más de un año Albert Cirera ha estado dando conciertos a solo explorando y buscando los sonidos que más le satisfacían. En junio del 2017 se puso a grabar en su casa de Lisboa durante cinco días. Al final le salieron cinco horas de grabación y recurrió a su amigo Agustí Fernández, que le ayudó a hacer la selección como productor artístico.

Lisboa´s Work es una completa exploración del saxofón mediante la creación espontánea. Es un disco duro, en el que Albert Cirera experimenta y trata de buscar los límites sonoros del saxo. A lo largo de la escucha se experimentan varias sensaciones, tanto con el tenor y el soprano a los que hace modificar su sonido natural utilizando todo tipo de recursos.

Nada mejor que las palabras de Agustí Fernández para definir lo que Lisboa´s Work representa: “Este disco se mueve en la tradición de los mejores saxofonistas actuales. En la línea que primero abrió Evan Parker y después John Butcher, y que han continuado todos los saxofonistas desde Torben Snekkestad a Christine Abdelnour. Es este el camino que explora Albert Cirera en su primer disco en solitario. Un disco destinado a hacer historia en la música instrumental de este país, por su novedad, singularidad, atrevimiento y apertura de nuevos caminos”.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

Albert Cirera: Lisboa´s Work

Músico: Albert Cirera (saxo tenor, saxo soprano y saxo preparado).

Composiciones: “Bellvitge´s pigeons”, “Nordic Erasmus”, “Into the basement”, “Outta the basement”, “Young kitchen”, “Biologic percussion walls”, “Last effort”, “Lisbon oneiric´book”, “Drawing tubes”, “Can Ram path” y “Bet on tomorrow”.
Todos los temas compuestos por Albert Cirera.

Grabado en junio de 2017 en Lisboa

Editado por Multikulti Project en 2018




John Coltrane: 1963: New Directions (Impulse!, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Para John Coltrane el año 1963 fue uno de los más activos de su meteórica carrera profesional. En esas fechas dos sellos discográficos editaban sus temas, independientemente del día y año de grabación, Prestige e Impulse! Pero, como es conocido, en los últimos años hasta su muerte en 1967, el saxofonista de Richmond grabó sus temas para el sello Impulse! A excepción de A Love Supreme, Ascension y Meditations, o los que grabó con Duke Ellington y Johnny Hartman, Coltrane nunca publicó en vida un disco grabado en una única sesión para el mencionado sello, ya que siempre le gustaba encontrar su disco ideal a través de temas registrados en diversas tomas y fechas, incluso fusionando grabaciones en estudio y en directo. Para ello gozaba de una total independencia de la que se hacía valer, que a veces no era del total agrado de los directivos, aunque la cuenta de resultados dio con el tiempo la razón al saxofonista. Si hay un músico capaz de hacer sombra a Miles Davis en cuanto a venta de discos en la historia del jazz, ese es John Coltrane. La prueba la tenemos en la cantidad de reediciones, nuevas grabaciones y descubrimientos que se llevan editados, sin duda con cierto interés de negocio. Pero, al mismo tiempo, la importancia testimonial de estos discos para el gran aficionado está fuera de toda duda. En ellos se recogen momentos en los que al saxofonista le gustaba experimentar, adentrarse por nuevas sendas sonoras, poner en marcha ideas y sobre todo manifestarse en plena libertad. Y un buen reflejo de todo ello se encuentra en dichas grabaciones.

Está claro que el mejor disco lanzado por Impulse! en el 2018 fue Both Directions at Once: The Lost Album, selección de grabaciones de John Coltrane realizadas en 1963 en los estudios de Rudy Van Gelder o en actuaciones en directo.

Pero no contentos con el lanzamiento de esta auténtica reliquia, Impulse! nos propone también 1963: New Directions un triple CD formado por una selección de grabaciones recogidas de los CD Both Directions at Once: The Lost Album, John Coltrane and Johnny Hartman, Dear Old Stockholm, Newport ‘63 y Live at Birdland. Todos los registros realizados en 1963, año que supone un punto de transición entre sus grabaciones del pasado y del futuro de su trayectoria.

En ese tiempo Coltrane se movía en muchas direcciones, miraba hacia atrás, continuaba examinando su repertorio más habitual y llevaba a cabo una exploración de los formatos más tradicionales con la mirada puesta en composiciones y aproximaciones a lo que supondría una nueva mirada en el jazz.

Así, en 1963: New Directions podemos encontrar en el primer disco todas grabaciones realizadas en el estudio de Rudy Van Gelder por su clásico cuarteto en marzo de 1963: McCoy Tyner al piano, Jimmy Garrison, al contrabajo y Elvin Jones a la batería. En el segundo CD, el cuarteto se hace acompañar por la voz de Johnny Hartman, grabación de abril de ese año y disco que tuvo una gran acogida comercial. Aquí se incluye también un tema, “Dear Old Stockholm”, en el que Elvin Jones es sustituido por Roy Haynes en la batería, que también participa en las versiones de “My Favorite Things” e “Impressions” en el CD tres. Los tres están registrados en el Festival de Jazz de Newport.

“The Promise”, “I Want to Talk About You”, y “Afro Blue”, son las piezas grabadas en directo por el cuarteto habitual de Coltrane en el club Birland, contenidas en el tercer disco.

La inclusión de diferentes tomas es algo que ya no le pilla de sorpresa a cualquier buen aficionado, ya que siempre es posible apreciar nuevas aportaciones lo que le otorga un carácter especial al tema, que así puede ser sometido a valoraciones subjetivas.

Lo interesante de este triple disco es que aporta nuevamente trabajos de Coltrane en estado puro, justificando en todo momento por qué forma parte del reino de los dioses del jazz. Todos los temas se pueden disfrutar con una calidad de grabación espectacular. Entregados a la música de Coltrane, solamente nos queda esperar que nos sorprendan con algún nuevo descubrimiento. Los amantes del jazz siempre lo vamos a agradecer.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

John Coltrane: 1963: New Directions

Músicos: John Coltrane (saxo tenor y soprano), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (contrabajo), Elvin Jones (batería), Roy Haynes (batería) y Johnny Hartman (voz).

Composiciones:

CD 1: “Vilia (Take 3)”,”Vilia (Take 5)”,”Untitled Original 11383″,”Nature Boy”, “Impressions (Take 1)”,”Impressions (Take 2)”,”Impressions (Take 3)”,”Impressions (Take 4)”,”Untitled Original 11386 (Take 1)”,”Untitled Original 11386 (Take 2)”, “Untitled Original 11386 (Take 5)”,”One Up, One Down (Take 1) y “One Up, One Down (Take 5)”.

CD 2: “Slow Blues”, “They Say It’s Wonderful”, “Lush Life”, “My One and Only Love”, “Autumn”, “Serenade”, “Dedicated to You”, “You Are Too Beautiful”, “After the Rain”, “Dear Old Stockholm” y “I Want to Talk About You”.

CD 3: “My Favorite Things”, “Impressions”, “The Promise”, “I Want to Talk About You”, “Afro Blue”, “Your Lady” y “Alabama”.

Grabado por Rudy Van Gelder en Van Velder Studio los días 6 y 7 de marzo, 29 de abril y 18 de noviembre de 1963 en Englewood Cliffs (Nueva Jersey).

Grabado en directo el 7 de julio de 1963 en el Newport Jazz Festival y el 8 de octubre de 1963 en el Birland de Nueva York.

Editado en 2018 por Impulse! Records




Abe Rábade Trío (JazzCírculo, Madrid. 2019-01-18) [Concierto]

Por Carlos Lara y Francisco Pizzorno.

  • Fecha: 18 de enero de 2019
  • Lugar: La Pecera del Círculo de Bellas Artes de Madrid
  • Grupo:
    Abe Rábade Trío
    Abe Rábade: piano
    Pablo Martín Caminero: contrabajo
    Bruno Pedroso: batería

El pianista gallego Abe Rábade ha editado recientemente su duodécimo trabajo con el trío con el que, desde hace 10 años, está labrándose una trayectoria profesional impresionante. La mente inquieta de Abe Rábabe le lleva a abordar siempre nuevos proyectos. Así, se puede embarcar en una actuación a dúo junto al guitarrista Rale Micic y triunfar en el escenario del Carnegie Hall de Nueva York, pero el trío es para Abe como volver a sentir el calor del hogar.

Ya se ha convertido en habitual que el trío presente sus nuevos discos en el Círculo de Bellas Artes, y en el caso de Doravante, el último, no podía ser menos. Lo ha hecho en la sala de columnas, en la azotea y ahora tocaba en la Pecera.

Si Zigurat, álbum del 2010, puede considerarse como el comienzo del éxito del trío, Doravante (expresión portuguesa que quiere decir `de ahora en adelante´) sigue recogiendo las señas de identidad del grupo. No abandona la ortodoxia ni el eclecticismo abierto que le caracteriza, pero, según dice Abe, asume mayor riesgo y experimentación. Como le gusta señalar a Abe Rábade, en todas las entrevistas, siguiendo a Duke Ellington solo existe la buena o la mala música. Partiendo de ahí, Abe compone y elige los temas que serán readaptados a la filosofía del trío. En este nuevo trabajo que ha presentado en el Círculo de Bellas Artes se recogían cinco composiciones originales, dos versiones de canciones populares gallegas, dos standards y un clásico de la música cubana.

Con los primeros acordes del tema que da título al álbum, “Doravante”, se pusieron en acción el piano y el contrabajo. Se suceden los fraseos cortos que dan paso a una mayor intensidad. El dúo piano y contrabajo funciona, con la batería acompañando a la perfección. La pieza muestra un equilibrio entre momentos lentos y otros más desatados. Se mantiene en un continuo avance intenso con mucha energía hasta el final. Este tema supuso un contraste en relación con “O Paxaro cando Chove”, la primera pieza popular gallega donde el contrabajista Pablo Martín Caminero se convierte en protagonista lanzando notas poéticas. El trío se pone en marcha con improvisaciones. Hay un break del contrabajo y el piano se lanza a campo abierto con claridad y luminosidad.

Siguiendo la serie de anteriores trabajos, llegó el turno para “Tránsito Nº 6: Wheele of Hope” en el que Bruno Pedroso empieza a cocinar a fuego lento, el piano remarca las notas lentamente y dibuja un paisaje muy sugerente lírico. Una bella melodía sirve para que el tema se incursione en una mayor intensidad, el contrabajo y la batería acentúan y matizan al pianista en todo momento como si lo arroparan. El piano de Abe Rábade nos mece como si nos protegiera y nos da seguridad.

En un plano más experimental “10 contra 9”, comienza con un piano muy suave y lírico con el contrabajo y la batería apoyando en esa tarea. Sinuosamente. Abe Rábade nos va introduciendo en un terreno más complejo, con cambios de registro y manteniendo la tensión en todo momento. De nuevo un largo solo de Pablo Martín Caminero muy acertado da paso al piano. Unas notas muy lentas con ligeros toques de batería marcan el inicio de “Estación do Silencio”. El piano de Abe Rábade escribe música como un poeta toca poesía. Eso es lo que hace Abe Rábade, tocar música como se escribe poesía. Pinta un cuadro con aroma melancólico, mientras Pablo Martín al contrabajo remata los versos incrementando la belleza.

Se acaba la primera parte del concierto. Caras de satisfacción entre el público, que se vuelven cómplices cuando reconocen las notas de “Hasta siempre comandante”, de Carlos Puebla. Los acordes de la melodía sirven de muy buena excusa para acometer buenas improvisaciones a lo largo del tema. Un gran solo de contrabajo a mitad de la pieza sirve de nexo de unión con el pianista, que interpreta de nuevo la melodía como si fuera cabalgando con el piano.

Cambio de rumbo y con “Alalá das Mariñas”, canción tradicional gallega, la lírica se apropia de todo el tema. Las improvisaciones se van imponiendo de una manera prodigiosa, con una nueva interpretación del solo del contrabajo otra vez muy oportuna. Los tiempos de intervención de los músicos están perfectamente equilibrados, algo que se puede hacer extensivo a todo el concierto.

Sin dar tregua llega “Wide One”, donde Pablo Martín Caminero con el arco y Abe Rábade al piano dan vida a esta pieza extensa, en la que se impone la melodía que crece a medida que el tema coge cuerpo y va evolucionando de una manera casi sin control, hasta que se retoma de nuevo la senda de la improvisación.

Para finalizar dos versiones se sendos standards, faceta esta tan querida por Abe Rábade como ya demostrara en el disco “Versons” (2013). El primero, “In Love in Vain” de Jerome Kern interpretado a medio tempo, con fraseos emotivos y de suave balanceo. Una pieza casi para bailar en pareja. Un nuevo solo de Pablo Martín Caminero suena a gloria pura. El piano se apropia otra vez del tema central complementado por el contrabajo y la batería. El segundo standard, compuesto por Cole Porter, “Just One of those things”, con un piano alegre y de carácter festivo es interpretado con una celeridad contenida que da paso a una improvisación medida con fraseos cortos de manera enérgica. El contrabajo y la batería se aceleran con el pianista creando así una atmósfera intensa hasta el final.

A lo largo de la última década Abe Rábade, junto a Pablo Martín Caminero y Bruno Pedroso han creado su propio ente musical, en el que la expresividad jazzística va más allá de una reunión de tres músicos con química personal. Se une también la interpretativa tanto en disco como en directo. Llegados a este punto la madurez del trío ha alcanzado un nivel como pocos grupos pueden demostrar. Sencillamente, ya no tiene nada que demostrar, porque es tal su nivel de complicidad y entendimiento que es difícil superar los resultados que año a año consigue este gran trío.

Texto: Carlos Lara, 2019
Fotos: Francisco Pizzorno, 2019




Razones para el jazz. Masterpieces by Ellington (Duke Ellington, 1950) [487]

Por Julián Ruesga Bono.

Ellington ya llevaba 25 años grabando cuando publicó este disco. Fue el primer LP que publicó y la primera vez que su banda podía mostrar en disco lo que tocaban en concierto sin reducirlo al estándar de tres minutos propio de los discos de 78 rpm. Aprovechando los nuevos 33 1/3 rpm, que permitían grabar y publicar piezas más largas, Ellington elabora unos arreglos que otorgan nueva vida a temas ya conocidos, haciéndolos sonar de forma diferente, las nuevas orquestaciones les infunde otra identidad sonora.

El álbum está compuesto por versiones extendidas y modernizadas de temas originalmente estrenados a principios de los años 30 –sólo “The Tattooed Bride” era una composición reciente cuando se grabó el disco. Masterpieces es uno de los más celebrados discos de Ellington, una experiencia sonora que confirma al músico en el lugar que ocupa en el Olimpo histórico del jazz. Resaltar del álbum la voz de Yvonne Lanauze en “Mood Indigo” y “Solitude” y la intensidad con la que los solistas tocan en “The Tattooed Bride”.

Esta edición en CD añade a las cuatro piezas del LP original, tres temas adicionales. Todas las grabaciones están remasterizadas para esta edición.

Tomajazz: © Julián Ruesga Bono, 2019

Artista: Duke Ellington
Album: Masterpieces by Ellington
Discográfica: Columbia / Legacy
Grabación: 1950
Publicación original: 1951
Publicación edición remasterizada: 2004

Temas:

  1. “Mood Indigo” (15:28)
  2. “Sophisticated Lady” (11:29)
  3. “The Tattooed Bride” (11:44)
  4. “Solitude” (8:26)

Bonus tracks:

  1. “Vagabonds” (3:11)
  2. “Smada” (2:48)
  3. “Rock-Skippin’ At The Blue Note” (2:27)

Personal: Duke Ellington, Billy Strayhorn: piano; Cat Anderson (pistas 1-4, 6 y 7), Shorty Baker, Mercer Ellington (pistas 1-4), Fats Ford (pistas 1-4), Ray Nance, Nelson Williams: trompeta; Lawrence Brown (pistas 1-4), Tyree Glenn (pistas 1-4), Quentin Jackson, Britt Woodman (pistas 5-7): trombón; Jimmy Hamilton: clarinete, saxofón tenor; Johnny Hodges (pistas 1-4), Willie Smith (pistas 5-7): saxofón alto; Russell Procope: saxofón alto, clarinete; Paul Gonsalves: saxofon tenor; Harry Carney: saxofón barítono, clarinete bajo (pista 2), Wendell Marshall: bajo; Sonny Greer (pistas 1-4), Louis Bellson (pistas 5-7): batería; Yvonne Lanauze: voz.